Escritoras & Pensadoras Europeas

Concha Zardoya (1914 - 2004)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Sat, 17 Nov 2007 19:45:02 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Concha Zardoya González ha sido una importante poetisa, escritora y crítica literaria hispano-chilena. Esta etiqueta inusual permite dar cuenta de las dos integrantes de su historia personal, la chilena, país donde nació y creció, y la española, el país de la familia, país de su juventud y país al que está relacionada toda su historia.
Nació, primera de dos hijos (Alfonso Juan se llamaba su hermano, menor que ella un año y medio) el 14 de noviembre de 1914 en Valparaíso (Chile) de padre vasco-navarro y de madre santanderina; aunque fuera cántabra, su madre había crecido en Barcelona, y curiosamente solía hablar a la pequeña Concha en catalán.
Nuestra escritora vivió y se educó en Chile hasta 1932; estudió en el Liceo n. 2 de Valparaíso y obtuvo su primer título de estudio en «Humanidades». A los diecisiete años se trasladó con su familia a España, viviendo un tiempo en Zaragoza, desde donde posteriormente se trasladaron a Barcelona; en la ciudad catalana Concha trabajaba en un taller pintando lámparas y muebles antiguos. Por fin toda la familia se fue a vivir a Madrid.
En la capital se matriculó en la Universidad de Madrid en la facultad de Filosofía y Letras, aquí estuvo frecuentando los cursos desde 1934 a 1936; para ganarse un dinero pasaba a máquina los borradores de Gabriela Mistral y daba clases particulares. Los años de la Universidad fueron años ricos de estímulos culturales, en los que disfrutó de la lección de autoridades como Américo Castro, Salinas y Ortega y Gasset, entre otros. Durante la época de la Guerra Civil, es decir, de 1936 a 1939, Concha vivió en Valencia, aquí asistió a un curso de Bibliotecarios en la Universidad, curso en el que enseñaba Dámaso Alonso. En esta ciudad levantina empezó a trabajar dependiente del Ministerio de Educación Pública del gobierno republicano; estaba en «Cultura Popular», desempeñando múltiples funciones. Fue también encargada de la Emisión Radiofónica a donde llevó a Miguel Hernández para que leyera unos poemas suyos. Durante la guerra su único hermano murió y este evento trágico contribuyó a despertar en ella la vocación poética. Poco a poco, a través de José María Quiroga Pla, Zardoya iba publicando sus poemas en «Hora de España», revista de la cual era secretaria en aquel entonces María Zambrano; sus primeros textos sacados a la luz fueron �€�Antiguos camaradas�€� (Elegía) y �€�Ritual del pan�€� (Violencia del duelo).
En mayo de 1939 regresó a Madrid, donde se estableció y vivió de la costura, de hacer copias a máquina y de las traducciones; posteriormente ejerció la enseñanza, primero educando a los niños en el Colegio Ibérico, y más tarde impartiendo clases de literatura en el colegio Athenea de Madrid. Efectivamente había conseguido reanudar sus estudios como estudiante libre, hecho que le permitió licenciarse en Filología Moderna en 1947. Entre 1945-1946 tradujo del inglés a Walt Whitman y esto le abrió la puerta de los Estados Unidos adonde le invitaron para dar una conferencia, aunque siguió viviendo en España. En la post-guerra escribió Cuentos del antiguo Nilo, y se dedicó también a hacer guiones de cine, prólogos de obras clásicas, y a las series de Lecturas juveniles bajo el seudónimo Concha de Salamanca. Su primer libro de poesía remonta a esos años, Pájaros del Nuevo Mundo fue publicado en 1946; al año siguiente salió Dominio del llanto, y un tiempo después La hermosura sencilla y Los signos, obra que obtuvo un accésit del Premio Ifach.
En 1948 se trasladó a los Estados Unidos impartiendo clases de Literatura Española en la Illinois University como Visiting Instructor, aquí también se doctoró con la tesis España en la poesía americana. Más tarde trabajó como profesora de español en las universidades de Yale, Tulane de New Orleans, en la University of California, en la Indiana University, en el Barnadr College-Columbia University de New York, en Bloomington, y por último en University of Massachusetts et Boston. En esos años iba componiendo su valiosa aportación crítica sobre la literatura española, dedicándose con particular interés a los autores del siglo XX y a la vez seguía escribiendo versos y publicando sus colecciones de poesía. En 1955 obtuvo el Premio Boscán de Poesía por Debajo de la luz; en 1975 el Premio Fémina de Poesía por la obra El corazón y la sombra.
Su regreso definitivo a España data de 1977: regresó a vivir a Madrid, ciudad en la que escribió la mayor parte de sus obras. Su labor poética iba adquiriendo siempre más prestigio y atención atestiguada por la entrega de importantes reconocimientos: en 1980 se le entregaba el Premio Café Marfil de Poesía, en 1983 obtuvo el Premio �"pera �"ptima con Manhattan y otras latitudes, en 1988 recibía el Premio Prometeo de Poesía. Su última obra publicada fecha de 2003; al año siguiente, falleció el 22 de abril de 2004 en Majadahonda (Madrid), tenía 89 años.

María Zambrano (1904 - 1991)

mercedesgaf@telefonica.net (Mercedes Gómez Arcos) — Sun, 11 May 2008 15:59:50 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Castellano

Para la Historia de la Filosofía nació en 1930, fecha en la que puso por escrito sus inquietudes políticas y vivencias: publicó su primer libro "Horizontes del liberalismo". Había nacido en Vélez Málaga en 22 de abril de 1904. Después sus padres, ambos maestros, se trasladaron a Madrid y Segovia.

Entre los años 1924-1927 realiza su formación en Filosofía con maestros como Ortega y Gasset, García Morente y Zubiri. Es nombrada profesora auxiliar de metafísica en la Universidad Central pero no es suficiente y compatibiliza sus clases con sus inquietudes políticas: funda el movimiento denominado Frente Universitario Español (FUE). Siglas que podían confundirse con el movimiento liderado por José Antonio Primo de Rivera. No quería malentendidos y el movimiento se disolvió. Eran los años 1931-1932.

Empieza una etapa de colaboración con revistas: Revista de Occidente, Cruz y Raya y Hora de España. Y a relacionarse con jóvenes creadores de la Generación el 27, ente otros, Bergamin, Luis Cernuda, Jorge Guillén, Rafael Dieste, Emilio Prados, Miguel Hernandez. En 1936 sale pro primera vez de españa, después de su boda con Alfonso Rodríguez Aldave, secretario de la Embajada de España en Santiago de Chile, viaja, entre otros lugares, a La Habana. No le dura mucho esta situación pues en 1937 vuelven a españa para defender la causa republicana. Perdida esta causa, María Zambrano se exilia de España el 25 de enero de 1939.

Como todos los exilios es búsqueda y anhelo. Recorre países, primero Paris, después México, La Habana, Puerto Rico. Da clases en Universidades, conoce personas y, sobre todo escribirá.

En 1948 vuelve a París reclamada por acontecimientos familiares: Su querida hermana Araceli está al borde de la locura después de haber vivido situaciones límite a causa de los nazis. Desde este momento estarán siempre juntas las dos hermanas y emprenderán un nuevo viaje a La Habana ya que María Zambrano, en este año, se separará de su marido.

En 1953 dejan el continente americano y se instalan en Roma. Son años de una cierta estabilidad y de gran producción filosófica aunque no exenta de carencia, sobre todo económicas.

En 1964 salen de Roma para instalarse en Suiza. Muere su hermana Araceli en 1972 y en su retiro de La Pìace escribe libros entre filosóficos y místicos. Después Ginebra. Son años difíciles para María Zambrano pues su salud se resiente y retrasa su anhelado regreso a España, esa España que ya la reconoce como una gran pensadora: en 1981 se le otorga el Premio Principe de Asturias y en 1988 el premio Cervante de Literatura y Humanidades. Regrasaría y se instalaría en Madrid en 1984. Fueron años de intensa actividad con contactos tanto de instituciones como de intelectuales. Y seguirá escribiendo. Fallece en esta capital española el 6 de febrero de 1991.

María Zambrano (1904 - 1991)

fgdibe@hotmail.com (Filippo Giuseppe Di Bennardo) — Sun, 22 Feb 2009 19:55:13 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: español

MARÍA ZAMBRANO

María Zambrano Rodríguez nasce nella profonda Andalusia (Vélez - Malaga) all�inizio del secolo scorso e precisamente nel 1904. Nel 1924 si stabilisce con la sua famiglia a Madrid. Si laurea in Filosofia e Lettere e in quest�occasione si avvicina al pensiero di Ortega y Gasset di cui fu discepola, e al contempo si avvicina al lungimirante ed ancora troppo poco conosciuto Zubiri, a García Morente, Julián Besteiro e sempre in questi anni prende parte ai movimenti studenteschi e comincia a collaborare dal 1928 in vari periodici.Anche se in tutta la vita ha cercato di discostarsi dal pensiero del suo maestro, é discepola entusiasta e convinta di Ortega y Gasset come di Zubiri e Morente. Ortega non solamente le imprime il marchio dell�autenticità del vero filosofo, ma ancor più dota il suo pensiero di un orizzonte ed un paesaggio, di un contenuto; spesso e volentieri il pensare della Zambrano è permeato, perché assimilato, del pensiero del suo maestro (come lei sovente lo definisce). La �ragione vitale� indubbiamente sottostà alla �ragione poetica� che si presenta come metodo di pensiero e di scrittura a partire dai presupposti di Ortega della critica al razionalismo. Allo stesso modo è figlia del suo tempo e permeata della realtà storico politico filosofica del momento. Troviamo quindi nel pensare della filosofa, pur considerando il debole marcato verso il pensiero greco, tracce del pensiero esistenzialista, della filosofia fenomenologica e soprattutto, come è naturale, della filosofia vitalista. E non possiamo non menzionare qui l��amicizia� che la lega al pensiero etico e metafisico di Spinoza, così vicino alla sua forma di sentire la vita.

Nel 1931 viene nominata, e comincia così la sua attività professionale, come docente ausiliare di Metafisica dell�Università di Filosofia di Madrid, e nel 1932 sostituisce a Xavier Zubiri. Si sposa nel settembre del 1936 con Alfonso Rodrìguez e con il marito si porta in Cile nel periodo della Repubblica; torna in Spagna durante la Guerra Civile. Da qui parte per l�esilio nel 1939. Un esilio di quasi mezzo secolo che segnerà il pensiero, l�anima, il cuore della filosofa. Lascia la terra natia lasciando tutto anche il tesoro più grande: una cassa con gli appunti delle lezioni di Ortega e Zubiri. Esercita la docenza in Messico, Cuba, Puerto Rico; si impone via via sempre più chiaramente nella Zambrano la necessità di rispondere a quanto lei stessa denomina come la "ragione poetica": una ragione che possa esplicitare la ricezione vitale degli eventi della persona e che si elabora con la parola, una ragione sempre "nascente". Nel 1964 si trasferisce in Francia e nel 1978, passando per un breve soggiorno in Italia, fissa la sua residenza a Ginevra. Nel 1984 ritorna definitivamente in Spagna, a Madrid, dove nel 1988 le si concede il Premio Cervantes di Letteratura (la prima donna ad ottenere tale premio) e dove vive fino al 1991.

Senz�altro Maurits Cornelis Escher ci aiuta ad avvicinarci e ad entrare nella scrittura dell�autrice quando ci confida:

"Se sapeste ciò che ho visto nell�oscurità della notte... A volte sono quasi impazzito a causa del dolore provocato dal non poter riprodurre quanto visto. Comparato ad esso, ogni disegno è un fallimento che non fa permeare nemmeno una frazione di ciò che sarebbe dovuto essere stato scritto".

Il mondo della Zambrano è un mondo ampio, luminoso e quanto da lei contemplato insieme al desiderio che l�autrice ha di comunicarlo, è così vasto che l�autrice riesce a donarlo con una scrittura che acquisisce caratteristiche peculiari. Non è una scrittura ricercata, rimbombante di colta fraseologia, una scrittura bensì semplice, stilata di getto, non ricontrollata, sempre basata sui temi fondamenti che la Zambrano in tutta la sua vita ha cercato di chiarire, così come può fare l�uomo nel complesso mondo del logos; così come fa una persona, una pensatrice, quando cerca di farsi luce nell�esperienza umana e cerca di cacciare, a piene mani, la nebbia davanti a sé.

Questa scrittura senz�altro può generare problemi a volte di comprensione. Testi scritti quasi di getto, senza una vera e propria rielaborazione dell�autrice. Testi che per questo hanno quasi la freschezza della relazione dialogica, ma come altra parte della medaglia, allo stesso tempo, risultano a volte senza una vera e propria strutturazione stilistica. Una Zambrano quindi che, nell�affanno della comunicazione oltre ad utilizzare frequentemente nei suoi scritti in forma inadeguata la �j� o la �g� , non tanto come una forma ricercata o voluta, ma come frutto di una certa mancanza di attenzione e di una certa fretta nella scrittura, presenta anche una costante carenza di correzione dei suoi testi.

Questa una possibile chiave di lettura, in concordanza con la sua vita, con la sua esperienza e ricerca: ciò che vuole comunicare l�autrice, il desiderio di comunicazione, è così �ampio� che se da una parte ogni singola parola dei suoi testi è certa, ha un chiaro obbiettivo ed una sicura causa, d�atra parte il suo logos é difficilmente riconducibile a testi fissi (senza correre il rischio di ridurre il pensiero soggiacente) così che l�autrice stessa pone, nelle sue frasi, incisi che prevedono cambi di soggetto non chiaramente segnati, o incisi che non si capisce esattamente dove finiscono, o incisi che si aprono ad altri incisi... Da ciò la difficoltà, a volte, di seguire il testo nella sua tematica principale. Insieme a tutto ciò occorre anche aggiungere che la punteggiatura della scrittura della Zambrano è alquanto originale e personale. La weltaschauung della Zambrano è tale da non permettere all�autrice facili riduzioni e quindi a volte troviamo concetti che appaiono solo �abbozzati� non definiti completamente.

Nel 1939, come abbiamo appena detto, inizia un esilio che la porterà prima a Parigi, poi a New York, L�Avana, Puerto Rico, nuovamente Parigi (1946-1949) e L�Avana (1949-1953), infine Roma (1953-1964); dal 1964 al 1977 sarà a La Pièce sul lago di Ginevra e infine nel 1984 rientra in Spagna ove la sua opera comincia a essere diffusa e amata; ma sarà anche il tempo della libertà e della conquista intellettuale, con una fedeltà ai classici (Seneca, 1998, Agostino: La confessione come genere letterario, 1997) pari all�ascolto dei contemporanei: Machado, Cioran, Octavio Paz, ma su tutti Ortega: "Ortega usava spesso, a lezione, la metafora della rete per parlare della ragione quando pretende di catturare la realtà molteplice; la rete che impone la sua struttura, quel minimo di struttura indispensabile perché la ragione è indispensabile alla vita umana".(Delirio e destino).

Negli anni Sessanta dunque María Zambrano risiede a Roma. Sono anni caratterizzati dalle preoccupazioni intellettuali della Zambrano. Il pensare, ancor più che il pensiero della Zambrano, apporta una forma particolare, peculiare, nella quale si nota il costante sforzo di integrare gli elementi della realtà, quella realtà che soprattutto ci si presenta come costitutiva dell�essere umano. Una forma che deve questa sua peculiarità alla ibrida espressione nella quale il carattere puramente e rigidamente filosofico dell�esposizione si arricchisce con la musicalità e il ritmo proprio dell�immaginazione �poetica�: creatrice, fattrice, costruttrice: la parola s�incarna nell�immagine e la ragione s�innesta nel simbolo per raggiungere l�obbiettivo ricercato. Nella costante ricerca di, scendendo nell�inferno della realtà umana, gemmare la coscienza, risvegliandola, per condurla, elevarla, ai primordiali e non per questo primitivi, luoghi della creazione, dove è pienamente possibile essere.

I suoi testi ci fanno scoprire una Zambrano dal discorrere saggio e diafano, che tocca il cuore dell�uomo e tutto ciò a cui l�uomo non deve rinunciare, cominciando dalla ragione-libertà. Ma non tanto intesa solamente come il diritto di richiedere la propria, quanto l�eroico atteggiamento di garantire quella di tutti: "Ma volere avere ragione, tutta la ragione, è contrario alla stessa ragione; è rubare agli altri la loro, è perdere di vista che la ragione è un ordine nel quale ci deve essere un posto per tutti e per ciascuno". Anni di transito, anni di gestazione di tre importanti libri dell�autrice: Notas de un método (1989), El sueño creador (1965), e España, sueño y verdad (1965). Sono questi gli anni nei quali la traiettoria del pensiero filosofico della scrittrice ha un giro di boa, l�ultimo per alcuni dei suoi studiosi, dove si evidenzia la poetizzazione del suo linguaggio, dove cominciano a stabilirsi, come veicoli del pensiero, le metafore e i simboli sostituendosi ai concetti. Dove la ricerca della ragione poetica si fa più pressante e presente. Testi dove la Zambrano costruisce con il lettore una complicità del patos, del sentire piuttosto che un discorso razional-funzionale in vista del convincimento.

In questi anni romani l�autrice sembra ripetere con Unamuno che "i grandi pensatori sono i poeti", ma nel pensiero della Zambrano il termine poetico viene usato nei due sensi che la parola aveva in Platone. Il poeta è un uomo ispirato, un vate, quasi un indovino, una persona che riceve una rivelazione, o ancora più precisamente, un�intuizione. E in secondo luogo Platone usa questo temine con l�accezione di creatore, e soprattutto la capacità, possibilità, di creare con la parola. L�essere umano deve conoscere e conoscendo deve realizzare un�opera di travaso della realtà, dalla realtà fisica alla realtà concettuale, inventando (uscire all�incontro) la realtà, dando forma concettuale alla presenza intuitiva. È nella produzione di questi anni che si fa sempre più evidente il linguaggio poetico della Zambrano. L�accompagnare la coscienza verso la luce, l��alimentare� il corpo durante il suo esistere, non può realizzarsi nell�aridità della ragione patriarcale. La ragione patriarcale, nel suo processo concettuale ha bisogno di un mezzo di docile lavorazione che eviti stati e strati di rigidità nell�incontro, nella reciproca penetrazione di esseri-pensieri diversi che si scoprono come �altro�: il giudizio, intenso come pensiero che si forma nel processo cognitivo, deve crescere sopra l�acqua, come i fiori di loto. Quando cresce sulla roccia monolitica rimane, permane per sempre, cieco e il corpo teorico si ritorce pericolosamente meramente, esclusivamente, corpo normativo.

Contrariamente a quanto si possa pensare, occorre andar cauti con il considerare la Zambrano come una autrice �tradizionale�, anche se lei, in un certo senso, si considerava, nel suo originale senso, cristiana. Senza alcun dubbio si ritrovava in sintonia con i principi teorici della filosofia tradizionale, anche se a differenza degli autori della �Tradizione� la Zambrano segue fedele la ragione dubitativa ereditata dai greci e il suo pensare segue un cammino imparato solamente in parte e che praticava camminando con la coscienza sveglia, attenta al suono dei suoi stessi passi. Maria Zambrano ha percorso un cammino personale, non si può forse affermare che abbia inaugurato un cammino però sì possiamo assicurare che ha descritto il suo andare mentre lo percorreva. Il cammino della ragione poetica con la sua peculiare forma, procedimento filosofico: la metafora. E le sue possibilità; la disposizione dello spirito e la sua materia prima; i simboli. E in quest�ultimo metodo la filosofa si muove in un terreno tradizionale.

Tradizionali alcuni temi fondamentali (perché dell�essere umano), come l�amore, l�amicizia, il fallimento, che andrebbero conosciuti attraverso il pensiero globale della Zambrano. Il pensiero illuminante dell�autrice sul fallimento che trasuda dal pensiero poetico. Il fallimento inteso come realtà pienamente accettata, intesa e pensata, o quando pensata, come parte integrante della vita dell�uomo, come la forza di propulsione che spinge l�uomo a superarsi, a superare i suoi limiti, che aiuta l�uomo ad andare sempre al di là dello spazio vitale, di pensiero, conquistato: "Il sapere, il sapere proprio delle cose della vita, è frutto di lunghe sofferenze, della lunga osservazione che riassume un giorno in un istante di lucida visione perché incontra, a volte, la formula adeguata. Ed è anche il frutto che appare dopo un estremo evento, dopo un fatto assoluto, come la morte di qualcuno prossimo o semplicemente la morte di qualcuno, la malattia, la perdita di un amore o lo sradicamento forzato dalla propria patria."

Maria Zambrano una donna dal pensiero aperto sull�uomo, sulla persona, e per questo aperto a 180 gradi sulla vita. Un pensiero che esalta ed anela la libertà dell�uomo con una morale costruita sull�uomo, sulle esperienze vitali, quelle che il pensiero ha saputo raccogliere, dell�uomo. Un pensiero che si scopre, parola dopo parola fondato costantemente sulla carne viva dell�autrice, sofferto in prima persona, raccolto ed organizzato dal pensiero, redento dallo stesso vivere onesto della filosofa e poi offerto come dono, come perla preziosa. Per cui ogni argomento trasuda dell�esperienza, ed ha come chiave di lettura l�esperienza stessa dell�autrice: "Il corpo lo si è proposto come se venisse da un lungo esilio; come si trattasse di uno schiavo, di un proletario, della donna, dell�infanzia, di un Paese a lungo colonizzato". O l�alto e totalizzante pensiero sull�amore: un amore che per realizzarsi non necessita di un amante, ma che scopre in se stesso il profondo senso e motivo di ricerca ed esistenza. Un amore che si staglia per la sua radicalità e messa a fuoco dell�essere umano, che mette in primo piano la persona abolendo qualsiasi tipo di classificazione e restrizione culturale, sociale, abolendo forme di personalismo. Un amore che arriva al vertice della realizzazione stessa dell�amore: l�unità. Unità non intesa nel pensiero dell�autrice come uniformità, o realtà acquisita definitivamente, bensì una realtà intesa come costante e ricercato equilibrio, creato e ricreato accolto e anelato come la sostanza stessa dell�uomo, del cosmo.

Mi si permetta, di seguito, riportare alcune delle più profonde frasi della Zambrano sull�unità. Frasi che indicano quale la sua ricerca, la sua investigazione e novità sul tema:

"E siccome l�umano mantiene un�inesorabile unità vuol dire che è anche dovuta cambiare la considerazione, l�attenzione, l�atteggiamento insomma, verso la sua anima."

"Un simbolo è quindi un oggetto che, sia appartenga alla realtà naturale, sia alla realtà creata dall�uomo, oltre al suo significato ne offre un altro che lo circonda. Una unità. Un significato più ampio e più carico di sentimento."

"(...) Cioè, le qualità più spirituali e anche intellettuali dell�anima si travasano al corpo. E con questo concetto si suggerisce che l�unità dell�essere umano è completa, raggiunge l�identità."

"Tra essere e apparenza c�è un gioco di affinità e di parentela, che arriva all�estremo quando una cosa vale l�altra, quando una cosa può essere chiamata con il nome dell�altra, restando così nominate le due allo stesso tempo in una unità di senso."

"Nella metafora non si raggiunge quindi un�identificazione, né un�attribuzione, bensì si tratta di un altro tipo di legame e di unità."

"Come se la luce e il suo contrario, l�elemento più pesante, si fondessero nell�unità vivente della pianta. L�anelo vegetale tende un ponte tra questi due contrari: la luce e l�opaca terra. Perché l�atto dell�anelare si tende unendo ciò che andrebbe slegato, come il ritmo unisce gli istanti separati di un tempo senza forma, né vera continuità."

"La vita nel suo trascendere, nel suo modesto anelare, prima di tutto unifica. Unificazione è vivificazione."

"La metafora è il modo di contenere, di rinchiudere senza ridurre né astrarre niente, in unità."

Una Zambrano tradizionale sì, però sempre quando la �realtà divina� sia intesa come principio che fa costituire, scoprire in unità. Di fatti se in questi articoli la Zambrano si mostra al suo lettore nella sua veste più ampia di libera pensatrice, di madre di pensiero, è doveroso sottolineare che la caratteristica che nei suoi testi emerge prepotente ed illuminante è una Zambrano innamorata, appassionata, ricercatrice, come abbiamo appena letto, del tema dell�unità. In molti dei temi che abbiamo qui solo abbozzato, dove l�autrice espone il suo pensiero a ventaglio sulla condizione umana, troviamo costantemente cenni dell�autrice all�unità. Quasi come se le differenti tematiche fossero non tanto il tema principale, ma una scusa per poter indagare sul profondo anelito dell�uomo: l�unità. Unità dell�uomo con se stesso. Con la natura. Con gli altri attraverso le relazioni sociali. E unità con Dio.

Marguerite Yourcenar (1903 - 1987)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Mon, 02 Apr 2007 17:24:51 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Francés

�€�Historiadora - poeta�€� y �€�novelista�€�, como se autodefinía, Marguerite Yourcenar cultivó además otros géneros literarios, como el teatro, el ensayo y la crítica a los que se suma su dominio y experiencia en el ámbito de la traducción. Está considerada como una de las figuras clave de las letras francesas contemporáneas y atesora en su honor el hecho de haber sido la primera mujer elegida miembro de la Academia Francesa de Letras (1980).

Su verdadero nombre fue Marguerite Antoinette Jeanne Marie Ghislaine de Crayencour. Nació el 8 de Junio de 1903 en Bruselas, de madre belga y padre francés. Privada de la presencia materna a causa de su muerte por una fiebre puerperal después del parto, buscará refugio y protección en la figura paterna, que se convertirá además en su pedagogo, confidente y amigo. De su padre heredará también su anticonformismo, el placer de viajar; de ser una especie de �€�peregrinus ubique�€� en que se cimentará el lema de que �€�sólo se está bien en otra parte�€� y su gran cultura y talante intelectual. En vistas a su proyección en el terreno literario, ambos elegirán juntos un seudónimo; �€�Yourcenar�€�, que es un anagrama de su apellido y que sería su nombre oficial a partir de 1947. Y con esta consagración al arte, Marguerite creerá colmar de alguna manera la expectativa espiritual manifiesta por su madre.

La vida y la obra de Marguerite están marcadas por el motivo del �€�viaje�€�; por el movimiento continuo y el conocimiento extraído del entorno en su doble vertiente física y espiritual. Ya, cuando estalla la primera guerra mundial, emigra a Inglaterra en compañía de su padre iniciándose a la edad de once años en el estudio de las lenguas clásicas y del inglés, al mismo tiempo que se suscita en ella el interés por la lectura de los poetas italianos en su lengua original. En 1922, se halla en Italia en pleno fascismo con la irrupción de Mussolini en el escenario político, situación que denunciará más tarde en su libro Denier du rêve. Por esta época viaja en numerosas ocasiones a Suiza, la antigua Yugoslavia, Grecia, Turquía y a los Estados Unidos, impregnándose del sabor de sus culturas.

El año de 1929 será crucial para Marguerite, disociada entre el dolor por la muerte de su padre y todo un caudal de emociones que la van a envolver como mujer. Ama, escribe y viaja por Europa, una Europa calada por el peso del oprobio y donde se está forjando de forma inconsciente, la catástrofe.

La fecha de 1939 supone también un cambio sustancial en la esfera de lo privado. En 1937 había conocido a Grace Frick, una americana con la que establece una relación sentimental y que la invita a pasar una temporada en América. Ante la crudeza del acontecimiento bélico decide abandonar Francia e instalarse en Estados Unidos donde dará clases de Literatura Comparada en el Sarah Lawrence College. Este país se convertirá en su segunda patria, obteniendo la nacionalidad en 1947 y permanecerá en él hasta el final de sus días junto a su traductora y compañera sentimental Grace Frick.
A partir de 1950 reside en la isla de los Montes Desiertos (Maine, Estados Unidos) y alternará su exilio voluntario con un amplio periplo, eligiendo cada vez destinos más enigmáticos: Dinamarca, Argelia, Marruecos, Egipto, Japón, Tailandia, India y Kenia.

Murió el 17 de Diciembre de 1987 en el hospital de Bar Harbor, cerca de Petite Plaisance, su residencia-refugio en la isla de los Montes Desiertos, a la edad de 84 años, después de haber tenido que anular un viaje proyectado a Nepal por motivo de salud. Un año antes había recibido la Legión de Honor.

Glikl Bas Yehudah Leib (1646 - 1724)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:25:27 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: yiddish

Glikl Bas Yehudah Leib recibió el sobrenombre de "Glückel von Hameln" en el año 1896 de parte del editor de la primera edición del yiddish memorias; nombre en versión alemana del yiddish Glikl que significa "suerte".
Glückel nació en Hamburgo (Alemania) en el año 1646 en el seno de una familia judía, hija de un importante comerciante y una buena mujer de negocios. Muy pronto tuvieron que trasladarse a la vecina cuidad de Altona donde gozarían de una mayor protección todos los judíos. A los catorce años contrajo matrimonio con Chaim Hameln obligada por sus padres, tuvo catorce hijos en sus treinta años de matrimonio. Sagaz empresaria, esposa y madre, trabajó junto a su marido para fomentar sus riquezas y la manuntención de sus hijos. En su negocio de oro, perlas, plata, joyas,etc, Glückel fue la asesora en las relaciones comerciales mientras que su esposo viajaba para vender los productos. Muy pronto llegó la gran tragedia de la vida de Glückel, el evento que desencadenó la escritura de sus memorias. Una noche de 1689, Chaim tuvo un accidente mientras viajaba y murió poco después. La escritora se refirió a él en sus memorias como "buen amigo", expresión que pone de manifiesto la cercanía y el éxito de su compañía. Se sentó a escribir sus memorias en 1690 tras la muerte de su marido expresando su esperanza de que la escritura le ayudaría a disipar su dolor y con la intención de contarle a sus hijos sus antecedentes familiares. Nunca podría haber imaginado que sería reconocida por uno de los más notables documentos escritos a finales del siglo XVII, principios del XVIII. Sus memorias, que describen su vida como madre de catorce hijos y como empresaria y comerciante, ha dado a los académicos, estudiantes y laicos un valioso documento sobre la vida judía en Europa en el siglo XVII.
Después de varios días de duelo por la muerte de Chaim, Glückel se vió obligada a hacer frente a su nueva vida. Su excelente genialidad con los negocios salvó a ella y a su familia aunque, a pasar de su evidente talento empresarial, Glückel sucumbió a la ansiedad. Empezó a temer que pudiera fracasar en los negocios y como consecuencia tendría que depender de sus hijos, así que tomó la decisión de casarse por segunda vez acompañada del deseo de pasar sus últimos años en la tierra de Israel. El elegido fue el viudo Hirsch Levy, uno de los grandes errores de su vida puesto que este rico hombre de negocios llevó a la escritora a la más profunda quiebra. La pareja se vió obligada a depender de los hijos de Glückel hasta la muerte de Levy en 1712, que la dejó viuda a la edad de 66 años. A pesar de todas las desgracias, Glückel despidió su vida felizmente al amparo de una de sus hijas, yerno y nietos. Terminó el séptimo y último libro en 1719, cinco años antes de que ella falleciera. Murió el 19 de septiembre del año 1724 a la edad de 78 años. Las Memorias han llegado a nosotros a través de dos copias de su manuscrito formuladas por los miembros de su familia.

Virginia Woolf (1882 - 1941)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Tue, 20 Mar 2007 13:25:47 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: INGLÉS

Toda persona interesada en la literatura inglesa contemporánea debe acercarse hoy al número 50 de Gordon Street, en el barrio londinense de Bloomsbury, a la casa que fue domicilio de Virginia Woolf. Un breve paseo por los apacibles jardines cercanos puede ayudarnos a reconstruir en nuestra imaginación un microcosmos de geniales individualidades animadas por un mismo espíritu renovador en la estética y la literatura: las hermanas Stephen, Clive Bell, John Maynard Keynes y los ruidosos miembros de la familia Stratchey. Todos ellos formaban parte del Grupo de Bloomsbury y casi todos ellos han pasado a formar parte de la historia artística, filosófica o política de la Europa contemporánea y uno de ellos en especial, de la historia de su literatura: Virginia Woolf.
Virginia Adelaide Stephen nació y creció en un entorno en el que la lectura y la escritura eran las principales actividades ya que su padre, Leslie Stephen, era un crítico literario de amplia y conocida reputación. La infancia y juventud de Virginia no fueron lo que podríamos decir felices, ya que perdió a su madre cuando ella tenía trece años y a su padre con veintidós y dos años después a su hermano Thoby. Virginia además sufrió desde muy joven gaves periodos de depresión pero ella era una mujer fuerte y su capacidad para escribir la ayudó a aliviar el dolor. Pasó su infancia leyendo los libros de la enorme biblioteca de su padre, y con él comentaba las lecturas y éste le animaba a escribir. Recibió clases particulares en su juventud de griego y de latín, mientras su hermana Vanesa acudía a diario a la escuela de arte. Virginia pronto se acostumbró a estar sola y a escribir ensayos, pero sobre todo cartas, en las que demostró tener una gran habilidad para la observación. Y cuando con 25 años se acercó a la Universidad le pareció una colección de cerebros como si fueran anémonas marinas. En el año 1904 tuvo una crisis mental grave, ya era la segunda, y en esta ocasión cuenta que los pájaros le hablan en griego. Más adelante los hermanos Stephen se trasladan al barrio de Bloomsbury y Virginia empieza a trabajar como periodista y profesora en Morley College. Con la herencia que les deja su padre no tienen problemas económicos e incluso pueden permitirse dos criadas. Comenzó entonces la costumbre de reunirse en casa con un grupo de amigos para leer ensayos y debatir ideas. Destacan los nombres de Lytton Stratchey, Clive Bell, Saxon Sydney, Duncan Grant, Roger Fry y Leonard Woolf, todos ellos hombres y las dos hermanas Stephen: Virginia y Vanesa, que ante la sorpresa de los varones, no solo les igualaban en inteligencia sino que además, como recordaría Leonard, eran asombrosamente bellas. Más adelante Clive Bell se casaría con la hermana de Virginia, Vanesa.
La actividad más famosa del Grupo de Bloomsbury antes de la guerra fue la Primera Exposición Posimpresionista que causó sensación y rechazo en la sociedad victoriana. Aunque Virginia no tuvo mucho que ver con la organización, sí le afectó mucho puesto que lo que su hermana hacía con la pintura impresionista, ella lo intentaba escribiendo.
El 10 de agosto de 1912, Virginia se casa con Leonard en el registro civil de St. Pancras, en Londres. Mucho se ha escrito de su vida privada e íntima, pero lo que es cierto es que cuando estaban separados sus cartas muestran una gran pasión y amor entre ellos. Si bien en la luna de miel no lograron concebir hijos, los dos regresaron con los manuscritos de dos novelas. La de Leonard bajo el título de The Village in the Jungle, y la de Virginia Melymbrosia.
Su vida en común transcurría de manera tranquila, Leonard trabajaba como periodista político y Virginia escribía artículos y reseñas, hasta que el trabajo hizo que se debilitara demasiado e intentó suicidarse por segunda vez.
Durante la guerra, el Grupo de Bloomsbury se ve obligado a trasladarse de Londres a una casa de campo en Sussex. En el año 1917 el matromonio Woolf funda la imprenta Hogarth Press en la que publicaron varias obras de Virginia, de T.S. Elliot, E.M. Foster, y las obras completas de Freud entre otras.
El 28 de marzo de 1941, Virginia escribió una carta a su esposo, y se dirijió a pie al río Ouse, llenó los bolsillos de su abrigo con piedras y se lanzó al agua. Al cabo de tres semanas encontraron su cuerpo río abajo, en Southease, sus cenizas se enterraron en el jardín de Rodmell.

Christa Wolf (1929 - )

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Thu, 27 Mar 2008 18:57:10 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Alemán

Christa Ihlenfeld nació el 18 de marzo de 1929 en el pueblecito de Landsberg an der Warthe, en la provincia prusiana de Bradenburgo, el cual, al final de la II Guerra Mundial, pasaría a ser de Polonia y denominarse Gorzów Wielkopolski.

Hija de Herta Jaeckel y Otto Ihlenfeld, familia de clase media y de fuertes convicciones nacionalsocialistas, su primera infancia transcurrió en la trastienda del pequeño ultramarinos que regentaban sus padres, escuchando pequeñas historias de la vida cotidiana ensombrecidas con las calamidades de la dura posguerra.
Cuando Christa contaba con tres años, nació su hermano Horst, uno de los acontecimientos más felices de su vida y que marcaría sus primeros recuerdos. Desafortunadamente, la dicha no duró demasiado: los tiempos se iban tornando cada día más complicados y el mismo día en que Christa soplaba las velas de su cuarto cumpleaños, los nazis irrumpieron en la tranquila ciudad de Landsberg an der Warthe quemando todas las banderas comunistas.

Lectora precoz, Christa acudía cada día a la Escuela. Desde su pupitre de madera divisaba la pared con la gran fotografía del Führer, y como todas las mañanas, entonaba junto a los demás niños el himno de la Alemania nazi. Para aquella niña, su propio uniforme de BDM-Mädel (Sección femenina de las Juventudes hitlerianas) le infundía un fuerte sentimiento de pertenencia, obediencia y amor patriótico. Toda su educación giraba bajo los mismos parámetros fascistas que se respiraba en su hogar. A pesar de ello, algo en Christa cambiaría para siempre tras el 9 de noviembre de 1938: 100 judíos fueron asesinados, 26.000 deportados y miles de Sinagogas y comercios judíos de todo el Reich fueron quemados por las huestes nazis: era �€�La noche de los Cristales Rotos�€�. �€�Tenía 9 años y cuando al día siguiente leí el periódico... de repente nació en mí una gran desazón y un fuerte sentimieno de compasión�€�. Fue desde aquel instante cuando la pequeña Christa comenzaría paulatinamente a replantearse algunos de los dogmas que hasta entonces nadie se hubiera atrevido a cuestionar: ¿por qué las chicas de las juventudes hitlerianas teníamos que odiar a los comunistas o a los judíos si eran personas que ni siquiera conocíamos?.

Pero la vida seguía entre la amarga conciencia de un régimen en creciente tensión y el esperado estallido de la guerra. Era agosto de 1939 y la voz de Christa se quebró con la llegada de una triste carta: su padre acababa de morir en el frente. Su grito de dolor y furia ante una madre resignada rompió para siempre con su pasado: �€�¡Odio a vuestro Führer!�€�.

Christa padeció las calamidades y penurias propias del día a día, sin imaginar que el destino le aguardaba uno de los momentos más duros tras la muerte de su padre: ser expulsados de su propia casa. Christa se vio obligada a abandonar sus recuerdos de la manera más traumática cuando tan sólo le permitieron llevarse unos pocos objetos y dejar tras de sí su vida entera. Apenas tuvo tiempo de mirar hacia atrás, montada en un triste carromato y envuelta en una manta junto a Horst supo que ya nada volvería a ser como antes.

Era el invierno de 1945, Hitler había muerto y la guerra había acabado: la familia Ihlenfeld, como otros muchos compatriotas, huía sin aliento y sin apenas pertenencias hacia la frontera, por interminables caminos nevados, un trayecto sin retorno en cuyos márgenes Christa pudo ver cómo muchos niños, enfermos y ancianos quedaban rezagados para siempre. Las vivencias de aquel penosísimo éxodo marcaron a una Christa adolescente que sintió cómo se hundía definitivamente su pequeño mundo �€�Entonces experimenté en carne propia la cruda realidad del fascismo alemán.Todo en lo que se había apoyado aquella gran ilusion se derrumbó. Fue tan fuerte el sentimiento de vacío que ni siquiera tenía ganas de seguir huyendo�€�. Tras todas aquellas penalidades su familia se asentó por fin en Mecklenburg, región perteneciente a la ya incipiente República Democrática Alemana (RDA). Christa tenía tan sólo dieciséis años y se enfrentaba a otro régimen totalitario: el socialista. Aquel gran choque y contradicción política y personal influiría posteriormente en su obra. Nada más llegar, Christa trabajó como secretaria del Ayuntamiento del pueblecito de Gammelin compatibilizándolo con otros pequeños empleos para ayudar a la economía familiar. Pero las secuelas de su dura huída le pasó factura y tuvo que ingresar en un hospital por problemas pulmonares durante dos meses. Allí se refugió en la lectura del pequeño libro azul que una antigua maestra le había regalado: Poemas de Goethe. Sin duda, la poesía constituyó un dulce bálsamo para su alma: �€�Aquel libro marcó mi vida�€�. A principios de 1947 volvió a mudarse, esta vez a Bad Frankenhausen (Kyffhäuser), donde pudo volver a la Escuela Secundaria y graduarse finalmente en 1949.

Eran los primeros años de formación de las dos Alemanias, Christa sentía la imperiosa necesidad de desprenderse de la llamada �€�culpa nacional�€�. Probablemente fue esa la razón por la que aceptó formar parte activa en la fundación de una nuevo partido, el SED (Partido Socialista Unificado Alemán) �€" Sozialistische Einheitspartei Deutschlands - del que sería miembro hasta su desaparición en 1990. El SED significaba para Christa la alternativa radicalmente opuesta al sistema criminal del nacionalsocialismo. Christa puso especial interés en contactar con personas que habían luchado contra el fascismo o con aquellas que pudieron salvarse gracias al exilio. A través del partido pudo conocer a quienes más tarde se convertirían en sus propios referentes, como es el caso de la escritora judía alemana Anna Seghers, que tendría gran influencia en su obra y por la que siempre sentiría una gran admiración.

Al margen de su compromiso político, en 1949 inició sus estudios de Filología Alemana en la Universidad de Jena, que posteriormente continuaría en Leipzig. En Jena conoció a quien sería su futuro marido y gran amor: Gerhard Wolf, compañero de Facultad. �€�Nunca lo olvidaré, la primera vez que lo vi fue en la escalera del comedor de la Universidad, iba muy elegante con su chaqueta y pantalones de aviador...yo aún llevaba aquel abrigo que me confeccioné con mi manta del hospital y mi falda de campana�€�. Finalmente en 1951 se casó con él. Junto a Gerhard Christa formó una de las parejas más productivas y estables, tanto en el terreno profesional como sentimental, siguiendo felizmente unida a él en la actualidad. Gerhard se convertiría en editor, dramaturgo, escritor y galerista . Tuvo dos hijas: Annette, nacida en 1952 y Katrin (Tinka), en 1956. En la Universidad de Leipzig redactaría Christa su trabajo final de carrera titulada Probleme des Realismus im Werk Hans Falladas bajo la dirección del profesor de Literatura Hans Mayer. Con Mayer lograría comprender la utopía real de un socialismo democrático humano. En 1953 obtuvo su licenciatura y a partir de ese momento trabajó como lectora, editora y crítica literaria en la Unión de Escritores Alemanes (�€�Deutscher Schriftstellerverband�€�) en Berlin hasta 1957. Posteriormente, entre 1958 y 1959 trabajó en la Revista Nueva Literatura Alemana (�€�Neue Deutsche Literatur�€�), para posteriormente pasar a formar parte como editora senior en la Editora Neues Leben.

En 1959 se trasladó a Halle, para trabajar en la Editorial estatal Mitteldeutscher Verlag, compañía en la que estaría hasta 1962. En 1961 publicó su primer trabajo: Moskauer Novelle, galardonado con el Premio de las Artes de la ciudad de Halle. Esta primera obra fue muy bien acogida en la RDA, por su fidelidad al modelo socialista; sin embargo, no sucedió lo mismo en la Alemania Occidental donde ni siquiera fue publicado. La obra describe la relación de amor entre una doctora alemana y un antiguo oficial del ejército soviético. Años más tarde, la misma autora renegaría de esta novela por considerarla excesivamente doctrinaria. Eran los momentos álgidos de la guerra fría y el mundo cultural de las dos Alemanias vivía respectivamente su momento más floreciente. Fue a raíz de aquel premio cuando el Ministerio de Seguridad del Estado (más conocida como la Stasi) se fijó en Christa Wolf como posible figura de la Propaganda cultural de la RDA.

Tras el gran momento de satisfacción por el reconocimiento público, Christa siguió trabajando haciendo las prácticas de sus estudios en el sector ferroviario estatal de la VEB-Waggonwerk Ammendorf, una fábrica de construcción de vagones en Halle donde incluso llegó a tener bajo su cargo a un grupo de trabajadores. Fue en aquel contexto donde vivió entre el auténtico mundo obrero industrial de la órbita socialista. En 1962 la familia Wolf se mudó a Kleinmachnow, situado justo en la frontera con Berlín Occidental.

Como incipente escritora, se sentía involucrada en el movimiento revolucionario cultural impulsado por el propio partido (SED): el llamado �€�Bitterfelder Weg�€�, creado en 1958, según el cual, la verdadera revolución socialista debía ser impulsada a través de un genuino y efervescente impulso cultural. Bajo el prisma de su experiencia en el mundo de los operarios y con cierta mirada crítica hacia el levantamiento del Muro, Christa escribió en 1963 su primera gran novela Der geteilte Himmel ( El cielo dividido) con el que la autora cosechó una gran crítica, convirtiéndose en todo un éxito editorial, traducida a varios idiomas y vendiéndose más de 160.000 ejemplares en su primer año. Más tarde sería además adaptada al cine por el director Konrad Wolf.

En esta novela, Christa describe a Rita, una estudiante, que tras un intento de suicidio, reflexiona sobre la triste separación del hombre al que tanto ama: Manfred, que huye a Alemania occidental poco antes de que se termine de construir el Muro; mientras, ella decide quedarse en el Berlín Oriental y así ayudar a levantar, construir y sostener una nueva sociedad. En suma, la protagonista decide quedarse en su país por lealtad a los valores de la RDA, aunque finalmente permanecer allí no terminará siendo una decisión estrictamente personal. Christa se atrevió a presentar ante el mundo las contradicciones y decadencia del socialismo, lo cual le granjeó críticas de su partido. Sin embargo, dejó la posibilidad de un futuro mejor en un sistema socialista basado en valores y principios de vertiente humanista, lo cual acabó agradando al régimen. Por esta novela, Christa Wolf fue nombrada miembro del Comité Central de su partido y galardonada con el Premio Heinrich Mann y el Premio Nacional de Arte y Literatura.

Tras su nombramiento como candidata al Comite Central del SED, Christa se sintió aún más comprometida con la política, iniciándose así un período de intensa actividad aunque sin descuidar su faceta de escritora. No obstante, cuando Christa tuvo la oportunidad de convivir con las altas esferas del partido, sintió la enorme necesidad de distanciarse al no sentirse en absoluto identificada ni en el plano intelectual ni público con el establishment. Por dicha razón, Christa comenzó a expresar públicamente su petición de un mayor intercambio de opiniones, dando cabida a diferentes corrientes, en aras de una mayor comprensión con el mundo creativo.

En 1965 se produjo un antes y un después en la relación de Christa con el SED. Por una parte, las presiones del régimen impidieron llevar a cabo un proyecto cinematográfico que ideó junto a su marido sobre la construcción del centro de Berlín titulado Fräulein Schmetterling. Por otra parte, en diciembre de ese mismo año, Christa Wolf intervino duramente en un Pleno del Comité Central del SED protestando por la censura y amenazas que, a través de la Stasi, el régimen estaba llevando a cabo contra aquellos autores que en sus obras cuestionaban algunos de los dogmas del pensamiento socialista. Tras bajarse del estrado, Christa supo que no volvería nunca más a ser nombrada para el Comité Central. Su intervención fue además borrada del libro de actas.

Christa era, desde 1962 una escritora independiente, por lo que decidió seguir en la línea de su crítica hacia la política de censura cultural. En 1967 publica Juninachmittag (1967), donde se puede observar la brecha existente entre la escritora y el régimen y donde narra un relato de la vida cotidiana mezclado con la muerte, la guerra y la paz.

Finalmente, en 1968 publica Nachdenken über Christa T. (Reflexiones sobre Christa T.), en la cual narra la vida y muerte, por leucemia, de una joven, contada a través de recuerdos y reflexiones de infancia, desde su huida al final de la Segunda Guerra Mundial, pasando por su trabajo, sus estudios y la propia enfermedad que se va agravando por la somatización de los conflictos políticos internos del régimen socialista de Alemania del Este. La joven busca incansablemente la armonía con una sociedad cada día más alejada del ideal que en un principio había imaginado. La enfermedad representaba un símbolo del desencanto y la decepción colectiva.
Desde un primer momento, el Ministerio de Cultura de la RDA intentó impedir la publicación de la novela, hasta el punto de que la Mitteldeutscher Verlag, la editorial estatal que había publicado sus obras, sólo pudo, tras muchísimos rodeos, publicarla en ediciones muy limitadas, justificando que se trataba de una obra de excesivo pesimismo estético. Christa Wolf decidió cambiar de editorial y finalmente fue publicada por la Aufbau-Verlag Berlin.

Cosechó feroces críticas y ataques por parte del propio Congreso de Escritores de Alemania Oriental, lo cual que hirió profundamente a Christa, desde donde se llegó a calificar su novela como �€�exagerada, pesimista y depresiva�€�. Por todo esto, Christa fue relegada y destituida fulminantemente de su cargo en el Comité Central. Estos fuertes ataques junto la profunda polémica originada en torno a la propia escritora logró llegar hasta el otro lado del Muro. La prensa de Alemana Occidental aprovechó enseguida la ocasión para ensalzarla como una especie de heroína y nombrarla �€�genial escritora disidente�€�.

Christa se sentía por ello cada vez más fuerte y, a pesar de las escasas noticias y las versiones oficiales, no era ajena de que algo se estaba moviendo a nivel social y filosófico en una juventud valiente que se rebelaba contra el sistema. Era el año del �€�Mayo de Paris�€� y la �€�Primavera de Praga�€�.

Esta última novela inició una nueva dirección en la Literatura de la RDA dado el énfasis en la autenticidad subjetiva. Como señaló Hörnigk, �€�se trata indiscutiblemente de uno de los libros más importantes de su tiempo�€�. Paralelamente, Magenau apunta: �€�Christa Wolf abandona de una vez por todas las ideas desfasadas del realismo e inicia un nuevo punto de vista en el mundo en la Literatura, en el cual se incorpora la conciencia del autor como sujeto que percibe�€�. Sin duda, este nuevo camino que inició Christa y por el que tanto fue criticada influyó notablemente en los autores de la RDA en los años 70 a mismo tiempo que su fama iba adquiriendo grandes dimensiones tanto a nivel nacional como internacional.

En todos esos años, Christa fue consciente de los logros sociales que por aquel tiempo conseguían los colectivos feministas y las mujeres del otro lado del Muro, sintiendo la necesidad de luchar por las mismas causas a través de un auténtico movimiento en favor de la emancipación de la mujer. Así, a través de sus escritos e intervenciones, Christa comenzó a demandar igualdad de derechos de las mujeres alemanas del Este �€�tal y como habían conseguido las alemanas occidentales�€�. Estos hechos volvieron a molestar profundamente al régimen, donde finalmente los portavoces de la Política Estatal de la Mujer satirizaron a Christa y describieron su �€�búsqueda interior�€� como un intento de �€�empujar a la mujer hacia roles masculinos�€�.

En 1971 publica Lesen und Schreiben, ensayo sobre fragmentos escritos entre los años 1966 y 1970 acerca de reflexiones personales sobre la Literatura y los escritores comunistas ante la sociedad actual. En ella escribe que la prosa no es en sí �€�filmable�€�. Sin embargo, pocos meses después, publicó Till Eulenspiegel, un relato que escribió conjuntamente con su marido y que fue concebido para su adaptación al cine. En 1974 publica Unter den Linden, (Bajo los Tilos) compuesta por tres novelas bajo un prisma único: la búsqueda de la felicidad y de la satisfacción personal.

En 1976, tras su nueva vida en Berlín, Christa publica una novela autobiográfica con la que consiguió hacerse un hueco en la Historia de la Literatura de la RDA, por su importancia y brillantez: Kindheitsmuster (Muestra de infancia). Una obra que trata sobre el sentimiento de culpa alemán tras el Nazismo y la necesidad urgente de tener por fin memoria histórica. En ella, Christa se llega a preguntar: �€�¿Cómo nos hemos convertido en lo que hoy somos?�€�. La autora describe su infancia durante el Tercer Reich, así como el viaje a su pueblo natal (Gorzów Wielkopolski) en julio de 1971 junto a su marido, su hija pequeña y su tan amado hermano Horst. Aquel viaje le devolvió la memoria de aquellos recuerdos de los que una vez tuvo que desprenderse, la época del nazismo, su penosa huida y los duros tiempos de la posguerra. Christa exhorta a la sociedad para que reconozca los errores cometidos desde todos los ámbitos, ya que para ella cada ciudadano alemán tenía su parte culpa.

Noviembre de 1976 significó un antes y un después para Christa. El cantautor de la RDA Wolf Biermann realizó unas declaraciones a lo largo de sus actuaciones al otro lado del Muro que fueron censuradas y consideradas anticomunistas, teniendo como consecuencia que se le retirara la nacionalidad de la República Democrática Alemana. Aquellos hechos tuvieron una gran repercusión en la vida cultural de la RDA y provocó que Christa encabezara, junto a otros muchos intelectuales, una protesta abierta contra el gobierno en defensa de la libertad de expresión y el respeto hacia una crítica constructiva al régimen. Este hecho le costó la expulsión fulminante de la directiva de la sección berlinesa de la Unión de Escritores (Schriftstellerverband), y que su esposo Gerhard fuera expulsado del partido. .

Los años 70 fueron además muy duros en otro sentido para Christa: en poco tiempo y a edades tempranas fallecieron varias de sus mejores amigas. Ello sumió a Christa en tal tristeza que a punto estuvo de conducirla hacia una grave depresión. En Febrero de 1973 murió su compañera y amiga Brigitte Reimann, y ese mismo año, en octubre su admirada Ingeborg Bachmann �€" de gran influencia en su obra y en cuya figura se basaría años más tarde para su obra Kein Ort. Nirgends- . En diciembre de 1977 murió también su amiga y escritora y fotógrafa Maxie Wander. Estos hechos influirían notablemente en su obra. Pero Christa logró rebelarse ante la muerte, en palabras de la autora, con la fuerza del amor.

Cada vez era más difícil escribir en el entorno social y literario de la RDA de finales de los 70 y principios de los 80, con una especie de �€�espada de Damocles�€� que pendulaba sin cesar sobre la obra de Christa. Por ello, junto a otros escritores, se dejó llevar por una corriente prerromántica fruto de sus marcadas crisis existenciales, iniciándola con su novela Kein Ort. Nirgends (En ningún lugar. En ninguna parte) que publicaría en 1979. Christa se había convertido en un elemento peligroso para el régimen. Criticaba abiertamente la realidad de un país ensombrecido y burocrático lleno de falsos discursos triunfalistas. La situación económica de la RDA era cada día más complicada. Poco a poco se escuchaban voces disidentes; la mayoría exigía una reestructuración del sistema, una depuración de los poderes estamentales, que se encontraban anquilosados, en aras de una aplicación más ajustada del ideal marxista a una sociedad socialista que integre los propios valores humanos. Otra parte de la oposición abogaba por un acercamiento al pensamiento occidental.

A principios de los 80, Christa tuvo la oportunidad de visitar Grecia. Esto supuso un viaje iniciático. Christa se sintió sumamente feliz e interesada por empaparse de la cultura clásica; allí quedaría fascinada por la Mitología, lo cual influiría notablemente en obras posteriores, como Kassandra y Medea.

Se acercaba una de las épocas más duras de la Guerra Fría, donde los desencuentros entre los países integrantes de la OTAN y del Pacto de Varsovia y la política de rearme nuclear encendía el tono de tensión. En la Alemania occidental cientos de miles de personas protestaban por la calle. En la RDA las protestas tuvieron que ceñirse al interior de los templos religiosos donde discretamente se rechazaba esa política de rearme sin sentido. En Berlín se construían búnkeres antinucleares en muchos distritos y en ciertos momentos los ciudadanos miraban hacia al este suspirando no tener noticias acerca del �€�botón rojo�€�. Agudizado por una cada vez más clara conciencia del fracaso del régimen, la grave crisis económica y la ausencia de libertades, el índice de suicidios en el país comenzó a dispararse así como los intentos de pasar al otro lado del muro.

En 1981 Christa Wolf participó en un encuentro internacional de escritores a favor de la paz y en contra de la guerra y las armas nucleares promovido por los presidentes de las dos asociaciones alemanas de escritores. En el verano de 1982 la autora ofrece cuatro conferencias en el marco de una cátedra poética en la Universidad Johann Wolfgang von Goethe de Frankfurt/Main. Sus discursos supusieron un espectacular éxito y fueron publicadas conjuntamente con una de sus grandes novelas: Kassandra, que sería publicada en 1983 y en la que se refleja la crisis política y económica que se vivía en la RDA.

Kassandra no es sólo un compendio de material histórico del mito de Casandra donde se muestra el pensamiento dualista y el rechazo histórico a lo femenino. Tomando como modelo el final de la guerra de Troya, Christa establece una analogía con la Guerra Fría. Vuelve a las reflexiones subjetivas de una mujer, la cual, en los momentos anteriores a su muerte, se interroga sobre el tiempo pasado, antes, durante y después de la guerra de Troya. Para muchos críticos, Christa se identifica en la figura de Casandra, la cual aunque mantiene el don de la adivinación le ha sido arrebatado el don de la persuasión y no puede remediar tener que decir siempre la verdad, lo que hará que muchos no la crean y la tomen por loca. Christa advertía del descrédito de la utopía socialista y de su cercano hundimiento, así como de la americanización generalizada que seguiría. Pero, como a Casandra, nadie la escuchó.

Aunque Christa Wolf estaba bajo la constante vigilancia de la Stasi (Servicio de Seguridad del Estado) por sus constantes desviaciones de la línea oficial, se le permitió siempre viajar y dar conferencias y disfrutar de estancias largas en Occidente. Dio conferencias en EEUU, Escocia, Italia y Suiza, fue profesora visitante de la Universidad de Oberlin (EEUU), impartió lecciones en Frankfurt Am Main y aceptó premios, entre ellos el premio Büchner de la Academia Alemana de Lengua y Poesía (1980), El premio austriaco de Literatura Europea (1985) y el Premio de los Hermanos Scholl de la ciudad de Múnich en 1987.

En Störfall. Nachrichten eines Tages (1987) (Accidente: noticias de un día) se materializa la idea que la autora años antes había profetizado con sus protestas acerca de los peligros de la industria nuclear y los daños irreparables que ocasionaba sobre la Naturaleza, que ella, como ecologista, amaba. El accidente de Chernobyl inspiró definitivamente a Christa para esta novela. La protagonista reflexiona sobre su propia vida, el día del accidente divisa un precioso cielo pero decide tirar todas las verduras y hojas que había recogido del jardín para hacer su ensalada por miedo a la posible radiación. Se alternaban las noticias de la radio sobre el desastre nuclear con las reflexiones sobre las bondades y las maldades de los avances tecnológicos que en esos momentos permitían que su hermano estuviera siendo operado de un tumor cerebral. Sin embargo, la operación le dejaría para siempre sin sentido del olfato.

En la segunda mitad de los años 80, Mijaíl Gorbachov, con la ayuda del presidente de Japón Seiichiro Nishi, inicia en la Unión Soviética un proceso de reforma conocido por Glasnost y Perestroika, basado en la reestructuración de la economía con el objetivo de reformar y preservar el sistema socialista, a través de un nuevo espíritu de empresa, innovación y cierta democratización de la vida política; lo cual provocaría años más tarde la caída y desintegración de la URSS. En esa misma época, los medios oficiales de la RDA seguían emitiendo propaganda en la que se ensalzaban las viejas glorias del decadente sistema. No obstante, en el mundo intelectual se fue creando una cultura de foros y encuentros llamada Die Nischengesellschaft, donde poco a poco se unían voces nuevas y libres que discutían y criticaban la política estatal. La figura de Christa Wolf no pasó desapercibida y a finales de los 80 muchos escritores y artistas como Volker Braun, Stefan Heym, Konrad Weiss, Gerhard Wolf, entre otros, se unieron a ella y se atrevieron a salir a la Alexander Platz de Berlin para hacer oir su voz en pro de una reforma que evitara la desintegración del país y una mayor humanización del sistema socialista.

Influenciada por los hechos y por esa conciencia de hermandad, Christa Wolf dio un paso adelante y escribió en 1989 Sommerstücke, (Pieza de verano) novela que narra como un grupo de amigos pasa un verano en una casa de campo y como en ellos planea un fuerte sentimiento de alienación, la misma que estaban sintiendo los autores de la RDA del momento. En junio de ese mismo año, fue definitivamente expulsada del SED.
Tras la caída del Muro de Berlin, en la noche del 9 de noviembre de 1989, todas las voces se unieron para pedir la reunificación, reivindicación con la que Christa no estuvo de acuerdo. A pesar de sus antiguas protestas y de sus desencuentros con el sistema, Christa se sintió de algún modo huérfana de la RDA (Ella que había sido durante un tiempo una de las escritoras más queridas de aquel país desaparecido). De hecho, sus primeros tiempos fueron difíciles y tuvo que replantearse su nuevo papel. Por dicha razón, Christa junto a Volker Braun y Stefan Heym volvieron a unirse para protestar contra la reunificación y a favor de la existencia de una RDA libre, independiente y resaltando las bondades de la ideología marxista. Christa, además, se atrevió a publicar en 1990 su obra Was bleibt (Lo que queda), escrita diez años antes y en la que reflexiona sobre la vigilancia diaria que soportó por parte de la Stasi. En la obra se pregunta quién fue culpable del desmoronamiento de la República Democrática Alemana, considerándose ella misma corresponsable. Esta postura ocasionó a Christa graves ataques hacia su labor como escritora, especialmente por parte de la crítica de Alemania Occidental, donde se llegó a cuestionar toda la literatura de la extinta RDA, y a sus autores. La crítica no quedó ahí, sino que llegaron a ser calificados como �€�Autores del régimen�€�. A esta corriente contra aquellos autores de la RDA se le conoció como Literaturstreit. �€�Fue algo muy injusto, pues sabían que muchos de nosotros habíamos sido objeto constante de espionaje e incluso amenazas por parte de la Stasi con motivo de nuestras protestas y desacuerdos con el sistema�€�.
Was bleibt (Lo que queda) fue objeto de graves acusaciones y calificado de hipocresía por parte de la crítica al exponerse la autora como víctima. Para Ulrich Greinert (Die Zeit), esa publicación "habría sido antes una bomba que habría supuesto el final de la escritora y su expatriación"; Para Schirrmacher (FAZ), "el libro hubiera producido hace diez años, incluso hace cinco, daños a la Stasi. Ahora carece de significación, es anacrónico y con rasgos ridículos".
Christa también se atreve a publicar Reden im Herbst (1990), donde reúne textos, análisis, discursos y comentarios sobre la caída del Muro y la extinción de la RDA.

Al tiempo que era nombrada doctora Honoris Causa durante ese mismo año por la Universidad de Hildesheim y la Universidad Libre de Bruselas, las críticas y comentarios seguían cebándose contra ella. Christa se sintió tan angustiada que incluso llegó a desahogarse con su antiguo profesor Hans Mayer en cartas en las que confesaba sentirse bastante desorientada. La misma Christa Wolf llegó a hablar públicamente de "un derribo preparado y consciente" y de que "tal violencia, agresión, odio y bazofia me resultan espeluznantes�€�; "una campaña de odio que sólo conocí en la prensa del viejo régimen comunista.�€�
El escritor Günter Grass, llegó a denunciar la situación: �€�me resultan familiares esos preparativos de linchamiento (..); unas veces es uno, otras otro. Esta vez había que acabar con Christa Wolf". En el 2006 Grass sufriría una situación similar por parte de la opinión pública cuando confesó su pasado en la Waffen- SS.

Desafortunadamente para Christa, las críticas no sólo no disminuyeron con el tiempo, sino que arreciaron cuando a partir de 1993, tras la apertura al público de los archivos de la RDA, se revelara que entre marzo de 1959 y octubre de 1961 ella misma había sido reclutada por la Stasi como colaboradora informal (miembro no oficial de este cuerpo de seguridad). A pesar de que también se mencionó que la información que Christa llegó a proporcionar apenas resultó de interés y que los propios oficiales de la Stasi criticaban su reticencia, la imagen de Christa se vio seriamente dañada. Fueron momentos muy duros para la autora, de hecho, su familia estuvo muy preocupada pues Christa solía somatizar las dificultades a través de su propia salud. Una Christa desmoronada se desplazó a Santa Mónica (Estados Unidos) en 1992, donde permaneció un año con una beca en el Getty Center for History of Art and Humanities. Desde allí sintió la necesidad imperiosa de replicar a todos aquellos que la acusaban: �€�Nunca me he sentido una víctima del sistema como algunos quieren hacer creer, sino alguien que con su trabajo intentó ayudar al Estado en el que creía�€�.

Tras su vuelta a Alemania, en 1993 recibió sendos premios de las dos Academias de la Cultura de Berlín, lo cual supuso un buen acicate para volver a empezar. Christa no había tenido apenas fuerzas para escribir después de aquellos amargos años. Lo poco que hizo entre los años 1990 y 1994 lo reunió en su obra Auf dem Weg nach Tabou que se publicó en 1994. La temática vuelve a ser la misma: la vida en la antigua RDA, su crisis existencial y los motivos de la reunificación de las dos Alemanias.

Finalmente Christa se enfrenta al reto de demostrar que no era una autora para el olvido, �€�Mi evolución literaria y política fue una especie de proceso de emancipación que se aleja de mi identificación con el Estado�€�. Y así, en 1996, nació Medea. Stimmen (Las voces de Medea). Se trata de uno de los mitos femeninos más controvertidos de la cultura griega. Representa a una mujer enamorada que abandona todo (familia, tierra y tradición) por el hombre al que ama: Jasón, al que ayuda para conseguir el Vellocino de oro. Wolf parte de la Medea de Eurípides donde Jasón y Medea marchan hacia Corinto y allí tienen dos hijos. Pero pronto acabará la dicha: Jasón rechazará a Medea para casarse por motivos políticos con Glauce, hija de Creonte, Rey de Corinto. El rey ordenará el destierro de Medea. En la versión de Eurípides Medea pide un día más de estancia en Corinto, deseo que le es concedido y que Medea aprovecha para asesinar a Glauce y a Creonte, y después a sus propios hijos con un único fin: desesperar a Jasón. Finalmente, Medea se suicida.

Christa Wolf hace hablar a seis personajes en once monólogos con diferentes puntos de vista, entrelazando los mismos y tramando los acontecimientos desde distintas posturas; unas meditadas y otras pasionales. En su obra la causa del destierro de Medea es la xenofobia de los corintios. Ella es extranjera en la tierra en la que vive y ya no puede volver a su patria y su familia. Por dicha razón, según la autora, la reacción de Medea no es motivada únicamente por Jasón, sino contra los corintios por la marginación sufrida. De hecho, en la novela de Christa Wolf son los corintios los que enfurecidos matan a los hijos de Medea para vengar la muerte de Glauce y Creonte. Para Christa Wolf, de las muertes de Creonte y Glauce tampoco cabe culpar a Medea, pues fueron fruto de la locura de Glauce. Por ello, Christa muestra a Medea como una mujer sobresaliente en un mundo masculino en donde la fémina sólo podía crecer como madre o con malas artes y perfidia. En cierto modo, existía un paralelismo entre Christa y Medea al sentirse la autora como una forastera en la nueva Alemania.

En el décimo aniversario de la caída del muro de Berlín publica Hierzulande Andernorts. Erzählungen und andere Texte 1994-1998, una colección en la que Christa reúne gran parte de sus artículos, escritos públicos, textos sobre aspectos de su vida en los últimos años, incluyendo su estancia en América. Christa confiesa que ya ha pasado tiempo desde que vio extinguirse su país, la �€�terapia para superar el dolor�€� había terminado y ya sólo le quedaba como un �€�fantasma�€� del dolor que llegó a sentir tan intensamente. Ese mismo año recibió varios premios, incluidos el Premio Elisabeth Langgässer y el Premio de Literatura Nelly Sachs.

En 2002, Christa publica la novela Leibhaftig-eine Erzählung, que representa un verdadero canto a la vida y para muchos, la despedida personal de Christa a la RDA. La desintegración del Estado socialista se recoge en la simbología del Hospital y la enfermedad en los últimos días de la Alemania oriental, en la lucha por mantener la vida tras terapias que van fracasando unido a una terrible fiebre que provoca sueños en donde una sociedad socialista es posible. Así, al igual que en Nachdenken über Christa T., la enfermedad es el medio por el que Christa refleja sus anhelos y reflexiones.

En el año 2003 Christa publica bajo el título Ein Tag im Jahr (Un día del año. 1960-2000), sus diarios de cada 27 de septiembre desde 1960 a 2000. Fue una idea publicada en 1960 por el periódico moscovita Izvestia que pidió a todos los escritores del mundo que describieran un día del año, el 27 de septiembre. Christa escribió su 27 de septiembre de 1960 y así continuó durante cuarenta años. Contando con gran sencillez, y a través de su vida cotidiana, Christa descubre un viaje en el tiempo en el que describe cómo cambia su vida año tras año incluyendo acontecimientos sociales, políticos y literarios que marcaron la historia.

En su 75 aniversario Peter Böthig publicó Christa Wolf. Eine Biographie in Bildern und Texten, un volumen biográfico especial documentado con textos y fotografias de su vida privada, sus amigos, su familia, su vida en Berlin y en su añorada región de Mecklenburg, en dicha obra se recoge parte de sus publicaciones y últimos artículos las cuales siguen en su línea de reflexión sincera y en las que afortunadamente no quedan apenas restos de su pasada amargura.

En el año 2004, en colaboración con la autora Charlotte Wolf, edita bajo la obra Ja, unsere Kreise berühren sich: Briefe la correspondencia que ambas mantenían desde hacía años. En 2005 publica Mit anderem Blick (Con otra mirada) editada en enero de 2008 en España. A través de tres historias, Christa se remonta a la época en vivió en Los Angeles (Santa Mónica) en aquel exilio voluntario. Tan lejos de su mundo, la autora se siente extraña en una sociedad consumista opuesta a todo lo que hasta entonces ella conocía, el paisaje, la gente, la vida en California, en la que casi todos son forasteros. Desde aquel mundo tan diferente, Christa recuerda su pasado, sus años de infancia, su querida Seghers, Fürnberg, Bredel, Becher, todos lo que conforman una trágica generación que vivió al borde del abismo. Una reflexión abierta y personal con un estilo irónico y desenfadado que muestran, una vez más, la vitalidad que desprende una autora como Christa Wolf, con una vida apasionante, fiel a su ideología hasta la vejez y rebosante de fuerza y de fe tanto en el futuro como en el amor.
Finalmente, en el año 2006, publica su hasta ahora último ensayo, Der Worte Adernetz: Essays und Reden. en donde, a través de una colección de ensayos y artículos y desde una nueva perspectiva como lectora, valora la contribución literaria de escritores como Heinrich Böll, Anna Seghers, Volker Braun, Inge Müller, Brigitte Reimann, Maxie Wander o Irmtraud Morgner, así como de la poesía de Nelly Sachs, aportando una brillante reflexión a través de la literatura y de la poesía de los grandes autores alemanes.

En sus últimas apariciones públicas, una Christa anciana, serena y con la cordura que dan los años, ha asegurado que ama la vida, �€�Ich lebe gerne�€�, y que se siente plenamente feliz viviendo en Berlín junto a su compañero y marido Gerhard y su familia. Siempre que Christa escribe y reflexiona regala sabiduría a través de sus palabras, nadie como ella ha sabido describir y hacer sentir, ese otro mundo y aquella otra sociedad que quizás algun día pudo haber sido real.

Karoline Von Günderrode (1780 - 1806)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sun, 14 Oct 2007 14:38:44 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Karoline von Günderrode wurde am 11. Februar 1780 in Karlsruhe geboren. Die Familie Günderrode gehörte seit dem 16. Jahrhundert zu den führenden Patriziergeschlechtern von Frankfurt am Main. Nach dem Tod des Vaters 1786 lebte die Familie in beengten Verhältnissen. Karolines frühe Jahre sind von einem gerichtlichen Streit gezeichnet, den sie zusammen mit der Mutter um das Erbe führte. Mit siebzehn wurde Karoline als �€žStiftsfräulein�€� des evangelischen Cronstetten-Hynspergischen Adeligen Damenstift in Frankfurt am Main angenommen. Das Stift sicherte mittellosen weiblichen Angehörigen der Alten-Limpurger Familien den materiellen Lebensunterhalt. Karoline studierte als Stiftsdame Philosophie, Geschichte, Literatur und Mythologie und entwickelte eine tiefe Sehnsucht nach einem erfüllten, selbstbestimmten Leben. Die Französische Revolution begeisterte sie. Ihre Liebesgeschichten hielten sie in Atem. Schon früh zeichneten sich die Themen ab, die sie ein Leben lang beschäftigen sollten: Gefangenschaft und Freiheit, Liebe und Tod. Ihre erste große Liebe wurde Friedrich Carl von Savigny. Er war damals Jurastudent und führte das junge Mädchen in den Kreis der Romantiker ein. Savigny ahnte nicht, dass seine Verehrerin Gedichte schrieb. Sie hatte allen Grund, es zu verbergen. Die enge Freundschaft zu der ebenfalls sehr wissensdurstigen Bettina von Arnim brach die Günderrode kurz vor ihrem Tod abrupt ab, da ihr Geliebter Friedrich Creuzer die Brentano-Familie nicht schätzte. Als Karoline mit 24 Jahren unter dem Pseudonym �€žTian�€� ihr erstes Buch, Gedichte und Phantasien (1804), veröffentlichte, wurde sie sowohl von Goethe als auch von Clemens Brentano sehr geschätzt. Es folgte eine weitere Sammlung von Gedichten, Poetische Fragmente (1805). Das Werk von Karoline von Günderrode aber steht bis heute im Schatten ihres Lebens. Dabei schrieb sie einige der schönsten Gedichte der europäischen Romantik, so das todessüchtige Hochroth. Ihre Dichtungen sind schwermütig und kühn, dabei aber schon im neunzehnten Jahrhundert nannte man Karoline von Günderrode die �€žSappho der Romantik�€�. Karolines Dichtungen bringen nicht nur den Konflikt zum Ausdruck, in dem sich eine liebende Frau damals befand, die zugleich ihr eigenen Ideen zu verwirklichen suchte, sie nehmen auch das Ende ihres hochgespannten Lebens vorweg. Die ungewöhnliche Erscheinung der Stiftsdame und Poetin war schon den Zeitgenossen ein Rätsel. Auch ihre Poesie schreckte in ihrer Bedingungslosigkeit viele Leser ab. Man zweifelte an ihrer Weiblichkeit. Denn Karoline von Günderrode widersprach den Vorstellungen der damaligen Zeit, wie eine Frau sich zu verhalten - und wie sie zu dichten habe .Auf einem Ausflug lernte Karoline den bedeutenden Philologen und Mythenforscher Friedrich Creuzer und seine dreizehn Jahre ältere Frau kennen. Nun erhielten ihre Lebensthemen einen Schub �€" und auch ihre Konflikte. Friedrich Creuzer schätzte ihre Dichtung und half ihr, diese zu verlegen. Karoline und Friedrich Creuzer versprachen einander bis in den Tod zu lieben. Doch Karoline konnte sich ein Leben als Professorengattin nicht vorstellen. Der Gelehrte spielte mit dem Gedanken an eine ménage à trois. Der kränkliche Friedrich Creuzer hatte aber nicht den Mut, sich von seiner Frau zu trennen. Karoline von Günderrode beschäftigte sich unter dem Einfluss von Friedrich Creuzer mit dem Studium früher, auch matriarchaler Gesellschaften. Auch darin war sie ihrer Zeit voraus. In Männerkleidung wollte sie Friedrich Creuzers Vorlesungen besuchen, um dem Geliebten so nah wie möglich zu sein. Als Friedrich Creuzer erkrankte und seine Frau ihn gesundpflegte, schwor er ihr, sich von seiner jungen Geliebten zu trennen. Schon lange besaß sie einen Dolch mit einem silbernen Griff. Aus unglücklicher Liebe, aber auch belastet von dem unlösbaren Konflikt zwischen ihrem Freiheitsbedürfnis und der Frauenrolle der damaligen Zeit, erdolchte sie sich selbst am Flussufer in Winkel am Rhein. Am nächsten Tag fand man ihre Leiche im Wasser. Friedrich Creuzer tat alles, damit Karolines postumes Werk Melete nicht publiziert wurde. Er kommt als �€žEusebio�€� in dem Buch vor und wünschte nicht erkannt zu werden. Erst hundert Jahre nach dem Tod der Dichterin konnte �€žMelete�€� veröffentlicht werden. Ihr Zwiespalt zwischen Liebe und Freiheitsdrang spiegelt die Situation der Frau in der bürgerlichen Elite um 1800 und wirft auch ein Licht auf die späteren Emanzipationsbewegungen. Die Radikalität, mit der sie ihr Gefühl auszuleben versuchte, hat schon ihre Zeitgenossen fasziniert. In den siebziger Jahren wurde Karoline zu einer Identifikationsfigur der Frauenbewegung. Christa Wolf steuerte einen Essay zu diesem Band bei und machte Karoline von Günderrode zu einer Protagonistin ihrer Erzählung �€žKein Ort. Nirgends�€�. Allerdings erfährt man hier viel über Christa Wolf und wenig über Karoline; so wie schon Bettine von Arnim die Dichterin zum Medium ihrer eigenen Weltsicht gemacht hatte.

Annette Von Droste-hülshoff (1797 - 1848)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sun, 14 Oct 2007 14:39:15 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Annette von Droste-Hülshoff, mit vollem Namen Anna Elisabeth Franzisca Adolphina Wilhelmina Ludovica Freiin von Droste zu Hülshoff, stammte aus dem altwestfälischen, katholischen Adel. Sie führte ein zurückgezogenes, sogar eingeengtes Leben. Eine erste größere Reise führte sie 1825 an den Rhein nach Köln, Bonn und Koblenz. In Bonn, das sie bis 1842 mehrfach besuchte, begegnete die Droste-Hülshoff August Wilhelm Schlegel. Zwar stand die Dichterin in brieflichem Kontakt mit intellektuellen Zeitgenossen wie den Brüdern Grimm, sie entzog sich aber niemals den Anforderungen ihrer Familie, etwa wenn sie immer wieder als Krankenpflegerin herangezogen wurde. Da sie ständig selbst kränkelte, standen für sie ein Bruch mit der Familie oder der Versuch nie zur Debatte, durch ihre Schriftstellerei ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Eine an sich harmlose Liebesaffäre wurde dann zu einer Lebenszäsur und zum lebenslangen Trauma. Danach gab sie alle Emanzipationsansprüche auf und beugte sich den gesellschaftlichen Konventionen der Biedermeierzeit. Wohl sah aber sie ihren Beruf als Dichterin. Annette von Droste-Hülshoff nahm ihre literarische Arbeit sehr ernst und war sich bewusst, große Kunst zu schaffen. Ihre Balladen wurden berühmt, wie Der Knabe im Moor, oder auch ihre Novelle Die Judenbuche, die einzige von ihr vollendete Prosaarbeit. Ein wichtiges Dokument tiefer Religiosität ist ihr Gedichtzyklus Das geistliche Jahr, in dem aber - typisch für die Zeit - auch die Zerrissenheit des Menschen zwischen aufgeklärtem Bewusstsein und religiöser Suche gestaltet wird. Die Ausführungen in diesem Werk werden heute als biographisch erachtet, da sie über 20 Jahre an dem gesamten Zyklus arbeitete. Bedeutend für ihr literarisches Wirken waren ihre Reisen an den Bodensee. Ab 1841 wohnte sie vorwiegend bei ihrem Schwager auf Schloss Meersburg am Bodensee. Insbesondere unter der Inspiration ihres Dichterfreundes Levin Schücking entstand in Meersburg ein Großteil ihrer �€žweltlichen�€� Gedichte. Sie erwarb schließlich 1843 ein Haus, das Fürstenhäusle, am Stadtrand inmitten der Weinberge in Meersburg. Am 24. Mai 1848 verstarb Annette von Droste-Hülshoff auf Schloss Meersburg am Bodensee. Nach ihrem Tod war sie so gut wie vergessen. Dies änderte sich in den 1870er und 80er Jahren, als man sowohl im Gefolge des sich erneuernden Katholizismus als auch des westfalischen Regionalismus nach literarischen Gewährleuten Ausschau hielt. Dem 20. Jahrhundert galt die Droste-Hülshoff von Beginn an als �€žDeutschlands größte Dichterin�€�. Die literarische Entwicklung der Droste-Hülshoff ist erstaunlich. Eine adlige Gelegenheitsschriftstellerin der Biedermeierzeit, die in den überaus engen Grenzen lebte, ein gut katholisches, stets kränkelndes Fräulein, das mit ebenso metaphorisch kühnen wie gedankentiefen Gedichten und mit einer bis dato unerhört realistischen und semantisch hochkomplexen �€žKriminalgeschichte�€� (Judenbuche) zur Weltliteratur vorstieß. In der Geschichte von der verfehlten Selbstverwirklichung des Friedrich Mergel, seiner Schuld und seiner grausigen Sühne mag die Dichterin ihre biographischen Versagungen, ihre Emanzipationswünsche und ihr Schuldbewußtsein literarisch projiziert haben. Schon die Briefe zeigen eine überaus phantasiebegabte, freiheitsdurstige Frau in der konfliktreichen Auseinandersetzung mit den gesellschaftlichen Konventionen ihrer Zeit, ihres Standes und ihres Geschlechtes. Daß ihr Name sich nicht im Dunkel vergessener Literaturgeschichte verlor, hat zwei Ursachen: zum einen fand die Dichterin zu einer exemplarischen religiösen Deutung ihrer gescheiterten persönlichen Selbstverwirklichung. Zum anderen fand sie eine Ersatzwirklichkeit für ihre begrabenen Jugendhoffnungen auf ein freies und selbstbestimmtes Leben. Das bekannte Gedicht Am Turme (1841) belegt in prägnanter Metaphorik (dem heimlich im Winde gelösten Haar), wie klar der Dichterin selbst dieser Zusammenhang von biographischer Resignation und poetischem Ersatzleben war. Ihre späten Lebensjahre sah die Dichterin im Zeichen der �€žGnade�€�, wie es am besten vielleicht ihr Gedicht Mondesaufgang bekundet.

Bettina Von Arnim (1785 - 1859)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sat, 13 Oct 2007 10:38:09 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Bettina von Arnim, geboren als Elisabeth Catharina Ludovica Magdalena Brentano, war die Tochter des Großkaufmanns Peter Anton Brentano und seiner Frau Maximiliane. Bis zu ihrem 13. Lebensjahr wurde sie im Ursulinenkloster in Fritzlar erzogen. Nach dem Tod der Eltern lebte sie bei ihrer Großmutter Sophie von La Roche in Offenbach, später in Frankfurt. Ihre Schwester Gunda war mit dem Rechtsgelehrten Friedrich Karl von Savigny verheiratet und lebte in Marburg, wo Bettina auch einige Zeit verbrachte. 1810 folgte sie dann den Savignys nach Berlin. 1811 heiratete Bettina Achim von Arnim, den sie bereits in Frankfurt als Freund und Studienkollegen ihres Bruders Clemens Brentano kennen gelernt hatte. Die Ehe dauerte zwanzig Jahre bis zu seinem plötzlichen Tod 1831 und brachte sieben Kinder hervor. Nach dieser Ehe begann die Hauptzeit ihrer schriftstellerischen Tätigkeit. Außerdem kümmerte sie sich um die Herausgabe der Werke ihres Mannes und ihrer eigenen Schriften. 1858 erlitt sie einen Schlaganfall, von dem sie sich nicht mehr erholte. Am 20. Januar 1859 starb sie im Kreise ihrer Familie.
Bettina gab ihr Korrespondenzen mit Goethe, Karoline von Günderrode, Clemens Brentano, Philipp von Nathusius und Friedrich Wilhelm IV. von Preußen in zum Teil sehr stark bearbeiteter Form heraus. Diese Briefbücher, die nach Grundsätzen gestaltet worden waren, die sich auf die romantische Poetik zurückführen lassen, wurden von den Lesern manchmal für authentische Dokumente gehalten, was zu allerlei Vorwürfen gegen Bettina von Arnims vermeintliche "Fälschungen" führte. Insbesondere das 1835 erschienene Goethes Briefwechsel mit einem Kinde wurde ein Verkaufserfolg und beeinflusste stark das Goethe-Bild der Folgezeit, insbesondere unter den Romantikern. Die Originalbriefe wurden im Jahr 1922 publiziert. In dem Briefroman Die Günderode verarbeitete sie die Monate ihrer Freundschaft mit Karoline von Günderrode im Jahr 1804 und deren Selbstmord. Des weiteren beschäftigte sie sich intensiv mit Musik und Zeichnen. Beschränkt wurden diese Bemühungen aber unter anderem durch ihre umfangreichen Hausfrauenpflichten und die Geldsorgen der Familie. Bettina von Arnims soziales Engagement hatte 1831 begonnen, als in Berlin die Cholera zahlreiche Opfer forderte. Ihre �€žnärrische�€� und exzentrische Image, die sie schon als Kind hatte, verhalf ihr noch zu einem willkommenen Freiraum vor der Zensur, als sie 1843 in der Schrift Dies Buch gehört dem König mit der gleichen �€žrücksichtlosen Ungeniertheit�€�, die sie der Konvention gegenüber an den Tag legt, die gesellschaftliche Verhältnisse beleuchtet. In der für Arnims Stil typischen Form dialektgefärbter, metaphernreicher und assoziativ-abschweifender Betrachtungen der �€žFrau Rat�€�, Mutter des von ihr gerade kultisch verehrten Goethe, appelliert das Königsbuch an Friedrich Wilhelm IV. von Preußen. Lange in Illusionen befangen, glaubt sie ihn dazu willens und fähig, sich als Vordenker, Erzieher und Wohltäter zu setzten. Mit dem Folgeprojekt, Gespräche mit Dämonen (1852), einer großen Dokumentation der wachsenden sozialen Verelendung und ihrer Ursachen, überschreitet Arnim dann aber doch die Toleranzschwelle. Dieses wurde 1919 nochmals aufgelegt, ergänzt durch den Untertitel �€žAufruf zur Revolution�€�. Ihre weit reichende Korrespondenz zur Ermittlung statistischer Angaben für ihr Armenbuch erregte großes Aufsehen, das Buch wurde bereits vor seinem Erscheinen von der preußischen Zensur verboten und erschien - in unvollständiger Form - erst 1969.
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Renée Vivien (1877 - 1909)

alaskaboreal@hotmail.com (Mado Martínez) — Tue, 26 Sep 2006 18:56:42 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Francés

Renée Vivien, pseudónimo de Pauline Mary Tarn nació en Inglaterra en el último tercio del siglo XIX. Su padre murió cuando ella era apenas una niña, dejandola a merced de una madre que intentó por todos los medios declarar a su hija como demente cuando su mayoría de edad estaba próxima con el propósito de arrebatarle su parte de la herencia.
Los años de niñez que pasó estudiando en Francia le hicieron adorar este país y su lengua, hasta el punto de convertirse París en su lugar de residencia y asumir el francés como lenguaje de expresión literaria.
Por otra parte, la ciudad de la Rive Gauche era un destino preferente para las artistas e intelectuales que ansiaban vivir libremente su homosexualidad, como era el caso de Vivien. Vecina de Colette (sus casas estaban comunicadas por el patio) y coetánea de Pierre Louys, Lucie Delarue-Mardrus, Liane de Pougy, entre otras, vivió su primer romance amoroso y lésbico con la también escritora Natalie Clifford Barney, conocida como "La Amazona", mujer de gran personalidad y fama que inspiró no sólo gran parte de las creaciones de nuestra escritora, sino de muchos otros escritores y escritoras más.
El mayor volumen de su escritura se concentró en el género poético, mientras que la narrativa vio la luz en forma de relatos (La Dame à la Louve) y una novela de la que haría dos versiones (Une Femme m�apparut...), amén de una pequeña biografía sobre Ana Bolena, un compendio de frases máximalistas (L�Album de Sylvestre) y traducciones de Safo y otras poetisas griegas.
El primer poemario que Renée Vivien publicó fue firmado mediante las palabras R. Vivien, que posteriormente derivaron en René Viven. Mientras la crítica alababa el talento de aquel autor que suponían masculino la autora se preparaba para dar el salto añadiendo una "e" más a su pseudónimo: Renée Vivien.
El escándalo sacudió a la joven poetisa, que de la noche a la mañana pasó de ser alabada y comparada con Baudelaire a ser tratada por la crítica con burlas referentes a su homosexualidad en todos los periódicos y revistas del momento. Tal fue la presión, que al cabo de un par de años, la escritora dedició retirar todos sus libros de la venta. En adelante, todo lo que publicaría sería para regalárselo a sus amigos y a la gente que ella considerase merecedora de leer su obra.
La temprana decepción amorosa e inseguridad que le produjeron las infidelidades de Natalie Clifford Barney, la precipitaron a correr bajo los brazos y la protección de la Baronesa Zuylen, quien a juzgar por los escritos que dejó escritos Colette sobre aquella relación, pusó a Renée Vivien en una situación subyugada y posesiva que la obligaría forzadamente a escribir una carta de ruptura dirigida a Natalie (la misma amazona confesaría años más tarde su total convencimiento de que Renée Vivien fue obligada a escribir aquella carta).
Sea como fuere, parece ser que efectivamente, Vivien no se hallaba enamorada de Zuylen, pues fueron otras las musas que le inspirarían amor y literatura, no sólo Barney, cuya sombra persistiría a lo largo de su vida y de su obra, sino también otras, entre las cuales la más importante sería la princesa turca Kerimé, con quien mantuvo una relación amorosa platónica y epistolar.
Este ser sensible y místico encontró refugio para sus decepciones y sus tenebrosidades en el alcohol, acarreándole con el tiempo una anorexia que la haría morir, o dejarse morir, en 1909, pocos meses después de haberle confesado en su última carta a la princesa Kérimé su intención de acabar son su vida iniciando ya lo que Renée Vivien llamó su "agonía moral".
Hoy en día todavía tiene lugar el "Premio Renée Vivien" de poesía que tras su muerte fundó la Baronesa Zuylen, con quien se cuenta que escribió conjuntamente otras varias obras más bajo el pseudónimo de Paul Riverdsale.

Elena Martin Vivaldi (1907 - 1997)

vale.vitale@yahoo.it (Valeria Vitale) — Sat, 12 May 2007 07:39:57 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

Nace Elena en 1907, en el seno de una familia universitaria. Su padre, José Martín Barrales, fue catedrático de Ginecología y hombre de talante progresista. Fue una de las pocas jóvenes que cursaron el bachillerato en el Instituto Padre Suarez, a comienzos de los años veinte. La poeta cursó posteriormente estudios de Magisterio y más tarde se licenció en Filosofía y Letras, en 1938. Accede por oposición al cuerpo de Bibliotecas, Archivos y Museos, en 1942, lo que le posibilitó no sólo ganarse un espacio propio en el mundo laboral, tan acotado en esos años para las mujeres, sino que también le supuso el estímulo y la tranquilidad de estar rodeada de sus más preciadas herramientas artísticas, los libros. Como consecuencia de su carrera laboral, Martín Vivaldi estuvo en Huelva, en el Archivo de Indias de Sevilla y, por fin vuelve a su Granada natal. Elena Martín Vivaldi es la poeta granadina más conocida de todos los tiempos. Su obra poética está ampliamente difundida a través de revistas literarias, habiendo sido incluidos muchos de sus poemas en antologías y traducidos para publicaciones extranjeras. Mucho se ha escrito sobre esta mujer afable, conversadora, íntima también, y de extraordinaria sinceridad poética, intentando adscribir su obra a un determinado movimiento literario.
Representa, para algunos, el punto de enlace entre la generación del 27 y todos los movimientos posteriores (Antonio Carvajal, Luis García Montero, Rafael Juarez, Javier Egea, Luis Muñoz, ...). Para Gallego Morell, �€�Elena Martín Vivaldi pertenece a una Andalucía poética que no va a remolque de Alberti o de Lorca, sino que enhebra con el aliento de Juan Ramón Jiménez y de Salinas después y de Becquer antes�€�...
Pero su poesía, de acentos íntimos y profundos, de intenso lirismo y honda tristeza, que se expresa en el lenguaje de una naturaleza sentida, interiorizada, de otoños, de lluvia, de árboles...no puede adscribirse con rotundidad a ninguno de los movimientos literarios conocidos. Elena Martín Vivaldi, sencillamente, es única, como única es la impronta de su magisterio sobre las generaciones de escritores granadinos desde la posguerra hasta el día de hoy.
Once libros han jalonado la trayectoria poética de esta singular poeta granadina. En sus primeras creaciones, se manifiesta ya esa especial sensibilidad poética que se expresa en un lenguaje claro y preciso, no exento de formas cotidianas, a través del cual nos hace partícipe de su sentimiento íntimo. Todo el desgarro entre su vitalismo y su soledad existencial, su honda tristeza, su acendrado romanticismo, su amor a la naturaleza están en estos primeros poemarios en los que es posiblepercibir la huella de Juan Ramón Jiménez: Escalera de luna, de 1945, El alma desvelada, de 1953, y Cumplida soledad, de 1958.
En Materia de esperanza, de 1968, el eje poético es el dolor interno por la maternidad frustrada. De forma similar a la �€�nobel�€� chilena Gabriela Mistral, el vacío de sus entrañas le provoca dolor, porque no nace de una decisión personal. De este modo, en esa historia de soledades en que se va conformando su trayectoria lírica, pasamos del primer desgarro inherente al desengaño amoroso a un segundo estadio proveniente del dolor de la no-maternidad.
Durante este tiempo, de 1972, representa la madurez sensitiva, intelectual y lírica de la genial poeta granadina, el momento culminante de su trayectoria poética.
Reconciliada con la soledad profunda del alma sensible, abre la puerta a una variedad temática más rica en matices y, por tanto, en acentos poéticos, alcanza con este poemario la perfección expresiva. Después vendrán títulos como: Y era su nombre mar, y Nocturnos, de 1981.
Su obra poética completa se publicó bajo el título Tiempo a la orilla, en 1985. Trece años después Elena nos dejaba, y con ella se iba una de las voces poéticas más claras y sugerentes de la literatura andaluza de posguerra. Sin embargo nos queda un testamento poético en el que su experiencia personal se universaliza y se hace experiencia colectiva.
Aunque su trayectoria poética está marcada por la indagación de los sonidos de la soledad, la poesía de Martín Vivaldi no es en absoluto pesimista, sino que insta al ser humano a acentuar las formas de sentir, con la voracidad de quien no quiere perderse nada del mundo. Para lograr la perfecta comunión con el tú poético, el yo lírico se despliega en miles de fórmulas métricas, desde las más tradicionales a las complejas, pasando por el versolibrismo tan caro a la generación poética en la que Martín Vivaldi desarrolla su labor.
Este legado humano y poético que la poeta granadina nos ha dejado obtuvo en vida merecido homenaje. Así, en el II Encuentro de poetas andaluces de 1982, su nombre fue aclamado como el de maestra indiscutible de las generaciones posteriores a la suya.
En 1988 recibió el nombramiento de Hija predilecta de Granada. Fue, así mismo, galardonada con la medalla de la Real Academia de Bellas Artes de Granada y son más los honores que se le rindieron y que no nombramos por no ser prolijos. Pero, sin duda, el mejor homenaje que se le puede hacer a Elena Martín Vivaldi es revivirla en la lectura íntima y sosegada de sus versos, aprendiendo de ella no sólo la maestría poética, sino también de su bagaje humano inmenso.

Simona Vinci (1970 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Tue, 17 Nov 2009 11:06:56 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Nació en 1970 en Milán y es una de las autoras más jovenes que han conseguido el reconocimiento del público en Italia.
Su obra se caracteriza por la búsqueda constante en el mundo de las obsesiones y las incertezas del amor, insertas a menudo en una atmósfera inquietante.
Llega al gran público con su novela Dei bambini non si sa niente del año 1997, en la cual aparecen algunos niños que cometen un delito feroz.
En su siguiente obra, una recopilación de cuentos titulada In tutti i sensi como l�amore de 1999, aparecen ya el desencanto, la desilusión y la soledad de las personas.
Además, también tuvieron gran éxito otras de sus novelas com Brother and Sister, publicada en 2003, Come prima delle madri del 2003 y Stanza 411 del 2006.
El gran descubridor de Simona Vinci fue Carlo Lucarelli; ella misma lo admite en una entrevista aparecida en la web www.thrillermagazine.it, además de reconocer la gran deuda intelectual adquirida con su editor.
Evidentemente, Simona Vinci no es una escritora de giallo pero, dejando a un lado las características más clásicas de este género, nuestra autora utiliza muchos aspectos de este tipo de literatura, aunque los adapta a su universo personal y a sus inquietudes, sobre todo enfocadas al intenso mundo de la infancia. No podemos olvidar que el delito no es más que un espejo de los delitos colectivos, de grandes desviaciones, de miedos y tramas psicológicas profundas.
Simona Vinci expresa con gran acierto las inquietudes, los miedos y la psicología de sus personajes, emnarcándolos en un contexto oscuro, tenebroso y que provoca miedo en el lector. Así consigue hacer realidad una de sus grandes preocupaciones: "Ho paura che le mie parole non servano a niente, non cambino niente".
Simona Vinci se define a sí misma como una escritora desorganizada, en el sentido de qu eno se sienta todos los días a escribir delante de una página en blanco o de la pantalla del ordenador. Sólo escribe en los momentos en que se necesita hacerlo y esto le sucede en cualquier lugar, simplemente escribe cuando desea hacerlo. Como persona es una mujer vitalista, que se impregna de la vida y la saborea con intensidad. Esta sensación se refleja perfectamente en su obra a través del lenguaje, del paisaje, de los personajes y sus sensaciones.
En sus obras transmite siempre una realidad particular, sin aspiraciones, situaciones similares a las presentadas en las crónicas periodísticas. Suelen ser circunstancias referidas al mundo infantil y juvenil, al mundo íntimo de los niños. Los temas recurrentes en todas sus obras son el vacío, el malestar, la desesperación y la búsquedad del amor.

Isabel De Villena (1430 - 1490)

violettecardaba@hotmail.com (Violeta Cárdaba) — Tue, 26 Sep 2006 18:55:44 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: catalanovalenciana

Escritora española en lengua catalanovalenciana, (n. 1430 - m. 1490). Se educó en la corte de su tía y prima María de Castilla (1401 - 1458), reina de Aragón. Su nombre fue Elinor, que cambió por el de Isabel a los quince años, al entrar de monja clarisa en el convento de la Trinidad de Valencia, del que fue elegida Abadesa en 1463, cuando tenía treinta y dos años.
Se Formó y se hizo escritora entre mujeres: en su casa (en la biblioteca de la reina) y en el convento de la Trinidad, para cuyas compañeras de vida redactó la Vita Christi y, probablemente otras obras, como el Speculum animae. La leyeron muchas mujeres, entre ellas, Isabel La Católica, que quiso que se la publicara para poderla leer, y María Jesús de Ágreda. Por eso, las principales protagonistas de la Vita Christi, publicada en 1497, son mujeres: la Virgen María, María Magdalena, etc. Aunque conoció la biografía de Cristo de Ludolfo de Sajonia, Isabel de Villena, se inspiró con gran libertad en los evangelios apócrifos, en las costumbres de su tiempo y clase social y también, en tradiciones procedentes de los evangelios gnósticos, escritos en los dos primeros siglos del cristianismo y prohibidos poco después. Supo transformar esos materiales en una preciosa obra de arte original.

Isabella Villamarino (1503 - 1559)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Fri, 24 Aug 2007 18:00:42 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano y español

Fueron los acontecimientos determinados por la ocupación española en Italia los que condujeron, desde la lejana Cataluña, a Bernart De Villamari, conocido como Bernardo Villamarino, que se había casado con la hermana del gran capitán don Raimondo de Cardona, lugarteniente del Reino, a Italia. Originariamente el apellido de la familia era Villamari, después vulgarizado en Villamar, Villamarì, Villamaría y el más usado Villamarino/a. En los documentos tanto el nombre del padre y como el de la hija lo encontramos indicado como Villamari.
Isabella Villamarino nació en el año 1503.
El 2 de junio de 1504, Bernardo Villamarino, conde de Bosa, obtuvo del rey Federico, por servicios prestados, el condado de la ciudad de Capaccio y el feudo de Altavilla, de Principato Citra, Pisciotta, Calvello, Tito y Satriano confiscados a Guglielmo Sanseverino. El gran almirante sobresalió en las guerras contra los turcos en Constantinopla, en el Danubio y en otras regiones de Hungría. Por su coraje y fidelidad a la corona fue nombrado Rey lugarteniente del Reino, conservando su título honorífico de �€�grande almirante�€� y conde de Capaccio-Altavilla. Aprobó a los Altavilleses tradiciones y una serie de artículos en su estatuto. Murió el 2 de diciembre de 1512.
Desde este momento, Isabella, sucedió al padre en el condado de Capaccio y Altavilla. De ella se hizo cargo su tía Isabella Maria Richenens, esposa de Raimondo de Córdoba. Fue considerada una de las mujeres más célebres de la época.
La figura de esta mujer se enlaza con un episodio importante de la feudalidad en la Italia meridional. La vida de Ferrante Sanseverino, príncipe de Salerno, su marido, es el ejemplo del sometimiento y de la transformación de la baronía napolitana, durante el dominio español.
Ferrante Sanseverino fue confiado desde muy pequeño al conde de Capaccio, padre de Isabella. De este modo los dos príncipes, futuros esposos, transcurrieron su infancia juntos.
Ferrante tenía menos de diez años de edad cuando el 17 de octubre de 1516, con el consentimiento del rey Fernando II, lo unieron en matrimonio con Isabella, de doce años, su coetánea y compañera de juegos. De este modo la serie de feudos y territorios que había heredado Ferrante se añadieron a los de Isabella haciendo una unión potentísima.
Isabella fue una literata de gran fama, experta en las lenguas clásicas, bella e inteligente, cantada numerosas veces en versos por sus contemporáneos, Mazziotti la describe así:
�€�... piccola statura, aveva bellísimo il volto e grandi occhi neri, squisita grazia e soavità nel dire. Onorata da molti studi e colta, fornita di spirito gentile destava l�€�ammirazione e l�€�entusiasmo...�€�. Desgraciadamente no existen retratos que nos muestren la imagen de Isabella.
Paolo Manuzio escribió que, en Avellino, la había escuchado recitar versos y prosas en latín escritas por ella y había quedado impresionado por su calidad. La elogia también el Abad Serassi cuando escribe la biografía de Torquato Tasso. Y Ortensio Landi, milanés, que en su obra Sferza degli scrittori antichi e moderni, publicada en Venecia en el año 1750 bajo el pseudónimo de Utopia, la elogia con palabras de admiración.
De ella se pueden destacar composiciones musicales a dúo con su marido, escritas durante el exilio del mismo y una gran cantidad de cartas dirigidas al Emperador, al cardinal Seripando y al arzobispo de Salerno.
Los príncipes transcurrieron gran parte del tiempo en castillos, sobre todo en Nápoles. En Salerno poseían una espléndida casa, en frente del edificio Ruggi de via Tasso, donde transcurrieron algunas temporadas.
El emperador Carlos V viajó a Nápoles y permaneció en la ciudad desde el 25 de noviembre del año 1535 hasta el 22 de marzo de 1536. Durante su estancia en la ciudad residió en el Castel dell�€�Ovo y sus estrechos colaboradores fueron huéspedes de la princesa Isabella. La permanencia del emperador animó toda la ciudad y los nobles prepararon numerosas fiestas para hacer agradable su demora. El emperador en una recepción conoció a Isabella y quedó impresionado por la gracia de su belleza, la cultura de su espíritu vivaz y la exquisitez de sus modales.
Durante una fiesta de disfraces el Emperador y el marqués del Vasto estaban sentados a los pies de la Princesa, después de una conversación amena el Emperador quiso bromear con Isabella haciéndose pasar por uno de sus colaboradores. Sin saber la verdadera identidad del enmascarado ella le pidió que hablase con el Emperador para pedirle un favor en su nombre. Le pidió que salvase a un cierto Gian Battista Della Tolfa sin pagar el �€�guidrigildo�€� (correspondía a la fianza para salir de la prisión). Éste estaba acusado de haber cometido un horrible homicidio. El Emperador, sorprendido, reveló su identidad y admirado por el espíritu de la joven mujer replicó sonriendo: �€�Ya está hecho lo que se me pedió�€�. La princesa muy contenta le entregó su ramillete y le dijo: �€�Señor Mascaro yo recibo la merced; tomase V. G. el ramillete que yo sé lo aggradece�€�.
En otra ocasión el Emperador de camino a Palazzo Sant�€�Agostino, con una numerosa escolta, quiso cambiar la ruta para �€�riguardare bravamente�€� la princesa, que para su llegada adornó exquisitamente los balcones. Durante varios días el Emperador y la princesa estuvieron juntos, conversando, bailando. El interés del Emperador era tan evidente que su marido fue avisado por el marqués del Vasto. Éste casi obligado a seguirle el juego, fingió que nada sucedía. Durante esta breve estancia el Emperador hablando confidencialmente con Doña Juana de Aragón, duquesa de Tagliacozzo, hablando de Isabella le dijo:
�€�Tre cose�€� mi ricordo a chi mi può in Napoli comandare aver promesso, duchessa mia. Una de le quali era in mano mia e la feci mal volentieri che fu smascherarmi innanzi a lei. L�€�altra che era contro le leggi perdonando l�€�omocidio commesso a Gian Battista Della Tolfa, con querele e interessi di parte; l�€�altra di farmi intercessore col Papa affinché possa la principessa di Salerno entrare dentro un monastero di donne monache per vedere sua sorella effetto vietato ad ognuno per editto Pontificale�€�.
Laura Cosentini escribe que �€�... la fama de l�€�amor suo per la principesa diede d�€�un tratto a questa una celebrità che le assicurava tutti gli omaggi, suscitandole molte invidie, mentre la grazia e la dolcezza de l�€�animo suo generoso aumentavano l�€�aureola gloriosa�€�.
Isabella participó activamente en las actividades del consorte. Su matrimonio con el príncipe no fue fácil, por las condiciones históricas que le tocó vivir y porque tenemos la certeza histórica de que su marido no era un modelo de fidelidad. Varias cartas testimonian su debilidad por las demás damas de la corte.
En 1551 el príncipe de Salerno huyó de la inminente amenaza del virrey Don Álvarez de Toledo, atravesando Basilicata y Puglia y embarcándose en Venecia para dirigirse a Francia. Fue declarado rebelde un año después. Isabella permaneció en Nápoles resistiendo a la hostilidad del virrey y declarando, como protesta, su fidelidad al rey, emperador Carlos V. Cuando la flota francesa y la turca se acercaron a Nápoles, siendo Ferrante el jefe de dicha flota, Isabella se retiró a Castel Nuovo para evitar sospechas y calumnias de su complicidad con los franceses. En ella existía implícita la convicción de que el único autor de su desgracia fuese el virrey Don Álvarez de Toledo, porque había perseguido hasta el exilio a Ferrante y la perseguía a ella también. En su interior no consideró nunca su fidelidad al rey incoherente respecto a las acciones de Ferrante.
Durante el proceso de su marido, la princesa, se refugió en el castillo de Avelino donde vivía su sobrina. El 12 de octubre de 1552 Isabella le escribe una carta al emperador confesándole todos sus miedos, ansias, sufrimientos y esperanzas.
El 13 de diciembre de 1554 la princesa Isabella escribe una carta, en lengua española, al Emperador donde le pide ayuda para salvar a sus súbditos, Joan Vincenzo Pysicello, Mucio Capeche y el abad Capeche, que habían sido acusados de traición.
El 15 de julio de 1555 Don Bernardino Mendoza, por orden del Emperador, informa a la princesa que se había preparado un viaje a España para que Isabella se encontrase con la reina de Portugal, hija de Carlos V. Isabella emprendió el viaje desde Nápoles con las galeras del reino con la esperanza de mejorar la situación y poner fin a sus sufrimientos. El 1 de agosto de 1555 hizo una parada en Barcelona después de una �€�prospera navigazione�€� e�€� senza haver sentito incomodo veruno�€��€�. De este modo describe la hospitalidad en dicha ciudad en una carta al cardinal Seripando del 10 de agosto:
�€��€�son stata accarezzata et accolta da i Cavalieri e Signori di questa città con tanta amorevolezza e cortesia che s�€�ella m�€�avesse visto m�€�havrebbe preso contento non mediocre...�€�.
Cuando pasó por Zaragoza fue recibida con igual hospitalidad por parte de los caballeros, del duque y de la duquesa de Francavilla, suegros del señor Ruy Gómez, virrey del reino de Aragón. Después de esta hospitalidad la princesa estaba realmente sorprendida y ella misma decía �€�non mi verria mai animo di partirmi�€�.
La princesa Isabella pasó muchos días en España esperando con nostalgia al Emperador: �€��€�solo mi manca la presenza di S. M. alla quale sempre che è stato in procinto di venire si sono opposti questi benedetti impedimenti di guerra�€��€�. En realidad el Emperador quería vivir en soledad los últimos días de su vida, de este modo se retiró al monasterio de Yuste en Extremadura. En 1556 abdicó a favor de su hermano Fernando y de su hijo Felipe II. Pesadillas religiosas lo obsesionaron hasta los últimos días de vida y murió el 21 de septiembre de 1558.
Cuando a Isabella Villamarino le fue concedido el permiso para volver a Nápoles un ictus cerebral acabó con su vida, el día 14 de octubre de 1559 en Madrid (Algunos críticos como I. Gallo y L. Troisi aseguran que el lugar de la muerte era Valladolid).
Poco después de la muerte de Isabella, la reina de Francia prometió a Ferrante una boda con una tal Francesca, propietaria de numerosas posesiones en Francia, pero el príncipe de Salerno estaba ya enamorado y prefirió casarse con una joven de Aviñón. Ferrante murió en el año 1568, a la edad de 61 años, en el más absoluto anonimato con su joven esposa pero sin la aprobación de sus conciudadanos por haberse convertido al calvinismo.

Mariolina Venezia (1961 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Tue, 17 Nov 2009 09:20:08 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Nació en Matera (Basilicata) en el año 1961. Se va a Francia a los veinte años: pasó dos años en Montpellier y cuatro en París. En este período entró en contacto con la realidad francesa y se dedicó a escribir poesía: publicó tres libros de poesía en una editorial del Sur de Francia. Este tiempo que vivió en Francia fue muy importante para la autora puesto que le permitió vivir experiencias absolutamente nuevas para ella y, además, entrar en contacto con el mundo del periodismo en dos vertientes principalmente: la radio, en la que hacía investigaciones profundas sobre diferentes argumentos y también escribió en alguna revista.
Durante este período realizó dos series de documentales muy influyentes para su producción literaria posterior: Una de ellas se llamaba �€�Il rosso e il verde, l�€�Italia dall�€�impegno politico all�€�ecologia�€�, en la que entrevistó a numerosos brigadistas que se habían exiliado en París; la otra serie, titulada �€�Qui altrove dappertutto e da nessuna parte�€� trataba el concepto de identidad unido al del espacio y del tiempo, para ello entrevistó a diferentes grupo sociales diferenciados por su profesión (campesinos, azafatas�€�) en las que el tiempo y el espacio determinan la vida de los individuos.
Decide volver a Italia porque siente la necesidad de escribir en su lengua madre. En la actualidad vive en Roma, ha escrito el libro de relatos Altri Miracoli (editorial Theoria) y guiones para televisión. La novela Mille anni che sto qui publicada en 2006 ha sido traducida ya en varias lenguas y la Warner Bros ha adquirido los derechos para hacer una película. Para escribir esta novela empleó la autora seis años de trabajo, en los que intentó recavar información de la gente del pueblo, es decir, un auténtico trabajo de campo realizado en los lugares utilizados como escenario de su novela, con la intención de recuperar la tradición perdida tras la industrialización de Italia. Con este fin en la novela narra la historia de una familia de campesinos, la familia Falcone, desde que se proclama la Unità de Italia (1861) hasta el año 1989, fecha en la que cae el muro de Berlín.
La novela de Mariolina Venezia recuerda ya desde el propio título a Cien años de soledad de García Márquez y, evidentemente, también su punto de partida: las dos novelas utilizan un referente numérico para enmarcar la historia de una saga familiar, intentando reflejar la sociedad rural de esos años plasmada en la historia de una familia. En los dos casos se utiliza un estilo próximo al realismo mágico. Este estilo literario denominado �€�realismo mágico�€� ha sido muy utilizado por la gran mayoría de los más prestigiosos autores literarios de América del Sur, pero tampoco es una novedad en Italia y baste como ejemplo recordar a Massimo Bontempelli, fundador de la revista 900 en 1926 y que se sirve del mundo irreal para novelar. Ya en la primera página del primer número de 900 Bontempelli proclamaba la reconstrucción del espacio y del tiempo como la tarea más urgente del siglo XX, hecho que serviría para restaurar la imaginación y animaba a los jóvenes escritores a salir fuera de sus casas y descubrir el mundo para escribir lo que vieran en él. Esto es precisamente lo que hace la escritora Mariolina Venezia para construir su historia: como hemos dicho más arriba, establece conversaciones con personas de diferentes generaciones que todavía viven en la zona y refleja en la novela sus impresiones, a veces incluso las palabras oídas, llenas de la superstición y la magia propias de la gente del campo.

Rahel Varnhagen (1771 - 1833)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Fri, 19 Oct 2007 18:03:34 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Rahel Varnhagen wurde 1771 in Berlin geboren.
Als Frau und Jüdin war sie doppelt ausgeschlossen:
der Ghettoisierung durch die Gesellschaft und der
bürgerlichen Entmündigung im Hause. Sie gehörte zu jener Generation romantischer Frauen, die nicht nur eine Emanzipation der Gefühle, sondern menschliche Gleichstellung für sich forderten. Tochter des zu Wohlstand gekommenen jüdischen Kaufmanns und Bankiers Levin, sollte sie ihre Bildung selbst schaffen, wobei man die Wurzeln ihres anarchischen und rebellischen Fühlens und Denkens haben mag. 1790 bis 1806 führte Rahel einen literarischen Salon (Salon der Rahel Varnhagen), in dem Dichter, Naturforscher, Politiker, Gesellschaftsgrößen und Aristokraten auf einer Ebene miteinander verkehrten. Das Ideal der Geselligkeit förderte somit die Emanzipation. Berühmte Rahel-Gäste waren Jean Paul, Ludwig Tieck, Ernst von Pfuel, Friedrich Schlegel, Wilhelm und Alexander von Humboldt, Friedrich de la Motte Fouqué, Prinz Louis Ferdinand und dessen Geliebte Pauline Wiesel. Ihr Talent lag im Gespräch, sie wirkte allein durch die Faszination ihrer Person, durch ihr pädagogisch-erotisches Geschick. Dabei besaß sie ein ausgeprägtes Selbstbewusstsein und einen scharfen Intellekt. Nach mehreren unglücklichen Beziehungen ehelichte Rahel 1814 den Diplomaten, Historiker und Publizisten Karl August Varnhagen von Ense und konvertierte zum Christentum. Der um vieles jüngere Diplomat und Schriftsteller wurde ihr Kind, Schüler und Liebhaber, später der sie vergötternde Prophet, Chronist und Herausgeber. Sie begleitete ihren Mann zum Wiener Kongress, von 1816 bis 1819 lebte sie in Karlsruhe und nach seiner Abberufung als Geschäftsträger am badischen Hof kehrte sie mit ihm im Oktober 1819 nach Berlin zurück. Aber schon bald führte sie ihren sogenannten "Zweiten Salon". Ihre Gäste waren u. a. Mitglieder der Familie Mendelssohn, Heinrich Heine, Eduard Gans, Ludwig Börne und der Fürst Hermann von Pückler-Muskau. Mehrmals besuchte das Ehepaar Varnhagen Goethe in Weimar.
Als Schriftstellerin pflegte Rahel vor allem die Gattungen Tagebuch und Brief. Damit ist sie typisch für die im 19. Jahrhundert aufblühende Frauenliteratur, die kleine, intimere Formen bevorzugt. Der Wert ihres Schaffens resultiert jedoch nicht nur aus der Dokumentation historischer und kultureller Vorgänge, sondern aus Rahels brillantem Stil und ihrer politischen Weitsicht. Varnhagens Bedeutung liegt in der Exzentrik, mit der sie den eigenen Blick in Sprache umsetzte. Was und wie sie es schreibt, ist leidenschaftlich-offen bis zum Schamlosen, ja Ordinären, lebendig und dabei voller Witz und Klatsch, immer aber originell und spontan.
1812 publizierte Rahel Teile ihres Briefwechsels mit Karl August Varnhagen, die Johann Wolfgang von Goethe betrafen und dessen Ruhm als Weimarer Dichterfürst bestärkte. Weitere Veröffentlichungen in Journalen und Almanachen folgten. Sie blieb anonym, wurde aber als Schriftstellerin in zeitgenössischen Lexikonbeiträgen genannt. Aber der Großteil ihrer Schriften wurde postum von ihrem Ehemann und nach dessen Tod von seiner Nichte Ludmilla Assing ediert.

Patrizia Valduga (1953 - )

l.cervini@libero.it (Laura Cervini) — Wed, 16 Apr 2008 14:29:49 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Patrizia Valduga nació en Italia, en Castelfranco veneto, en 1953. Estudió letras en Venecia, después de una pequeña paréntesis en la facultad de Medicina. Fue en Venecia donde descubrió su amor a la poesía y el encantamiento de las palabras.
Poetisa y también traductora, tradujo al Italiano John Donne, Molière, C.-P.J. de Crebillón, Mallarmé, Valéry, Céline, Beckett e il Riccardo III de Shakespeare por la editorial Italiana Einaudi.

Su talento reside en el empleo libre pero ordenado, rebelde pero fiel a la tradición, de la lengua Italiana y de sus rigurosas estructuras métricas.
Su compañero de vida y también de su visión artísticay poética, fue Giovanni Raboni, poeta Italiano y crítico literario que falleció en 2004. A él ella dedica un apéndice en la última colección del poeta, publicada por Garzanti, en 2006 llamada Ultimi versi (�šltimos versos).

La obra de esta poetisa aparece, en el panorama de la literatura Italiana contemporánea, no sólo original y fuera de los cánones de la poesía de nuestro días, sino también objeto de discusión y críticas controvertidas.
Evidentemente contra la degeneración de la lengua Italiana de los últimos tiempos, Valduga busca en la poesía su salvación y en la "prisión formal" la verdadera libertad de la expresión.
Su obra entera se compone de versos en forma cerrada: sonetos, madrigales, dísticos, cuartetas etc.
El erotismo es el elemento central de muchas de las poesías de Valduga, ella habla del sexo tanto con metáforas elegantes, como con palabras desnudas, feroces.
En Medicamenta se impone como "caso literario de la poesía contemporánea" por haber "rescucitado" todos los géneros métricos tradicionales de la poesía Italiana.
También en la colección "La Tentazione" (la Tentación) reaparece ese difícil equilibrio entre su lenguaje rico, fuerte, impetuoso y la que ella define "prisión formal" a la que se somete obediente. El poema Donna di dolori (Mujer de dolores) tiene un corte más teatral, y será representado en teatro ganando también el premio Eleonora Duse en 1992 y el premio Randone tres años más tarde.
El poema Requiem, una oda a su padre, es un riguroso poema en octavas ariostescas donde predomina la muerte.
El tema de la muerte se difunde también en el monólogo poético "La corsia degli incurabili" (La crujía de los incurables) donde también aparece una fuerte crítica a la situación socio-politica Italiana.
Aunque la muerte no es el tema principal en la colección de 1997 "Quartine e altre storie d�amore" (Cuartetas y otras historias de amor), el diálogo entre hombre y mujer, entre cuerpo y pensamiento, desvela una relación con la muerte que parece conectar ésta con las precedentes obras de la poeta.
En "Prima antologia" (primera antología) insterta un epistolario en endecasílabos.
"Quartine, seconda centuria" (Cuartetas, segunda centuria) es el segundo capítulo del discurso empezado con la obra Cuartetas y otras historias de amor. La voz de la poetisa sobre el tema del sexo. El cuerpo, su unión y su lejanía del alma, de los pensamientos, están pintados con colores más fuertes de los empleados en la otra colección de cuartetas; el tercer y último "capítulo" dedicado a este tema será "Lezioni d�amore" (Lecciones de amor).
Manfred es un poema corto publicado en 2003 con la colaboración del pintor Giovanni Manfredini.
Finalmente, el epílogo a la colección "Ultimi versi" (�šltimos versos) de Giovanni Raboni desvela una humanidad más tierna y doliente en poesías con rimas ricas de sufrimiento y de ese miedo a la muerte que en toda su obra Valduga ha combatido con las palabras.

Francesca Turrini Bufalini (1553 - 1641)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Fri, 24 Aug 2007 18:01:22 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Francesca Turrini nació en el año 1553 en Sansepolcro, en la provincia de Arezzo. Su padre era Giovanni Taurino (conocido como Turrini) conde de Stupinigi y Villafranca, su madre se llamaba Camilla, hija de Francesco conde de Carpegna.
Su padre murió cuando ella tenía sólo un año de edad y su madre la llevó a Carpegna, pero poco tiempo después falleció ella también, dejándola a cargo de sus tíos. Éstos vivían en Gattara y le dieron una buena educación que ella completó en el convento de Santa Caterina en Pesaro.
En 1574, en la fortaleza de san Giustino, se casó con Giulio I Bufalini con quien tuvo tres hijos (Giulio, Camilla, Octavio). Su marido, que tenía casi cuarenta años más que ella y era viudo por segunda vez, murió en 1583, dejándola sola con los tres hijos. Parte del tiempo lo pasaban en la casa de San Giustino y el resto en la casa de Città di Castello.
Los Bufalini poseían en Roma una capilla con frescos de Pinturicchio en Santa Maria Aracoeli y una casa. Francesca viajaba a menudo a Roma y fue allí donde tuvo la oportunidad de conocer a Tasso, Guarini, Marino y otros poetas y literatos. También tuvo amistad con los Orsini, los Colonna y los Aldobrandini.
Desde el año 1614 al 1622 fue preceptora de Anna y Vittoria en casa Colonna, bien recibida por la duquesa de Paliano.
En 1623 un hecho atroz la hizo volver a Città di Castello: su hijo Octavio y su siervo Livio fueron asesinados por intentar calmar una pelea durante la fiesta de San Lorenzo en Cospaia, un pueblo cercano a San Giustino, donde también murió el asesino.
Francesca murió el 25 de abril de 1641.

Sabemos que compuso rimas religiosas y espirituales sobre los misterios del santísimo Rosario y otras de temas domésticos con mucha sencillez y candidez que reviven las imágenes de su vida de muchacha y de esposa. Estas rimas nos muestran que Francesca no cursó unos estudios regulares, pero sí que sentía una gran pasión por la religión, las bellas artes y la música. Entre los destinatarios de sus sonetos encontramos los nombres más relevantes de la Italia central de su tiempo.
Muchos de los sonetos están dedicados a su marido y son la prueba de que su vena poética se intensificó a partir de 1584.
El poema sobre el Santo Rosario lo dedica al nuevo Pontífice Ippolito Aldobrandini (Clemente VIII), nominado en 1592, como regalo y como protección para su familia, por aquel entonces sus hijos estaban en plena adolescencia y le provocaban más de un disgusto. Sobre todo discutían a causa del vinculante "fidecommesso agnatizio" impuesto por su padre en su testamento.
Lejos de intereses y problemas retóricos y de inquietudes personales, el mundo de Francesca Turrini, lleno de modesta tranquilidad, se caracteriza por una dulzura femenina que encuentra en ella misma la propia satisfacción.
En 1628 da su cancionero de Rime para su publicación en Città di Castello, de donde podemos obtener algunos indicios de su vida, y la noticia de la redacción de un poema heroico, religioso caballeresco, titulado Florio. Este poema inédito se encuentra en el archivo Bufalini en San Giustino, con algunos madrigales y rimas sacras.

Cristina Trivulzio Di Belgioioso (1808 - 1871)

nadyagrleo@wanadoo.es (Nadya Gil Rubiales) — Sat, 26 May 2007 13:48:12 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: italiano y francés

Cristina Trivulzio Belgiojoso (Milán, 28 junio de 1808 - 5 julio de 1871) participó activamente en el Risorgimento italiano. Fue editora de periódicos revolucionarios, escritora y periodista.

Su nombre completo era: María Cristina Beatrice Teresa Barbara Leopolda Clotilde Melchiora Camilla Giulia Margherita Laura Trivulzio.

Cristina, hija de Gerolamo Trivulzio y Vittoria Gherardini, se queda muy pronto huérfana de padre. La madre se volvió a casar poco tiempo después con Alessandro Visconti D�€� Aragona y tuvo un hijo y tres hijas. Cristina estará muy unida a sus hermanos (Alberto, Virginia �€�Valentina", Giulia�€�Gigia", Teresa).

No se sabe mucho de la historia de Cristina cuando era niña. Las pocas informaciones que se tienen se han obtenido por una carta en la cual se describe a su amiga Ernesta Bisi, contrariando a un frenólogo que pretendía conocer a las personas solamente por la forma de su cuerpo. Una versión de aquel periodo de los clarividentes y similares. La propia Cristina dice: "Yo era una niña melancólica, seria, introvertida, tranquila, tan tímida que me sucedía a menudo que me estallar el hipo en el salón de mi madre porque yo creí darme cuenta de que me estaban mirando o que querían hacerme hablar".

Ernesta Bisi era su maestra de dibujo. En ese tiempo se estilaba enseñar a las muchachas de familia noble canto, dibujo y otras formas de arte. A pesar de la diferencia de edad, permanecieron siendo grandes amigas para siempre y las confidencias realmente más íntimas se le harán a ella.

Ernesta la introdujo en el mundo de la" conspiración", a través de sus amigas. El momento más importante de la juventud de Cristina es el matrimonio con el apuesto y joven príncipe Emilio Barbiano de Belgiojoso. Muchos intentaron disuadirla, mientras conociendo los hábitos libertinos de Emilio, pero al final el matrimonio se realizó. Había grandes invitados en la iglesia de S. Fedele en Milán el 24 de septiembre de 1824. La heredera más rica de Italia traía una dote de 400.000 liras austriacas (más de 4.000.000 de ⴬ de hoy). Tenía sólo 16 años cuando adquirió el título de princesa.

El matrimonio no duró mucho. Oficialmente ellos nunca se divorciaron, pero en realidad ellos se separaron pocos años después, permaneciendo buenos amigos (con algunos altos y bajos) hasta la muerte. El marido, se escapó directamente con otra condesa (De Plaisance) y se refugió durante diez años en su villa en el lago de Como (Villa Pliniana). Al final de los años veinte Cristina, después del arresto de su padrastro se aproximó a las personas más involucradas con los movimientos por la liberación y se convertirá en "giardiniera". Los austriacos que dominaban la Lombardía desde 1815 y especialmente el jefe de la policía Torresani empezaron su trabajo de espionaje que duró hasta la unidad de Italia. Era bella, poderoso, y podía molestar mucho. Afortunadamente su fama, su posición social y su diligencia para la fuga, la salvaron de arrestos fáciles.

El gobierno de Viena controlaba cada uno de sus movimientos, y después de muchas amenazas, Cristina escapó al sur de Francia. La historia de este escape es contada por algunos biógrafos con los aspectos rocambolescos; Está seguro en todo caso, que ella se encontró en Provenza sola y sin dinero. Todas sus posesiones estaban congeladas por la policía austriaca y por mucho tiempo no pudo disponer de algún dinero. La última liquidez había sido destinada a pagar las deudas del marido, a cambio de su libertad.

Se encontró sola y hospedada por amigos en el pueblecito de Carquerainne. Aquí entró en escena un nuevo amigo, un tal Pietro Bolognini llamado "il Bianchi", ex notario de Reggio Emilia, al cual los espías austríacos asignaron inmediatamente el papel de amante. Aquí conoció a Augustine Thierry, un historiador que se había vuelto hacía poco tiempo ciego, ambos serán amigos hasta la muerte. Después de algunos meses, y pese a la falta de dinero, desembarcó en París y se buscó un apartamento pequeño al lado de la Madeleine (iglesia de París dedicada a María Magdalena).

Sobrevivió con lo mínimo por algunos meses. Cocinó por primera vez sus comidas y se ganó la vida cosiendo encajes y escarapelas. Una vida un poco diversa a la que estaba acostumbrada en Milán; todavía cuando se había involucrado en esta historia, no lo había pensado mucho antes de actuar, aunque si sabía que tendría que afrontar tiempos difíciles. Habría sido simple recuperar su dinero y estar cómoda en sus palacios en Locate o a Milán. Le habría bastado estar tranquila y no alzarse contra Torresani. Incluso el gobernador austriaco Hartig y el Metternich personalmente se intercambiaron cartas sobre la princesa y ellos aplacaron al jefe de la policía que con gusto la habría tenido encarcelada.

Después de poco tiempo, con un poco de dinero enviado por su madre y un poco recuperada por sus ingresos, consigue cambiar de casa y organizar uno de aquellos salones de aristocracia, dónde reunía a exiliados italianos y a la burguesía europea.

En los años 30 frecuentó al poeta alemán Heinrich Heine, el compositor húngaro Franz Liszt, el historiador francés François Mignet, el poeta francés Alfred De Musset y muchos otros. También tenía una correspondencia con �€�el héroe de dos mundos�€� La Fayette, el viejo general protagonista de la revolución francesa. Se le atribuyeron muchos amantes, un poco como nos esperaríamos hoy de una bella mujer rica en una situación similar. Todavía tenía una relación de amistad con el marido, con el que compartía el pensamiento político y nada más. En estos diez años siguió contribuyendo a la causa italiana, intentando influir en a las personas poderosas, escribiendo artículos y publicando periódicos políticos, cuando nadie quería publicar nada peligroso.

Le continuaron llegando sumas de dinero, y ella intentará distribuirlo, de manera que pueda ayudar a los pobre exiliados italianos, de los cuales se había vuelto referente parisino, e invirtiendo en las revueltas o directamente organizando envíos de armas para los "rebeldes�€� italianos. En 1838 su vida dará un gran giro. Nacerá María, su primera hija. El padre biológico de la niña no era seguramente el marido, con el que no se frecuentaba. Se ha hipotizado con la posibilidad de que fuera su amigo François Mignet o su secretario Bolognini.

Desde ese momento dejará sus salones y sus recepciones y ellos empezarán algunos años de semi-aislamiento. Estuvo de vacaciones en Inglaterra con sus hermanos y hermanas, y allí fue a encontrarse con Napoleón III que estaba en el exilio. Consiguió rasgarle una promesa: cuando el asunto de Francia estuviera arreglado, verá también la manera de poner en su lugar la situación en Italia. Desgraciadamente, una vez que obtendrá el poder de Francia, hará la contraria consideración a Italia, y la princesa quedará muy disgustada. Entonces volverá en París por un año, para después volver finalmente a Locate, dónde empezará sus obras sociales. Aquí creará las guarderías, las escuelas, transformarán su palacio en un falansterio, con algunos cambios introducidos por ella. Crea una casa de ayuda pública y da dotes a las esposas más pobres. Querái modificar también las enseñanzas religiosas, que no creía del todo exactas, pero no llego a tanto. Su trabajo político continuó intentando convencer a todos que la única solución para acercarse a la unión italiana era apoyar a Carlo Alberto y por consiguiente el retorno de la dinastía de los Savoia. Su objetivo no era una monarquía, sino una república al estilo francés, pero, si para llegar a la república era primero necesario unir Italia, él único medio era mediante la monarquía de los Savoia.

Perdidos en un abrir y cerrar de ojos los Cinco días en Milán, pero, encontrándose con Nápoles durante las insurrecciones, recogió a 250 hombres y los llevó en una nave hasta Milán, en ayuda a los guerrilleros. Durante unos meses se respiraba aire de libertad aunque la princesa no estaba de acuerdo con había obtenido el poder. El tiempo le dio la razón, de hecho mese después los austriacos volverán a Milán. Ella, y muchos otros burgueses de Milán, se las arreglarán pagando una multa elevadísima, salvando el palacio y la libertad.

El pasado un año, se encontró de nuevo en primera línea en el momento de la insurrección romana. Ellos asignan a ella la organización de los hospitales y su es distinguido, todavía antes del Florencia Nightingale famoso.

Desgraciadamente, también en Roma la revuelta es calmada además con la propia ayuda de los franceses tan querido por Cristina. Desaparecida también esta esperanza de libertad y traicionada por su propio amigo Napoleón III que zarpó en una nave directa a Malta. Iniciará un viaje que la llevará a Grecia para acabar en Asia Menor, en el valle perdido y desolado de Ciaq Maq Oglù, al lado de la actual Ankara, Turquía.

Aquí, sola con su hija María y otros pocos exiliados italianos, sin dinero y solamente mediante créditos, establecieron una empresa agrícola. Desde aquí escribió artículos e historias de sus peripecias orientales consiguiendo así un poco de dinero para seguir viviendo durante casi cinco años. En 1855 gracias a una amnistía recuperó los permisos de la burocracia austriaca, y volvió finalmente a Locate.

En 1858 muere su aún marido legal Emilio y pocos años después consigue finalmente hacer legítima a su hija María. En 1860, después del matrimonio de su hija con el buen Ludovico Visconti D�€�Aragona, comienza una vida como suegra. Dejará serenamente la política, porque en 1861 se formará finalmente la Italia unida, tan ansiada por ella.

Desde este momento será olvidada por todos, como si ya no sirviese más. Vivió entre Milán y Locate y el lago de Como. Se compró una villita en Blevio dónde se transfiere con su fiel Budoz, el sirviente turco que la había seguido durante más de veinte años y Miss. Parker, la gobernanta inglesa que había vivido con ella y su hija desde el viaje de 1839 a Inglaterra. Murió joven en 1871, con tan sólo 63 años. Había tenido una vida con muchas vivencias y siempre había padecido varias enfermedades, así como un tentativo de homicidio que había dejado diversas heridas. Fue enterrada en Locate, dónde todavía se encuentra.

Flora Tristan (1803 - 1844)

yussolano@yahoo.com (Yusmidia Solano Suárez) — Wed, 13 May 2009 08:51:42 -0200

Periodo literario: Ilustracion | Lengua en la que escribe: FRANCES

Flora Celestine Therese Tristán Moscoso nació en París el 7 de abril en 1803, en plena época napoleónica. Fue hija del coronel Marino Tristán y Moscoso, coronel peruano de la armada española y de la francesa Anne Laisney.
Durante los primeros años de su vida, Flora no se vio privada de nada y crecíó en un hogar siempre concurrido por visitas del nivel de Simón Bolívar y su maestro Simón Rodríguez.
La muerte de su padre cuando Flora sólo tenía 4 años sume a la familia en la pobreza. El estado francés revolucionario no reconoce a la viuda ni a los hijos negándoles cualquier bien o derecho.
Por este motivo, Flora comienza a trabajar como obrera en un taller de lítografia. Con apenas 17 años, se casa con el propietario de ésta, André Chazal, y tiene tres hijos, uno de ellos, Aline, será la futura madre del pintor Paul Gaugin.
Decepcionada del matrimonio comienza a trabajar como criada de una familia inglesa, por lo que debe viajar a Inglaterra. Se inicia entonces una lucha legal por la custodia de los hijos que duraría 12 años.
Sus amargas vivencias despiertan en ella un pensamiento y una actitud revolucionaria que la convierte en la precursora del movimiento feminista. Viaja por varios países donde realiza trabajos de toda clase, es en este momento cuando toma conciencia de su condición de "paria".
En 1833 decide viajar a Perú para reclamar la herencia que le corresponde de su padre, pero solamente consigue una pensión mensual. La etapa que pasa en Perú donde asiste a la guerra civil y ve la gran diferencia entre las distintas clases sociales será significante para el futuro de Flora: se convierte en defensora declarada de los derechos y libertades de la clase obrera y de la mujer.
Las persecuciones de su marido continúan, hasta el punto de recibir un disparo que la deja mal herida. Finalmente es condenado y ella consigue liberarse de él.
A raiz de un viaje a Londres, donde Flora consigue penetrar en la cámara de los lores disfrazada de hombre y donde entra en cometo con los obreros que malviven en una sociedad que les da la espalda, decide dedicar sus esfuerzos en un futuro sobretodo a la clase obrera: antes de empezar a gestarse las ideas de Marx y Engels, viaja por toda Francia dando apoyo a los trabajadores de su país.
En 1844 fallece víctima del tifus con solo 41 años, dejándons plasmadas sus ideas y sus vivencias en su prolífica obra, de la cual destacan Peregrinaciones de una paria, Paseos en Paris, Selección de Cartas, una recopilación de cartas del Libertador Simón Bolívar, Unión Obrera así como otros dos libros a favor del divorcio.

Maria Antonietta Torriani Torelli Vollier (1840 - 1920)

pellegrino.rossana@libero.it (Rossana Pellegrino) — Wed, 30 May 2007 01:05:32 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: Italiano

La "Marchesa Colombi", seudónimo de Maria Antonietta Torriani, fue una de las escritoras menores más importantes del siglo XIX italiano. Nació en Novara en 1840 en un entorno familiar bastante difícil: el padre, relojero, muriendo dejó la familia llena de deudas. La madre, por lo tanto se casa con un anciano creyendo solucionar los problemas económicos y dar un futuro mejor a sus hijas. Pero en realidad todo fue completamente diferente: la vida en casa con el padrastro fue dura y todo organizada en función del hermanastro. Con la muerte de la madre algunos años después, a Maria Antonietta y a la hermana se supone la misma suerte que tocaba a la mayoría de las mujeres de la época: aceptar una boda de conveniencia o seguir viviendo en la casa paternal asistiendo y cuidando al hermanastro. Su hermana se casò, Maria Antonietta en cambio resiste porque quería hacer otro de su vida, y sobre todo no aceptaba una suerte elegida por otros y tampoco quería seguir viviendo en un entorno, en una ciudad que le estaban estrechos y que no le ofrecían ninguna posibilidad y revelación artística.
Maria Antonietta, con sus esfuerzos escapó del pequeño mundo antiguo de la provincia piamontesa y poquito a poco se convirtió en la protagonista del mundo de las letras y de las artes. En primer lugar entró en un convento sea para estudiar sea para llegar a ser independiente y ganarse vivir sólo con su trabajo.
En 1866 consigue el diploma de maestra y enseñó en la escuela primaria de la �€�Bassa Novarese�€�. Pero tampoco el trabajo de maestra la satisfacía por completo y por tanto en 1868 se trasladó a Milán para buscar ocasiones que les pudieran permitir estar libre y sobre todo vivir de su escritura
El traslado a Milán fue una algo azaroso porque sea la ciudad que la época no eran acostumbradas a ver a las mujeres que escribían y que vivían de su trabajo de escritoras, es decir esta forma de independencia de las mujeres, y por tanto el inicio fue muy duro. Empezó a publicar en algunas revistas, ante todo en la �€�Illustrazione Universale�€�, dónde trabajaba el periodista Eugenio Torelli Vollier, con el cual había iniciado una correspondencia cuando estaba en convento. Sucesivamente colaboró con la revista turinés �€�Passatempo�€�
El 1870 fue un año muy importante para Maria Antonietta: en abril tuve su primera conferencia pública sobre Giulia Módena y en esta ocasión nació su amistad y su colaboración con Anna Maria Mozzoni. Muchas ideas y experiencias unen a las dos mujeres y sobre todo la necesidad de dar a las mujeres la posibilidad de instruirse. La instrucción es el primer paso que habían que cumplir para poder trabajar y ser independientes.
Nace así el proyecto de instituir un bachillerato femenino, la �€�escuela superior femenina Agnesi", en Milán, que fue inaugurada el 20 noviembre del mismo año. La poética de Maria Antonietta estaba centrada sobre la importancia que tenía o habría podido tener la literatura en la educación de las mujeres y sobre todo la contribución que las mujeres, en los en varios períodos históricos, habían dado a la literatura.
En 1871 empezó a publicar sus trabajos e inició su colaboración con el periódico emancipador "La donna", un periódico escrito solo por mujeres y por lo tanto visto con desconfianza y considerado escandaloso en los entornos más conservadores. Con la colaboración a esta revista Maria Antonietta entra en el vivo del debate social emancipazionista y feminista de su tiempo. Las batallas de estas mujeres concernían temas preferidos a la escritora: la educación, el acceso a las profesiones para las mujeres, la boda como única salida, la condición de las mujeres núbiles y su posibilidad de vivir contando con la misma independencia económica.
El 1875 fue un año significativo por dos motivos: inició a firmar sus obras con el seudónimo �€�La Marchesa Colombi�€� y se casa con Eugenio Torelli Viollier.
De aqui se multiplicaronn sus colaboraciones con periódicos como �€�il corriere della sera�€� (fundado y dirigido por el marido), y luego �€�La Nazione�€� y revistas como �€�Regalo italiano�€�, �€�Fanfulla�€�, �€�Nuova Antologia�€�, �€�Domenica letteraria�€�, y también con periódicos para los niños y siempre en este período publicó numerosos libros.
En 1886 se separó del marido y en 1900 después de su muerte se trasladó a Turín. Aquí públicó sus últimos libros: �€�Il bambino della Pia�€�, �€�Le gioie degli altri�€�, �€�Racconti popolari�€�. En los últimos veinte años de su vida vive entre Turín y Cumiana interrumpiendo su permanencia viajando por toda Europa.
El 24 de marzo de 1920 muere en su casa de Turín.

Lucrezia Tornabuoni De´medici (1425 - 1482)

marihuANALOK@hotmail.com (Ana De Zayas-enriquez) — Tue, 29 May 2007 10:36:29 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Toscano

Lucrezia, hija de Francesco Tornabuoni y Francesca Pitti, nació en Florencia en 1425. Casada con Piero de´Medici, tuvo varios hijos entre los que destacó Lorenzo el Magnífico. Aunque nunca se ocupara directamente de política, a menudo, ayudó a su marido en los asuntos de estado ya que éste se encontraba débil y enfermo de salud. Por otra parte, podemos considerar a Lucrezia como buen ejemplo de una dama de la alta sociedad florentina: una excelente administradora de la casa pero también una gran participadora de la vida cultural de su época. Estuvo rodeada de artistas y literatos entre los que destacaron Poliziano y Pulci. Su actividad literaria, giró en torno a su profunda religiosidad; escribió poemas sobre temas bíblicos y evangélicos además de laudas e himnos en torno a la vida de Cristo. También son interesantes las cartas de Lucrezia que se han conservado.
Murió en Florencia el 25 de marzo de 1482 y fue enterrada en San Lorenzo.

Barbara Torelli - Bentivoglio Strozzi (1475 - 1533)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Thu, 07 Jun 2007 10:38:23 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Hija de Marsilio, conde de Montechiarugolo, fue una mujer de belleza sin igual, que nació en Ferrara probablemente en el año 1475. Se casó en 1491 con Ercole Bentivoglio, caudillo al servicio de Florencia, pero poco después lo abandonó porque se enamoró de Ercole Strozzi, poeta de elegantes elegías en latín, con quien se casó al poco tiempo, el 24 de mayo de 1508. Con esta unión Ercole legitimizó una hija de nombra Giulia que había tenido con Barbara antes del matrimonio. Desgraciadamente su historia de amor no duró mucho porque trece días después, el 6 de junio, de la celebración de la boda Ercole fue asesinado. Fue encontrado lleno de sangre, atravesado veintidos veces por un puñal, envuelto en su propia capa y abandonado en la calle al lado de la Iglesia de S. Francesco di Ferrara. Algunos aseguran que fue asesinado por orden del duca Alfonso d�€�Este, celoso de él; otros que fue asesinado por Galeazzo Sforza di Pesaro y otros sostienen que la orden llegase del primer marido de ella.
Desconsolada pasó los últimos años de su vida en Reggio, en Emilia y murió en Bolonia el 17 de noviembre del año 1533.
De ella nos llegaron pocas obras, la más famosa e importante es el soneto que escribió a la muerte de su marido donde se reflejan los sentimientos sinceros de Barbara por él, lleno de expresividad y densidad de imagenes, reflejo de la dramática situación.

Obras

Algunas poesías y el insigne soneto por la muerte de su marido se pueden encontrar en la colección de Poeti Ferraresi antichi e moderni y en Memorie per la storia di Ferrara, tomo IV de Frizzi.

Benedetta Tobagi (1977 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Fri, 01 Oct 2010 07:32:13 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Benedetta Tobagi nació en Milán en 1977. Se ha licenciado en Filosofía. Es colaboradora habitual de diversos periódicos y editoriales en Italia y también ha trabajado en el campo de la producción audiovisual.
Es actualmente una mujer comprometida con el mundo de la cultura en general, desarrollando interesantes iniciativas culturales y proyectos didácticos en centros de documentación y asociaciones para la memoria del terrorismo.
Cuando cuanta tan solo con 3 años asiste a una escena terrible: ve el cuerpo de su padre en el suelo de una calle de Milán, con un agujero en la cabeza, después de haber sufrido un atentado de manho de la Brigada 28 de marzo. Nadie se da cuenta de que la niña ha seguido a la madre hacia la calle y que ha presenciado la terrible escena, escena que señala su vida para siempre y que le llevará a intentar descubrir quién sera su padre, recogiendo información de todos los papeles almacenados en el pequeño despacho de la casa, de los amigos que le cuentan cómo era el padre, etc.

Jasmina Tesanovic (1954 - )

cinziolina@yahoo.com (Cinzia Sama) — Sat, 28 Apr 2007 10:00:09 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: INGLES

Jasmina Tesanovic (Belgrado, 1954), pacifista y activa feminista, desde 1978 cuando ayudó a organizar la Primera Conferencia Feminista de la Europa del Este, (en 1994 fundó también la editorial Feminista 94 en Belgrado), es una de las escritoras, traductoras (tradujo al serbo a Pier Paolo Pasolini, Elsa Morante, Italo Calvino, Hannah Arendt, Karen Blixen) y directoras de películas más importante de la actual literatura yugoslava.
En el año 2000 publicó en España "El diario de Jasmina", (que se publicó por primera vez en castellano en Buenos Aires, en el 1999 y por primera vez en internet) escrito durante la guerra de Kosovo y los bombardeos sobre Belgrado por parte de la OTAN. Fue acusada de traición por el gobierno de Milosevic y por eso sus textos circularon clandestinamente fuera de Yugoslavia, hasta que se publicaron en la revista "Granta". El diaro fue traducido a once idiomas y hasta la fecha se han vendido 10.000 ejemplares. Ha sido llevado a la pantalla bajo el título "Opera moral de una idiota política" (1999).
De las páginas de este diario, aprendemos que Tesanovic pasó su infancia en el extranjero para seguir, con su madre, al padre a los distintos destinos adónde lo llevaba su carrera de ingeniero y hombre de negocios.
Una obra suya menos conocida es "Matrimonium" (traducido al español en el 2003) muy importante para entender el concepto de relación matrilineal en la literatura escrita por mujeres. Este libro, junto a "Amor Mundi", escrito por Dusan Velickovic, el primer esposo de Tesanovic, recuerda, desde una diferente perspectiva, los 72 días del bombardeo de la OTAN sobre Yugoslavia y opina sobre el asesinato de su primer ministro Milosevic.
A diferencia de "El diario de Jasmina", en "Matrimonium" son muy pocas las referencias políticas y casi siempre están puestas en relación con la madre, a quien Tesanovic dedica el texto: �€�Para mi madre, que se convirtió en mosca�€�. La desaparición de la madre coincide con la caída de Milosevic y del comunismo en Serbia, que representaba la ideología de su vida.
"Matrimonium" es muy valioso porque nos proporciona varias informaciones sobre la vida de la autora. Ella misma nos cuenta que su relación con la madre fue siempre muy controvertida y difícil, porque ésta era muy fuerte y autoritaria, tanto que ella a sólo veintún años, se va de la casa. La madre nunca apoyó sus decisiones, y menos la de ser una escritora. �€�Tuve una infancia explicablemente triste. (...) Me sentí vigilada y controlada y por eso partí.�€�
En "Matrimonium" Tesanovic confiesa que la represión materna repercutía también a nivel profesional, tanto que no se atrevió a escribir hasta que ella murió. �€�Tu imponente presencia física funcionaba como una censura, pero ahora que no estás me siento más libre�€�.
Pero sólo a un solo año de su muerte, Jasmina quiere parecerse a la madre, y se vuelve cada vez más obsesionada por reconquistarla y volverla parte de sí. Sólo cuando eso pasa Jasmina puede dejar de escribir su diario, después de un largo año.
A través de "Matrimonium" nos enteramos también de que Tesanovic tiene a una hija con la cual tiene una relación muy fuerte. �€�Volví a amar otra vez. (...) He tenido suerte de ser una madre y no sólo una hija�€�.
En "Matrimonium" Tesanovic habla también abiertamente del matriarcado y del patriarcado, acusando al segundo y defendiendo al primero. Hay muchos comentarios sobre la situación de la mujer, todavía muy desfavorable, y bien representada por su madre, que por seguir a su esposo, dejó de ejercer la profesión de doctora.
"Matrimonium" está escrito en forma de diario, pero tiene una estructura anómala, así como la narración, porque la mayoría de las veces Tesanovic se dirige a su madre, casi se tratase de cartas y en pocos casos habla referiéndose a ella con la tercera persona.
Lo interesante de este otro diario es que no está escrito en la lengua madre de Tesanovic, sino en inglés, porque �€�He tratado de escribir unas pocas palabras sobre tí [la madre] en nuestra lengua (...) y me sentí enferma... Ese lenguaje me trae malos recuerdos y siento miedo mientras escribo. Es el idioma en el que soy juzgada por las personas que amo... Es el lenguaje de la censura y la autocensura. Es un lenguaje patriarcal y patrimonial. Sólo en inglés puedo decir tu secreto�€�.
En el 2005 Tesanovic se vuelve a casar con el escritor americano de ciencia ficción Bruce Sterling.
Actualmente colabora con diversos medios italianos, estadounidense, británicos y yugoslavos, por los cuales escribe artículos, donde analiza la situación internacional. Uno muy interesante es el sobre el décimo aniversario de la masacre de Srebenica (julio de 2005), donde, como siempre, Jasmina mira de frente los hechos. Como serbia y como europea, hace autocrítica al describir tanto la indiferencia de sus vecinos como la de la comunidad internacional.

Laura Terracina (1519 - 1577)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Sun, 13 May 2007 09:17:00 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Muchas incertidumbres y lagunas rodean la vida de la poetisa Laura Terracina.
Empezando por su fecha de nacimiento que algunos críticos sitúan en el 1525. En un soneto ella misma dice �€�avendo io trentadue anni Nel mille cinquecento cinquanta uno�€� así que siguiendo sus propias palabras la situaremos en 1519 y en Nápoles donde dice en otro soneto �€�nacqui�€� di pover seme�€� ne la più dolce et vaga Città del mondo�€�.
Fue hija de Paolo Terrracina y Diana Anfora di Sorrento, sus hermanos fueron Giacomo, que tuvo el cargo de justiciero en la ciudad de Nápoles, y Mariano que fue abad en un convento de Taranto. Cuando Giacomo contrajo matrimonio en el 1535 Laura se trasladó a la nueva casa del hermano y con la nueva familia vivió muchos años. Creció en el ambiente de la nobleza napolitana, los Bacio-Terracina pertenecían a la alta burguesía napolitana. Su padre en 1507 obtuvo de Fernando el Católico jurisdicción de barón sobre algunas tierras de la provincia de Lecce y murió probablemente después de 1567.
Fue una mujer inteligente y culta, se reunía y tenía buena relación con los mejores literatos y poetas de su tiempo. Incluso Vittoria Colonna le dedicó unos versos de admiración �€�Per essere donna anch�€�io, donna gentile, / s�€�io leggo i vostri versi / così leggiadri e tersi, / spiegati in vive carte e �€�n puro inchiostro / con che indorate il ferreo secol nostro, / tanto stupore io piglio...�€�.
Mantuvo correspondencia con muchos insignes literatos, entre los que podemos destacar a Tansillo, con quien mantuvo una vasta correspondencia poética y a Giovann�€�Alfonso Mantegna di Maida, con quien intercambió rimas y epístolas en 1551 con cierto tono de ternura.
Desde el año 1545 hasta 1547 formó parte de la Academia degli Incogniti donde brilló por su inteligencia y sus rimas con el nombre de Febea.
Traiano Boccalini en Ragguagli di Parnaso narra la triste historia de la muerte de Laura Terracina. Cuenta que cuando la poetisa llegó al Parnaso, fue cortejada por muchos hombres entre los cuales Mauro. Éste no le era desconocido a la poetisa ya que de él había leído alguna obra y lo admiraba, así que lo aceptó como marido. Poco después del matrimonio Mauro notó que su esposa a menudo llevaba en la pierna derecha una liga pomposa bordada con oro y llena de joyas. Cuando su marido supo que era un regalo del rey de Inglaterra Eduardo VI, como premio por la devoción hacia él, de un ataque de celos la degolló.
Parece increíble, pero esta fantasía de Boccalini pasó durante años por una narración biográfica, sin darse cuenta de los errores cronológicos que hacían de la historia una narración fantástica. Mauro en realidad murió en el año 1536 y era imposible que estuviese celoso del rey de Inglaterra que nacía un año después. En estos errores, tan evidentes, no cayeron eruditos como Quadrio o Ferri.
También fue una de las protagonistas de un poema dramático de Giacomo Riccio �€�Maritaggio delle Muse�€� colocándola como una amante de Ariosto, obsesionada por el amor que se lamenta de la crueldad de su amado. Caporali la consuela y ella se olvida de su amante Ariosto y ama a Caporali que se siente obligado a casarse con ella.
En realidad Laura fue esposa de Polidoro Terracina, un pariente suyo con quien se casó cuando ella tenía más o menos cuarenta años, entre 1560 o 61, y murió de muerte natural. Su marido la amó de forma incondicional y su amor por ella fue tan exclusivo que llegó a turbarse por los celos que sentía hacia su esposa (para él su belleza no había desaparecido), hasta el punto que ella más de una vez le reprocha estos celos y lo calma asegurándole, en sus rimas, el amor que siente por él.
Entre los años 1570 y 72 Laura viajó a Roma, como se lee en algunos sonetos, en busca de un lugar más tranquilo. No se sabe cuanto tiempo exactamente haya permanecido allí, pero casi con seguridad se puede afirmar que haya escrito allí su última obra, durante la elección del nuevo papa Gregorio XIII en mayo del 1572, y después haya abandonado la ciudad.
De los últimos años de vida de la poetisa no se sabe mucho pero tuvieron que ser muy tristes ya que fue despidiendo uno a uno a sus amigos, protectores y familiares quedándose prácticamente ella sola esperando su muerte.
Aunque se desconoce la fecha exacta de su muerte se sabe con certeza que fue después de 1577, cuando terminó la dedicatoria de su última obra.

Sus obras

Fue una poetisa �€�docta�€� y con un estilo controlado. Aunque algunos críticos consideran que en sus rimas no aparece ningún �€�labor limae�€�. A este propósito dice Jolanda De Blasi que �€�non seppe l�€�arte della lima, e la trascuratezza della forma fa capolino più che di dovere�€�. Sin embargo fue una rimadora fecunda y muy apreciada por sus contemporáneos.
Se la recuerda sobre todo por sus composiciones morales y políticas, donde encuentra un espacio para expresar, con enérgica perfección, sus nobles sentimientos, a menudo velados por una sombra de melancolía. En sus versos a menudo pasó de la inspiración profana a la religiosa, ya que en ella eran grandes el desprecio del mal y la visión del mundo para nada alegre y feliz. Puede ser que por esto Boccalini sostenga que en sus versos se aprecie el lúgubre presentimiento de su legendario final violento.
Muchos personajes de su propia familia son recordados en sus rimas. Recuerda sólo una vez a sus padres y sabemos que ha estado casada porque en la epístola dedicatoria de la Seconda parte dei discorsi sopra le seconde stanze del Furioso (22 agosto 1567) dice de haber compuesto la obra tras la petición de su marido �€�il signor Polidoro�€� quien aparece nombrado numerosas veces en las rimas compuestas entre 1549 y 1560.
Sus obras gozaron de innumerables reediciones y podemos encontrarlas en numerosas colecciones.
La primera edición de sus Rime fue publicada en 1548 en un elegante volumen de Giolito en la ciudad de Venecia y un año después se publicó en Florencia las Rime seconde dedicadas a un alemán de nombre Leonardo Kurz. En el mismo año publica con Giolito La prima parte dei discorsi sopra le prime stanze de�€� canti d�€�Orlando furioso, donde parafraseaba en modo preciso y meticuloso las primeras estancias del poema, cuarenta y seis composiciones de tema moral o encomiástico, cada una de siete octavas, de las cuales los versos finales eran las primeras octavas da cada uno de los cantos del Furioso.
Con la octava rima al estilo de Ariosto, Laura da la vuelta a los frecuentes comentarios sobre las mujeres y encuentra el modo de estimular a las mujeres al estudio.
En 1550 publicó Quarte rime y en 1552 Quinte rime ambas en Venecia con Valvassori.
En 1558 publica Seste rime en Luca con una reedición en Nápoles.
Las Settime rime fueron publicadas en Nápoles con Cancer en 1561 con el título Settime rime sovra tutte le done vedove di questa nostra città di Napoli titolate et non titolate. En estas rimas se ve cómo la poetisa ya no se siente joven y le dice adiós con dolor a su radiosa juventud perdida y a su belleza marchitada.
A estos versos les siguió las Ottave, que corresponden a la Seconda parte dei discorsi sopra le seconde stanze de�€� canti d�€�Orlando furioso, siguiendo el mismo método de la anterior y publicada en 1567 con Valvassori.
Y su último trabajo fue Sonetti al sommo pontefice Gregorio decimoterzo, et con sua Santità tutti i Cardinali, Rime spirituali, morte di Principi er di Signori titulati, et non titulati con altri sonetti a particulari gentil�€�huomini e donne composti per la signora Laura Terracina, Libro Nono, que dedicó al cardinal Ferrante de�€� Medici el 30 de noviembre de 1577. Son las últimas rimas de la poetisa que se encuentran en un códice inédito en la Biblioteca Nazionale de Florencia.

Harriet Taylor Mill (1808 - 1858)

954378830@telefonica.net (Ricardo Hurtado Simó) — Fri, 18 May 2007 02:46:06 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Inglés

Como tantas otras veces, la historia de la filosofía ha eclipsado el papel de una mujer en favor del de un hombre. En este caso, la pensadora Harriet Taylor Mill aparece siempre a la sombra de quien durante algunos años fue su marido, John Stuart Mill. Por el contrario, el peso y la capacidad intelectual de Harriet están como mínimo al mismo nivel que el de su marido, como él mismo reconocía, "Era tan elevado el nivel general de sus facultades, que la más sublime poesía, filosofía, oratoria o arte parecían triviales a su lado y aptos sólo para expresar una pequeña parte de su espíritu".
Harriet Taylor Mill nació el ocho de octubre de 1808. A la edad de dieciocho años se casó con John Taylor, en 1826, rico hombre de negocios centrado en el ámbito farmacéutico, con quien tuvo tres hijos: Herbert, Algernon y la pequeña Helen. Tanto John como Harriet participaron activamente en la Iglesia unitaria, en el grupo conocido como los �€�Unionistas radicales�€�, defendiendo posiciones extremas para la época.
La joven pareja mantenía estrechas relaciones con los miembros más distinguidos de los unitarios, entre los que destacaba William Fox, defensor de los derechos de la mujer y ministro unitario de la capilla de South Place, parroquia a la que pertenecían Harriet y John. A través de la persona de W. Fox fue posible que Harriet y John Stuart se conocieran en 1830, pues John Stuart también se movía en ambientes radicales, aunque éste pertenecía a los �€�Filósofos radicales�€�, de corte utilitarista, que pretendían llevar a cabo ciertas reformas parlamentarias. Desde el primer momento, Harriet y John Stuart congeniaron, asombrándose John por la fuerza activa de Harriet, y destacando ella que John era el primer hombre que la consideró como un igual. Por esta época, el matrimonio de Harriet con John Taylor estaba deteriorado; por ello, durante los años 1831 y 1832, Harriet escribió ensayos sobre la mujer y el matrimonio, unos veinte años antes de que realizara �€�La emancipación de la mujer�€�. En este momento, su interés por el matrimonio y el divorcio era obvio, por encontrarse casada, pero enamorada de otro hombre diferente de su marido.
Al poco tiempo de empezar la relación con Stuart Mill, el marido de Harriet estuvo al corriente, y permitió los encuentros entre ambos hasta cierto punto. Así, en 1833, Harriet se estableció en una casa separada de la de su marido, llegando incluso a realizar viajes junto a Stuart Mill; sin embargo, la �€�benevolencia �€� de John Taylor tenía sus límites, y se negó a que Stuart Mill le dedicara a Harriet los �€�Principios de economía política�€�. En 1849, John Taylor empezó a padece cáncer, y pidió a Harriet su compañía y cuidados, negándose ésta por sentir el deber de permanecer junto a Stuart Mill, aquejado de una lesión de cadera y de una pérdida temporal de visión. Finalmente, John Taylor falleció en el mismo 1849.
Pese a llevar unos veinte años juntos, Harriet y John Stuart esperaron dos años más para casarse, en 1851. Aún está presente la controversia sobre qué tipo de relación tenían, y si mantuvieron relaciones sexuales o no. Controversia que tiene su razón de ser en la rígida moral victoriana de mediados de siglo XIX y en las fuertes convicciones intelectuales de ambos sobre el sexo físico.
Harriet y John Stuart tenían poco más de veinte años cuando se conocieron, estando veinte años compartiendo sus vidas fuera del matrimonio y siete como marido y mujer, hasta la muerte de Harriet. La salud de Harriet estaba notablemente deteriorada a causa de la tuberculosis, motivo que le hizo entre las décadas de 1830 y 1850 viajar en varias ocasiones a Francia e Italia para mejorar su estado con un clima más cálido que el inglés; en 1858 viajó de nuevo a Francia por estos motivos, falleciendo ese mismo año en Avignon. En su �€�Autobiografía�€�, Stuart Mill la define como su "antorcha intelectual".
Tras la muerte de Harriet, John Stuart Mill se trasladó a Avignon para pasar el resto de su vida hasta 1873, fecha de su defunción.

Arcangela Tarabotti (1604 - 1652)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Sun, 18 Mar 2007 19:08:09 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: italiano

Sor Arcangela Tarabotti (1604-1652),considerada un de las más imporatantes escritoras italianas de su época entró siendo niña _ y en contra de su voluntad- en el monasterio denel Sant�Anna de Venecia,donde pasó el resto de su vida en estricta clausura.
Fue una de las muchas �€�monjas forzosas�€� en la Venecia del siglo XVII y vivió el monasterio como una cárcel y un �€�inferno de�€� viventi�€�.

La verdadera vocación de Arcangela Tarabotti (Elena Cassandra) no era religiosa, sino literaria. Autodidacta, empleó su talento para sacar a relucir los motivos políticos y económicos que estaban en la base del monacato forzoso, siendo el punto de mira en el contexto más amplio de la opresión de las mujeres, por defender a las mujeres denunciando la opresión que estaban sufriendo junto a otras injusticias perpretadas por los hombres.

Tarabotti escribe, con un resentimiento perceptible,que los hombres �€�han usurpado terreno a las mujeres, de entre las que pocas pueden dedicarse al noble empleo del escribir, porque son alejadas de las tiranías viriles del poder aprender a leer y de la luz de las doctrinas y de las hermosas letras.

A través de la actividad literaria ella, que se describe como �€�una mujer a la que le falta la luz del arte y del estudio necesario de quien procesa las hermosas letras�€� consiguió superar los límites físicos que la separaban del mundo que ansiaba. Estableció una amplia red de contactos literarios, mantuvo una estrecha correspondencia con mujeres y hombres notables como Giovan Francesco Loredano , Vittoria della Rovere o el Cardenal Mazzarino, publicò cuatro obras controvertidas y redactó otras seis.

En conclusión, parece que sus obras representan un caso histórico y literario único. �€�Le lettere familiari e di complimento�€� son la obra maestra de esta escritora que no tiene rivales en el campo femenino durante el siglo XVII . Es en esta obra donde la voluntad y la determinación de Tarabotti de legitimarse a sí misma como escritora aparecen clarísimas.

Alfonsina Storni (1892 - 1938)

milena@ugr.es (Milena Rodríguez) — Sun, 20 Apr 2008 08:33:34 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

Alfonsina Storni (1892-1938), considerada una de las poetas argentinas más importantes y una de las más destacadas "poetisas" del postmodernismo hispanoamericano, nació en Sala Capriasca, cantón ticino de la Suiza italiana, el 29 de mayo. A los 4 años comienza a vivir en Argentina, país al que emigran sus padres. Su infancia transcurre entre las ciudades argentinas de San Juan y Rosario. Alfonsina trabaja desde los doce años para ayudar a sostener su casa, en trabajos de bordado y costura. En 1907 se incorpora a la compañía teatral de José Tallaví y realiza una gira de un año por todo el país. En 1909 se matricula en la Escuela de Maestros Rurales, cuyo título recibe en 1910. En 1911 comienza su carrera docente en la la Escuela Elemental Nº 65 de Rosario y publica también sus primeras colaboraciones en varias revistas rosarinas. Al terminar el año escolar, renuncia a su empleo y se traslada a Buenos Aires. En 1912, sin haberse casado, nace su hijo Alejandro Alfonso.
En 1916 aparece su primer libro de poemas, "La inquietud del rosal", libro aún adolescente, de escaso valor literario, y se incorpora al grupo "Nosotros". En 1918 publica su segundo poemario, "El dulce daño", que incluye uno de sus mejores y más célebres y representativos poemas, "Tú me quieres blanca", y en 1919 se edita su tercer libro de versos, "Irremediablemente". Al año siguiente aparece "Languidez", libro que recibe el Primer Premio Muncipal y el Segundo Premio Nacional de Literatura. Alfonsina comienza a colaborar en esta fecha en el periódico "La Nación" de Buenos Aires, donde firma en ocasiones con el seudónimos Tao-Lao. Adquiere también la ciudadanía argentina.
En 1923 Alfonsina es nombrada profesora de Lectura y Declamación.
En 1925 publica "Ocre", su quinto poemario y en 1926 el libro de poemas en prosa "Poemas de amor".
En 1927 se estrena su obra de teatro "El amo de mundo". En 1930 dicta conferencias en España con gran éxito. En 1932 publica "Dos farsas pirotécnicas", que contiene las obras teatrales "Cimbelina en 1900 y pico" y "Polixena y la cocinerita". En 1934 publica el que será su último libro de poemas, "Mundo de siete pozos", donde se aprecia una influencia de la estética de las vanaguardias.
En el año 1935, Alfonsina descubre que tiene un tumor en el pecho izquierdo y es operada de "cáncer de pecho con ramificaciones".
En enero de 1938 Alfonsina participa junto a Gabriela Mistral y Juana de Ibarbourou en unas charlas organizadas por la Universidad de Montevideo, que reúnen a las tres figuras más representativas de la poesía femenina hispanoamericana de la época. La intervención de Alfonsina se titula "Entre un par de maletas a medio abrir y las manecillas del reloj". Durante ese mismo año, el 25 de octubre, Alfonsina se suicida arrojándose al mar en una playa de Mar del Plata. Días antes escribe su último poema "Voy a dormir", que sirve de inspiración para la famosa canción "Alfonsina y el mar".
Una frase de Federico de Onís, escrita en 1934, resume la importancia de Alfonsina Storni dentro de la poesía escrita por mujeres: "es la más feminista de las poetisas mayores de esta época: todas ellas, como mujeres, expresan inevitablemente, cada una a su modo, sentimientos femeninos; pero Storni ve además su feminidad como problema no sólo individual, sino social".

Gaspara Stampa (1523 - 1554)

zamiramy_1982@libero.it (Ermira My Cela) — Tue, 23 Jan 2007 19:40:07 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Gaspara Stampa, la voce piu� autentica e spontanea della poesia italiana del seidicesimo secolo, nacque a Padova nel 1523 da una colta ma modesta famiglia di commercianti di origine milanese. Nel 1531, alla morte del padre Bartolomeo, si trasferì a Venezia con la madre, il fratello Baldassare e la sorella Cassandra. A Venezia tutti e tre ebbero una buona educazione letteraria e artistica, in particolare le due sorelle divennero presto ammirate cantanti e suonatrici di liuto. La casa Stampa divenne un salotto letterario tra i piu� freguentati dai maggiori musicisti,pittori e letterati di Venezia.
Gaspara, ammirata come cantante oltre che per la sua bellezza, ebbe molti corteggiatori. Molti elementi inducono a pensare che fosse una cortigiana, una di quelle cortigiane colte ed eleganti, d�alto rango, di cui specialmente Venezia nel 500 era piena, e che viveva in un ambiente raffinato composto di nobili e artisti che avevano il culto della poesia, della musica e delle arti in genere. Qualunque sia la sua biografia di cortiggiana oppure no, Gaspara dovette essere una donna che con prontezza d�ingegno e vivacità, riusci� a vivere in una certa libertà di affetti e di costumi,s vincolata da rigidità morale, e ciò nulla toglie alla considerazione dei suoi versi, spesso severamente giudicati.
Nel 1544, l�improvvisa morte del fratello Baldassare colpì dolorosamente le donne della casa e Gaspara, particolarmente, reagì allontanandosi dalla mondanità tanto da meditare una vita monacale. Passata la crisi religiosa e mitigato il dolore del lutto, tornò alla vita mondana del passato e alla spensieratezza amorosa. A 25 anni si innamoro� follemente di Collatino di Collalto al quale dedicò versi e rime sublimi, che le hanno donato un posto d�onore nella letteratura. Il suo legame con il conte fu tempestoso e doloroso. Da parte sua sua fu un amore sincero, con sentimento quasi disperato. Il conte, invece, ricambio�solo a tratti la passione di Gaspara, l�amò piu� per vanita� che per trasporto. Collatino si allontanava spesso e Gaspara soffriva immensamente della lontananza. La loro relazione si interruppe definitivamente nel 1551. Fu un colpo duro per Gaspara che ne risenti� anche nel fisico e a nulla valsero le attenzioni del nobile veneziano Bartolomeo Zen. Si pensa che Gaspara abbia soggiornato a Firenze, di certo morì suicida a Venezia nel 1554. Poco dopo la sua morte la sorella Cassandra pubblicò le oltre 300 composizioni del suo Canzoniere, una forma di diario intimo dove si alternano gioie ed angosce. E� una delle testimonianze letterarie piu�delicate della sensibilita� femminile dell�epoca. Tre anni dopo la morte di Gaspara, il conte collatino di Collalto si sposò.

Elena Soriano (1917 - 1996)

fe2cemom@uco.es (Mª Paz Cepedello Moreno) — Tue, 23 Jan 2007 19:30:05 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: ESPAÑOL

Nacida el 4 de febrero de 1917 e hija de padres andaluces, Elena Soriano pasó su infancia entre Castilla y Andalucía debido a la profesión de su padre, que era maestro nacional. Aunque estamos de acuerdo con Concha Alborg en que los primeros años de la vida de nuestra autora no tienen especial interés, no podemos dejar de destacar que ya a los cinco años leía y a los diez escribía relatos en forma de novelitas.
Siguiendo los pasos de su padre, realizó la carrera de Magisterio, que acabaría en 1935, y luego comienza sus estudios en Filosofía y Letras, aunque no consiguió concluirlos. En primer lugar, por el estallido de la guerra civil y, en segundo lugar, por causa de la represión franquista �€"fue expulsada con la calificación máxima de las oposiciones de auxiliar de biblioteca por ser sospechosa de �€�roja�€�-.
Elena Soriano vivió la guerra civil en Valencia, y al finalizar ésta, contrajo matrimonio con Juan José Arnedo Sánchez y se dedicó forzosamente a la vida familiar como consecuencia de su veto en el concurso público de oposición. Aunque esta circunstancia marcó su vida literaria, hubo otra que la determinó definitivamente: la censura. La primera obra de Elena Soriano, Caza menor, aparecida en 1951, fue acogida con gran éxito y una crítica, cuando menos, favorable. Pero no corrió la misma suerte la trilogía Mujer y hombre, y, en concreto, la primera novela de esta serie: La playa de los locos. La censura franquista no consideró pertinente la difusión de una obra que atentaba contra los valores femeninos defendidos por el patriarcado dominante en la España de aquellos años. La prohibición de esta novela no sólo trunco una trilogía que podemos considerar un hito en la historia de la literatura de nuestro tiempo sino que destrozó la carrera literaria de una mujer que no conseguiría recuperarse hasta 1969 con la creación de la revista El Urogallo de su propia mano.
Parejo a la censura hay otro tema de vital importancia en la trayectoria de nuestra autora y que la determina como escritora. Elena Soriano reiteró en numerosas ocasiones que la otra gran razón, junto a la censura, que la llevó a abandonar la literatura temporalmente fue su condición de madre y mujer en la España franquista. Efectivamente, una de las grandes luchas de nuestra autora a lo largo de su vida fue la de adquirir el crédito intelectual que el hombre, por el simple hecho de serlo, conseguía con mucha más facilidad que una mujer de su tiempo y, en este sentido, Elena Soriano se define, con gran valentía, como una mujer feminista. Esta lucha, que alcanzó su punto culminante con la creación de la revista El Urogallo, dirigida y financiada por ella misma desde 1969 1975, se vio truncada por a la circunstancia más terrible de su vida: la drogadicción y muerte de su hijo Juanjo. El silencio literario volvió a envolver la vida de nuestra autora hasta que, precisamente, la terrible vivencia de la pérdida de su hijo la lleva a construir la obra que mayor éxito le dará de su carrera y la más dolorosa de escribir: Testimonio materno. La recreación de esta dura circunstancia sólo se justifica por el profundo sentido del deber moral que sentía Elena Soriano con una sociedad formada por individuos que podían estar viviendo las mismas circunstancias terribles que ella había sufrido. No podemos, pues, pedirle más a una autora que ha llevado su compromiso con un momento histórico en el que no se sentía integrada hasta sus últimas consecuencias. Elena Soriano abandonó este mundo en 1996, con el mismo sentimiento de �€�eterna insatisfacción�€� que había marcado su vida.

Yrsa Sigurðardóttir (1963 - )

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Sun, 20 Apr 2008 08:33:16 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: islandés

Vilborg Yrsa Sigurðardóttir nació en el seno de una familia de clase media en Reykjavík (Islandia) el 24 de agosto de 1963. En la escuela estudió, inglés, alemán, matemáticas, y muchas asignaturas con las que no tuvo apenas que esforzarse, ya que era una niña bastante despierta. No obstante, a Yrsa no le gustaba demasiado la Historia islandesa tal y como se enseñaban en las clases. Ni ella misma imaginaría que de adulta, sentiría una inmensa curiosidad por estudiar todo lo relacionado con las tradiciones de su país, incluidas las Sagas islandesas, el mundo fantástico de las leyendas de elfos y trolls y la existencia de fantasmas, muy arraigada en la cultura de Islandia.

Como buena islandesa a Yrsa le gustaba viajar, y de hecho, durante su juventud pasó un verano en Berchtesgaden, Baviera, lugar del que se enamoró. Desde entonces Yrsa mantendría una relación de cariño hacia Alemania, no sólo por su dominio del idioma sino por su sintonía con dicho país así como la cantidad de documentación que encontraría allí para su primera novela. Por dicha razón Yrsa incorporaría a un abogado alemán, Matthew Reich, como uno de sus personajes principales de sus novelas de misterio.

En 1983, Yrsa se graduó en el Instituto de Enseñanza Secundaria, y dado que era una estudiante aplicada en Ciencias, decidió estudiar Ingeniería. Sigurðardóttir se matriculó en la Universidad de Islandia, donde se licenciaría con buen expediente en 1988.

Poco tiempo después sufrió uno de los más desagradables episodios de su vida, cuando el 11 de mayo de 1989, con veinticinco años, fue detenida por la policía islandesa junto a su entonces pareja por presunta posesión de cocaína. Esto empujó a Yrsa a demandar al gobierno islandés por los daños y perjuicios ocasionados al haberla arrestado de manera ilegal e innecesaria, por lo que no dudó en recurrir hasta el Tribunal Europeo de Derechos Humanos. Además de haberse violado su presunción de inocencia, se le había negado a Yrsa una indemnización pecuniaria por haber sido mantenida a disposición judicial después de una sentencia absolutoria. Una comisión judicial llegó a viajar hasta Islandia para comprobar su caso y estudiar los expedientes, aconsejando al Gobierno islandés el pago de una indemnización al lograr la autora que la Justicia le diera la razón. Finalmente, el 30 de mayo de 2000 el Gobierno islandés abonó la indemnización e Yrsa recibió una disculpa oficial del Poder Judicial islandés, tal y como ella había exigido.

Tras aquel desagradable episodio Yrsa decidió poner tierra por medio y proseguir con sus estudios. Por dicha razón estudió un Máster de Ingeniera en la Concordia University de Montreal (Canadá) donde terminaría de graduarse en 1997 y terminaría de perfeccionar su francés.

De regreso a Islandia, Yrsa consiguió un puesto de importancia como ingeniera civil en la compañía Fjarhitun, empresa en la que en la actualidad presta sus servicios y de la que ostenta el puesto de jefa de equipo de una de los más grandes proyectos energéticos del este de Islandia: la construcción de la mayor presa de Europa con el fin de generar energía hidráulica.

En la actualidad, Yrsa vive en Reykjavík en la bella zona residencial de Seltjarnarnes, para ella, uno de los mejores lugares donde vivir y educar a sus hijos. Está casada y tiene dos hijos, el mayor de ellos, le hizo abuela en 2006, cuando Yrsa tenía sólo cuarenta y tres años. Su hija pequeña, Kristín Sól, una niña rubia y de grandes trenzas, fue escogida por Yrsa para el personaje de Sóley, la hija de la protagonista de sus novelas.

Con motivo de su trabajo, Yrsa debe viajar lejos y pasar largas temporadas fuera de su hogar, en zonas nevadas y agrestes pero de una belleza infinita. Sin embargo, la ingeniera no puede desligarse de su amor por la lectura, razón por la que, en sus largas estancias en las cabañas de madera, en soledad y junto a la calidez de la chimenea, se embulle en su gran pasión: la lectura de novelas de misterio.

Al principio, influida sin duda por el amor y entrega a sus hijos, publicó en 1998 su primer libro para niños �€��žar lágu Danir í því�€�. Tras el éxito obtenido se atrevió con cinco novelas más, las más reciente es Biobörn (BIO niños), publicada en 2003, ganó el Premio Nacional de Islandia de Novela para niños. En el año 2000, el Departamento islandés de IBBY (International Board on Books for Young People) también premió a Yrsa por su novela Við viljum jólin í júlí (Queremos la Navidad en Julio). La nota característica de estos libros para niños es el gran humor que se desprende de ellos. De hecho, algunas de las protagonistas son chicas a las que les ocurre de todo, como Stella.

Yrsa decidió un buen día dejar de lado lo que ella denomina la candidez infantil y escribir para adultos. Y ya que el crimen era la rama de la literatura que más le interesaba, decidió escribir un libro de aquéllos que tanto les gustaba.

�€�Muchos piensan que lo que ocurrió en mi vida sobre el asunto de la detención influyó en mi primera novela, donde aparece la droga asociada al crimen, sin embargo la gente ha de saber que en Islandia, los pocos delitos que existen están relacionados precisamente con el alcohol y las drogas�€�.
Efectivamente, Islandia es un país pequeño, de 311.396 habitantes (según el censo del año 2007), donde la mayor parte de la labor de la policía es acompañar a los borrachos a su casa los fines de semana y controlar la velocidad en la única carretera nacional que existe en el país. Posee uno de los mejores puestos en el ránking mundial de seguridad ciudadana, y como ejemplo de ello, la gente suele dejar sus bolsos, carteras y abrigos en los bancos de los parques mientras practican un poco de deporte, o los carritos con los bebés en las puertas de las cafeterías en verano mientras las madres saborean tranquilamente un helado.

Su primera novela para adultos, la novela policíaca �žriðja táknið (El último ritual), fue publicada por la casa editorial Veröld en 2005. Traducida a 25 idiomas, ha sido la obra que le ha dado fama mundial. Una historia en la que se mezcla la vida cotidiana de la Islandia actual con apasionantes episodios de la historia del país. �€�Yo quería escribir sobre un asesinato actual que tuviera una conexión con el pasado de la Historia de Islandia. Cogí mis viejos libros de Historia y fui leyendo, subrayando aquello que me parecía interesante y fascinante para mi novela. Adquirí en Amazon el libro sobre el Martillo de las Brujas, el cual era difícil de leer por su lenguaje anticuado y arduo, pero fue una experiencia interesante que me sirvió para escribir esta novela, y ya luego sólo me faltó escoger un escenario�€�.

Es una obra novedosa e interesante por múltiples motivos. En primer lugar posee un lenguaje muy ágil, y describe, como nadie se ha atrevido a hacer anteriormente, un mundo sumamente actual de la manera más viva, real, sencilla y elegante posible. Por su parte, la obra hace referencia al Malleus Maleficarum, (el Martillo de las brujas del dominico Kramer escrito en el Siglo XV), y que en la actualidad se puede adquirir como compendio titulado Malleus Maleficarum o El martillo de las brujas de Jacob Sprenger y Heinrich Kramer. Además hace un breve pero interesante recorrido por la magia negra, la asfixiofilia, los piercings extremos y los grupos de culto a la brujería. La novela no regresa tanto al pasado, sino más bien es éste el que se adapta a la actualidad de la mano de un personaje tan magistralmente descrito como la víctima de esta obra: Harald Guntlieb.

En sus novelas de misterio, Yrsa posee un estilo narrativo vivo, ágil y muy actual, basado fundamentalmente en los diálogos y, a través de éstos, en las reacciones que van mostrando los personajes. Todo fenómeno sucede según la cadena de acontecimientos originados por los pasos llevados a cabo en las indagaciones. Por su parte, la descripción física y psicológica de los personajes de Yrsa, es sumamente inteligente, dibuja pinceladas representativas y el resto lo deja a elección de la intuición del lector.

�€�Todos mis personajes tienen algo en común: no son perfectos. Y es que la experiencia me ha enseñado que la vida es así. Para mí es importante que el lector se sienta identificado con el personaje, con alguien creíble y convincente. Por eso, la protagonista de mis novelas, �žóra, es también una versión adulta de las chicas de mis libros para niños, donde el humor juega un papel muy importante.�€�

�€�La elección de la profesión de �žóra (abogada) fue la excusa perfecta para describir a alguien que puede tener la oportunidad de tener contacto con el delito o el crimen�€�. La autora quiso que, para hacerla creíble, �žóra tuviera dos hijos y fuera una madre trabajadora a tiempo completo e independiente económicamente, como muchas mujeres islandesas.
Y es que Yrsa Sigurðardóttir es una mujer actual y joven, por eso es crítica y sabe cómo reflejar aspectos como la pérdida de la identidad propia del país, la globalización y la influencia masiva de rasgos angloamericanos en la juventud, rasgos descritos en la obra de Sigurðardóttir. Así, la autora los representa a través de las costumbres y hobbys de su hijo Gylfi y de otros jóvenes, como los emails instantáneos, el lenguaje de los móviles, los piercings, la música estridente, las drogas, las pastillas, los vaqueros rotos, los peinados, el argot juvenil, el Manchester United, los pubs, el �€�body modification�€�, las becas Erasmus�€�
Sin embargo, la autora no deja de reflejar aspectos de la vida islandesa, como el frío característico del clima de su país, en muchos casos, a través de la propia vestimenta de los personajes. Las carreteras mojadas son una constante en ambas novelas, así como la alusión a los paisajes nevados y lugares representativos de la isla, como Hólmavík, el Museo de Brujería de Strandir, Skálholt, Ragá.

Gracias a la excelente acogida de la crítica y de los lectores de El último ritual, Yrsa Sigurðardóttir, publicó en 2006 la siguiente entrega de la saga de los abogados �žóra y Matthew: El Ladrón de almas, donde la abogada será requerida por Jónas, un antiguo cliente suyo, para investigar una serie de extraños sucesos relacionados con el mundo de lo sobrenatural. Estos fenómenos parecen estar afectando al complejo hotelero de terapias alternativas del que él es propietario en Snæfellsnes, un lugar emblemático para los islandeses y del que Julio Verne se basó para escribir �€�Viaje al centro de la tierra�€�. Por su parte, en 2007, se publicó �€�Aska�€� (Ceniza, en español) su tercer libro de la serie de �žóra y Matthew, que, como la misma autora confiesa tiene un doble significado, el significado bíblico del miércoles de ceniza �€�polvo eres y en polvo te convertirás�€� y las cenizas devastadoras del volcán islandés Heimaey.

En su segunda obra, El ladrón de almas, Yrsa refleja un tema de continua actualidad en la Islandia mágica: los fenómenos paranormales y la fuerte creencia en los fantasmas. Yrsa asegura que �€�aunque personalmente no es mi caso, es completamente cierto y muy común que en Islandia creemos en esa clase de cosas a diferencia de lo que ocurre en el resto de Occidente�€�.

Yrsa, se encuentra en la actualidad verdaderamente sorprendida y satisfecha por la acogida que está teniendo su obra, no sólo en Islandia, sino en el resto de Europa, y por ello está animada a seguir escribiendo sin dejar de lado su profesión de ingeniera. Para la autora, los motivos que le llevan a escribir vienen motivados por impulsos de tipo, como ella misma define, masoquista, �€�el mismo que lleva a los hombres a afrontar dificultades y escalar montañas, pero que cuando alcanza la cima le hace sentir inmensamente feliz y pensar que todo lo pasado ha merecido la pena�€�.

Yrsa Sigurðardóttir, es considerada actualmente en Islandia como la nueva reina del género policíaco. No obstante, no deja de ser una mujer extremadamente sencilla, llama la atención que su teléfono particular esté a disposición de sus lectores, incluso se la puede encontrar cenando con algunos de ellos en el Við Tjörnina tras hacer de guía turística improvisada.

Gabriella Sica (1950 - )

nadyagrleo@wanadoo.es (Nadya Gil Rubiales) — Wed, 06 Dec 2006 14:36:11 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana

Gabriella Sica, oriunda de Viterbo donde nace el 24 de octubre del 1950, vive desde los diez años de edad en Roma, su ciudad adoptiva.

Tras la publicación de algunos textos poéticos en revistas y antologías, como Prato Pagano, en 1980, y el Almanacco dello Spechio, en 1983, salió su primer libro de poesía La famosa vita en 1986, seguido de Vicolo del Bologna, en 1992 y Poesie bambine en 1997. A finales del año 2001 salió Poesie familiari (Fazi Editore), el libro más maduro de Gabriella Sica, Premio Internazionale di Poesia Camaiore, del cual se ha editado la segunda edición. Poesie familiari es una recopilación de los poemas escritos durante los años noventa, cuyo «estilo familiar» es también una opción de poesía comunicativa y clara. Sia dato credito all�€�invisibile, (prosa y ensayos), publicado en el año 2000 por Marsilio, es un peregrinaje por los lugares de la poesía «entrañables» para la autora, un «contracanto en prosa» de las Poesie familiari.

Desde 1980 Gabriella Sica ha trabajado alrededor de la poesía contemporánea. Ha dirigido, entre 1980 y 1987, la revista Prato pagano en cuyas páginas han debutado o publicado muchos de los autores de la generación literaria italiana actual. Ha curado la antología La parola ritrovata. Ultime tendenze della poesia italiana (Marsilio, 1995) que recoge escritos de poetas y críticos acerca de las tendencias de la poesía de los últimos dos decenios del siglo XX. Se ha ocupado, además, de la tradición poética italiana en continuidad con la poesía actual en el libro Scrivere in versi. Metrica e poesia (Pratiche, 1996, recientemente actualizada y ampliada en una nueva edición de Il Saggiatore, 2003).
En prosa ha publicado Scuola di ballo (1988), y È nato un bimbo (1990).
Es autora de seis filmes sobre los grandes poetas del Novecientos: Giuseppe Ungaretti. Eugenio Montale, Pier Paolo Passolini, Umberto Saba, Sandro Penna e Giorgio Caproni, de los cuales, los tres primeros, han sido publicados en vídeo cassette (Einaudi).

Maria Sibylla Merian (1647 - 1717)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:27:22 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: alemán

Maria Sybilla Merian nació en Francfort (Alemania) el 2 de abril del año 1647 y murió el 13 de enero del año 1717 en Amsterdam. Fue una naturalista y pintora alemana.
Aunque ignorada durante mucho tiempo, es considerada actualmente como una de las más importantes iniciadoras de la entomología moderna, gracias a las observaciones detalladas y a su descripción, con ilustraciones propias, de la metamorfosis de las maripoas.
María Sibylla Merian fue hija de Matthäus Merian el viejo, grabador en talla dulce y editor; murió cuando María Sibylla tenía tres años. Su madre, Johanna Sibylla Heim, era la segunda esposa de Matthäus Merian. Más tarde, su padrastro, Jakob Marell, famoso por sus cuadros de flores, le enseñó a pintar, dibujar y grabar. A los trece años ya pintaba sus primeras imágenes de insectos y de plantas a partir de modelos que capturaba directamente.
A los 18 años, en 1665, María Sibylla se casó con un pintor especializado en arquitectura, Johann Andreas Graff. Dos años más tarde tuvo su primera hija, Johanna Helena, y la familia se mudó a Núremberg. Maria se preguntaba cómo podían surgir las más bellas mariposas de las orugas. Estudió la metamorfosis, los detalles de la crisálida y las plantas de las cuales se alimenta la oruga. Ilustró así todos los estadios del desarrollo en su libreta de bocetos.
Esta libreta de bocetos es la trama de su primer libro, publicado cuando tenía 28 años, en 1675, con el nombre de Neues Blumenbuch (Nuevo libro de flores). En éste sólo las flores son reproducidas de forma muy ingeniosa y detallada. Los dos últimos volúmenes del libro se publicaron en 1677. En 1678 nació su segunda hija, Dorotha Maria, y un año más tarde publicó su libro Der Raupen wunderbare Verwandlung und sonderbare Blumennahrung (La oruga, maravillosa transformación y extraña alimentación floral) que es su segunda gran obra. En este libro presenta los distintos estadios de desarrollo de las distintas especies de mariposas sobre las plantas de las que se alimentan.
En 1685 Merian se separó de su marido y se mudó al castillo Waltha (Holanda). En este lugar estudió la fauna y flora tropical sudamericana y, un año más tarde, se instaló en Ámsterdam.
En 1699, con 52 años, viajó con su hija más joven a Surinam. Aunque amigos y conocidos de María le desaconsejaron hacer ese viaje a Surinam, ésta no abandonó su proyecto. Para su viaje, Maria obtuvo una beca de la ciudad de Ámsterdam. Desde Paramaribo, la capital del país, las dos mujeres realizaron numerosas excursiones al interior de Surinam. Maria describió todo lo que fue descubriendo sobre la metamorfosis de los insectos tropicales de Surinam y realizó un gran número de dibujos y acuarelas. En 1701 se contagió de malaria y debió interrumpir su viaje y volver a Ámsterdam.
Sus dibujos y bocetos le sirvieron de base para realizar un trabajo de importancia sobre la fauna y la flora de Surinam. Con la ayuda de varios conciudadanos el editor publicó, luego de tres años de trabajo intensivo, la obra más importante de Maria Sibylla Merian: Metamorphosis insectorum Surinamensium ( Metamorfosis de los insectos del Surinam), publicada en Ámsterdam en 1705.
Su libro era para la época bastante caro y había pocos compradores, Maria Sibylla Merian no podía vivir sólo gracias a su pintura. Se dedicó a dar cursos de dibujo y a la venta de utensilios de pintura y preparaciones a base de plantas y animales de todo tipo de especies.

Merian, que contaba con una gran reputación de naturalista y artista, murió en 1717 a los 70 años en Ámsterdam. Hacía dos años que debía desplazarse en silla de ruedas tras un ataque de apoplejía.

En los últimos años del siglo XX, el trabajo de Maria fue redescubierto, restaurado y varias veces honrado. Su retrato se puso en el billete de 500 marcos alemanes y en un sello de 0.40 marcos de 1987. Varias escuelas llevan su nombre y en enero de 2005 la ciudad de Warnamünde botó un barco con su nombre perteneciente al Instituto de Investigación en el Mar Báltico.

Matilde Serao (1857 - 1927)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Mon, 15 Jan 2007 10:55:10 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: Italiano

Matilde Serao, célebre escritora y periodista italiana, nació en Patras (Grecia) en 1857 y murió en Nápoles en 1927. Su padre, abogado y patriota italiano, se vio obligado a emigrar para evitar las frecuentes persecuciones de la policía borbónica y se refugió en Grecia, donde se casó con Paulina Borely, una mujer griega de gran cultura. Tras la caída del Reino Borbónico, su familia regresó a Nápoles donde ella transcurrió su infancia, caracterizada por la pobreza y la precariedad de la situación familiar. Frecuentó la Scuola Normale Pimentel Fonseca de Plaza del Jesús, en Nápoles, y, tras haber obtenido el diploma de maestra, empezó a trabajar en los telégrafos del estado, iniciando paralelamente su colaboración con algunos periódicos locales. En 1878 hizo su ingreso en la redacción del �€�Corriere del Mattino�€�, y en ese mismo año publicó, con lo pseudónimo de Tuffolina, su primera colección de cuentos, Opale. En 1882 se mudó a Roma donde empezó a colaborar con varios periódicos entre los cuales �€�Il Farfulla della Domenica�€� y �€�Capitan Fracassa�€�. En aquel periodo conoció a Edoardo Scarfoglio con el cual se casó en el 1885 y con el cual tuvo cuatro hijos. Junto con su marido fundó el �€�Corriere di Roma�€� y en el 1892, siempre con él, fundó �€�Il Mattino�€�. Tras su separación con el marido (1902) fundó �€�Il Giorno�€� (1904) que dirigió hasta su muerte. Matilde Serao se distinguió siempre por su dinamismo y por sus dotes periodísticas, y tuvo un rol de primer plano en la vida napolitana entre los dos siglos. Su grande producción literaria llega a su apogeo en las paginas que retraen el ambiente popular napolitano, y en particular, en los análisis psicológicos, particularmente sutiles, de los personajes femeninos. A pesar de que Matilde Serao fue una de las figuras intelectuales más eminentes de final del siglo XIX y del principio del siglo XX su obra es prácticamente caída en el olvido, como demuestra el hecho de que es poco recordada en las historias literarias y en las antologías, donde sigue ocupando una posición marginal. De hecho es considerada por parte de la crítica como una verista menor y la modernidad y eficacia de su escritura no es considerada merecedora de conquistarse un espacio en el canon literario referido a su época, sobre todo porque se le reprocha que se exalta exclusivamente en sus matices locales. Fue apreciada hasta el punto de ser candidata al premio Oscar por la literatura poco antes de su muerte, aunque el premio será asignado a su contemporánea, la escritora sarda Grazia Deledda. Debido a su actividad de periodista conoció a muchas personas de todas las clases sociales, frecuentó los ambientes más refinados y los salones literarios más en auge de su época, y su antifeminismo teórico, a menudo estuvo en contraste con los personajes presentados en sus obras. La que es considerada su obra maestra, Il ventre di Napoli, nació como un reportaje sobre las nefastas consecuencias de la epidemia de malaria del 1884, y fue publicada en apéndice en el �€�Capitan Fracassa�€� (1884). En realidad es más que un documento histórico, es una representación eficaz de la degradación del pueblo napolitano de la época, que señala la existencia del lado oscuro de la ciudad, de la presencia de esas personas �€�invisibles�€� que viven en la precariedad en los barrios populares de Nápoles, en definitiva un sutil análisis de la condición socio-económica de Nápoles en aquella época.

Anna Seghers (1900 - 1983)

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Wed, 21 Jan 2009 07:48:14 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Alemán

"Anna Seghers: alemana, judía, comunista, escritora, mujer, madre. En cada una de estas palabras hay que pararse a reflexionar. Tantas identidades contradictorias, aparentemente excluyentes, tantos ligamentos profundos y dolorosos..." (Christa Wolf.)

Anna Seghers, cuyo verdadero nombre era Netti Reiling fue la hija de un comerciante de arte llamado Isidor Reiling y su mujer Frau Hedwig (nacida Fuld) perteneciente a una conocida familia de empresarios de Frankfurt; Nació el 19 de noviembre de 1900 en Mainz. Su familia, bastante adinerada, profesaba la religión judía ortodoxa.
En sus primeros años, la pequeña Netti visita la escuela privada para niños de la señorita Goertz y posteriormente sería matriculada en la escuela de señoritas de PeterStrasse. Durante la primera guerra mundial, ya con 14 años, Netti, como muchas de las muchachas de su clase se alistó junto con sus compañeras de escuela al Servicio de Ayuda para la Guerra pudiendo así aportar su granito de arena como compatriota.
Influenciada por el ambiente cultural familiar, en donde las sagas, los cuentos y las obras de los clásicos eran temas diarios, estudió en las universidades de Colonia y Heidelberg Historia, Historia del Arte y Sinología. Finalmente, en 1924 se doctoró en la Universidad de Heidelberg con una tesis sobre los judíos y el judaísmo en la obra de Rembrandt "Juden und Judentum im Werke Rembrandts"
A pesar de sus experiencias dentro de la clase acomodada, la vida universitaria había abierto una nueva perspectiva en el horizonte cultural de Netti, por lo que acabó uniéndose a grupos intelectuales de izquierdas y conocería a su futuro esposo. A los 25 años, y gracias a su fuerte personalidad, consiguió contraer matrimonio con el sociólogo, escritor y comunista húngaro László Radványi. En 1926 nació en Berlín su primer hijo Peter. En esos años comenzaron a editarse en el periódico alemán Frankfurter Zeitung sus primeros cuentos.
En 1927 escribió su cuento llamado "Grubetsch" bajo el nombre artístico Seghers. Al año siguiente, escribiría una nueva obra ya firmada como Anna Seghers, y tendría a su segunda hija: Ruth.
Efectivamente, fue en 1928 cuando publicó ese primer libro titulado "La Revuelta de los pescadores de Santa Bárbara" (Aufstand der Fischer von St. Barbara). Esta fue la obra que le abrió las puertas al mundo literario, pues su novela fue considerada como una obra maestra del postexpresionismo. Con esta obra, en la que relata de manera casi poética la rebelión humana de los pescadores contra el monopolio, la miseria y la solidaridad humana, asuntos siempre dominantes en su literatura, consiguió el premio Kleist, entregado por Hans Henry Jahn. En su obra, la autora hace uso de la corriente literaria del nuevo factualismo, cuidando al máximo los detalles en las descripciones. El lema de la obra es la necesidad del hombre de trabajar unidos para la lucha contra la opresión y el uso de la rebelión como método de lucha.
En ese mismo año y convencida de que no sólo había que luchar desde la escritura, se hizo miembro del KPD (Partido Comunista Alemán, o Kommunistische Partei Deutschlands). Uno de los detonantes para afiliarse en esos momentos fue el considerar que era el único partido en Alemania que se estaba enfrentando verdaderamente y de manera valiente contra el ya cada día más asentado nazismo.
Comprometida con sus ideales de defender las virtudes del colectivo y proletariado, en 1930 publicó una serie de relatos cortos sobre la pobreza y las huelgas de los trabajadores: "Auf dem Wege zur Amerikanischen Botschaft und andere Erzählungen". En dicha obra se refleja la influencia de Dostoyewsky en la recreación de los ambientes y la forma de adentrarse en los personajes atormentados. Fue en ese mismo año, 1930, cuando cumplió su sueño de viajar por primera vez a Moscú, quedándose admirada por el comunismo hecho realidad, vivido en directo.
De vuelta a Alemania, el nacionalsocialismo había llegado al poder, y tal y como ella misma había temido, fue arrestada temporalmente por la Gestapo. Anna Seghers ya era una conocida escritora comunista y su marido ostentaba el cargo de director de la Escuela Marxista de Trabajadores (MASCH). Acusada de varios cargos, entre ellos de desobediencia al Estado, y recluida temporalmente en una prisión de mujeres, supo que sus libros en Alemania habían sido prohibidos y quemados, para gran frustración e impotencia de la entonces muy joven autora. Pero quizás lo que más le hirió y causó desilusión en sus años fue el derrumbe de su propia utopía: que los trabajadores alemanes no se organizaran y lucharan contra el régimen nazi, sino muy al contrario, en su mayoría, por acción u omisión, fueran cómplices y partícipes del nuevo régimen. Poco después, y gracias a varios golpes de suerte, pudo escapar a Suiza, desde donde se trasladó a París en 1933. Allí tomó un papel comprometido y beligerante contra el gobierno nazi, siendo redactora de la revista Neue Deutsche Blätter, publicada en Praga, y participando en varias iniciativas de grupos intelectuales alemanes exiliados.
En 1934 estuvo en Viena, donde logró reunir una amplia documentación sobre la insurrección de febrero de 1934 y los últimos momentos de Engelbert Dollfuss, asesinado por los nazis austriacos habiendo sido un héroe de guerra y un gran político. Gracias a la información obtenida escribió la novela "Der Weg durch den Februar" (1935). También estuvo en España durante la guerra civil española siendo testigo directo de lo que ella consideró una auténtica revolución. De vuelta a París, fue una de las fundadoras del Schutzverbandes Deutscher Schriftsteller.
Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial y la toma de París por parte de las tropas alemanas, en 1940, su vida dio un giro radical, su marido fue internado en el campo de concentración de Le Vernet en el sur de Francia. Anna Seghers logró de nuevo escapar y huir con sus hijos desde París hasta la parte del sur de Francia, la cual estaba gobernada por Pétain.
Ya en Marsella, intentó por todos los medios conseguir la liberación de su marido, y en cuanto hubo posibilidad de salir del país, a través de Martinica, Nueva York y Veracruz llegó hasta Ciudad de México. El viaje supuso una verdadera tortura de burocracias y visados pues su verdadera intención era instalarse en EEUU, país que no la acogió por el pasado comunista del matrimonio. Atrás había quedado su vida en Europa, pero no su trabajo, en aquellos cafés de París, en sus largas esperas en Marsella para la liberación de su amado, había escrito los borradores de dos grandes obras, llenas de todo lo que ella quería entregar al mundo: poder transmitir a tantas personas, a las miles que habían sido víctimas del nazismo, que existía la esperanza de una vida mejor, que la unión hacía la fuerza y que la palabra clave era la solidaridad entre los seres humanos. De aquella época francesa en medio del caos la esposa del compositor Eisier, relata "En este período caótico ella mantenía su ritmo de vida, escribía un libro y a una hora determinada de la tarde no se la podía molestar, porque hacía los deberes con sus hijos. Yo la admiré mucho, porque en medio de aquella existencia improvisada, de la histeria y el nerviosismo generales, exhalaba una gran calma".
En México Anna fue muy bien recibida y muy querida por escritores como Pablo Neruda y el autor brasileño Jorge Amado "Nadie poseyó en este mundo tanto encanto y fantasía como Ana - tanto, tanto." Por su parte, Anna se esforzó por integrarse y aprender enseguida el idioma. Como siempre era ella la que sacaba a su familia adelante, fue ella misma la que consiguió que su marido trabajara en la Universidad. Allí, Anna Seghers fundó el club antifascista Heinrich Heine siendo ella la presidenta. También Seghers colaboró en la revista Freies Deutschland, junto con otros escritores refugiados en el país, entre ellos Ludwig Renn. Fue en 1942 cuando publicó la que probablemente sería la novela más conocida, La séptima cruz (Das siebte Kreuz). En ella la autora descarga sus iras y denuncia aquella caída de la utopía que vivió estando detenida, la sociedad nihilista, aquella que no se compromete y que acabó cómplice con el nazismo. Narra la historia de siete evadidos de un campo de concentración nazi, el comandante del campo ordena clavar siete cruces por cada uno de los huidos perjurando encontrar a cada uno de ellos. De los siete prisioneros acosados por la Gestapo sólo uno logrará escaparse gracias a la ayuda valiente que le ofrecen algunas personas.
En Transit se describe, con detalle y con cierta influencia kafkiana, a través de la vida de algunos prófugos que se reúnen en Marsella con la esperanza de poder salir de Francia, el relato sobre la historia de aquellos que, por un motivo u otro, eran perseguidos y se veían obligados a abandonar la arruinada Europa por culpa del avance del nazismo, entre ellos incluso excombatientes republicanos españoles. Era en parte su propia biografía.
En junio de 1943 sufrió un gravísimo y extraño accidente de tráfico que la tuvo postrada en un Hospital. Para su alegría, un año más tarde, Fred Zinnemann filmó la película La Séptima Cruz, con actores como Spencer Tracy, en la que para muchos fue su mejor interpretación, lo que la convirtió en una autora conocida.
En 1947 volvería a la Berlín oriental, como miembro del Partido Socialista Unificado de Alemania (Sozialistischen Einheitspartei Deutschlands), en la entonces República Democrática Alemana. En ese año se le otorgó el premio Georg Büchner. En 1951 ganó el Premio Nacional de la DDR y realizó un viaje a la República Popular de China ya como autora consagrada. Mientras tanto, en la Alemania Federal se la ignoraba y consideraba una simple escritora del régimen.
Todos estos premios y viajes ratificó su compromiso con el socialismo y la sociedad del proletariado, lo cual se reflejaría en la obra "Die Toten bleiben Jung" (1949). Ese mismo año fue nombrada presidenta de la Federación de Escritores de la DDR. Sin embargo, poco después, al igual que ocurrió con otras escritoras alemanas como Christa Wolf, comprometidas pero también críticas, cuando en 1957 el editor e intelectual Walter Janka, fue procesado por una presunta "conspiración contrarrevolucionaria", ella se organizó e intervino a su favor.
Anna Seghers siguió publicando historias de amor apasionantes como la de 1971, llamada "Überfahrt ". Seis años más tarde publicó "Steinzeit/Wiederbegegnung "(1977), en la que uno de sus cuentos lleva impreso una bella historia de amor. La autora llevaría a cabo una intensa vida literaria, publicando ensayos, poesías, cuentos y libros sobre arte, literatura, sin abandonar nunca su fuerte compromiso político.
En 1975 fue nombrada Ciudadana de Honor de Berlín oriental. En 1978 falleció el que siempre fue su compañero en una vida tan intensa como la que vivieron. En 1981 también le sería concedida la Ciudadanía de Honor de su ciudad natal, Mainz.
Anna Seghers murió el 1 de junio de 1983 en Berlín, con el recuerdo de su esposo y con la certeza de que su vida y obra prácticamente quedaría en el olvido. Hasta el final de su vida, Anna había vivido en la misma casa berlinesa de la Volkswohlstraße 81 (calle hoy llamada Anna-Seghers-Straße).
La vida y obra de Anna Seghers, incluso años después de su muerte, y aún la caída del muro, no ha sido justamente reconocida. Se la acusa de no pronunciarse nunca contra el régimen de Stalin y de ser benevolente con los regímenes comunistas. Afortunadamente, en los últimos años existe una valoración menos negativa de su obra. Sigue siendo hoy una escritora tabú debido a su fuerte vinculación política, lo cual no debiera empañar su gran talento literario, al fin y al cabo, además de la genialidad de su pluma, de la que hizo gala siendo muy joven, las personas que, de manera honesta, están comprometidas y son fieles a sí mismas, independientemente de sus ideas, son un ejemplo que debe permanecer siempre en nuestra memoria.

Caroline Schlegel-schelling (1763 - 1809)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sat, 13 Oct 2007 10:22:21 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Caroline Schlegel wurde als Dorothea Caroline Albertine Michaelis 1763 in Göttingen geboren. Als Tochter des Professors für Orientalistik Johann David Michaelis (1717-1791) verkehrte sie früh mit den dortigen Gelehrtenfamilien. 1784 heiratete sie ihren Jugendfreund, den Clausthaler Amts- und Bergarzt Dr. Johann Franz Wilhelm Böhmer. Bereits im Februar 1788 aber starb ihr Mann. Caroline, erneut schwanger, zog mit Therese und Auguste, ihre Kinder, zurück ins Göttinger Elternhaus; vermutlich in dieser Zeit lernte sie August Wilhelm Schlegel kennen. Bis zum Herbst 1791 lebte Caroline mit Auguste in Marburg, seit Ende 1791 wieder in Göttingen. Als "kokette junge Witwe", wie sie sich selber nannte, übersiedelte sie schließlich mit Auguste im März 1792 nach Mainz. Im Oktober 1792 wurde Mainz durch französisch-revolutionäre Truppen unter Custine eingenommen, am 18.3.1793 die Mainzer Republik und drei Tage später ihr Anschluß an das revolutionäre Frankreich ausgerufen. Caroline trat nun den "Clubisten" in der "Gesellschaft der Freunde der Freiheit und Gleichheit" bei. Allerdings rückten bald preußische Truppen gegen die Mainzer Republik vor. Einige Zeit danach verließ daher auch Caroline Ende März 1793 Mainz. Sie wurden aber vom preußischen Militär erkannt. Caroline wurde zunächst auf der Burg Königstein, dann in Kronberg im Taunus inhaftiert. Sie fürchtete nun, daß man Forster für den Vater ihres Ungeborenen halten und sie als Geliebte eines verhassten "Democraten" mit Repressalien zu rechnen haben werde. Sie war deshalb entschlossen, sich zu töten, falls ihre Schwangerschaft entdeckt würde. Freunden und Verwandten gelang es jedoch, ihre Begnadigung bei König Friedrich Wilhelm II. von Preußen zu erreichen. Im Juli 1793 wurde sie freigelassen. Allerdings war Caroline nach der Haftentlassung in Deutschland als "leichtfertige" Frau und "Democratin" gesellschaftlich geächtet, selbst alte Freunde wandten sich von ihr ab. Nur wenige halfen ihr in dieser Zeit. Entscheidend war die Unterstützung durch die Brüder Schlegel. Den Bruder August Wilhelm heiratet sie im Juli 1796. Die Brüder Schlegel wurden zunehmend zum Mittelpunkt der Jenaer Romantiker. So bedeutete diese zweite Ehe für Caroline die Rückkehr in die bürgerliche Gesellschaft. Sie nahm an der literarischen Entwicklung des Kreises lebhaften Anteil. Ihre geistiger und organisatorischer Anteil als Mittelpunkt und Medium der Gruppe war entscheidend. Sie reduzierte sich bewusst jedoch als Helferin der Männer, Lektorin, Mitarbeiterin an der Zeitschrift Athenäum und an A.W. Schlegels Übersetzungen. Sie ließ Schlegel ihre Arbeiten unter seinem Name veröffentlichen. Bis auf wenige Kritiken, Gedichte und Konzepte ist nichts überliefert. 1798 kam der Philosoph Schelling nach Jena. Es entwickelte sich eine Liebesbeziehung zwischen ihm und Caroline, die von ihrem Mann toleriert wurde. Noch 1799 spielte Caroline in Friedrich Schlegels Werk Lucinde die Schlüsselrolle. Dann aber kühlte sich das Verhältnis zwischen Schwager und Schwägerin merklich ab und entwickelte sich zu offener Feindschaft. Auch aus dem Freundeskreis von Friedrich Schiller kamen heftige Angriffe gegen Caroline. Das lag teilweise an den Fehden zwischen den damaligen Dichterschulen der �Romantiker� und �Klassiker�, in deren Zusammenhang sich die Romantiker über das schillersche Pathos lustig machen. Aus Kreisen der Klassiker erhielt Caroline dafür den Spottnamen "Madame Beelzebub". Auffällig ist, daß Goethe über Caroline nur achtungsvoll schrieb. Die Romantiker wiederum nahmen Goethe von ihrer Kritik aus, versuchten aber, ihn gegen Schiller auszuspielen. August Wilhelm Schlegel folgte Ende 1800 einer Berufung von Jena nach Berlin. Caroline blieb zurück; ihre Beziehung kühlte weiter ab. Caroline kam stattdessen zunächst �halboffiziell� mit Schelling zusammen. Auf Grund zunehmender Entfremdung ließen sich Caroline und August Wilhelm Schlegel schließlich 1803 einvernehmlich scheiden. 1803 heirateten Caroline und Schelling in Murrhardt. Sie folgte ihm im selben Jahr zunächst nach Würzburg, 1806 nach München. 1809 starb Caroline in Maulbronn während eines Besuchs bei Schellings Eltern.
Nur ihre Briefe haben die Jahrhunderte überdauert, von ihnen sind mehr als vierhundert überliefert. Diese Dokumente einer politischen und literarischen Umbruchsituation beinhalten zugleich intime Selbstaussagen eines ungewöhnlichen Lebens, das widerspruchsreich, erfüllt, aber auch unerfüllt war. Ihre Briefe erzählen von weiblicher Lebenserfahrung im Sinne von Novalis, der denjenigen einen großen Menschen nennt, dessen Tagebuch das größte Kunstwerk sei.

Margarita Sarrocchi (1560 - 1618)

chato74@latinmail.com (Jose Manuel Sanchez Aguilar) — Thu, 07 Jun 2007 10:38:01 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: ITALIANO

Nace en Nápoles hacia el 1560:tras la muerta del padre,Giovanni Sarrocchi, fue educada en Santa cecilia en Roma por el cardenal Guglielmo Sirleto:tuvo como maestros a el gramatico Rinaldo corso y el matemático Luca valerio. Morirá en 1618
De joven comenzó a componer versos que fueron aclamados por sus contemporáneos, tuvo relación de amistad con la infeliz noble Beatrice Cenci.
Se caso con un noble piamontés de la familia de lo Biraghi.SE queda viuda e 1613 y mantiene un salón literario en su casa: tuvo relación con hombres de todos los campos de la cultura de la época, con Gian Battista Marino , en Roma , tendrá un intercambio de poesías elogiadoras que favorecerán a una amistad posterior:pero el poeta se canso de este legame y el amor
se volvió odio: Sarrocchi se volverá anti-Marinista.
Digno de resaltar es la gran admiración que sentía por Galileo a quien conoció personalmente en 1611 cuando este se quedo en Roma unos meses gracias a la amistad que ella tenia con el científico Luca Valerio:sera una apasionada de la teorías galileicas haciendo usos de ellas en el libro La Scanderbeide del cual hará algunas revisiones a lo largo del tiempo, poema que estaba modelado sobre la Gerusaleme Liberata de Tasso.Su obra tiene un valor histórico ya que retrata la campaña heroica de Giorgio Castriota Scanderg , vivida desde 1403-1463.LOs factores históricos se relacionan con los amorosos,como son la historia de Sereno y Calidora , y Pallante y Flora.SU poema tendra buena suerte , sera publicada por primera vez en Roma de 9 cantos completos, después llegaría a23 cantos que aparecerán de forma póstuma
Sarrocchi morirá en Roma en 1623 y que tendrá una nueva edición en el 1633: En el seiciento fue publicada en Nápoles en 1701 y en Roma en 1726.

Goliarda Sapienza (1924 - 1996)

saramalfatti@hotmail.it (Sarah Malfatti) — Sun, 09 May 2010 10:53:30 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Goliarda Sapienza nace en Catania en junio de 1924. Su infancia, en una familia socialista y antifascista, marcará su actitud y sus ideales. El padre de Goliarda, Giuseppe (Peppino) Sapienza, fue un abogado sindicalista famoso en toda la isla por su incesante y animada actividad política, una actividad que, durante el fascismo, lo llevó a la cárcel.

La madre fue una figura fundamental en la historia de la izquierda sindicalista y antifascista en Italia: Maria Giudice, éste era su nombre, fue la primera mujer que dirigió la �€�Camera del Lavoro�€� en Turín. Fue directora del periódico �€�Il grido del popolo�€�, fundado por su amigo Antonio Gramsci, y en 1917, por haber manifestado en contra de la guerra, fue encarcelada junto a Terracini, uno de los futuros fundadores del Partido Comunista de Italia.

Maria y Peppino se conocen en Sicilia, donde Maria se encontraba para organizar una huelga de campesinos: los dos son viudos y tienen varios hijos de precedentes uniones (7 hijos ella y tres él).
Goliarda nace de esta �€�libera unione�€�, y en el nombre de esta libertad recibe, por voluntad de su padre, una educación lejana de los cánones y de los estereotipos fascistas: para que su formación sea libre de las constricciones ideológicas y políticas del régimen, Giuseppe educa su hija en casa, y con tan solo 14 años le permite mudarse a Roma.

Madre e hija, la primera continuamente vigilada por la policía fascista, y , se van a Roma dejando atrás la isla y sus costumbres: la idea de mudarse, de hecho, se debió también a la oposición de la familia Sapienza a la propuesta de matrimonio, basada en intereses económicos, del joven hijo de una familia catanesa de la alta burguesía.

Goliarda, sin embargo, se enamorará de Roma, y en Roma se quedará pada toda la vida: con 16 años empieza su carrera de actriz, apoyada sobre todo en el padre que le escribe en la primavera del 1942 desde la cárcel donde se encontraba encerrado por antifascismo �€�no seas modesta. Tu no tienes nada que envidiar a las más grandes actrices pasadas y futuras, qué el presente no tiene�€�.

Con una beca de estudio para alumnos actores comienza a frecuentar la Academia de Arte Dramático de Roma, dando inicio a una carrera que la llevara a ser una afirmada interprete de papeles pirandelianos ( debuto con un papel en �€�Così è se vi pare�€�) y a trabajar en el cine con directores del calibre de Visconti, Maselli, Blasetti, Comencini.
Al director Francesco Maselli quedará unida por 17 años, dividiendo con él vida privada y profesional hasta el final de los años sesenta, cuando ya deja el escenario para dedicarse a la literatura y a un nuevo amor, Angelo Maria Pellegrino, su compañero hasta la muerte.

En 1967, después de haber empezado su ciclo autobiográfico con Lettera Aperta y Il filo di mezzogiorno, empieza la que podemos definir la novela de su vida, El arte del placer, y para 10 años (hasta 1976) seguirá escribiendo, creando (y confrontando su creación con una joven amiga y con el portero de su casa en via Denza, en Roma) sin pensar en nada más, ni en su sustentamiento: su situación económica empeorará hasta tener que embargar sus muebles para pagar su querida ama de casa. Será por esta situación, junta al rechazo por parte de varios editores de su novela, que Goliarda llegará a cumplir un gesto que ella misma definirá una rebelión, una petición de ayuda y al mismo tiempo una reivindicación: sabiendo que iba a ser descubierta, y sin preocuparse por eso, robó algunas joyas de casa de una amiga muy rica, segura de que la misma amiga la habría denunciada a la policía. Fue detenida en la cárcel romana de Rebibbia a principio de octubre de 1980, y de esta experiencia dentro de un mundo carcelario que aparece como verdadero espejo de relaciones, afectos y sabiduría, saca otra novela biográfica fuerte, �€�L�€�Università di Rebibbia�€�, cuyo título subraya la importancia formativa, para Goliarda, de la vida en la cárcel.

La novela se publica en 1983, mientras que los editores siguen rechazando, a pesar de la intervención de Sandro Pertini, presidente de la republica y amigo del padre, �€�L�€�arte della gioia�€�.
La autora, sin embargo, sigue trabajando en su novela, sobre todo en la segunda parte, para muchos años más, llevando la historia de Modesta, la protagonista nacida en la Sicilia más pobre justo a principio del siglo XX y después princesa, madre, intelectual, fulcro de relaciones humanas, sentimentales y políticas, hasta el final de los años sesenta, entrelazando su vida tan llena y profunda con casi un siglo de acontecimientos históricos.

En sus últimos años fue profesora en el �€�Centro sperimentale di Cinematografia�€�, en Roma; en 1996, mientras se encuentra en Gaeta, Goliarda muere a la edad de 72 años, cuando sólo una la primera parte de su libro había sido publicada, y por lo visto no muy apreciada por parte de la crítica oficial.
Dos años después de la muerte de la autora, Angelo Pellegrino consigue que la novela sea publicada entera, pero será sólo unos años después, gracias a la fama obtenida en varios países europeos, sobre todo en Francia, donde Goliarda y su novela (traducida y publicada en 2005) se habían vuelto iconos de la izquierda intelectual, se empieza también en Italia a hablar de esta poderosa historia otorgándole por fin los créditos que se merece.

Francesca Sanvitale (1928 - )

crisvalbi@hotmail.com (Cristina Valdivia Biedma) — Tue, 29 Apr 2008 18:18:32 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Proveniente de familia Emiliana, Francesca Sanvitale nació en Milán. Su juventud transcurrió en Florencia, lugar escogido para realizar sus estudios de literatura italiana. En su currículo podemos encontrar diversas colaboraciones en periódicos y revistas, además de una larga carrera en el ámbito de la televisión como encargada de programas de espectáculo y culturales. Ha conseguido el título de �€�Cavaliere della Repubblica�€� por su papel dentro de la cultura italiana.

En su obra centraliza como papel fundamental la conexión humana, la cual reporta infinidad de sentimientos que a su vez nos dirigen hacia un crecimiento como personas. Y esas personas son las que crean la historia, aspecto importante dentro de la novela de Sanvitale (en particular la Unificación italiana) y también de su ideología; ya que el escritor, como ente cultural debe aprovechar cualquier recurso para crear una cultura de la realidad.

En la actualidad vive en Roma

Virginia Salvi Martini (0 - )

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Mon, 05 May 2008 16:08:38 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Se conoce muy poco de la vida de Virginia Salvi. Se sabe que nació en Siena y se casó con un cierto Achille Martini, de ahí su segundo apellido. Tuvo una hija a la que bautizó con el nombre de Beatrice, también poetisa. Sabemos que, durante los años 1540 y 1550, vivieron en Siena y después la familia se trasladó definitivamente a Roma donde Virginia falleció. El hecho de haber pasado muchos años en la ciudad de Roma hizo que muchos de sus biógrafos cayesen en el error de pensar que Virginia fuese romana y no sienesa.
Se sabe que en 1561 fue una mujer de gran reputación y admirada por su conocimiento de las Ciencias y de la Poesía y que todavía en 1580 su hija Beatrice residía en Roma.
Sus rimas fueron a menudo confundidas con las de otra poetisa llamada Virginia Ventura Salvi.

Obra:

La producción de esta poetisa comprende más de cuarenta y cinco composiciones recogidas no sólo en las tres grandes colecciones de rimas (la de Domenichi de 1559, Bulifon de 1695 o Bergalli de 1726) sino en diferentes volúmenes como se mostrará en el apartado de las ediciones.
Las composiciones de Virginia son de estilo petrarquista y evocan los típicos sentimientos e imágenes del Cinquecento italiano. Salvi fue una hábil poetisa capaz de manipular inteligentemente el vocabulario petrarquista como, por ejemplo, en la poesía �€�Da fuoco così bel nasce il mio ardore�€� donde encontramos un inteligente juego poético. El verso final de cada una de las catorce octavas retoma todos los versos del soneto CXXXIV de Francesco Petrarca �€�Pace non trovo e non ho da far guerra�€�.
Sabemos que Salvi mantenía una correspondencia poética gracias a los sonetos que han llegado hasta nosotros y no se excluye la posibilidad de que haya mantenido también una correspondencia epistolar con grandes figuras importantes de su tiempo.
Existen sonetos dirigidos a los reyes de Francia, que posiblemente no tuvieron respuesta. En cambio, las composiciones dirigidas a Pietro Bembo fueron correspondidas y dan muestra de la amistad entre ambos, sobre todo la canción �€�Mentre che �€�l mio pensier dai santi lumi�€�, donde Salvi muestra el dolor causado por la ausencia de Bembo. La respuesta de Bembo, retomando la estructura de la canción de Virginia, parece sincera y le pide que no llore más su ausencia.
Quizás las composiciones de Virginia Salvi más interesantes son las de carácter político. La situación política de Siena antes de la caída de la República (1555) era uno de los pensamientos más importantes en la vida de la poetisa, como también lo era el hecho de que su familia fuese filo-francesa en política y amiga de los florentinos que seguían a Pietro Strozzi.

Letizia Russo (1980 - )

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Sat, 22 Sep 2007 15:45:16 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: italiano, portugués

Letizia Russo, nacida en Roma en el año 1980, es dramaturga y traductora.
Como autora, Letizia destaca, a los dieciocho años, en 1998 en el concurso escolar �€�Grinzane Cavour �€" Grinzane Scrittura�€�, donde presenta el �€�Dialogo tra Pulcinella e Gesù�€�, premiado en el concurso. De aquel esbozo inicial, Letizia desarrolla su primer texto, representado por primera vez en el año 2000 en Castelnuovo di Farfa, en el Festival del Teatro de Roma �€�Per le antiche vie�€�, con �€�Niente e nessuno: una cosa finita�€�.
El texto es un rezo laico, un �€�tentativo d�€�approccio ai sentimenti dell�€�uomo�€� y el hombre en cuestión es Jesús. Las referencias evangélicas a Cristo y a su Pasión se examinan a través de los ojos de dos figuras fundamentales: Judas, personaje central de la primera parte, y Magdalena, en la segunda parte. El conjunto lo rige O, un pobre desgraciado napolitano que interpreta su propia vida a través de la de Jesús y que hace de marco al texto. El título deriva de una afirmación de la madre de O: �€�I�€� nun conosco nisciun�€�. Nun conosco San Gennaro santissimo, nun consoco �€�o papa e manco �€�o vescovo�€�. Entonces O es un nada y un ninguno. Y en este sentido ni siquiera un hombre, sino sólo una cosa, una cosa finita. El texto es un adelanto de las futuras obras de la autora, a pesar de que la lengua utilizada, el dialecto napolitano de O (que recuerda mucho a Eduardo De Filippo), sea todavía un poco �€�macchiettistico�€�. Sin embargo, encontramos ya los elementos que caracterizan �€�Tomba di cani�€�, sobre todo los del así llamado �€�Teatro delle miserie�€�.
�€�Il teatro delle miserie�€� no es una invención de la jovencísima autora; es una fórmula que ella adopta. Según Tiziano Fratus �€�se trata de un teatro de la privación, de la sustracción, de la vergüenza: situado en ambientes vacíos, malsanos, periféricos, donde sobreviven personajes sin pasado �€" sin memoria �€" sin futuro �€" enfermos mentales, lisiados, enfermos terminales �€" sin presente �€" sin trabajo y sin lazos afectivos y/o familiares. En este recorrido se coloca seguramente Letizia Russo: envueltas en una condición socio-económica desesperante, las miserias de sus personajes emergen y encajan con los perfiles de una historia del hombre que no se ha presentado a las citas y ha traicionado las promesas�€�.
Al año siguiente Letizia escribe �€�Tomba di cani�€�, con la que participa al Premio Riccione, ganando el Premio Pier Vittorio Tondelli. El texto es representado por Cristina Pezzoli y la protagonista es Isa Danieli. El espectáculo recibe tres candidaturas a los Premios Olímpicos 2003 del ETI (Danieli obtiene el premio como mejor actriz) y, sucesivamente, gana también el Premio Ubu a la mejor novedad de dramaturgia italiana, ex aequo con Emma Dante.
�€�Tomba di cani�€� presenta la escritora a la crítica teatral nacional, con apenas veinte años. Como nota Enrico Groppali, el texto está construido en torno a dos ideas-guía: por un lado, cuenta la historia de un adulterio ambientado en un país imaginario devastado por la guerra; por otro lado, describe una relación morbosa entre un hijo con muchas veleidades pero de escasas posibilidades y capacidades (que acabará en una silla de ruedas) y una madre paralítica y ciega que causa el desencadenarse de los peores acontecimientos en aquel ambiente pequeño y claustrofóbico. Desde el punto de vista de las situaciones, Letizia Russo sufre la influencia evidente de Sarah Kane, con su culto de la violencia más feroz. Además, también en �€�Blasted�€� de Kane la guerra irrumpe repentinamente en la historia y parece ser una metáfora perfecta de la condición humana. Pero también en el lenguaje, caracterizado por repeticiones delirantes y cargadas de ansia y por un léxico duro, se siente la influencia de la controvertida autora inglesa. Y no sólo esto; en la representación de un mundo dominado por la violencia y el abuso encontramos seguramente referencias también a los trabajos más recientes de Harold Pinter. En cualquier caso, la referencia a Sarah Kane no pasa inobservado al jurado del Premio Riccione, que otorga al texto el Premio Tondelli con la siguiente motivación: �€�Per la forza rabbiosa con cui questa acuta stupefacente ventunenne, senza trascurare la lezione di Sarah Kane ma con una propria sentita impronta, rappresenta un mondo condotto all�€�ultimo stadio dalle ferite di una guerra disperata e stremante, giovandosi di una scrittura aspra e voluta, ma di immediato rilievo scenico�€�: una escritura fuerte que contrasta con el aspecto grácil de la escritora. Como Sarah Kane después de �€�Blasted�€�, también Letizia Russo después de �€�Tomba di cani�€� recibe críticas despiadadas por parte de críticos que no la entienden, como Luca Doninelli que, en las columnas del periódico de los obispos italianos, define el texto como un sustancial fracaso (�€�escrito bien, pero incapaz de hacer daño�€�) y se atreve presuntuosamente a dar a la escritora consejos de escritura.
En el texto, el uso de la lengua (�€�papel carbón del pensamiento, también malo�€�, como la define Letizia) está muy cerca al de Sarah Kane: la autora lo define �€�de construcción disonante y sin puntuación�€�. Las didascalias son las mínimas indispensables y sirven como llave de interpretación del texto, para el lector y para quien lo pone en escena. Por sus características filosóficas y lingüísticas, �€�Tomba di cani�€� es un texto fundamental de la nueva dramaturgia italiana. Es un texto innovador, un drama que manifiesta el deseo de oposición y de denuncia de toda forma de guerra entendida como instrumento de política. En los medios de comunicación, cualquier forma de manifestación del disenso es interpretada como un apoyo a los terroristas, como demagogia o, como mucho, como sátira: nunca se la toma en serio. Pero en el teatro de Letizia Russo encontramos claramente la razón profunda por la que existe el arte: la de oponerse a cualquier forma de poder hegemónico, de denunciar la tendencia siempre más fuerte a amordazar la verdad.
Entre enero y mayo del año 2002, la joven autora trabaja para el �€�Teatrogiornale�€� de RadioTre, ideado por Roberto Cavosi, escribiendo �€�Lo spirito nell�€�acqua�€�; �€�I conigli sulla luna�€�; �€�Kilmainam Gáol�€�; �€�La via del mare�€� y �€�Qoélet�€�. En el verano de ese mismo año, Letizia participa a la Summer International Residency for Playwrights and Directors del Royal Court Theatre de Londres.
En el 2002 el Premio Candoni de Arta Terme le encarga un nuevo texto, �€�Asfissia�€�.
Más que un texto, �€�Asfissia�€� es un laboratorio que se quedó al nivel de fase de estudio y que no ha conocido todavía una redacción definitiva que satisfaga a la autora.
Aquí la lengua se presenta muy pobre: es una lengua que intenta ser popular, seguramente inculta, con un ritmo sincopado, irregular, a veces amplio y otras cortado, con una puntuación indiscutiblemente anticonvencional. La sintaxis aparentemente es fácil, los diálogos son rápidos y las didascalias esenciales, como en gran parte de la dramaturgia contemporánea italiana, pero también como en gran parte de la reciente dramaturgia inglesa.
La visión de la vida que emerge en esta obra es que ésta es sustancialmente casual. Ante esto no hay que afligirse: hay que tomar nota. Dice el personaje de Tajga: �€�Ma non c�€�è niente di male che tutto questo è solo un caso. Non c�€�è niente di male che si nasce e poi si �€" e non resta niente. Uno vuole cancellare che esiste pure la fine. Vuole cancellarla e dire che poi ricomincia tutto e invece non c�€�è niente di male che non è vero niente che tanto poi è la stessa cosa sempre per tutti uno non rimane manco più nel ricordo e è questa la vera fine e se ci penso bene è pure una gran bella fortuna.�€�
En el 2003, para el �€�Progetto Petrolio�€�, dedicado a Pier Paolo Pasolini y dirigido por Mario Martone en Nápoles, escribe �€�Babele�€�, primer capítulo de una trilogía sobre el poder, que debuta en Portici y después se representa en el Teatro dei Rinnovati de Nápoles, en enero de 2004, bajo la dirección de Paolo Zuccari (quien también es interprete junto con Roberta Rovelli).
�€�Babele�€� es un texto con dos personajes. La historia se desarrolla dentro de un �€�edificio�€� en el que vive Falena, un hombre de treinta y cinco años, dueño de Boccuccia, una bailarina de veinticinco a la que le falta un brazo. Nos encontramos en una sociedad con leyes feroces: cada �€�edificio�€� tiene sus propias reglas y el poder central sirve sólo para segregar a los lisiados, a los �€�Inferiores�€� contra quien ha abierto una guerra santa. Para ello, este poder está dotado de policía capaz de matar deliberadamente, sin condena alguna firmada por un juez. Es una situación parecida a la de �€�The Chrysalids�€� de David Harrower, pero sin el final positivo; entre los dos personajes se desencadenará una guerra despiadada, el hombre con el ejército y la bailarina con los viejos del edificio. Pero la guerra no solucionará nada. Al final Boccuccia se rendirá y los dos, juntos, se irán en un viaje artificial, con la esperanza de no volver.
En el mismo año, para el proyecto de Teatro Scolastico �€�Connections�€� del National Theatre de Londres, escribe el texto �€�Binario morto�€� (2003), representado y traducido en Inglaterra y Portugal. El espectáculo debuta el 8 de julio de 2004 en el Cottesloe Theatre School de Wiltshire. En Italia, se representa con motivo de la Biennale de Venecia, en el Teatro delle Tese alle Vergini, el 24 de septiembre de 2004, bajo la dirección, en un primer momento, de Barbara Nativi y en un segundo momento (por motivos de salud) de Dimitri Milopulos, producido por la Biennale de Venecia y por el Teatro della Limonaia de Sesto Fiorentino.
�€�Connections�€� es un proyecto patrocinado por el gobierno británico y destinado a la escritura de textos teatrales para adolescentes, después realizados por estudiantes. El drama es un cuento noir que tiene como tema el poder religioso, observado desde el punto de vista de un clan de chicos. Sobre una colina, que recuerda un poco la cima de un monte bíblico y un poco el Olimpo, crece un niño que aprende, con la ayuda de un fiel amigo, a convertirse en dios; es un dios que somete a un grupo de secuaces, los ama y los trata brutalmente, hasta que otro jefe, después de un largo viaje, llega a la colina para derrotarlo. Como sucede en la lógica del autoritarismo, el nuevo jefe será cruel como el primero, como en �€�Animal Farm�€� de George Orwell. Mientras algunas vallas publicitarias exaltan la vocación religiosa �€" como hacen todavía hoy las sectas, incluso con llamamientos a través de Internet�€" del texto brota una pregunta crucial sobre quién posee verdaderamente la hegemonía sobre el mundo: ¿el dios o quién lo ha instruido? La autora, sin dar respuestas definitivas, concluye la historia con el suicidio, ahorcado, del amigo-maestro de dios.
El texto es muy innovador porque desmiente la imagen estereotipada de la infancia como edad de la inocencia. El retrato de la infancia como �€�vida violenta�€� ya lo había hecho Pasolini, pero en sus novelas (�€�Ragazzi di vita�€� y �€�Una vita violenta�€�) y en sus películas (�€�Accattone�€�) el mundo y la vida se ven desde el punto de vista de aquellos chicos: ellos se convierten en criaturas poéticas y nosotros estamos obligados a estar de su parte. Lo mismo sucede con los personajes de los chicos napolitanos de Eduardo De Filippo: su pobreza genera una vida dura que nos conmueve, porque nos parecen víctimas de una sociedad más dura que ellos (y es la misma visión de la infancia pobre que encontramos en las novelas de Dickens o en algunas películas de Chaplin). En cambio en �€�Binario morto�€� las familias de estos chicos son lugares de dramas, violencias, prejuicios, ignorancia y droga. De este modo, los chicos viven en ambientes peligrosos, donde aprenden a volverse igualmente peligrosos: sus relaciones sociales se basan en la fuerza física, en la pertenencia al clan y en la violencia. Vivir se convierte en una lucha por la selección natural y esto se muestra, en el texto, sin poesía y con mucha dureza. La periferia parece la de �€�La Haine�€� de Mattiew Kassovitz, pero podría ser cualquier periferia degradada de una grande ciudad europea.
También en el 2004, Letizia escribe �€�Edeyen�€�, presentado por primera vez en Siracusa Ortigia Festival en julio del año siguiente, con el montaje de Fausto Russo Alesi.
�€�Primo amore�€�, del 2005, debuta en junio del mismo año dentro del festival �€�Garofano Verde �€" scenari di teatro omosessuale�€� en el Teatro Belli de Roma, una vez más bajo la dirección de Paolo Zuccari e interpretado por él mismo.
Desde mayo de 2004 es, durante diez meses, �€�writer-in-residence�€� en la compañía Artistas Unidos del Teatro Taborda de Lisboa. En septiembre de 2005 se representa el texto fruto de esta colaboración, �€�Gli animali domestici �€" Os Animais Domésticos�€�, en el Teatro Nacional Dona Maria II, bajo la dirección de Jorge Silva Melo.
También en estos últimos textos, como en todos los de Russo, los personajes son elementos que constituyen una �€�filosofía de los sentimientos elementares�€� que es la visión del mundo de Letizia. Para la autora, en el mundo falta un sistema general �€" histórico y social �€" capaz de transmitir los valores, de reconocer los derechos y de ayudar. La sociedad descrita en las obras de Russo no parece un moderno estado de derecho sino un �€�status belli�€�, una situación de guerra social constante. Lo que Letizia nos quiere decir es que el �€�status belli�€� es la verdadera cara de nuestras aparentes democracias, por lo que las ambientaciones no son ni hipótesis sobre el futuro ni escenarios de ciencia-ficción, sino representaciones de la esencia real del mundo de hoy. En este escenario desalentador pero no falto de intuiciones reales, la muerte no es vista como la apoteosis de la tragedia sino, al contrario, como una salida a una situación que no deja esperanzas y que no da futuro, la única verdadera liberación.
El 19 y 20 de julio de 2007, en el 39° Festival Internazionale del Teatro della Biennale de Venecia, dedicado a �€�Goldoni e il teatro nuovo�€�, Letizia presenta �€�Il feudatario�€�, con la dirección de Pierpaolo Sepe, producción del Teatro Stabile di Innovazione �€�Clásicos de Alcalá�€� y de la Biennale de Venecia. En este texto, la fuerza y la escritura rabiosa de la autora, ahora de veintisiete años, concentradas en la historia ideada en 1757 por Goldoni, crean un cortocircuito. El texto es la historia de unos tiempos injustos, en los que el hombre estaba obligado a soportar las violencias y las injusticias de su dueño, sin ninguna posibilidad de tutela o de salida. Los pobres no conocían derechos y el dueño determinaba destinos y vidas. Nadie podía imaginarse algo diferente a esto.
En la interpretación que hace del texto de Goldoni, una vez más Letizia pone en escena personajes en situaciones de vida insostenibles, comprometidos en una continua lucha por la supervivencia, que se lanzan en un nuevo �€�status belli�€�: la revuelta. Pero esta vez, la liberación no se busca en la muerte sino en una acción revolucionaria, en la elección de los hombres de organizarse para darse un sistema de vida mejor. Para Letizia el autor quería contar una rebelión, en nombre del honor y de la vida (una historia que tiene mucho en común a �€�Fuente Ovejuna�€� de Lope de Vega), y explicar aquella necesidad de justicia que, casi treinta años después, habría tomado fuerza en la cercana Francia, dando vida a la revolución política y cultural más importante de la historia.

Interesante y prolífica es también la actividad de Letizia Russo como traductora, que procede paralela a la de autora.
Del inglés ha traducido: �€�On an Average Day�€�, de John Kolvenbach; �€�Gross Indecency�€�, de Moises Kauffmann; �€�Easy Access (Solo Remix)�€� y �€�Death & Dancing�€�, de Claire Dowie; �€�The Tale of the Allergist�s Wife�€�, de Charles Busch; �€�Body Language�€� y �€�A Word from our Sponsor�€�, de Alan Ayckbourn; �€�Humble Boy�€�, de Charlotte Jones; �€�Gagarin Way�€�, de Gregory Burke; �€�Tiny Dynamite�€�, de Abi Morgan; �€�Japes�€�, de Simon Gray; �€�Hysteria�€�, de Terry Jonson; �€�Edoardo II�€�, de Christopher Marlowe, una producción del Teatro Stabile dell�€�Umbria, para la dirección de Antonio Latella, con Danilo Nigrelli, Marco Foschi y Cinzia Spanò.
Del portugués brasileño ha traducido: �€�Vestir o Pai�€�, de Mário Viana; �€�O Leopardo�€�, deAntônio Rogério Toscazo; �€�Quase Nada�€�, de Marcos Barbosa.
Del italiano al portugués ha traducido: �€�La zoppa deve partorire ma il bambino non ne vuole sapere di nascere�€�, (�€�A coxa vai parir mas o bébé quer lá saber de nascer�€�), de Antonio Tarantino;
�€�La busta�€� (�€�O envelope�€�), de Spiro Scimone; �€�La terra vista dal mare�€� (�€�A terra vista do mar�€�), de Davide Enia.
Estos tres textos son sketch comisionados por la compañía Artistas Unidos para el espectáculo �€�Conferência de Imprensa e Outras Aldrabices�€�, representado en Lisboa en junio del 2005, en el Teatro Nacional Dona Maria II. Para la misma ocasión Letizia Russo ha escrito el sketch lírico �€�Senza Titolo�€�.
Para terminar, fuera del ámbito de teatro, Letizia ha traducido al portugués, junto con Pedro Marques, �€�L�€�inquisizione�€� (�€�A inquisição�€�), poema de Tiziano Fratus.

Lalla Romano (1906 - 2001)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sun, 31 May 2009 11:15:08 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Lalla Romano, cuyo auténtico nombre es Graziella, con el que se identifica en su faceta personal y privada, reservando el primero para su dimensión pública y literaria (rescatado de su infancia); nace el 11 de Noviembre de 1906 en Demonte (Cuneo), de padres oriundos de la zona, siendo la primogénita en relación con otras dos hermanas: Silvia y Luciana. Su padre Roberto, aparejador y jefe del Gabinete Técnico del Ayuntamiento de Demonte, sentía una gran pasión por la música, la pintura y la fotografía; vocaciones que legará con fruto a la escritora. Su madre, Giuseppina Peano, era sobrina del conocido lógico-matemático Giuseppe Peano; figura intelectual que ejercerá una gran influencia sobre Lalla.

En 1924, concluido el Bachillerato, se matricula en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Turín con un elenco de profesores de la talla de Annibale Pastore (Filosofía Teorética), Ferdinando Neri (Literatura Francesa) o Lionello Venturi para la Historia del Arte. En estos años, por otra parte, ha comenzado ya la trayectoria pictórica con los primeros autorretratos fechados en 1923.

Entre los años 1925-1928 asiste con frecuencia al estudio del pintor Giovanni Guarlotti y efectúa múltiples viajes con largas estancias en París visitando museos, galerías de arte (acompañada a menudo por Venturi) y tomando contacto con los impresionistas y post-impresionistas.

Toda una lista de nombres importantes entrarán a formar parte de su círculo de conocidos y amigos: Sborowsky, Menzio, Severini, Mario Soldati, Arnaldo Momigliano, Carlo Dionisotti, etc. En la Universidad será compañera de Cesare Pavese y entablará amistad con Franco Antonicelli y Giovanni Ermiglia.

En 1928 finaliza sus estudios universitarios, licenciándose en la rama de Letras presentando una tesis sobre Cino da Pistoia. En este mismo año, entrará en la escuela de pintura de Felice Casorati por consejo de Lionello Venturi, conociendo también a Daphne Maughan, Nella Marchesini, Paola Levi Montalcini y Giorgina Lattes.

Desde 1929 a 1941 desarrolla su actividad profesional como profesora de Enseñanza Secundaria en Cuneo impartiendo las asignaturas de Lengua Italiana e Historia del Arte y después en Turín. También ejercerá como directora de la Biblioteca Municipal de Cuneo, compilando el catálogo de los Incunables. Trabajos que irá alternando simultáneamente con la pintura, participando en exposiciones colectivas en Turín y Milán, y con la escritura, a través de incursiones de modo esporádico en revistas como "L�Arte", donde transfiere su experiencia pictórica práctica y teórica con un ensayo sobre La scuola di Casorati (1930) o mediante cuentos varios relacionados siempre con la cuestión artística: Una cena di artisti, Visita al collezionista (1930-40), etc.
Este período viene además marcado por tres hechos importantes: en 1932 se casa en Cuneo con Innocenzo Monti, empleado de banco que emprenderá una brillante carrera hasta convertirse en director del Banco Comercial Italiano. Relación estrecha que supondrá un vínculo permanente de profundo afecto en la vida de Lalla. Al año siguiente nacerá su único hijo, Pietro, llamado "Piero" en el ámbito más familiar. Y en 1941 publicará su antología poética Fiore con la alabanza de críticos como Ferdinando Neri o Gianfranco Contini que ensalzan su sensibilidad, su fuerza íntima y sus resabios clásicos que recuerdan fragmentos sáficos o el eco de ciertas poetisas del "Cinquecento".

En 1943 durante la guerra, se refugia en Cuneo con su hijo en casa de sus padres, habiendo recibido daños el inmueble donde residían en Turín, y se adherirá al Partito d�Azione formando parte de la Resistencia, en calidad de encargada de los "Grupos en defensa de la mujer" (luego llamados U.D.I.).

En 1944 ocurrirá un hallazgo, que será decisivo en el planteamiento artístico de su obra: tras la invitación de Cesare Pavese a que tradujese los Trois Contes de Flaubert; al ponerse en contacto con esta prosa, al mismo tiempo simple y esencial, descubrirá por una parte, la rigurosidad de la misma, y por otra, la afinidad sustancial entre prosa y poesía, desterrando para siempre sus prejuicios de infravaloración sobre la primera, y, operándose el pasaje definitivo de la pintura a la narrativa.

En 1947 se traslada a Milán y continúa impartiendo clases en la escuela media "Arconati" hasta su marcha en 1959. Sigue colaborando con ensayos críticos y piezas narrativas en revistas prestigiosas como "La Rassegna d�Italia", "Il Verri", "La Fiera Letteraria", "Il Caffè", "Paragone" o "Nuovi Argomenti" a la par que va ampliando sus contactos intelectuales al conocer a figuras de la talla de Montale, Bacchelli, Sereni, Vittorini, Rognoni, Anna Banti, Elsa Morante, etc. Sigue además ligada para sus publicaciones a la casa editorial Einaudi, lo que supone estrechar vínculos con su editor, Giulio Einaudi, Cesare Pavese, Natalia Ginzburg, Italo Calvino o Giulio Bollati.

El período de 1948 a 1975 constituye un tiempo fructífero y prolífico de creación artística a un ritmo vertiginoso en que se confirman publicaciones de obras significativas con el reconocimiento de premios importantes. Así en 1951 con Le metamorfosi iniciará su larga serie de obras en prosa, le seguirá la novela Maria (1953) que recibe un año después en Lugano el "Premio Internazionale Veillon", Tetto Murato (1957) con la designación en ese mismo año del "Premio Pavese", Diario di Grecia (1959), L�uomo che parlava solo (1961), La penombra che abbiamo attraversato (1964), novela alabada por Calvino y Elsa Morante y que revelará las cualidades más auténticas de Lalla como narradora. Recibirá el "Premio dei Librai milanesi", aunque produce un gran escándalo el hecho de no ser nominada para el Premio Viareggio a pesar de contar con el apoyo de personalidades como Bobbio, Longhi, Ungaretti o Montale entre otros, indignación que lleva precisamente a Montale a dimitir del propio jurado.

En 1967, con una edición renovada (en la estructura y la adición de un ensayo sobre el sueño) de Le metamorfosi conseguirá al año siguiente el Premio Soroptimist. Y en 1969 saldrá Le parole tra noi leggere, obteniendo un gran éxito y el Premio Strega.

Vendrán después: Didone ritrovata (1971); ensayo introductorio al libro IV de la Eneida de Virgilio, L�ospite (1973), Lettura di un�immagine (1975), y La villeggiante (1975).

Este discurrir narrativo se va alternando con la génesis de su obra lírica que aflora en dos momentos determinados: L�Autunno publicado en 1955 con una "Nota" de Carlo Bo y Giovane è il tempo (1974), antología que incluye variaciones de los poemas iniciales presentes en Fiore y en L�Autunno con otros inéditos, y por la que recibirá en Nápoles el Premio Sebeto.

En 1976 es elegida consejera del Ayuntamiento de Milán como independiente por las listas del Pci, aunque la experiencia será breve, ya que dimitirá al año siguiente.

En 1974 publica la que es considerada por la mayoría de la crítica su obra maestra: Una giovinezza inventata y también un libro de fábulas Lo stregone. Este mismo año será premiada doblemente, con la "Penna d�Oro" por parte de la Presidencia del Consejo de Ministros y con la medalla de oro de "Benemerenza Civica".

A partir de aquí hasta el 2001, fecha de su muerte, seguirá consolidando su carrera con nuevas publicaciones y nuevos reconocimientos públicos: Inseparabile (1981), La treccia di Tatiana (1986); un libro-comentario a fotografías de Antonio Ria, Romanzo di figure (edición renovada de Lettura di un�immagine), también de 1986; album fotográfico personal por el que recibe el "Premio Castellammare del Golfo" con la consiguiente exposición en Milán, otras ciudades italianas y el extranjero. Se le concede también este mismo año el "Premio Circolo della Stampa" de Turín. Viene después Nei mari estremi (1987), reconocida con el "Premio Grinzane Cavour" al año siguiente y que quiere ser un homenaje a su marido Innocenzo, muerto el 1 de Octubre de 1984 y testimonio de su relación, Un sogno del Nord (1989); selección de poemas breves y ensayos, libro también galardonado con el "Premio Procida-Isola d�Arturo/Elsa Morante, Le lune di Hvar (1991); una novela-diario sobre sus vacaciones en Yugoslavia y que Carlo Bo considerará como "el testamento" de Lalla Romano, en que hay una especie de recapitulación de todo su trabajo, Un caso di coscienza (1992); breve novela sobre su experiencia como docente en los años 50, Ho sognato l�Ospedale (1995); sobre una reciente experiencia en el hospital, In vacanza col buon samaritano (1997), que será designada con el "Premio Palazzo al Bosco" al año siguiente, en que publicará también L�eterno presente. Conversazione con Antonio Ria (1998). En 1999 verá la luz la novela Dall�ombra, y en el 2000, Ritorno a Ponte Stura, un nuevo "album de fotografías" con breves comentarios por parte de la escritora a cargo de Antonio Ria y con un ensayo de Roberto Cassanelli que ilustra los aspectos histórico-críticos de las imágenes.

En la década de los 80 intervendrá además como colaboradora con distintos artículos y reseñas en periódicos importantes como el "Corriere della Sera" o el "Giornale" de Milán. Se da a conocer en circuitos más amplios, comenzando a publicar muchos de sus libros en Francia, trabajando con nuevas casas editoriales como Denoël o La Différence. Y la etapa de los "90" supondrá un broche de oro, una cascada acumulativa de premios como reconocimiento a su labor creativa y a su carrera, que se suceden desde distintas Entidades y Organismos: el 14 de febrero de 1993 será nombrada por el gobierno francés "Officier de l�Ordre des Arts e des Lettres". Al año siguiente, con motivo de un Congreso de dos jornadas en Milán para enjuiciar su obra (en su vertiente global pictórica y literaria) con la participación de prestigiosos literatos, críticos e historiadores del arte, recibe los premios "Premi Grinzane Cavour-Terre del Piemonte y Gandovere-Franciacorta. En 1995 obtendrá el "Premio edizione Donna" por el proyecto de traducción de Maria en la casa editorial Gallimard y además, el 15 de Diciembre del mismo año, el Presidente de la República, Oscar Luigi Scalfaro le otorgará la condecoración de "Cavaliere di Gran Croce dell�Ordine al merito della Repubblica Italiana". En 1996 le es concedido también el Premio internacional "Unione Latina" por el conjunto de su obra. Y el 21 de Febrero del 2001 se la distinguirá con el "Diploma di Medaglia d�oro ai Benemeriti della Scuola della Cultura e dell�Arte" por parte del Presidente de la República Carlo Azeglio Ciampi, último premio en vida, ya que muere en este mismo año, dejándonos un legado ingente y polifacético de gran calidad.

Lalla Romano, mujer activa e intimista a la vez, adherente a un entorno refinado y equilibrado burgués ha sabido conciliar perfectamente su faceta pública en su doble dimensión cultural-creativa y literaria, y socio-política con algunos compromisos de implicación concretos a lo largo de su vida; y su faceta privada, bastante rica de experiencias personales: la relación intensa con su marido, la experiencia de maternidad y sus amistades varias. Se ha mantenido siempre ajena al mundo intelectual oficial, alejada de modas, de las distintas corrientes literarias de la época, incluso de cualquier tipo de activismo feminista, buscando su independencia, su originalidad expresiva en un sentido de neutralidad casi clásica y muy personal, que huye de cualquier concesión al sentimentalismo, del empalagamiento narcisístico, exhibicionismo psicológico, victimismo o de la palabra "hueca".

En la etapa que le tocó vivir, con respecto a su propia identidad como mujer, no podrá encontrar su imagen especular en los referentes femeninos en un plano de proyección social, y para ser fiel a su inclinación filosófica y artística, tendrá que buscar su afirmación en las figuras masculinas que la rodeaban: su padre, su tío el matemático Giuseppe Peano, el profesor Pastore, el pintor Morelli o el famoso crítico de arte Lionello Venturi. Sentirá en sí por tanto, la copresencia de sentimientos dialécticos, una ambivalencia que por su atracción hacia lo abstracto y espiritual, y su no reconocimiento en un sistema expresivo a través de la corporeidad (según era patente en la época como atributo femenino) la llevarán a "redimensionar su femineidad en un sentido viril" como apunta Jadranka Novak en su estudio "Il tempo ritrovato di Una giovinezza inventata di Lalla Romano".

Perfil literario y concepto artístico

La escritora generacionalmente se adscribe cultural y poéticamente a la de Pavese, Quasimodo, Vittorini, Montale, Levi, Calvino, Sereni, Pasolini, Ginzburg, Morante, Moravia, Volponi, Ottieri, Sciascia, Eimaudi y Bollati, Carlo Diomisotti, Gianfranco Contini, Geno Pamploni, Maria Corti, Grazia Cerchi...

Concibe la escritura como una "persistente identidad en el tiempo"; un medio para salvar la eternidad de las experiencias vividas en su auténtica actualidad siempre presentes. Una escritura que tiene una gran fuerza ética, un medio indagatorio, que convoca a la memoria con un doble valor: su rescate, nos dice la escritora, nos hace más humanos porque nos conecta a un hilo universal consciente y provoca nuestra reflexión, y por otra parte, tiene un valor epifánico o revelador de la verdad. Considera este aspecto fundamental y vincula la memoria a la fantasía, ya que es la que propone la elección inicial.

Su engranaje expositivo se ha tildado de "autobiográfico". Cesare Segre, gran estudioso en profundidad de su obra, niega rotundamente esta característica. Llega a conclusiones opuestas, aduciendo que parte precisamente del material autobiográfico para configurar su tejido creativo y dar lugar a otras realidades literarias de valor universal.

Otra característica de la obra de Lalla Romano es que mezcla distintos códigos expresivos, especialmente la pintura y la fotografía con la literatura. Ello es producto de una visión global, esencial, perenne, en que el tiempo y el espacio forman una realidad única. Vincenzo Consolo en su artículo "La memoria in Lalla Romano tra scrittura e immagine" habla de la importancia que tiene la fotografía en ella (más que en ningún otro escritor moderno) como fuerte potencial del que se impregna la memoria, fuente de inspiración e invención, testimonio de realidad viva en suma. Además, esta inserción de materiales heterogéneos en el seno de una misma obra se revelan como indicios o señales de una verdad perseguida.

Su serenidad interior se refleja en su estilo, que manifiesta un equilibrio esencial, con una lengua que eleva a una medida "clásica" los módulos linguísticos de la burguesía septentrional, disciplinada bajo una estructura laica y lógica, cincelada en el rico legado de la cultura de la Ilustración, una lengua clara, hecha de frases simples pero que logra atrapar las quiebras y matices más sutiles mediante un uso original de la parataxis que refleja cadencias nítidas y precisas que abren camino a sugestivas e improvisadas suspensiones y dudas que siembran una atmósfera de cierta inquietud.

La misma Lalla declarará en varios escritos, pero sobre todo en uno de ellos, aparecido en 1945 y que se considera una especie de poética en clave para interpretar su obra (incluido en La villeggiante ), que encontraba gran dificultad en traducir las cosas en palabras por la rotundidad evidente de las imágenes que se imponían a su mente sin un aparente nexo lógico; en esa lucha incansable de todo escritor entre el contenido y la forma de expresarlo, pero en este caso, ese contenido se hace patente en las cosas concretas ya definidas:

"Faccio un tremendo sforzo per tradurre in parole le cose, ma mancando i nessi non riesco a combinare un discorso. Cerco di inventare, ma sento sempre più che il senso mi sfugge, mentre tanto più pesano con la loro massiccia evidenza, le cose ...".

Hildegart Rodríguez (1914 - 1933)

psicarol@gmail.com (Carolina Martínez Cabello) — Fri, 15 Jun 2007 07:28:23 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Hildegart nace en Madrid siendo concebida por su madre con la intención de, bajo su educación y con sus ideas, liberar la "reforma social" de España a principios del siglo XX. La madre de Hildegart, Aurora Rodríguez Carballeira, busca a un hombre que actúe como inseminador y que luego desaparezca, pensando ella que el matrimonio sólo supondría un obstáculo para sus ideas. Eligió con mucho cuidado al padre de Hildegart, teniendo en cuenta que además de las condiciones físicas y morales que estimaba imprescindibles, este también fuera alguien que no pudiera reclamarle nada. La identidad de ese padre es desconocida. Una vez embarazada rompió con todo y se marcho desde El Ferrol (Galicia), donde vivía, hasta Madrid. No tuvo problemas económicos para empezar una nueva vida al proceder de una familia acomodada. Aurora se alegró de tener una niña, ya que, pensó que esta podría hacer una labor más fructífera que un hombre, por ser la mujer quien estaba más necesitada de liberarse de esclavitudes, tabúes y falsos complejos de inferioridad. En opinión de Aurora, Hildegart debía ser la hembra fuerte capaz de redimir a la mujer.
El nombre de Hildegart, según su madre, está formado por la palabra "gart" que significa jardín, y "hilde", que significa conocimiento o sabiduría; por tanto "jardín de la sabiduría". Y no se equivoco con el significado del nombre, al conocer la vida de Hildegart encontramos a una persona brillante y creativa. Hildegart lee y escribe al mismo tiempo que aprende a hablar. A la vez que aprende castellano también estudia alemán, inglés y francés. A los once años comienza a dar conferencias y escribe en la revista �€�Sexualidad�€�, en la sección �€�higiene sexual�€�. Antes de cumplir los trece años ha terminado el bachillerato con sobresaliente en todas las asignaturas y comienza la carrera de Derecho (con una dispensa por la edad).
A los catorce se lanza a la lucha que su madre le había previsto. En Enero de 1929 ingresa en la Unión General de Trabajadores (UGT). También ingresa en las Juventudes Socialistas madrileñas. Pocos meses después, publica sus primeros artículos en "El Socialista" y se hace popular. En mayo de 1932 termina Derecho, pero debe esperar a ser mayor de edad para poder ejercer, sólo tiene dieciséis años, así que comienza los estudios de medicina.
Junto a sus artículos en "El socialista", empieza a colaborar con otros dos diarios madrileños; "La Libertad" y "La Tierra". Además, participa en numerosos actos políticos y culturales, con frecuentes conferencias en las que defiende, no sólo la igualdad jurídica de la mujer con el hombre, sino la completa liberación del sexo femenino. Algunas de estas conferencias después aparecerían (ampliadas y corregidas) convertidas en libros (por ejemplo, "La rebeldía sexual de la juventud").
En el tema político, desilusionada por la actuación del partido socialista en la Segunda República de España, parece que Hildegart, al igual que otros compañeros va a abandonarlo, pero antes de eso es censurada por su indisciplina, al oponerse en un artículo publicado en "La Libertad", a la candidatura propuesta por el partido. Aprovecha para escribir un libro titulado "¿Se equivocó Marx?" en el que opina que, en cuanto al socialismo en sí, anarquistas y feministas tienen razón al afirmar que los diputados obreros acaban siendo corrompidos por las mismas instituciones burguesas a las que pretenden destruir. Al epílogo de esta obra le añade una nota breve a través de la cual se da de baja, tras cuatro años militando en la Federación Nacional de Juventudes, en la Agrupación Socialista madrileña y en el Sindicato de Actividades Diversas de la UGT. Tras esto, pide su ingreso en el Partido Republicano Federal. Los tres últimos años de vida de Hildegart son muy prolíficos. Escribe casi a diario artículos para "El Socialista", primero, y para "La libertad" y "La Tierra" después, colabora con revistas extranjeras, pronuncia numerosas conferencias y publica diversos libros.
Si resulta interesante su labor en el terreno político, más importante e interesante resultan aún sus trabajos encaminados a la liberación de la mujer. Si en los primeros años aboga por la concesión del voto a la mujer, defiende posteriormente la igualdad jurídica entre los dos sexos (como sostiene en su obra "Venus ante el Derecho") y más aún, la liberación femenina de toda clase de tabúes y prohibiciones sexuales. Considera que este aspecto del problema supera en importancia a todas las revoluciones que ha conocida la humanidad y que contribuirá en mayor medida que ninguna otra a liquidar injusticias. Hildegart, que estudia y conoce las más modernas teorías sobre el comportamiento sexual de la pareja humana, cree que "el problema del sexo se eleva ante las generaciones futuras como el principal problema al que debe buscarse una solución urgente". Se lanza resueltamente a la cruzada en defensa de la mujer. Da conferencias sobre la injusta postergación femenina y la urgencia de un cambio jurídico y ético. Interviene personalmente en las semanas de eugenesia y es cofundadora junto con Marañón de la Liga Española para la Reforma Sexual, sección de la Liga Mundial para la Reforma Sexual que tenía sede en Berlín. Ella organiza sus estatutos y elabora los primeros números de la revista �€�Sexus�€�, su órgano de debate y difusión de las ideas. Abordó temas que la sociedad española seguía considerando intocables y la participación en la Liga le permite mantener relación por carta con Havelock Ellis, uno de los precursores de la sexología europea, a través del cual publica algunos ensayos y trabajos en revistas científicas extranjeras y empieza a ser conocida en Alemania, Inglaterra y Francia. Entre sus admiradores también podemos encontrar a H.G. Wells, al que Hildegart sirve de interprete y acompañante en una de sus visitas a Madrid, y que trata de convencerla de que ella tendría más futuro en Inglaterra.
Su intensa visa sindical y científica se ve truncada por su muerte prematura. En la madrugada del 9 de junio de 1933, teniendo sólo 18 años, su madre acaba con ella matándola mientras duerme. Aurora dispara hasta cuatro veces sobre su hija. La explicación que da Aurora Rodríguez sobre por qué mata a su hija (rechazando ella misma algún tipo de desequilibrio mental) es que la joven se iba a desviar de la misión que ella le había encomendado. Incluso habla de que hay gente interesada en utilizar a Hildegart para defender otras ideas e intereses que ella no quiere, hasta llega a decir que el Servicio de Inteligencia Británico quiere convertirla en espía y teme que para convencerla se hayan servido de algún muchacho para enamorarla. Hay quien cree que la principal razón de su muerte es que no soportó que Hildegart, al igual que hablaba a los demás sobre la necesidad de rebelarse, quisiera hacer lo mismo con su madre. Tras toda la vida bajo la dominación de su madre quiere ser libre y eso no fue capaz de asumirlo su madre. Ellis había escrito un artículo sobre ella titulado �€�La Virgen Roja�€�, en el que elogiaba y aplaudía su trabajo al mismo tiempo que censuraba la simbiótica relación que mantenía con su madre. Este artículo había llegado a manos de Hildegart y su madre el día anterior al asesinato.

Mercé Rodoreda I Gurguí (1908 - 1983)

molinermarin@yahoo.es (Maria P. Moliner Marin) — Sun, 31 May 2009 11:14:50 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: catalán

Breve biografía
Mercé Rodoreda i Gurguí es considerada como una de las grandes novelistas del siglo XX en lengua catalana. Sus obras siguen hoy en día traduciéndose a otras lenguas y ganando lectores, y sobre todo lectoras, e investigadores que van aportando más información y nuevas perspectivas a su producción literaria. Nació en Barcelona el 10 de octubre de 1908 y vivió su infancia y parte de la adolescencia en un pequeño chalet del abuelo materno en el barrio de Sant Gervasi, alejada del bullicio del centro de la ciudad y rodeada de casas señoriales, jardines y naturaleza. Protegida probablemente en exceso por su abuelo, quien le aportó no solo el calor familiar sino que influyó fuertemente en su formación cultural y catalanista, se cría en un ambiente cerrado y casi endogámico roto tan solo por la asistencia a algunas manifestaciones literarias. Por el hecho de ser mujer, su familia no le permitió seguir sus estudios que tuvo que abandonar a los nueve años con el pretexto de ayudar en casa. Más pendientes del "qué dirán", la mantuvieron al margen del ambiente social e intelectual barcelonés del momento.
La muerte del abuelo cuando ella contaba con doce años marcó un punto de inflexión en su vida, como se percibe en toda su producción literaria. La pérdida de una figura tan trascendental para la niña supuso, además, que su soledad en un barrio que se le iba deviniendo en exceso tranquilo, se intensificara. Poco tiempo después conoce a Joan Gurguí i Guàrdia, tío materno recién llegado de América, con quien le concertarán un matrimonio que se materializará ocho años después, y con el que tendrá un hijo. Muy pronto, la escritora desmitificará la idílica idea que sobre el matrimonio tenía y los problemas de la pareja se acentuarán por la diferencia de edad y la divergencia entre los proyectos de ambos.
El ambiente de euforia y libertad que se vive durante los breves años de la república la ayudan a tomar conciencia de su situación de opresión, reclusión y falta de libertad como mujer. Comienza a escribir y colabora en la radio, diarios y revistas de Barcelona, además de en la Institució de les Lletres Catalanes y, en consecuencia, frecuenta a los intelectuales y escritores catalanes, entrando a formar parte del mundo literario de la época.
El exilio a Francia, acabada la guerra civil, le supuso inicialmente una liberación del ámbito familiar y el descubrimiento de una vida llena de expectativas profesionales y personales. La planificación por parte de la Conselleria de Cultura de la Generalitat Catalana del exilio de sus intelectuales en enero de 1939, permitió un contacto entre los mismos, incluso la conciencia de grupo. Así, en Roissy-en-Brie, coincidió la escritora con personalidades como Pompeu Fabra, Francesc Trabal, Joan Oliver, Cèsar August Jordana, Anna Murià, Pere Calders, Rosa Artís o Armand Obiols, entre otros. Este último, amante y posterior pareja de la escritora, ejercería una fuerte influencia sobre ella, condicionando en muchas ocasiones en exceso su escritura.
Pero a la situación dramática del exilio se unió la vivencia de la segunda guerra mundial, la necesidad de escapar de nuevo, esta vez a Burdeos, el distanciamiento de Obiols y de muchos de sus amigos y referentes y el abandono de proyectos.
Después de un peregrinaje de varios años por diferentes ciudades de Francia, dificultades económicas, problemas de salud y una gran precariedad laboral, Rodoreda y Obiols se instalan en Ginebra de manera menos provisional, aunque él continua viajando con frecuencia, dejándola sola durante largas temporadas. Gracias al trabajo de traductor para la UNESCO de Obiols y de sus colaboraciones en diferentes organismos internacionales, vivirán unos años de manera más pausada y menos precaria; de este modo, ella puede dedicar más tiempo a la escritura y reescritura de sus obras. Sin embargo, son continuos sus problemas con editores y editoriales para la publicación y traducción de sus novelas y las decepciones por no conseguir los premios literarios, a los que se presenta insistentemente con obras nuevas o reescritas. Por fin en 1966 obtiene el premio Sant Jordi de novela, lo cual le supone el primer paso para comenzar a vivir de la literatura. Llegarán poco después algunos premios antes negados y otros nuevos como el premio de la Crítica o el de reciente implantación Ramon Llull, que le abrirá las puertas del mundo hispanoamericano. También en esta época consigue desbloquear las traducciones de sus novelas a otras lenguas y comienzan a aparecer las primeras ediciones en inglés, francés o checo. Consigue, así, su objetivo marcado desde hace muchos años: afianzar su reconocimiento como escritora de calidad tanto en España y en Cataluña como en el resto de Europa. Pero sus fracasos con los premios literarios y los problemas de traducción no terminan aquí: sigue presentándose a premios que le niegan supuestamente por causas políticas, de género u otras más espurias; esta derrota es vivida de tal modo por la escritora que incluso niega haberse presentado a muchos de ellos.
En 1979, ya sola, después de algunas visitas a Barcelona para acogerse al derecho de amnistía laboral decretado por la Generalitat (que nunca le concedieron), vuelve definitivamente y se instala en Romanyà de la Selva, donde vive con dos amigas sus últimos años. Por fin en 1980 le conceden el máximo galardón de las letras catalanas: el Premi d�honor de les Lletres Catalanes. Pocos años antes, en 1976 le proponen llevar al cine una de sus obras más conocidas actualmente: La plaça del diamant, que se estrena en 1982 con el director Francesc Betriu, protagonizada por Silvia Munt, y que la relanza como escritora; la película es televisada y Rodoreda ve cómo crece su popularidad.
Muere en un hospital de Girona en 1983.

Producción literaria
Resulta difícil ubicar a Mercé Rodoreda en un género literario determinado, no sólo porque a lo largo de su vida cultivó tanto el teatro como la novela, el cuento y la poesía, sino también porque, como consecuencia del hibridismo contemporáneo de los géneros, su producción en prosa, que es la que la ha proyectado internacionalmente, está impregnada de una recurrente presencia de elementos líricos.
Comienza con el cultivo del relato breve, colaborando desde muy joven en revistas y periódicos de Barcelona como Revista de Catalunya, Mirador o La Revista. Dichos relatos fueron recopilados posteriormente, junto con otros inéditos, en el libro Semblava de seda i altres contes (1978). Otras recopilaciones posteriores de sus relatos son Vint-i-dos contes (1958), La meva Cristina i altres contes (1967), Viatges i flors (1980), Quanta, quanta guerra (1980) o La mort i la primavera (1990).
Parte de su obra narrativa responde a la clasificación de novela corta, como El carrer de les Camèlies (1966) o Jardí vora el mar (1967), a partir de las cuales elaborará sus novelas largas, las más conocidas son Aloma (1938), La plaça del diamant (1962) o Mirall trencat (1974), la más ambiciosa, que puede ser considerada una novela río. No son éstas, sin embargo, sus primeras novelas, pues anteriores a ellas están las que podrían denominarse novelas de juventud, menos conocidas porque después de su publicación fueron rechazadas por la autora: Soc una dona honrada? (1932), Del que hom no pot fugir (1934), Un dia a la vida d�un home (1934) y Crim (1938). Estas obras pertenecen a la misma época que Aloma, y en ellas, a pesar del débil pulso narrativo, se deja entrever ya la atracción de la escritora hacia el mundo femenino, que se convertirá con el tiempo en una constante a lo largo de toda su literatura.
Su última novela, Isabel i Maria, de publicación póstuma (1991) se puede considerar, más que como una novela abierta, como un work in progress, como explica su crítica más importante, Carme Arnau. Se trata de un corpus de escritos sobre una novela nunca concluida y en continua revisión que aportan importante información sobre el método de trabajo de la escritora y sobre la estrecha relación entre sus novelas. En ella se percibe el afán de innovación de estilo, al dar voz a diferentes personajes y ofrecer, de este modo, un multiperspectivismo que aporte relatividad a lo contado.

Tópicos y estilo
Muchos son los elementos que dan cohesión a su producción literaria, tanto en lo que respecta al estilo como en la utilización de ciertos tópicos que se van repitiendo constantemente. En primer lugar, podemos destacar que los personajes más relevantes de sus obras son femeninos, pero lejos del encorsetamiento de las protagonistas que encontramos en muchos novelistas, la escritora nos ofrece un abanico amplio y variado de la figura de la mujer, tanto en lo que concierne a la edad como al estatus social, nivel cultural..., cuyo único elemento de relación, además de su sexo, es la ubicación en Barcelona. Todos sus personajes tienen también en común la capacidad de reflexionar sobre ellos mismos y sobre su modo particular de ver el mundo que las rodea. Son frecuentes los planteamientos existenciales como la búsqueda de identidad, la soledad o la libertad, que en ocasiones llegan a provocar incluso la histeria; todo ello siempre desde una perspectiva femenina, marcada por la maternidad, casi siempre conflictiva, cuyo enfoque responde a la idea que, sobre este aspecto, nos da Julia Kristeva. Por esa adopción de un punto de vista femenino complejo, y por el rechazo en la reproducción de estereotipos simplificadores su obra literaria da una imagen más cercana de la psiqué de la mujer contemporánea.
Otros subtemas que giran alrededor de la escritura femenina son: las complejas relaciones madre-hija, vistas siempre desde distintos puntos de vista, el jardín, las flores, las relaciones familiares, la figura del tío-marido o la soledad.
Muchos de estos tópicos se convierten en símbolos personales por la fuerte trabazón que mantienen con la propia vida de la escritora y por su aparición repetitiva incluso machacona; entre dichos símbolos se produce en ocasiones una relación estrecha fácilmente interpretable; es el caso de la pérdida de la infancia a los doce años y la consiguiente pérdida de la felicidad que coincide con la obsesión por la sangre que a menudo lo impregna todo a través del color de ciertas flores y la evocación de recuerdos; junto a ellos, el descubrimiento del mundo y, en consecuencia, la toma de conciencia de falta de libertad. Otro ejemplo podría ser el valor simbólico de los nombres de las mujeres o su relación con símbolos florales, presentes en casi todas sus obras y exentos todos ellos de la candidez e ingenuidad que les atribuye la tradición; por contra, la crueldad, en sus diferentes manifestaciones, es casi omnipresente.
Junto al jardín, otro de los escenarios preferentes en las novelas de Rodoreda es la casa, ambos acabarán convirtiéndose en la imagen de la mujer que los habita y en un reflejo de la evolución de su propia vida; de ahí la importancia del paso del tiempo como un fenómeno en muchas ocasiones degradador que incluso condiciona los recuerdos hasta el punto de llegar a modificar la imagen del pasado.
Esta evolución de los personajes paralela a la casa y al jardín adquiere tal importancia en las novelas que la conciencia del transcurso del tiempo viene proporcionada por los cambios que se producen en esa la realidad exterior más cercana.

Técnicas discursivas
Pero la calidad de un escritor no se reconoce por la utilización de ciertos tópicos o la evolución de los mismos en símbolos, que, aunque numerosos en Rodoreda, son siempre limitados. Su reconocimiento como novelista contemporánea viene dado por el dominio de las técnicas narrativas, su capacidad para utilizar diferentes niveles diegéticos y distintas posiciones enunciativas incluso dentro de una misma novela y la maestría en el uso de la polifonía en su producción más madura. Estamos ante una escritora en continuo proceso de evolución que comenzó escribiendo cuentos con gran maestría pero no quiso limitarse a las posibilidades sintéticas de este género sino que indagó en las capacidades discursivas de la novela.
Así, comenzó con el uso de la heterodiégesis (tercera persona) en novelas de juventud como Aloma, pero aventurándose en un narrador equisciente que mostrara un conocimiento del mundo limitado e ingenuo, el de su propia protagonista.
En La plaça del Diamant, sin embargo, tenemos una narradora autodiegética (primera persona) que exhibe en su propio discurso rasgos que la definen y caracterizan; así, a través de un denso monólogo interior, Colometa cuenta su propia vida, pero exhibiendo una total pasividad ante el mundo que la rodea, sin conciencia alguna de responsabilidad o actitud positiva. La impresión que ofrece al lector la incapacidad de controlar y conducir su propia existencia.
Dichas posiciones enunciativas ofrecerían pocas posibilidades a una escritora perfeccionista y con grandes aspiraciones. Por ello probablemente escribiera una novela totalmente realista, con ciertas dosis de naturalismo: Mirall trencat, contada en su totalidad por un narrador omnisciente, fuera del universo de la historia, que, desde una posición ajena a los sucesos, al tiempo que demiúrgica, manipula los personajes, las acciones, el tratamiento del tiempo... La adopción de una técnica tradicional no resta, sin embargo, modernidad a un relato en el cual se encuentran ciertos rasgos estilísticos propios del momento en que fue escrito, como son el perfeccionamiento en el uso del estilo indirecto libre, la multifocalización, el acceso mental de alternancia limitada, la ironía, etc. Rodoreda se apoya en formas literarias instituidas por la escritura masculina que, no obstante, quedan subvertidas al ser utilizadas como instrumentos de transmisión de experiencias femeninas.
En muchas de sus novelas homodiegéticas se transmite la sensación de que la historia de la protagonista no tiene un interlocutor definido, con lo que se refuerza el vacío existencial de la narradora-protagonista. Además, es frecuente la narración personal disonante caracterizada porque en el discurso aparecen claramente dos ejes diegéticos: el que se sitúa cronológicamente en el momento de la enunciación, y el que se apoya estructuralmente en un tiempo pasado, por lo que existe una distancia temporal entre el tiempo de la historia y el tiempo del discurso. La escritora contemporánea indaga, por tanto, en las posibilidades que su palabra ofrece para la expresión de un mundo oculto y percibido como individual y diferente, de ahí el uso frecuento de la corriente de conciencia. Esto la diferencia de la novela escrita por mujeres de épocas anteriores, cuya finalidad básica consistía en que no se percibiera a través de la escritura la condición femenina de la autora y, de este modo, exponer una visión de la realidad ficticia que no difiriera de la ya expuesta.

En casi todas las narradoras contemporáneas se percibe una preocupación por indagar en las diferencias por razón de sexo y por determinar el proceso a partir del cual el individuo se convierte en mujer. De ahí que sea frecuente que los relatos se retrotraigan a la época de pubertad de las protagonistas, dado que la adquisición de la conciencia de la diferencia marca un punto de inflexión en la vida de los personajes femeninos. Al dar la palabra al personaje femenino, la descripción de los hechos difiere de la realizada por los personajes masculinos.

Como otros muchos escritores en el exilio, Rodoreda escribe inspirándose en su tierra, pero desde una observación a distancia que provoca una visión de la realidad a menudo deformada por la selección de recuerdos e idealizada por la añoranza, pero enriquecida por la perspectiva y por las vivencias de otras realidades distintas a las vividas en su espacio propio.

Luise Rinser (1911 - 2002)

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Mon, 28 May 2007 07:31:30 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua alemana

Luise Rinser nació el 30 de abril de 1.911 en Pitzling, pedanía de la ciudad de Landsberg am Lech, en el sur de Baviera (Alemania). Hija de un maestro de escuela y organista, ya desde niña destacaba por su tremenda curiosidad y ansias de conocer todo lo que le rodeaba. En su ciudad natal aprendió las primeras letras, y a los ocho años escribió su primer cuento dedicado a sus padres. Con catorce años, y sin que nadie lo supiera, redactaba pequeños relatos en el silencio de la noche, los cuales finalmente verían la luz en la revista "Westermanns Monatsheften". Tras terminar los estudios de Secundaria se trasladó a Múnich donde estudió Pedagogía y Psicología en la Universidad. Tras aprobar el examen final de carrera comenzó a trabajar desde 1935 como maestra de apoyo en diferentes Escuelas del pueblo y de Formación Profesional bávaras.

Su vida parecía transcurrir con relativa tranquilidad, entre sus alumnos de la escuela y una voraz creatividad que iba puliendo a través de sus escritos, sin embargo, su espíritu inconformista iba encendiéndose al tiempo que en su país se izaban banderas cruzadas que auguraban tiempos de profundos cambios. Luise, adoptó, como era propio de su joven y fuerte carácter, una postura combativa, positiva y enérgica, y a través de la revista Herdfeuer, se atrevió a publicar sus primeras y valientes críticas en contra del nazismo.

Fue por su frontal rechazo a las políticas del gobierno nazi por lo que en 1939 rehusó afiliarse y colaborar con el NSDAP (Partido Nacionalsocialista de Alemania), renunciando voluntariamente a su puesto de maestra para evitar el tener que propagar y enseñar a sus alumnos el ideario fascista. A sus veintiocho años Luise era consciente de la gravedad de una decisión que podía costarle la vida. Por dicha razón, el hecho de que la única represalia que tomaran contra ella fuera el prohibirle seguir escribiendo, significó, aunque un alivio, una muy triste noticia, pues era un intento de matar sus sueños.

En ese periodo de tiempo, Luise, sin trabajo y sin poder publicar sus relatos, se centró más en su vida personal y contrajo matrimonio en 1939 con su antiguo compañero de Universidad, el músico y capellán protestante de Braunschweig, Horst-Günther Schnell. Asimismo, muy pronto irían llegando las felices noticias de los nacimientos de sus dos hijos: Christoph y Stephan. Pero el espíritu de Luise no podía resignarse únicamente a su labor como madre y ama de casa, imperaba tanto su amor inquieto por la literatura que en su escaso tiempo libre empezó a leer y escribir de nuevo, recibiendo para ello todo el apoyo, admiración y amor de su marido. Fue de hecho Gunther quien se encargó de enviar a la prestigiosa editorial alemana Suhrkamp un manuscrito escrito en tan sólo seis semanas, que se convertiría en la primera novela publicada de Rinser en el año 1941: �€�Die gläsernen Ringe�€�, en la que Luise relata de manera muy sosegada y distante su propia infancia. Desgraciadamente, la segunda edición de su novela no pudo ver la luz al ser inmediatamente prohibida e incautada por las autoridades nazis.

La felicidad duró muy poco, en 1943, Gunther fue obligado a combatir como soldado alemán en el frente oriental y castigado a permanecer en primera línea de combate, donde pronto sería abatido. Luise, sola con sus pequeños, llena de rabia y tristeza, escuchaba en secreto la radio de las fuerzas aliadas, la BBC, y conociendo la situación real de la guerra comenzó a alentar a los soldados para que dejaran de ser blancos fáciles para �€�el enemigo�€�: la guerra no tenía ningún sentido. En la lucha sin tregua contra el salvaje e inhumano destino de muchas personas durante el Tercer Reich, decidió contraer matrimonio con su gran amigo, el escritor homosexual y pacifista Klaus Herrmann, salvando a éste de ser deportado a un campo de concentración.
Pero muy poco después, en 1944, le sobrecogió la traición de una amiga de la infancia, compañera de pupitre y cuyo marido era oficial de la Gestapo: le había denunciado ante las autoridades nazis. �€�El odio sólo lo he sentido en mi vida una vez y de manera muy breve�€�, diría Luise más tarde. Fue condenada a muerte por los delitos de desmoralización de las Tropas y por Alta Traición al Tercer Reich y trasladada a la prisión de mujeres de Traunstein. A la espera de ser ejecutada en cualquier momento a Luise se le iban grabando con gran dolor todas sus vivencias, hambre, crueldad, humillaciones y las torturas sufridas en la cárcel. Casi milagrosamente, a comienzos de 1945, las tropas norteamericanas llegaron a prisión antes que el verdugo de Luise, evitándole una muerte segura y liberando al resto de prisioneras. Luise escribió con avidez, con un estilo ágil, sencillo y antes de que se sumergieran en el olvido, aquellas experiencias de la cárcel en su obra "Gefängnistagebuch" que sería publicada en 1946. «No tendremos futuro hasta que no hayamos �€�visto�€� del todo nuestro pasado y no importa si lo vivimos como víctimas o como verdugos » escribió Luise a propósito de esta obra, que huía de un dramatismo fácil y que trata de la condición humana desde su desnudez. Gran parte de lo escrito en aquel diario de Prisión ha sido utilizado hasta la fecha no sólo como documento histórico sino como testimonio vital contra la ideología facista.

Si con "Gefängnistagebuch" Luise fue reconocida definitivamente en Alemania como una auténtica combatiente contra la barbarie nazi, lo fue también su feminismo a ultranza, atreviéndose a decir en plena posguerra y cuando un sentimiento de culpabilidad colectiva embargaba el espíritu de un país abatido que cada hombre encerraba en sí mismo a una mujer. Para ella, el verdadero avance de la humanidad pendía de la reconciliación definitiva de lo masculino y femenino de una manera indeleble y perenne, y, de hecho, las guerras no eran sino consecuencia del dominio de lo masculino sobre lo femenino, en definitiva la represión contra la mujer.

Desde 1945 hasta 1953 la autora trabajó como periodista y colaboradora en el diario muniqués �€�Neue Zeitung�€� a la vez que continuaba con su pasión por escribir publicando obras como "Jan Lobel aus Warschau" (1948) donde dos mujeres arriesgan su vida por esconder a un judío polaco, �€�Mitte des Lebens�€� (1950), su primer libro feminista donde habla del amor y de la emancipación a través de una mujer fuerte y apasionada, y �€�Daniela�€� (1952), además de numerosísimos relatos cortos como �€�Die Rote Katze�€� (escrito en 1948 y publicado en 1981), narraciones y pequeños cuentos fruto de su extraordinaria capacidad de observación y su inagotable creatividad. Muchas de sus obras se encuadran dentro del género Kurzegeschichte y narran múltiples vivencias durante la penosa vida de posguerra quedando de relieve la desesperación del pueblo alemán ante el derrumbe económico y moral en los años posteriores a 1945. A pesar de que este tipo de técnica narrativa tan íntima y realista puede apreciarse en los escritores del �€�Grupo 47�€�, Luise nunca sería considerada una escritora perteneciente a esta corriente literaria alemana, sino más bien una autora de entretenimiento o de lectura de placer, tal apreciación probablemente poco afectó a una novelista que siempre huía de cualquier encasillamiento.

Dentro de este período, en 1954, públicó su obra "Der Sündenbock�€� y contrajo matrimonio en Ammersee con un entonces desconocido y excéntrico compositor Carl Off, �€�genio y demonio en una sola persona�€� como solía definirlo la propia autora. Durante su vida con Carl, Luise publicó "Abenteuer der Tugend"(1957) y "Geh fort, wenn du kannst" (1959). Luise consiguió alcanzar una enorme fama con sus novelas, en las cuales, a menudo, la autora proponía un tipo de mujer fuerte, con ansias de libertad y emancipación que se debate entre el autoritarismo del hombre y su propia identidad.

El matrimonio con el autor de �€�Carmina Burana�€�, supuso cinco años de verdadero infierno hasta su divorcio en 1959. Pero Luise siempre supo encontrar consuelo y refugio en el apoyo de grandes amigos como el compositor coreano Isang Yun, el abad de un Monasterio benedictino (pues Luise era además una cristiana convencida) y el teólogo jesuita Kart Rahner, al cual siempre se le ha considerado el gran amor de su vida ya que a él dedicó sus más bellas y apasionadas cartas de amor. Sin embargo, en su obra autobiográfica «Saturn auf der Sonne» (1994), una Luise anciana reveló que el auténtico y verdadero gran amor de su vida había sido el abad benedictino de iniciales �€�M.A�€� y al que nunca descubriría para no comprometerlo. En palabras de la autora �€�Él era mi destino�€�, sólo en una ocasión se besaron fugazmente �€�La primera y la última vez�€�. �€�Fue tal mi fidelidad hacia M.A que nunca pude amar a otro hombre, a pesar de que tuve oportunidades�€�. Quizás, fue por dicha razón, por lo que Luise, aunque católica, criticó con furor el celibato, al que consideraba �€�antinatura�€�.

En 1965 Luise se instaló en Rocca di Papa, un pueblecito de la provincia de Roma (Italia), donde la autora descubrió un bello paisaje en el que evadirse de la realidad, un hogar donde se sintió siempre feliz y arropada por sus vecinos (sería reconocida posteriormente como ciudadana de honor). En Rocca di Papa Luise pasó gran parte de su vida, allí lograba concentrarse para escribir muchas de sus obras, relatos, ensayos, novelas, preparaba sus obras radiofónicas y sus libros de viajes. No fue su hogar definitivo, pues Luise siempre conservaría su casa de Baviera, en Unterhaching, a las afueras de Múnich.

Durante la década de los sesenta Luise se fue sintiendo cada día más comprometida con sus ideales feministas, con la ecología y el pacifismo. Por dicha razón se convirtió en una firme activista política. Mantuvo una voluntad en sus convicciones y militancia que la acompañarían incluso hasta en la vejez. Ella misma se definía como �€�socialista y cristiana�€�. En este último ámbito continuó siendo una mujer inconformista y criticó abiertamente la postura del Vaticano sobre temas como el aborto, el papel de la mujer en la Iglesia, etc�€� �€�La iglesia y yo no nos entendemos�€�. Sin embargo, permaneció fiel a su admirado Karl Rahner y a la obra teológica de éste, que tanto influiría en el Concilio Vaticano II (1962-1965), evento histórico que Luise llegó a cubrir como corresponsal.

En su compromiso político, en 1968, apoyó públicamente la candidatura de Willy Brandt en su campaña electoral, al que acompañó en mítines y viajes por toda la República Federal Alemana (RFA). Se manifestó junto al escritor Heinrich Böll por el desarme nuclear y en contra de la carrera armamentística en la RFA, también salió a la calle a favor de los derechos de la mujer y participó en decenas de manifestaciones de movimientos por la paz y por las minorías. Simpatizó por la causa de la profesora estadounidense Angela Davis, expulsada en 1969 de la Universidad de California por su afiliación al Partido Comunista y manifestó públicamente su empatía con los ciudadanos de la entonces República Democrática Alemana.

Sin duda, a finales de los años 70 llegó el período más controvertido y polémico de la vida de Luise Rinser al criticar ésta, en una carta abierta, la sentencia por el incendio de un centro comercial cometido por Andreas Baader y Grudrun Ensslin y otros miembros de la organización terrortista alemana Fracción del Ejército Rojo (RaF), conocida como la banda Baader-Meinhof. Rinser llegó a escribir al padre de Ensslin (novia de Baader): �€�Gudrun ha encontrado en mí a una amiga de por vida�€�. Por esta razón, Luise Rinser fue acusada de simpatizante de la banda. Llegó a recibir amenazas serias desde grupos de extrema derecha en los frenéticos días del �€�Otoño Alemán�€� (1977) tras publicar la revista �€�Quick�€� que la autora había llegado a recibir en su día a la famosa pareja de terroristas. En aquel lapso de tiempo, la indignación por el secuestro de Schleyer a manos de la Baader-Meinhof, provocó que Rinser recibiera un aluvión de críticas tanto de sectores de la derecha como de la izquierda del país, voces que pedían excluir sus textos en los libros de escuela, así como reproches del propio Presidente Hans Filbinger, que deseó �€�el mayor éxito en la lucha contra Luise Rinser�€�. Paradójicamente Luise Rinser había sido condecorada en ese mismo año 1977 con la Medalla al Mérito Nacional: la Bundesverdienstkreuz. En sus años ancianos, Luise confesó con la sabiduría que concede la edad: "Yo antes sí era muy temperamental y podía excitarme de manera terrible, políticamente hablando�€�, y es que según ella misma reconoció, �€�llegué a meter baza en todas partes, lo que me ocasionó innumerables complicaciones.�€�

En aquellos encendidos años 70, Luise Rinser, seguía escribiendo sin cesar, estudiaba, observaba intensamente y aprendía, a lo largo de sus viajes por el mundo, de países como la Unión Soviética, Estados Unidos, España, India, Indonesia, Corea del Sur, etc.. Experimentó vivencias extraordinarias que llegó a describir en sus relatos de viajes pero que no lograron cambiar su propia concepción del mundo. De vuelta a su compromiso político se pronunció a favor de la modificación del párrafo 218 para abolir la prohibición del aborto, y fue considerada una dirigente de la izquierda católica en la RFA. En 1979 Luise recibió el premio Roswitha de la ciudad de Bad Gandsersheim, lo cual supuso para ella una reconciliación definitiva con la opinión pública.

Por su parte, tras recibir un año antes el Premio Europa, escribió en 1981 una autobiografía titulada "Den Wolf umarmen" y en 1983 publicó su novela "Mirjam�€�, en el que se recogía un novedoso perfil de María Magdalena. Fue en el año 1984 cuando se convirtió en la primera mujer que optaba a la presidencia alemana por el partido de Los Verdes, puesto que finalmente no consiguió al ser derrotada por el demócrata-cristiano Richard von Weizsäcker (CDU). Desilusionada con la política, finalmente Luise admitió amargamente: « No son las personas ni los partidos los que hacen la historia, sino que la economía hace la historia, las finanzas hacen también la historia, y ya puede estar al frente de ello un buen hombre como Weizsäcker o el para mí antipático Kohl que nada cambia. Y yo a veces me desespero porque, al fin y al cabo, todo es cuestión de dinero ».
En 1986 publicó su novela « Silberschuld» y en esa misma década visitó en varias ocasiones Corea del Norte a través de una serie de viajes que la marcarían profundamente y que incluyó en su popular cuaderno de viaje: �€�Nordkoreanisches Reisetagebuch", Luise quedó prendada del régimen totalitario del país y en especial de la persona del dictador Kim Il-sung al que visitó con asiduidad. Rinser justificaba así su fascinación: �€�Yo quería conseguir, a través de mi trabajo, que se conociera una clase de socialismo que no sólo consistiera en un modelo determinante para el futuro del Tercer Mundo, sino que también nos pudiera aportar otros impulsos para una reflexión valiente en relación a un socialismo posible que ayude a derrotar la creencia ciega en la imprescindible lucha entre el sistema capitalista y el comunista�€�. Luise dedicó un capítulo de su libro a Kim Il-sung, al que consideraba �€�El pequeño rey�€� y se convirtió además en miembro de la �€�Comisión Internacional para la reunificación pacífica de las dos Coreas�€�. Entre otras organizaciones, Luise era también miembro de la Academia de las Artes de Berlín, de la Academia Tiberia y Senadora de la Academia Internacional Medicea.
Entre 1987 y 1988 recibiría varios premios como el Heinrich-Heine de la Academia de las Artes y Heinrich-Mann del Ministerio de Cultura de la República Democrática Alemana, así como el Premio literario Elisabeth-Langgässer.
El año 1989 supuso un importante momento para la Historia y en especial para todos los alemanes: la caída del Muro de Berlín y la reunificación de Alemania. Luise no celebró aquel momento, aunque tampoco lloró: no fue nunca un secreto que para Luise, la caída de la República Democrática Alemana, tuvo un cierto sabor agridulce.
Cuando ya Luise contaba con ochenta años, en 1991, publicó su novela más apasionada y romántica, �€�Abaelards Liebe�€�. Dicha novela ha sido considerada para muchos una novela autobiográfica de Rinser. Relata la historia de un �€�amor loco�€� entre el gran teólogo y filósofo Abelardo y su alumna Héloise, contada por Astrolabius, el hijo de aquél. Aquel mismo año, mientras celebraba el enorme éxito de su novela, Luise recibió los siguientes reconocimientos: �€�Premio Internacional de Literatura Ignazio Silone�€�, �€�Premio Herkomer�€� y el �€�Premio de la Cultura de la ciudad de Landsberg�€�.

La repercusión pública que obtuvo con �€�Abaelards Liebe�€� animó a Luise Rinser a publicar, en 1994, su correspondencia privada con el teólogo Kart Rahner, fallecido diez años antes, bajo el título �€�Gratwanderung. Briefe der Freundschaft an Karl Rahner". El escándalo estaba servido: la Orden de los Jesuitas puso el grito en el cielo ante una obra a la que acusaba de divulgar contenidos eróticos. Pero Rinser defendió su obra enérgicamente: �€�Sólo porque se representa a Rahner como ser humano y no como un simple nombre tallado en piedra, sobre la cual él en absoluto hubiera querido estar.�€� Pero aquello era la punta del iceberg, el libro brindó una buena ocasión a sus detractores para ridiculizarla con acusaciones como �€�mártir frustrada�€� y otros epítetos. No se le perdonaba lo que para muchos suponía una enorme falta de tacto. El crítico Carl Amery llegó a reprocharle su fanfarronería y exhibicionismo. Sin embargo, Rinser siempre argumentó que Rahner había estado de acuerdo con la publicación de un diario íntimo que ofrecía una mirada libre sobre el torbellino de sentimientos entre una mujer amante y un hombre religioso con muchas ganas de vivir pero comprometido con su celibato.

Un año después de la famosa polémica, en 1995 relató su hermoso encuentro con el Dalai Lama, que en aquel tiempo se encontraba en su exilio en la India, en "Mitgefühl als Weg zum Frieden�€�, Luise, aunque fuera ya a sus 83 años, se sintió tremendamente feliz tras haber hecho realidad el sueño de reunirse con él. La influencia del Lama fue de tal magnitud que consiguió renovar aún más si cabe el compromiso de Rinser con el ecologismo. A la pregunta de Rinser de qué era para el Dalai Lama la Religión, éste contestó: �€�Ser religioso es aquél que trabaja para la preservación de la Creación�€�. Luise Rinser estuvo absolutamente en sintonía con esta afirmación del líder tibetano, llegando a decir en defensa de los animales: �€�El anonimato de nuestras víctimas del reino animal es lo que nos hace sordos a sus gritos�€�.También acogió como filosofía propia un antiguo proverbio hindú: �€�Dios duerme en las piedras, respira en las plantas, sueña en los animales y quiere despertar en nosotros los hombres�€�.

A pesar de su espíritu incansable, los años iban pasando, y ya en 1992, Luise Rinser había escrito una breve nota para el diario "Deutsche Allgemeine Sonntagsblatt" en la que confesaba haber cumplido con su tarea de ser elemento revulsivo hasta el último aliento. Hablaba de tranquilidad por un tiempo. Unos años antes la propia Rinser ya lo decía: �€�Se debe empezar a hacerse mayor a los treinta años, eso sería lo ideal. Se aprende a entender la auténtica realidad de las cosas y se llega a ser totalmente libre a través del intelecto y recurriendo a la claridad que ofrece la Filosofía. La gente que nunca se entrega tampoco puede morir porque la muerte es la última entrega.�€�

Poco antes de su fallecimiento Luise comentó: �€�Cuanto más viejo se hace una más entiende pero menos puede explicarse�€� fue por dicha razón por la que un buen día dijo �€�ya no escribo más�€�. Cuando en su última entrevista se le preguntó qué entendía por la Literatura actual ella respondió: �€�nada de eso me interesa ya, me estoy preparando para morir�€�. Pero Luise jamás demostró tristeza ante su propio final, de hecho, fue una de las pocas de su tiempo que se ocupó del tema de la mortalidad del ser humano. Sobre la vida después de la muerte ella explicaba: �€�estoy totalmente convencida de que hay algo. Como persona occidental, Luise no se podía explicar que caigamos en un silencio eterno: �€�así como en la tierra arrasada tras la guerra vuelve a brotar de nuevo la vida, así me explico la existencia más allá de la muerte�€�.

En los últimos meses de su vida ella ya se encontraba muy débil de salud. En la celebración de su 90 cumpleaños en la Casa de la Literatura de Múnich, con el alcalde de la ciudad como maestro de ceremonias, y cuando todo el mundo la esperaba, Luise Rinser nunca logró llegar: tras su vuelo desde Rocca di Papa hasta Múnich, al bajar del avión se cayó por la escalera golpeándose y lastimándose. Sufrió innumerables operaciones de cadera. Varios meses después, Christoph Rinser, hijo de la escritora, informó mediante un comunicado que el domingo 17 de marzo de 2002, que su madre había fallecido de manera �€�muy repentina e inesperada�€� a causa de una insuficiencia cardiaca en su residencia de Unterhaching.
Tras la triste noticia, muchos medios la recordaron como una mujer luchadora, feminista, pacifista, ecologista, controvertida, rebelde y valiente. En su carta de condolencias, el Presidente alemán, Johannes Rau, destacó la importancia de Rinser como una de las grandes voces literarias del siglo XX y una trabajadora en favor de la libertad, la democracia y la convivencia de los pueblos. Hermann Hesse y Thomas Mann elogiaron la obra de la que fuera tal vez la escritora alemana más conocida de la posguerra. El �€�Stuttgarter Zeitung�€�, describió a Luise Rinser como «la pastora de la anarquía».

Luise Rinser nunca volvería a escribir, se había marchado para siempre, pero no su espíritu ni su voz. Se inmortalizó a través de su extensa obra, un legado que abrió los ojos a toda una generación de hombres y mujeres. Muchas tomaron un valiente ejemplo y el testigo de Luise, el de una mujer escritora, comprometida y profunda pensadora, con grandes aciertos y errores, pero siempre libre y decidida. Luise Rinser, aunque exhausta en su ancianidad, seguía cada día leyendo y aprendiendo con la misma curiosidad que la acompañó desde que era una niña en Pitzling hasta su lecho de muerte: «Sigo esperando a una izquierda rebelde y mantengo mi fe en una utopía de la paz».

Lidia Ravera (1951 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Fri, 01 Oct 2010 07:35:03 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Lidia Ravera nació en Turín en 1951. Vive en Roma. Es escritora y periodista. Comienza a escribir desde muy joven, ella misma reconoce en la autobiografía que aparece publicada en su página web que su primer "éxito" literario se produjo a los siete años de edad, momento en el que escribe una frase en un papel, la maestra la lee y considera oportuno colgar dicho papel en la pared del pasillo de las aulas en la escuela, con lo que las niñas de las otras clases van a leerlo.
Es una articulista habitual del periódico electrónico �€�L�€�Unità.it�€�, en sus artículos trata temas de gran actualidad: Berlusconi, la revolución de las mujeres, etc. Artículos en los que se muestra muy combativa con el Presidente y con sus actuaciones públicas y privadas.
Imparte habitualmente cursos y talleres de escritura en colaboración con diversas entidades.

Franca Rame (1929 - )

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Fri, 24 Aug 2007 17:59:36 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: italiano

1. Su formación
Franca Rame nace en Parabiago, un pequeño pueblo situado en la provincia de Milán, el 18 de julio de 1929, por casualidad: su familia, en aquellos días, actuaba allí. Su padre, Domenico, su madre Emilia, su hermano, sus tíos, primos y demás actores y actrices contratados, constituyen una compañía que recorre los pueblos y las pequeñas ciudades de Lombardía y Piamonte. La familia Rame cuenta con una antigua tradición teatral: eran actores desde el 1600, a veces hacían de titiriteros y otras de marionetistas, dependiendo de las situaciones.
Con la llegada del cine, los Rame se pasan al �€�teatro de persona�€�, añadiendo los �€�efectos especiales�€� del teatro de marionetas. Van de pueblo en pueblo, con gran éxito y ganándose la simpatía de todos los habitantes.
Al parecer, todavía hoy, a pesar del personal éxito teatral y televisivo, si Franca visita uno de aquellos pueblos, la gente dice: �€�Es la hija de Domenico Rame�€�. Perfectamente en línea con la tradición de la Commedia dell�€�Arte, los Rame actúan improvisando, utilizando un repertorio de situaciones y diálogos trágicos y cómicos.
A menudo tienen que debutar en una nueva ciudad o pueblo poniendo en escena, después de haber hecho una encuesta entre los habitantes de dicha población, la historia de la vida del Santo o de la Santa Patrona del lugar.
Los textos de los espectáculos van del teatro bíblico a Shakespeare, de Cejov a Pirandello, de Nicodemi a las grandes novelas históricas de fondo social del 1800, normalmente relacionados con una ideología socialista y anticlerical. De este modo, se representan las vidas de Giordano Bruno, Arnaldo da Brescia y Galileo Galilei.
Domenico Rame es el poeta de la compañía. De fe socialista, a menudo destina la recaudación de los espectáculos (con el consentimiento de todo el grupo) para apoyar las luchas obreras (sobre todo, para ayudar a las fábricas ocupadas), para construir guarderías o para otros fondos benéficos-sociales. De esta actividad existe, todavía hoy, numerosa documentación en el archivo RAME-FO, probablemente conservada por la madre de Franca, Emilia Baldini, maestra, hija de un ingeniero del ayuntamiento de Bobbio.
Cuando Emilia, entonces jovencísima maestra, se enamoró de Domenico, tenía casi veinte años más que ella pero, a pesar de la oposición severa de la familia, se casó con él. Por aquel entonces Domenico actuaba en Bobbio con sus marionetas y títeres y juntos empezaron a recorrer toda la provincia lombarda. De este modo, Emilia se convirtió en actriz y diseñadora del vestuario. Fue ella la que enseñó a los cuatro hijos, nacidos del matrimonio, a recitar diferentes papeles y a moverse en escena. Se la recuerda como mujer excepcional, puntillosa y óptima organizadora: auténtica responsable de la compañía (virtud que después heredará también Franca, escrupulosa en organizar la vida de las numerosas compañías teatrales que fundará con Dario Fo).
Es en este ambiente donde Franca Rame aprende las técnicas teatrales y empieza a sentir el escenario como su propia casa �€�perché -dice- ci sono nata: ho debuttato a otto giorni (interpretaba el hijo recién nacido de Genoveffa di Brabante, n.d.r.) in braccio a mia madre... non parlavo tanto quella sera lì!�€�

2. Su carrera personal y su actividad con Dario Fo
En la temporada 1950-51, Franca Rame, siguiendo a su hermana Pia, deja la familia y la contratan en la compañía primaria de prosa Tino Scotti para la obra �€�Ghe pensi mi�€� de Marcello Marchesi, que se representa en el Teatro Olimpia de Milán.
Es en este momento cuando las vidas de Franca y Dario Fo se cruzan.
Dario había empezado a actuar desde hacía poco (en el verano del 1950) en la revista de verano dirigida por Franco Parenti y es en esta ocasión donde se produce el �€�encuentro�€� con Franca Rame, pero no con ella directamente: él ve a Franca en una foto en casa de unos amigos. Se enamora perdidamente de ella.
En esa misma temporada Franca y Dario por fin se encuentran. Es por casualidad, contratan a los dos actores para la misma obra �€�Sette giorni a Milano�€� de Spiller y Carosso, estrenada por la compañía Nava-Parenti, en el Teatro Odeon de Milán. Para que Franca se enamore de él, Dario usa una técnica un poco drástica: finge que la ignora. Después de algunas semanas, ella lo para entre bastidores y le besa en la boca. Se hacen novios.
El 24 de junio de 1954, se casan en Milán, en la basílica de Sant�€�Ambrogio. De esta unión, el 31 de marzo de 1955, nace en Roma su hijo Jacopo.
En 1958, junto con su marido, Franca funda la Compañía Dario Fo-Franca Rame (Dario es el director y el dramaturgo del grupo, Franca es la primera actriz y la administradora) que, en los años siguientes, obtendrá un gran éxito en la afluencia de espectadores en los teatros municipales.
La fama, de ahora en adelante, no hace más que crecer. Y, con la fama, también las polémicas.
En el otoño del año 1962 Dario y Franca dirigen, presentan y escriben los textos de �€�Canzonissima�€�. Se trata de un programa de televisión muy popular, unido a la lotería nacional, y que cada año tiene un presentador diferente. Los sketch de Dario Fo y Franca Rame se convierten en un caso nacional, desencadenando violentas polémicas. Es la primera vez que son llevados a la pequeña pantalla la vida y los problemas de la gente, como las enfermedades profesionales de una mujer que trabaja como peajero o los obreros que pierden la vida en caídas de los andamios. El éxito es increíble: los taxis dejan de trabajar durante las transmisiones, los bares dotados de televisión se llenan de gente. La dirección de la RAI empieza a tener miedo y, aun si los textos están previamente aprobados, comienzan a censurar. En especial un sketch sobre la mafia, en el que se habla de un periodista asesinado, provoca una catástrofe. Malagodi, senador liberal, interviene en la comisión de vigilancia de la televisión del Parlamento italiano, protestando porque: �€�Si insulta l�€�onore del popolo siciliano sostenendo l�€�esistenza di un�€�organizzazione criminale chiamata mafia!�€�. (En el año 1985, Malagodi es nombrado, por el presidente del Consiglio Giulio Andreotti, senador de por vida �€�per i servigi resi alla politica�€�...).
La pareja Fo-Rame recibe amenazas de muerte escritas con sangre y el típico ataúd de madera en miniatura. La familia Fo (incluido el hijo de 7 años) está bajo protección policial. Empieza un pulso con la RAI sobre la censura; pocas horas antes de que el octavo episodio se retransmita la dirección de la RAI comunica que habrá nuevos cortes; Dario y Franca los rechazan y amenazan con abandonar la transmisión. Ni siquiera minutos antes del comienzo de �€�Canzonissima�€� se sabe lo que sucederá. Después la RAI confirma los cortes y Dario y Franca se retiran de la transmisión, como señal de protesta. Las manifestaciones de solidariedad son increíbles, miles de telegramas y cartas. La RAI no es capaz de sustituir a Fo y a Rame porque todos los actores italianos, siguiendo las indicaciones del SAI (Sindicato Actores Italianos), rechazan ocupar sus puestos. Dario y Franca, después de cinco procesos, son condenados a pagar millones por daños. Durante 15 años estarán totalmente excluidos de los programas RAI y de las campañas publicitarias radio televisivas (radio y televisión eran, por aquel entonces, monopolio del estado).
En el 1963-64 los dos debutan en el Teatro Odeon de Milán con �€�Isabella, tre caravelle e un cacciaballe�€�, que narra el descubrimiento de América. Está basado en un buen estudio histórico sobre la vida de Cristóbal Colón y la corte de Isabel de Castilla, dentro del contexto histórico de la �€�limpieza étnica�€� contra los árabes y los hebreos de España. Se trata del principio de un gran trabajo de investigación sobre la historia y los �€�dogmas�€� de la cultura dominante. El espectáculo, fuertemente desmitificador de la �€�historia escolar�€�, de la retórica militarista y patriótica, es criticado duramente por la derecha; la pareja es agredida a la salida del Teatro Valle a Roma y sólo la presencia de grupos de obreros y militantes del Partido Comunista garantizan que las representaciones continúen.
�€�Settimo: ruba un po�€� meno!�€� es de los años 1964-65 y con esta obra debuta una vez más en el Teatro Odeon de Milán. Es una obra muy violenta, dedicada a Franca Rame que interpreta el papel cómico principal, el de una enterradora un poco rara ya que el sueño de su vida es el de convertirse en prostituta. La obra anticipa, con una denuncia minuciosa, la corrupción italiana, treinta años antes de la revolución que provocó el escándalo �€�Mani Pulite�€�.
En el año 1968, siempre al lado de Dario, Franca abraza la utopía del 1968, sale del circuito del ETI, funda el colectivo Nuova Scena y después el Collettivo Teatrale La Comune (ambos comprometidos con los círculos Arci, con las casas del pueblo, con las fábricas y con las escuelas ocupadas), con el que interpreta obras de sátira y de contrainformación política muy feroces y con las que ella y Dario tendrán numerosos problemas de censura. Incluso el Partido Comunista Italiano no verá con buenos ojos la toma de posición antiautoritaria de los actores ante la Unión Soviética de Breznev. Para demostrarlo, después de la invasión rusa de Checoslovaquia, Fo y Rame retiran la autorización para representar sus textos en dicho país. Rechazan las censuras propuestas para las representaciones de una obra en la URSS y prácticamente dejan de representar sus textos en todos los países del área soviética.
En el 1969-70 Franca Rame representa en la Camera del Lavoro de Génova y en varias localidades, dos comedias nuevas de Fo: �€�L�€�operaio conosce 300 parole, il padrone 1000, per questo lui è il padrone�€� y los dos actos �€�Legami pure, tanto spacco tutto lo stesso�€� y �€�Il funerale del padrone�€�.
A causa de las críticas que estas obras hacen al Estalinismo y a las posiciones social-democráticas del PCI, la dirección del mismo sabotea la gira. Decenas de representaciones se anulan. Es un momento muy duro: a Franca le es negada la Camera del Lavoro de Milán, donde tendría que debutar, pero encuentra hospitalidad el en Circo Medina, un circo ecuestre con tigres, leones y elefantes, afortunadamente encerrados en las jaulas alrededor del circo. Una vez superadas las primeras dificultades gracias a la movilización de los compañeros de la base del PCI y de la izquierda extraparlamentaria, las obras continúan con gran éxito. Franca Rame devuelve a Enrico Berlinguer, secretario del PCI, su carné de afiliada al partido (Dario nunca se había afiliado).
El 1969-70 es el año de �€�Mistero buffo�€�, en el que casi actúa sólo Dario Fo, pero en su escritura trabajan los dos juntos. Se trata de una verdadera clase de historia de literatura que empieza con la protesta por las antologías escolásticas y por su interpretación del primer texto en lengua italiana (Rosa fresca, aulentissima), censurado por su significado que, de manera grosera, alude al sexo. El actor reconstruye la lengua de los juglares medievales (gracias al grammelot) y recita sus monólogos haciéndolos, de este modo, accesibles al público. El éxito es increíble. Fo recita incluso en los anfiteatros y en los polideportivos con miles de espectadores. Es la obra que lo hará famoso en todo el mundo, con más de cinco mil representaciones.
Mientras, en el 1970-71, Franca Rame estrena con �€�Tutti uniti, tutti insieme! ma, scusa, quello non è il padrone?!�€�, sobre el origen del Partido Comunista Italiano en el 1921. Del 1971 es �€�Fedayin�€�, obra realizada por Dario, con Franca y diez auténticos Fedayin (palestinos guerrilleros) en escena para recaudar fondos y medicamentos para la resistencia palestina. Franca fue a recoger a los Fedayin al Líbano a los campos militares con la ayuda del Frente Popular Democrático.

3. La violación
La mañana del 9 de marzo de 1973, exponentes de la extrema derecha raptan a Franca Rame y la violan. Se trata de un acontecimiento muy importante, que marcará indeleblemente la vida de Franca, también porque sólo después de veinticinco años fue depositada la sentencia del proceso, tiempo suficiente para que prescribiese el reato. La violación, como se descubrirá con el tiempo (como sospechaban desde el principio), es un ultraje a su ser mujer y de izquierdas. Se conocen los autores: Biago Pitarresi, Angelo Angeli (conocido por su pasión por los dulces, por la cual lo llamaban �€�il golosone�€�, además de su pasión por las armas y los explosivos), �€�un certo Patrizio�€�, �€�un certo Muller�€�. Pero lo que más llama la atención es lo que sale a la luz en la sentencia del encausamiento, depositada por el juez Guido Salvan, en la que se confirma que la violencia a Franca Rame, si no fue ordenada, fue �€�inspirada�€�, �€�sugerida�€� por oficiales de los carabinieri de la división Pastrengo que mantienen fuertes y frecuentes contactos con los neofascistas. Lo sostiene, desde el principio, uno de los violadores, Pitarresi, y la versión de los hechos lo confirma. De este modo, la violación de Franca Rame es una violación de estado, llevado a cabo con el preciso intento de humillar de la manera más terrible a una mujer culpable de estar comprometida políticamente contra los fuertes poderes de la sociedad y a favor de los derechos de las mujeres.

4. Franca vuelve al teatro
Entre los años 1974 y 75, Franca y Dario se comprometen con obras, manifestaciones y jornadas de sensibilización a favor de la aprobación de las leyes sobre el divorcio y el aborto.
En el 1976-77, después de quince años de censura, Dario y Franca vuelven a la RAI con una serie de obras, entre las que destacan �€�Mistero buffo�€�, �€�Settimo: ruba un po�€� meno!�€�, �€�Isabella, tre caravelle e un cacciaballe�€� y �€�Parliamo di donne�€� (más de veinte horas de transmisión). La derecha y la Iglesia lloran, critican y atacan cada una de las obras. Franca Rame gana la Mascara con laurel de oro del Premio IDI, como mejor actriz televisiva por �€�Parliamo di donne�€�. De la misma época son también �€�Morte accidentale di un anarchico�€� y �€�Non si paga! Non si paga�€�.
En noviembre de 1977 se estrena �€�Tutta casa, letto e chiesa�€�, una comedia grotesca sobre la condición de la mujer. Franca firma oficialmente el testo con Dario. La comedia se repetirá más de treinta veces. De ahora en adelante, Franca será la portavoz de las exigencias del movimiento feminista, interpretando también textos suyos como �€�Grasso è bello!�€� o �€�La madre�€�. Se trata de una actividad que llevará a cabo a lo largo de su carrera y que no abandonará pero que culminará, en el año 1994, con la puesta en escena de �€�Sesso? Grazie, tanto per gradire!�€�, texto sobre la conciencia femenina que precede a The Vagina Monologues de Eve Ensler.
En 1980 Franca, Dario y su hijo Jacopo, fundan la Libera Università di Alcatraz, un centro cultural y de agroturismo. La sede del centro está situada en las colinas que se encuentran entre Gubbio y Perugia. Comprando poco a poco tres millones setecientos mil metros cuadrados de bosque (que estaban destinados a la tala) y de olivares, los Fo impiden la destrucción de un valle maravilloso. Reforman las once casas antiguas de labranza y las torres abandonadas. Numerosos artistas y grupos culturales apoyan la iniciativa de Alcatraz, entre los cuales Sergio Anese, Stefano Benni, Dacia Maraini, Milo Manara, Andrea Pazienza, Elena Cranco, que hacen cursos de teatro, tebeos, danza, escritura, técnicas psicofísicas, psicología y artesanía. Además Alcatraz acoge actividades didácticas y recreativas para chicos marginados o minusválidos. Las actividades del centro son: hipoterapia, cómico-terapia, equitación, paseos por los bosques, piscina y clases de natación. A todo esto se unen los cultivos naturales, un restaurante ecológico y un laboratorio para la preparación de conservas biológicas. Hasta hoy el centro ha acogido a más de treinta mil personas y lo dirige Jacopo Fo.
En 1980, Franca rescribe �€�Lo stupro�€�, monólogo autobiográfico escrito por primera vez en 1975, que repetirá varias veces en diferentes obras. Desde el 10 hasta el 23 de mayo de 1981, en el Riverside Studios de Londres, Franca Rame representa, con gran éxito de crítica y público, �€�Tutta casa, letto e chiesa�€�. En el Nacional Theater, Ivonne Bryceland recita la misma obra con el título en inglés �€�Female Parts�€�.
En mayo de 1984, en el Teatro Municipal General San Martín, en Argentina, Dario y Franca se exhiben con �€�Tutta casa, letto e chiesa�€� y �€�Mistero buffo�€�. Un menor durante la representación de �€�Mistero buffo�€� hace explotar una bomba lacrimógena (de tipo militar) en el teatro. El susto y el pánico general se apoderaron de los espectadores. Durante su estancia en Argentina, cada noche jóvenes y no tan jóvenes fascistas, en cazadora negra de piel, bajo la mirada complaciente de decenas de policías, tiran piedras contra las ventanas del teatro (dañadas hasta el tercer piso), mientras católicos (incitados contra los espectadores por los feroces artículos publicados en la prensa nacional, escritos por el obispo de Buenos Aires antes de que la compañía llegase a la ciudad), con grandes imágenes de Jesús en el pecho, rezan en el atrio del teatro. Otros interrumpen la obra con gritos, cada vez que escuchan la palabra �€�Papa�€�. Interviene la policía, que los saca en brazos del teatro. Franca y Dario reciben la solidariedad gubernativa y sobre todo popular, también de las �€�madres de la plaza de Mayo�€�.
En septiembre de 1992, Franca estrena en el Teatro Nuevo de Milano una obra compuesta por dos actos independientes escritos por ella: �€�L�€�eroina�€� y �€�Grasso è bello�€�. En �€�L�€�eroina�€� se narra la tragedia de una madre que tiene tres hijos toxicómanos, dos de ellos mueren de sobredosis y de SIDA. Para salvar a la tercera hija y comprarle la droga, la madre se prostituye: �€�Di tossicodipendenza si può guarire, di AIDS si muore!�€�. En �€�Grasso è bello�€�, en el que Franca recita muy gorda vestida con un chándal de gomaespuma, se habla de la feminidad, del ser sexy, de la delgadez, de las dietas, del amor y de la vida. Como le sucede a menudo a Franca, varias noches los propietarios de algunas salas cancelan su disponibilidad tras una campaña periodística moralista y las representaciones se anulan.
El 1994 es el año de �€�Un palcoscenico per le donne�€�; en el teatro de Porta Romana de Milán, Franca Rame organiza un festival de teatro al femenino con jóvenes actores. En el mes de agosto este festival se representará en Cesenatico con gran éxito.
El 9 de octubre de 1997, la Academia de Suiza otorga a Dario Fo el premio Nobel de Literatura. Con la siguiente motivación: �€�El premio Nobel de Literatura se otorga a Dario Fo por el espíritu renovador de su teatro, en el que, con Franca Rame, actriz y escritora, en la tradición de los juglares de la Edad Media, castiga a los poderes establecidos y restaura la dignidad de los oprimidos.�€�
El 10 de diciembre de 1998, Franca recibe en España el Premio León Felipe por los derechos humanos con esta motivación: �€�A Franca Rame, víctima de la crueldad de poderes oscurantistas y corruptos, por su denodada defensa de los desheredados y de los oprimidos, de las causas nobles de los hombres y de las mujeres con su trascendental obra artística y ética alegremente integrada por Dario Fo�€�.
El 22 de diciembre de 1998, la Provincia di Milano entrega a Franca la medalla de oro de Riconoscenza de la ciudad �€��€�per la sua attività di attrice legata all�€�impegno politico, alla passione civile, per le sue innumerevoli iniziative nelle carceri, contro la droga e contro ogni forma di discriminazione.�€�
El 30 de octubre de 1999, se les entrega a Franca Rame y a Dario Fo la �€�Honorary fellowship�€� de la Universidad inglesa de Wolverhampton por �€�su contribución al teatro internacional y la humanidad de su arte junto con el compromiso democrático y político que los ha caracterizado.�€�

5. La actividad política
En las elecciones políticas del 2006 se presenta como candidata encabezando la lista del partido en el Senado en Piamonte, Lombardía, Véneto, Emilia-Romaña, Toscana y Umbría en las listas del partido político fundado por Antonio Di Pietro, l�€�Italia dei Valori. La eligen como senadora en Piamonte. Antonio Di Pietro la propone como Presidenta de la República, pero sólo la sostiene su partido.
A partir de este momento, Franca arrincona (quizás temporáneamente) su actividad teatral para dedicarse totalmente a la política.

Su obra

Presento, a continuación, tres de los textos más significativos de Franca Rame.

�€�Parliamo di donne�€�
Todas historias paradójicas: algunas ya conocidas, como el monólogo en el que cuenta el agitado despertar de una obrera que tiene que atender a su hijo y correr al trabajo en la fábrica (de la obra �€�Tutta casa, letto e chiesa�€�), o la historia que cuenta la desesperación de la madre de �€�Michele lu Lanzone�€�, el sindicalista siciliano asesinado por la mafia (de la obra �€�L�€�operaio conosce 300 parole, il padrone 1000, per questo lui è il padrone�€�), hasta las historias escritas exclusivamente para esta obra, como la historia de la creación de Eva, hija de la Locura, y del pecado original, o la de un director de fábrica transformado en un muñeco para abofetear y dar así la posibilidad a sus empleados, en especial a la obrera Armida, de desahogar la rabia reprimida desde hace ya demasiado tiempo; hasta la historia surrealista de toda una familia en pleno drama del aborto, incluido el padre, embarazado por un caso extraordinario de partenogénesis, para terminar con la historia de una familia de obreros que ha elegido la libertad del ser esclava de sí misma en el trabajo a domicilio�€�
Se habla de mujeres, en esta revolucionaria obra de 1977, pero sobre todo, hablan las mujeres. Ésta es la verdadera intención de la obra, que empieza presentando al Hombre como uno que �€�arriva, parla, interrompe, disturba... E noi, zitte? Nossignore! Parlare, donne!�€�. Porque las mujeres se han quedado calladas (o, mejor todavía, han sido obligadas a quedarse calladas) durante demasiados siglos. Y entonces es necesario que las mujeres se reapropien de la palabra. La verdadera revolución femenina empieza aquí.

�€�Parliamo di donne n. 2�€�
La escribe Franca Rame (con la colaboración de Dario Fo, quien también la ha dirigido), en el año 1992 y está estructurada en tres actos.
En el primer acto �€" L�€�eroina �€" Franca Rame interpreta el personaje de �€�Mater Tossicorum�€�, una ex profesora de latín que ha tenido que adaptarse a un nuevo trabajo, el de vendedora ambulante de videos porno, teléfonos de mentira, preservativos y otros deleites, en un parque público de las afueras; la mujer espera a un camello para compárale la droga que suministra �€�poco a poco�€� a su hija, toxicómana. �€�Mater Tossicorum�€� ya había perdido dos hijos, ambos por culpa de la heroína, y sueña con llevar a su hija a Liverpool, donde espera encontrar el ambiente adecuado para salvarla; para esto necesita mucho dinero, y por ello se prostituye�€�
En el segundo acto �€" Grasso è bello! �€" la actriz es �€�Mattea�€�, una mujer con casi sesenta años separada de su marido y que padece de obesidad, obsesionada con la báscula, la bicicleta estática, dietas y adiposa melancolía. A través del personaje de �€�Mattea�€�, emerge la paradoja del ser mujer que es característico del teatro de Franca Rame, lejos de la retórica del feminismo superficial hasta el punto de mostrar en la mujer la primera �€�enemiga�€� de las otras mujeres: Mattea ha decidido hacerle la guerra a las demás mujeres tanto en el trabajo como en los sentimientos y está dispuesta a todo para sentirse todavía deseada y amada.
En el tercer acto �€" Una giornata qualunque �€" una mujer sola está intentando grabar su último mensaje con la cámara de video para su marido infiel antes de suicidarse.
�€�Parliamo di donne�€� es una obra hecha de historias privadas y conturbadoras, pero también surrealistas, entre lo cómico y lo grotesco, entre la diversión y la reflexión y representa con sarcasmo, ironía y desencanto temas graves y actuales como la condición de la mujer, los problemas sentimentales, la toxicomanía y el SIDA, la fe y el dolor. Un sutil cuadro de la sociedad contemporánea, en forma de hiriente sátira, dentro de la clásica tradición de aquel teatro popular comprometido del que Franca Rame y Dario Fo son desde hace muchos años los más prestigiosos y aclamados autores y protagonistas.

�€�Sesso? Grazie, tanto per gradire!�€�
Franca Rame escribe: �€�Sono anni che porto in giro per il mondo spettacoli sulla condizione della donna, lo sfruttamento sessuale, i problemi con i figli, i tradimenti, la coppia chiusa, la coppia aperta... E in tutti questi anni il mio camerino è diventato come lo studio di un analista: uomini, donne, giovani mi confidano storie che non racconterebbero al confessore. Ebbene, con tutto questo dialogare, mi sono convinta che la causa di ogni pena amorosa, di legami che si sfaldano, è la mancanza di armonia tra i sessi.�€�
De aquí nace la idea de estrenar, en el año 1994, una obra escrita a seis manos por Franca, Dario y si hijo Jacopo, basada en �€�Lo zen e l�€�arte di scopare�€� de Jacopo Fo. Y es precisamente Jacopo, que basándose en sus propias experiencias sexuales, inspira a Franca a hablar de amor y de sexo, de la falta de conocimiento del propio cuerpo, del tabú, del miedo y las inhibiciones.
En este monólogo grotesco e irónico, Franca Rame, contando también sus experiencias sexuales, demuestra como todos nosotros, todavía hoy, estamos siendo educados en la ignorancia y en la idea de que la sexualidad, sobre todo para las mujeres, sea una cosa indecente. Al principio, la censura ministerial prohíbe la obra a los menores de 18 años. La siguen una movilización de la prensa y el recurso legal. Después de dos meses, se retira la censura y la obra se define: �€�Intriso di profondo amore materno e perciò consigliato ai minori�€�. El texto es un extraordinario monólogo de Franca Rame que afronta temas delicados e íntimos (desde su primera experiencia sexual pasando por el embarazo, el aborto, la menstruación hasta el orgasmo) con un irresistible efecto de contraste entre comentarios cómicos y grotescos, pero también con gran delicadeza y pudor.
Franca siempre terminaba la representación de esta obra con un delicioso monólogo en grammelot titulado �€�La favola dei tre desideri�€�, un fableau antiguo medieval de origen provenzal sobre la importancia de la ternura también en el sexo. En el último año de las representaciones sintió la necesidad de hablar de su trágica experiencia de 1973, para vencer aquel silencio que era la primera condena que la mujer sufría, infligiéndosela a sí misma.
�€�Una donna �€"explica Franca- ha paura a denunciare d�€�essere stata stuprata perché non si sente protetta né dalla giusizia, né dalla società, e a volte nemmeno dalla famiglia. Anzi, spesso è sottoposta a una seconda violenza da parte di poliziotti, giudici e avvocati. Solo con un grande impegno sociale, educando i nostri figli al rispetto per gli altri, nella casa, nelle scuole, per la strada si potrà cambiare la testa della gente.�€�
Por esto, Franca decidió sustituir �€�La favola dei tre desideri�€� con el monólogo �€�Lo stupro�€�, del año 1975 y reelaborado en el 1980. Por su valor moral y civil, además de teatral, he elegido este monólogo como texto representativo.

Antonia Pozzi (1912 - 1938)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Wed, 15 Apr 2009 17:45:12 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Antonia Pozzi nace un 13 de Febrero de 1912 en el seno de una familia acomodada, culta y refinada: su padre, Roberto Pozzi, renombrado abogado en Milán y su madre de origen nobiliario, la condesa Lina; hija del conde Antonio Cavagna Sangiuliani di Gualdana y de Maria Gramignola (dueños de amplias propiedades). Este contexto privado, rico en estímulos intelectuales, fermento de una cultura de ascendencia ilustrada-romántica, será clave en la formación de Antonia; con una madre educada en un buen colegio, el "Collegio Bianconi" de Monza, que domina bien varios idiomas (el francés y el inglés), con un vivo interés por la lectura (especialmente por los autores extranjeros), que sabe tocar el piano y se apasiona por la música clásica y las artes en general; con un abuelo materno cultísimo ("il nonno Antonio"), reconocido historiador (apreciado también por Pavese) y amante del arte en general, dotado de cualidades pictóricas propias y ducho en el dibujo y la técnica de la acuarela; con una abuela, "la nonna Maria"(nieta a su vez del famoso Tommaso Grossi) de aguda y gran sensibilidad con la que Antonia desde su infancia establecerá una estrecha relación de entrañable afecto y profunda complicidad vital; de ascendencia paterna, la abuela Rosa, dedicada al magisterio, al igual que la hija de ésta, su tía Ida (hermana del padre), también maestra, compañera en muchos de sus viajes ...cierran este círculo de claras influencias intelectuales que cimentarán un fértil sustrato de motivación cognitiva, avidez cultural y de educación y permeabilidad de la sensibilidad artística que delineará el perfil peculiar de nuestra autora.

Antonia empieza su primera experiencia escolar en 1917. Los documentos no certifican de una forma clara si estos primeros años transcurren en una escuela religiosa (posiblemente "la scuola delle Suore Marcelline") o bien viene preparada de forma privada.

Lo que sí es cierto, es que en 1922 no habiendo aún cumplido los 11 años, está matriculada en el instituto "Liceo-ginnasio Manzoni", donde obtendrá el título en 1930 para proseguir con sus estudios universitarios en la "Statale" de Milán.

Estos años de instituto marcarán para siempre la vida de Antonia en un triple aspecto: por una parte, se forjarán estrechas y profundas relaciones de amistad, en particular con Lucia Bozzi y Elvira Gandini (a las que considerará "hermanas elegidas") y por otra, descubrirá una doble pasión: la poesía; refugio íntimo y ejercicio estético al que se entregará con asiduidad, y el sentimiento del amor; en su doble vertiente de exaltación y dolor más profundo por su imposibilidad de cumplimiento.

En 1927, cursando el primer grado de Bachillerato, se sentirá fuertemente atraída por su profesor de latín y griego, Antonio Maria Cervi, de quien admira su hondo sentido ético, su cultura excepcional y su consagración plena a la enseñanza. La vinculación de intereses afines será cada vez más clara y manifiesta: el ansia de saber, el amor por el arte y la poesía, por la belleza en general que une a ambos, trocará en Antonia la admiración, por un sentimiento profundo de amor, de sesgo trágico, obstaculizado de forma explícita por su padre en 1933, que provocó la renuncia definitiva a esta "vita sognata" como después la escritora plasmaría en sus poesías homónimas donde la convergencia entre deseo y realidad quedará para siempre truncada y la poesía será entonces la única forma de vida posible.

Este amor indecible y real (certificado por la mayoría de los críticos), y que la familia tratará a posteriori, después de su muerte, de manipular y reducir a una mera relación platónica, gravará su espíritu con una huella indeleble en la conciencia compartida por ambos del desgarro de una plenitud afectiva y un destino común arrancados sin más, bajo una obstinación paterna sin aparente sustento lógico; y la frustración consiguiente. Una de sus mayores biógrafas de los últimos tiempos, Alessandra Cenni, en su libro In riva alla vita. Storia di Antonia Pozzi poetessa (Rizzoli) llega incluso a aventurar la hipótesis de un posible aborto obligado, fruto de esa relación pasional (tesis sin embargo desmentida por todos los testimonios cercanos y por su otra biógrafa Graziella Bernabò) y quizás, de un primer intento de suicidio tras la humillación y el rechazo de que fue objeto Antonio Maria Cervi por parte de su padre en un momento de confidencialidad en que declararía su deseo expreso de casarse con ella.

A partir de aquí, tanto para el profesor, herido profundamente en su orgullo y dignidad, siendo una figura relevante en el ámbito intelectual de la época (había publicado ensayos sobre la estética del neoplatonismo y sobre la historiografía crítica de Friedrich Nietzsche) como para Antonia, que intentará colmar este vacío volcándose e ilusionándose con otros proyectos y amores; la fisura a la larga será terrible, pero en un primer momento esta separación será vivida con la calma y la certeza de que este amor permanecería indemne a través del tiempo y el espacio, dada su naturaleza, que ambos creían indestructible como apunta Alessandra Cenni en la Introducción a la obra de la autora Parole.

En 1930 Antonia inicia sus estudios universitarios en la Facultad de Filosofía y Letras, donde halla profesores de gran talla y toma contacto con todo un grupo de intelectuales coetáneos a ella, en cuya nómina rezan los siguientes: Vittorio Sereni (que llegará a convertirse en una de sus amistades más importantes), Enzo Paci, Dino Formaggio, Remo Cantoni, Ottavia y Celia Abate, Giancarlo Vigorelli, Luigi Rognoni, Giulio Preti, Guido Morselli, Daria Menicanti, Maria Adalgisa Denti y Giovanni Maria Bertin. Entre sus profesores tienen especial interés para ella, las clases del germanista Vincenzo Errante y sobre todo el Curso de Estética impartido por Antonio Banfi, considerado el docente universitario más abierto y moderno de su época.

Con él aprende un nuevo método de investigación basado en una racionalidad cargada de moralidad filosófica, cimentada en la sustancia profunda de la ilustración lombarda y que enfrentaba la crisis abriendo una perspectiva de salvación a través de un principio crítico vital en que la palabra se configura en "síntesis orgánica de conciencia", donde la experiencia vital viene recogida y significada (principio claro y manifiesto en su poesía). Con él, además, elaborará la tesis sobre la formación literaria de Flaubert, obteniendo matrícula de honor el 19 de Noviembre de 1935.

Durante todos estos años de Instituto y Universidad lleva una vida muy normal en consonancia con su rango alto-burgués y culto; y con su edad, combinando su amor por la montaña, cultivado desde 1918 en Pasturo (pequeño pueblecito de la Grigna) donde la familia posee una villa y transcurre muchos de sus periodos vacacionales, con la motivación de sus grandes viajes que empezarán a partir de 1931. En este mismo año por tanto, iniciará su periplo trasladándose precisamente a Inglaterra para aprender bien el inglés de manera oficial, instada también por el padre para alejarla de Antonio Maria Cervi.

En 1934 realiza un crucero visitando Sicilia, Grecia y África mediterránea que la pondrá en contacto de una forma vital con esas culturas tan estudiadas y apreciadas por su profesor amado, descubriendo un mundo aún no condicionado por la civilización europea, con una fusión perfecta entre humanidad y sentido primitivo intacto.

Entre 1935 y 1937 se halla en Austria y Alemania para profundizar en sus conocimientos de lengua y literatura germánicas; interés que el profesor Vincenzo Errante había promovido en ella durante el período universitario y que la llevará a traducir en italiano algunos capítulos del "Lampioon", de M. Hausmann. En todo este tiempo, además, se ha convertido en una experta en fotografía, dominando bien la técnica, pero sobre todo llevada por el impulso de querer captar la esencialidad del momento efímero eternizado en imágenes de objetos, personas y naturaleza que desprenden un sentimiento oculto y misterioso. Se crean así sus albumes que constituyen auténticas páginas de "poesía en imágenes".

Pero en general, todo este discurrir normalizado de acciones es simplemente aparente ya que dentro de sí la escritora continúa viviendo un auténtico drama existencial no concluso y que ninguna ocupación consigue mitigar: ni la docencia en el ámbito profesional en el "Instituto Tecnico Schiaparelli" iniciada en el 37 y retomada en el 38, ni en el ámbito filantrópico y humano, el compromiso social en pro de los pobres, en conjunción con su amiga Lucia, ni siquiera sus propios proyectos intelectuales como la ideación de una novela sobre la historia de la Lombardia a partir de la segunda mitad del Ochocientos, ni la poesía o la fotografía, auténticos espacios de vocación artística.

La carencia de una fe sólida, a pesar de tener un espíritu profundamente religioso, el vacío existencial provocado por la no culminación de su historia de amor y la implicación en las circunstancias históricas concretas, parecen ser según la opinión de los críticos, las causas determinantes de su trágico final, ya que muere suicidándose el 3 de Diciembre de 1938.

Su perfil psicológico viene marcado fundamentalmente por una hiperestesia singular, desbordante, por una empatía que la hace conectarse a todo el universo lacerado y sensible; a los sectores más desfavorecidos, haciendo suyo su propio sufrimiento, y a la vez, ser capaz de sentir el gozo de la vida en una efusión sin límites. Así en la Introducción a la obra de la autora Parole, Alessandra Cenni la definirá precisamente como "una inadattabile alla vita per eccesso di vita", arrojada a ella como desafío intelectual a través de un generoso gesto existencial. Por otra parte, la gran italianista Maria Corti que la conoció directamente en la Universidad destaca además de ese rasgo ya remarcado de su "hipersensibilidad", otros que delinean y completan su personalidad, como su rareza, originalidad, su "dulce angustia creativa", su carácter fuerte y su gran inteligencia filosófica, comparando su espíritu con esas plantas de montaña que surgen al borde de los precipicios.

Ese anhelo vital, esa curiosidad inteligente y esa emoción que lo bello, lo trágico y lo humilde suscitan en su espíritu, la llevarán también a amar la naturaleza, esa tierra lombarda con sus plantas y sus ríos, sobre todo esos paisajes alpinos; esas montañas concretas de Pasturo, a los pies de la Grigna, que en su contemplación y contacto vivencial: escaladas, paseos ...restituirán la armonía quebrada de la autora y propiciarán el reencuentro consigo misma, traduciéndose también en vibrante poesía o en magníficas páginas en prosa donde rezuma el esplendor de la narración y de las imágenes.

En Antonia Pozzi se concilian los términos "eros" y "tánatos" con ese colofón vital que quiere ser el último arranque de autenticidad, en esa reivindicación final de su propia esencia, reflejada también en su obra. Su suicidio (como si se tratase de un héroe romántico marcado por una fatalidad inapelable) fue un último grito de libertad que quiso ser silenciado por su familia, por su padre en concreto. Como nos dirá Maria Corti, Antonia fue presa inocente de la paranoica censura paterna en su vida y en su obra, vinculada a éste afectivamente desde su adolescencia por la actitud distante de la madre al estar más volcada en los compromisos sociales. Seguramente la exigencia de la perfección para complacer el espíritu autoritario de su progenitor y el cerrado ambiente religioso familiar desencadenarían la crisis irreversible, mal que ella misma definió como "disperazione mortale" en su nota de despedida a sus padres, y que la conduciría a la muerte voluntariamente por obra de los barbitúricos; circunstancia escandalosa que querrá ser negada por su familia, atribuyéndola oficialmente a una "neumonía", así como también su testamento destruido por el padre y la consiguiente manipulación por su parte de su obra: sus poesías escritas en cuadernos y aún inéditas en ese momento sobre las que intervendrá cancelando parte de su historia íntima (su historia de amor con Cervi que será falsamente descrita como una relación platónica); y en cuestiones formales, guiado por su gusto escolástico, amante de la poesía tradicional.

No podemos por otra parte, eludir el contexto social como coadyuvante en la resolución fatal de su decisión final: en este período de entre-guerras Europa se ve asolada por un ambiente de inquietud y angustia existencial, y ni siquiera Italia salvaguardada en principio por los límites de un gobierno autárquico pudo sustraerse a esa tensión palpable de que se estaba forjando algo oscuro y abatía las conciencias con un denso velo de incomprensibilidad ante los acontecimientos históricos que estaban ocurriendo, provocando un sentido de confusión y extrañeza con respecto a los valores humanos de la cultura occidental. Esto se refleja desde luego en la poesía, que trata de convertirse en una especie de barrera, de defensa y reducto de cultura, que se yergue sobre este paisaje ruinoso pero que también ve amenazada su supervivencia. Antonia Pozzi se encuentra por tanto, entre los pocos que son capaces de contemplar cara a cara el lado más terrible e inquietante de la realidad y trasciende a su poesía en esa conexión empática con el sufrimiento ajeno, en ese estar presente en el momento histórico que vive percibiendo todo lo exterior a pesar de su subjetividad, creando una "herida insanable" en su espíritu como nos dirá Tiziano Salari hablando de "sus diarios" y que todo el peso de la cultura refinada que la envuelve y la sostiene no podrá curar.

Otros críticos y el mismo Tiziano Salari aseguran que el contexto social y cultural tampoco contribuirá a su reconocimiento intelectual y pleno como poeta, más bien entraría en conflicto, en primer lugar, por el hecho de ser mujer y en segundo lugar, por la vivencia misma de su pasión poética (prejuicios que aún perduran y observamos en las antologías e historias literarias del siglo XX); camino, el de la dignificación literaria que podría haber sido un acicate que soslayase en un momento dado la certeza de conducir un destino en un mundo privado de sentido.

- Concepto de "Poesía"

La clave profunda que cifra la poesía de Antonia Pozzi está constituida por esa vinculación estrecha a la vida y por esa transferencia esencial e inmediata al espacio autorreferencial de la literatura. Y así ella misma declarará su necesidad sustancial para vivir: "vivo della poesia como le vene vivono del sangue". En esta frase-manifiesto está expreso el primer valor que cumple la poesía por tanto: su obligatoriedad, su entrega vocacional al Arte; es en definitiva un alimento básico para el espíritu y por lo tanto tiene un valor sacro. Como consecuencia de éste surge un segundo valor: las palabras brotan del alma y expresan la autenticidad de la existencia tanto interna como externa a ella; valor autoconfesional (cauce de la propia identidad) y extra-confesional.

Pozzi concibe clásicamente la poesía con una función catártica (tercer valor): liberación del dolor a través de la plasmación artística, como así lo pone de manifiesto explícitamente en sus cartas (Lettere): "la poesía ha questo compito sublime: di prendere tutto il dolore che ci spumeggia e ci rimbalza nell�anima e di placarlo, di trasfigurarlo nella suprema calma dell�arte, così come sfociano i fiumi nella celeste vastità del mare".

Para la autora, la poesía debe tener también un valor ético y existencial (cuarto valor) como cauce profundo en la resolución de un problema vital, como vía de reflexión en la plasmación objetivada de escenas humanas.

La poesía de Pozzi se inclina hacia la purificación esencial de la palabra arrastrando la angustia de un dilema no resuelto entre Arte y Vida, que al final resultará insostenible. Los temas de sus poemas giran en torno a la inasibilidad de un punto de anclaje en que volcarse completamente, ya sea a través de la objetivación artística o la maternidad (aspiración también negada).

En cuanto a la forma, bajo la aparente simplicidad de medios expresivos, hay todo un despliegue de recursos disimulados que delatan la técnica y el dominio del oficio. Y así fiel a su potente espíritu crítico como nos dirá Alessandra Cenni en el análisis de su obra Parole, los datos incontrolables e irracionales empíricos son sometidos al tamiz de la inteligencia racional en una exploración lingüística que busca cada vez sistemas lingüísticos más complejos.

Palabra y poesía, se presentan para la autora a veces como dos realidades antitéticas, con un valor absoluto la segunda y la primera en su valor ambiguo y fluctuante. No sólo hay una lucha por encontrar la forma perfecta que refleje el contenido exacto sino que asumiendo una concepción romántica de la tradición literaria de la inaferrabilidad de la poesía, de la finitud y limitación de la palabra, se da una desconfianza patente no sólo en la palabra como cauce expresivo sino en la propia idea que se expresa. Así la poesía se siente a veces como algo huidizo, inasible, plasmado parcialmente en unos toques momentáneos, y circunstanciales; por lo tanto estas palabras tendrán sentido para la autora siempre que sean portadoras de verdad, que sean espejos de experiencias vitales o por otra parte, soportes ficticios de auténticas realidades imaginadas o soñadas. Y precisamente Luigi Scorano nos dirá en el estudio de las cartas de Pozzi Carte Inquiete que la palabra se hace más palabra poética en Pozzi en la medida que se distancia de la urgencia cotidiana y se sumerge en una dimensión no cronística.

Palabras, que en definitiva siguiendo la lección hermética se deslizan por la poesía "rotundas como piedras", envueltas en velos transparentes", reducidas al "mínimo peso", como escribió Montale, que transfieren solidez y sustancia a las imágenes liberando el ánimo oprimido y proyectando el sentimiento a las cosas transfiguradas en símbolo.

La lírica de Pozzi parte del crepuscularismo de Sergio Corazzini, para después seguir un camino de interiorización. No se abre ni inclina al hermetismo sino quizás sólo a través del reflejo y sugerimiento externo de la poesía coetánea a ésta, aunque sí es lícito destacar ciertas experiencias de Ungaretti. Busca por sí misma su propia vía agotando los residuos, los ecos y las contaminaciones inevitables. Técnicamente su poesía deriva del versolibrismo de principios de siglo. Montale en la primera edición a su obra, Parole habló de "una voz ligera, poco necesitada de reforzamientos (que) tiende a quemar las sílabas en el espacio blanco de la página".

Su peculiar inclinación a la realidad con ese "dominio y fascinación por la imagen" (con una originalidad suma en su configuración metafórica) confirmada también en su interés por la fotografía, la acercan a los poetas de la llamada "línea lombarda" que pretendían capturar la sustancia de las cosas para justificar el propio hecho de la contemplación a través de un consciente ejercicio crítico y de análisis de las razones existenciales.

El registro expresivo sigue por lo general una doble orientación encaminado a diferentes motivaciones temáticas. Montale había apuntado ya la conformación de una atmósfera "uniforme" de imagen, pero más que de una poesía monocorde, habría que hablar de un desarrollo lineal paratáctico salpicado con brillantes y originales hallazgos y brotes de estilo. Todo ello configura un código poético personal, propio, madurado en una red isotópica de símbolos que se pueden rastrear en su obra a los que se dota de un significado metafórico y nuclear diversificado después en las múltiples variaciones de las distintas asociaciones semánticas textuales.

Todo un bagaje de lecturas cimentan y respaldan su formación literaria: además de Rilke, Pound, Valéry y Eliot en lengua original y en traducciones, Antonia lee también a los maestros de la poesía italiana contemporánea: Ungaretti (L�Allegria sobre todo) por el dominio intelectual sobre la tendencia visionaria; Montale por el fuerte sentido ético de su existencialismo y también a Sinisgalli y Quasimodo. En cuanto a la narrativa, se apasiona por Flaubert, Kafka, Dostoievski, Mann y Joyce, interpretada en clave filosófica.

Según Mariano Roldán en su Traducción y Prólogo de Treinta Poemas sobre Antonia Pozzi, aduce que habría que encuadrar a la autora en una poesía de "tono virginal" de cariz extático, llena de premoniciones y esperas con una rapidez, patetismo, concisión y diarismo que lo evidencian, en la línea de una Emily Dickinson o una Katheleen Raine.

Históricamente, Antonia Pozzi forma parte conjuntamente con Gatto, Sinisgalli, Luzi, Parronchi y Sereni, de esa tercera generación de escritores del siglo XX (en correspondencia con la española de Hernández, Vivanco, Panero, Rosales o Muñoz Rojas) que Oreste Macri señala como continuadora de la constituida por Quasimodo, Betocchi y Montale (en coincidencia con la del 27 española) y sucesora a su vez de Rébora, Campana, Saba, Cardarelli y Ungaretti, cima de la lírica italiana de esta época; equivalente a Juan Ramón Jiménez en nuestra lírica.

Antonia Pozzi (1912 - 1938)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Mon, 23 Mar 2009 11:43:50 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Sylvia Plath (1932 - 1963)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Sat, 23 Jun 2007 10:12:07 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Inglés

Sylvia Plath nació el 27 de octubre de 1932 en Boston. Desde temprana edad siempre mostró tener gran habilidad con las palabras y con cinco años ya escribía poemas. A la edad de ocho años perdió a su padre enfermo de diabetes. Un año después publicó su primer poema en la sección infantil del periódico Boston Herald. Durante su infancia y adolescencia no paró de escribir y en 1953 trabajó como editora invitada en la revista Mademoiselle en Nueva York. El énfasis y el duro trabajo emocional durante ese mes en Nueva York junto con la desilusión de verse rechazada en un curso de verano en Harvard ocasionó que Sylvia perdiera concentración, no pudiera escribir y sufriera de insomnio. Un día, su madre descubrió cicatrices en sus piernas que ella misma se había hecho. Inmediatamente la llevó al psiquiatra que diagnosticó una fuerte depresión. Un mes después se encerró en un sótano de la casa y nadie pudo encontrarla hasta dos días después en un estado de semi coma. Este oscuro periodo de su vida aparece reflejado en su novela The Bell Jar que publicó, bajo el pseudónimo de Victoria Lucas, un mes antes de su muerte.
Después de disfrutar de una beca Fullbright, marchó a la Universidad de Cambridge en el Reino Unido, donde conoció al poeta Ted Huges del que se enamoró y con el que contrajo matrimonio en 1956. Poco después se trasladaron a vivir a Estados Unidos, donde Ted cosechó grandes éxitos por sus poemas mientras qye Sylvia se sentía frustrada por su escasa producción literaria. En 1959 volvieron al Reino Unido, donde tuvieron dos hijos, Frieda and Nicholas. Al año siguiente sus poemas más conocidos vieron la luz: Lady Lazarus, y Daddy.
Sylvia comenzó a sospechar que Ted le era infiel y estas sospechas se vieron confirmadas pronto y Ted abandonó a Sylvia por Assia Gutmann Wevil, esposa del poeta canadiense David Wevill, ambos amigos de Sylvia y Ted.
Sylvia soportó la separación de Ted dedicándose a la poesía con más tesón que nunca y en menos de un mes escribió 25 poemas, los mejores de su producción literaria. Trabajaba desde las cuatro de la madrugada hasta que los niños se despertaban, y al día escribía más de un poema. Su recopilación de poemas The Bell Jar se publicó en enero de 1963. Un mes después se trasladó a Londres con los niños y alquiló un apartamento en el que había vivido el escritor W.B. yeats, admirado por Sylvia. Ella pensaba que la mejor manera de acercarse a Ted era a través de sus poemas, y comenzó a planear una nueva novela, y escribió los poemas Brasilia, Childless Woman y Eavesdropper.
La mañana del 11 de febrero de 1963, Sylvia encerró a los niños en la habitación y les dejó pan y leche; ella se metió en la cocina, selló sus ventanas y puertas y abrió la llave del gas. Su cuerpo fue descubierto esa misma mañana.
Tras su muerte, Ted Hughes publicó otros de sus libros y en 1981, Collected Poems de Sylvia recibió el Premio Pulitzer.

Bianca Pitzorno (1942 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Sun, 15 Nov 2009 15:34:01 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Nació en Sassari (Cerdeña) en 1942, en el seno de una familia burguesa. Se le considera la autora italiana más importante de la Literatura Infantil y Juvenil (en adelante LIJ), sus libros se han traducido al francés, alemán, español, griego y japonés.
Durante años fue profesora de latín y griego en el Liceo Azuni de Sassari y después se trasladó a Milán donde se matriculó en la Scuola Superiore di Comunicazioni Sociali presso l�€�Università Católica para especializarse en cine y televisión; durante este período asiste como oyente a la Civica Scuola d�€�Arte Dramática del Piccolo Teatro di Milano.
Antes de dedicarse a la escritura se dedicó a la arqueología, al teatro y a los programas de televisión para niños.
1970 es un año decisivo para nuestra autora: es contratada por la RAI para realizar programas infantiles, gana un concurso en Zurigo de Edizioni Svizzere per la Gioventù y además publica su primer libro titulado Il grande raduno dei cow boys.
En el año 1977 decide abandonar todas las actividades extra-literarias y se dedica sólo a escribir. Es metódica en su trabajo de escritora: escribe cada día durante horas; aunque frecuentemente rompe todo lo que escribe por su insatisfacción ante los resultados.
Desde muy pequeña leía todo lo que llegaba a sus manos, pero confiesa haberse sentido especialmente interesada por obras infantiles como Bibi de Karin Michaelis; Emilio Salgari, Piccole donne, Piccole uomini (más que la anterior), Il libro della jungla de Kipling, la Iliade y también reconoce haber aprendido de memoria párrafos enteros de la Divina Commedia.
A los 18 años, y para fomentar el hábito de la lectura en su hermana diez años menor que ella, leía la colección �€�Martin Pescatore�€� de la editorial Vallecchi, sobre todo Pippi Calzelunghe de Astrid Lindaren y Mumin de Tove Jansson, lecturas con las que confiesa haber disfrutado muchísimo.
Se confiesa admiradora de Dino Buzzati que, aunque se ha considerado dentro de la historia de la literatura como un escritor para adultos, ha escrito La grande invasione degli orsi in Sicilia, un libro adecuado para niños, y también para mayores, preferible, en su opinión, a la trilogía Nostri antenati de Calvino, puesto que el lector de esta última necesita muchas más referencias culturales.
Bianca Pitzorno es una autora fecundísima, sus libros son breves novelas de corte surrealista y tono humorístico, que ejercen una fuerte crítica hacia la realidad. La mayor parte de su producción literaria está constituida por novelas de más de 200 páginas dirigidas a lectores cuya edad está comprendida entre los diez y los catorce años. Algunos de estos libros son auténticas novelas históricas ambientadas en el mundo antiguo detrás de la que se puede constatar una muy acertada documentación histórica. Otros se ambientan en un futuro más o menos cercano. La vida cotidiana, las relaciones entre las personas dentro de la familia, en la escuela, en el trabajo, constituyen su principal temática; también observa el choque generacional, o entre sexos. Es decir, sea cual sea la época histórica en la que ambienta sus relatos, nunca se sienten como algo lejano o fantástico: es evidente su contacto con la realidad de cada día, con personajes que podrían ser auténticos que tienen problemas similares a los nuestros. Lo fantástico y lo maravilloso irrumpen en el mundo cotidiano.
Ha escrito alguna novela autobiográfica inspirada en la Cerdeña de los años cincuenta.
Sus protagonistas femeninas en general tienen nombres muy buscados, conseguidos tras largas horas de investigación en los diferentes medios a su alcance. Sus protagonistas femeninas son niñas complejas, especiales, protagonistas activas que ponen en escena su deseo de venganza hacia los adultos y que revelan un profundo conocimiento del mundo infantil
Además es muy importante la vertiente ética de los personajes de sus novelas quienes cuentan con un gran sentido de la justicia y respeto a los demás.

Florencia Pinar (1470 - 1530)

violettecardaba@hotmail.com (Violeta Cárdaba) — Sun, 21 Jan 2007 14:04:00 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Español

Poetisa española, (n. 1470 - m. 1530). Fue coetánea de Teresa de Cartagena y de los Reyes Católicos, los datos sobre su vida no han podido ser esclarecidos. Se sabe que fue dama de la corte de Isabel la Católica y que fue la primera mujer que participó en los festivales o justas poéticas. Un ejemplo de estos espectáculos es el que se hizo en Valladolid en 1475, por otra parte muy cuidado y espectacular, para el festejo de la coronación de Isaberl I.

La poesía de Florencia Pinar habla principalmente del amor y del deseo. Dejando su huella femenina propia en el estilo, que tiende más a la metonimia que a la metáfora. Entre sus poemas, recopilados por Hernando del Castillo en El Cancionero General (1511), siete en total, los cuales se han conservado con su nombre, hecho muy raro para una autora del siglo XV. Destaca "Destas aves su nación", cuyo erotismo resultó escandaloso para su época.

Emma Perodi (1850 - 1918)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Sun, 19 Nov 2006 16:46:13 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiano

Hija de Federigo Perodi y de Adelaide Morelli Adimari, Emma Perodi nació en Cerreto Guidi (Florencia) en 1850. Su familia estaba formada por profesionales e intelectuales, lo que le permitió crecer rodeada por un contexto social y cultural muy elevado, además de ofrecerle la posibilidad de transcurrir una infancia serena caracterizada por el bienestar económico. Muy joven dejó su pueblo natal por motivos de estudios y trabajo y viajó antes a Florencia, Pisa y Berlín, y después a Roma y Palermo. Sus primeras experiencias literarias evidencian la maduración intelectual desarrollada en el ámbito de la vida cultural florentina. Colaboró asiduamente con la revista fundada por Ferdinando Martini �€�Giornale per Bambini�€�, que dirigió a partir de 1883 y que se convirtió en un ejemplo a seguir para las revistas que empezaron a aparecer sucesivamente.
En 1895 se estableció en Palermo, donde trabajó hasta su muerte con el editor Salvatore Biondo, que publicó todas las obras escritas por la autora durante los últimos veinte años de su vida. Escritora prolífica, escribió también obras para adultos como Il Cavalier Puccini (1877), Miserie (1888), Il Principe della Marsiliana (1891), aunque su orientación artística estuvo en todo momento dirigida hacia un público juvenil, hecho que resulta evidente si se observa su vastísima producción para la infancia y la adolescencia, que reúne obras como A veglia (1883), Cuoricino ben fatto (1886), Le fate d�€�oro (1892) Le novelle della nonna (1892), I briganti di Cerreto Guidi (1901), Il paradiso dei folletti (1911). Actualmente su producción es poco conocida y estudiada, y es recordada sobre todo por la que es considerada su obra maestra, Le novelle della nonna, una colección de cuentos fantásticos. Murió en Palermo en 1918.

Cristina Peri Rossi (1941 - )

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Wed, 10 Sep 2008 16:11:56 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: español

Cristina Peri Rossi nace en Montevideo, Uruguay, el 12 de noviembre de l941.
Su madre, maestra de origen italiano, la inicia en el amor por la literatura, la ciencia y la música, y la instruye en los ideales feministas de igualdad. Por esta razón, usa su segundo apellido en homenaje a su madre. Estudia música y biología, pero se licencia en Literatura Comparada. Siendo muy joven obtiene la cátedra en la Universidad de Montevideo que ejerce hasta que la expulsan y tiene que abandonar el país, por motivos políticos ante el golpe de estado militar, convertiéndose en una de las personalidades más importantes del exilio político uruguayo.
Comienza su carrera literaria en 1963 con la publicación de "Viviendo", su primer libro de cuentos. Obtiene los premios más importantes de Uruguay, pero su obra rápidamente es prohibida, así como la sola mención de su nombre en los medios de comunicación durante la dictadura militar que gobierna el país desde l973 hasta l985.
De este modo la autora se convierte en una figura muy representativa en los años 60, gracias a sus publicaciones literarias, marcadas por la rebeldía y la innovación, y actualmente está considerada como una de las escritoras más importantes en la lengua española, tanto por su obra narrativa como por su poesía.
En 1972, Peri Rossi se traslada a Barcelona, donde comienza su actividad contra la dictadura uruguaya. Escribe para la revista "Triunfo", pero nuevamente es perseguida, esta vez por la dictadura franquista, y tiene que exiliarse en París en l974.
Vuelve definitivamente a Barcelona a finales de ese mismo año y obtiene la nacionalidad española, sin perder la uruguaya. Desde entonces vive en España.
En 1994 recibe la Beca John Simon Guggenheim para la literatura de ficción.
Funda el Comité Español de Apoyo a los Presos Políticos Uruguayos en Barcelona, y dedica parte de su obra a denunciar la tortura y la persecución política, especialmente en "Indicios pánicos" y "La rebelión de los niños".
Ha sido profesora de literatura (ejerciendo en la Universidad de Berlín y en la Autónoma de Barcelona), y hoy es también traductora, periodista y conferenciante habitual de universidades españolas y extranjeras. Escribe artículos para varios diarios y revistas como "El País", "Diario 16", "La Vanguardia", "El Periódico de Barcelona", "El Mundo" y "Grandes firmas de Agencia Efe" y considera su actividad como una expresión de lucha contra las dictaduras, a favor del feminismo y de los derechos de los homosexuales.
Tras una primera fase, larga, dolorosa y totalizadora, en la que tarda casi diez años en hacer de su experiencia personal y comprometida una alegoría, cae en una nueva dictadura que ella denomina la del amor, de la que le salva la ironía y la ternura, la pasión por la palabra cercana y vibrante que nos remite a una continua exploración de los sentimientos y los hechos cotidianos.
Ella misma se reconoce en la definición de escritora de mentalidad renacentista, por su apertura a todas las disciplinas y a intereses muy variados. Por esto, su obra abarca todos los géneros desde la poesía, el relato, la novela o el ensayo hasta artículos (sólo parece faltar el teatro). Sin embargo, es la poesía el lugar donde encontramos el corazón de la producción literaria de Cristina. Ella misma sostiene que "la palabra poética recupera lo sagrado, su poder original, su valor primigenio. Ni los cuentos, aunque sean breves, tienen la conexión y la fuerza que conlleva la poesía, donde se concentra la máxima intensidad" (cit. en Peri Rossi, http://www.escritores.org/perirossi.htm).
Sin duda, también los premios confirman la intensidad de su obra poética, como la Medalla de Oro del Foreword Book of the Year, que recibe en 2002.
En 2005 trabaja en un programa de Catalunya Ràdio, "Una nit a la Terra", que se emite de una a tres de la madrugada, como colaboradora fija una vez a la semana. Durante dos años ella interviene en las tertulias hablando en castellano, aunque el resto de los tertulianos lo hacen en catalán. En 2007, con el cambio de horario del programa (a una franja con mayor audiencia) y el contrato para la nueva temporada, es despedida porque habla en castellano y no en catalán. La Dirección de la radio alega como causa la carta de Principios del 17 de julio, fruto del acuerdo político entre Esquerra Republicana, CIU y el tripartito que "recomienda la prioridad de invitados que hablen en catalán": se trata de cuestiones inexplicables, para una mujer internacionalista y cosmopolita como Peri Rossi.
Quienes conocen su lucha a favor de la democracia, su participación y defensa de todas las culturas, incluida la catalana, y recuerdan su premio ciudad de Barcelona, manifiestan el rechazo al despido y la solidaridad con la escritora. A la protesta se adhieren personalidades como Mario Vargas Llosa, Fernando Savater, Mario Benedetti, Ana María Matute o Carmen Posadas.
En la actualidad colabora como columnista con el diario "El Mundo".

La obra narrativa
Su primera obra está compuesta por tres relatos "Viviendo", "El baile" y "No sé qué". Los personajes de estos relatos son seres marginales, que no consiguen dar sentido y justificación a su existencia. Tanto Anabella, la solterona de "Viviendo", como Silvia, la peluquera pueblerina de "El baile", que se deslumbra por error, o Sonia, la opaca y lúcida protagonista de "No sé qué", padecen una congénita imposibilidad de actuar, de influir de algún modo en su propio destino. Sin embargo, Anabella, Silvia y Sonia tienen sendas oportunidades de enderezar sus respectivas y monocordes existencias: no se esfuerzan en aprovechar la ocasión cuando ésta llega. No son víctimas del azar, sino más bien víctimas de ellas mismas. Viven sin amor porque, conscientemente o no, han elegido la soledad.
Entre los dos primeros libros, "Viviendo" y "Los museos abandonados" hay dos textos de la autora, aislados pero significativos: el relato "Los amores" y el poema "Homenaje a los trabajadores uruguayos del 1 de mayo, aplastados por soldados y policías".
Como dice Mario Benedetti, "el primero lleva a una instancia de demencia la anquilosis temperamental, la resistencia al cambio, que ya aparecía en algunos personajes de Viviendo" (Benedetti, 1992). El segundo es una reacción estremecedora frente a aquellos sectores de la sociedad que se autoconvencen de una paz que no existe. Este poema otorga verdadero sentido a la simbología latente en los relatos anteriores y posteriores, ya que Peri Rossi es en poesía mucho más directa que en narrativa.
Sin embargo, también su narrativa se hace más sombría y visionaria, con "Los museos abandonados", en el que aparecen la muerte en las calles y la obcecación por el poder y, por esto, el mismo poder pierde sus máscaras. Peri Rossi transmite a través de su narración lo que no se puede decir en voz alta. Con "Los extraños objetos voladores" que se encuentra a mitad del cuento, y considerado el mejor por la autora, construye una atmósfera de creciente terror haciendo saltar literalmente de la silla al lector cuando llega al final del cuento.
En sus primeras obras, Cristina Peri Rossi explora el mundo de la infancia y la temática adulta de las pasiones y las relaciones personales. Después de "Indicios pánicos" en narrativa (1970) y "Evohé" (1971) en poesía, se marcha de Uruguay y se exilia en España, donde da a conocer el resto de su producción tanto narrativa como poética. El rasgo central de su escritura lo constituye la riqueza metafórica y la capacidad virtual de sugerir todo sin explicitar nada.
La importancia alcanzada por la autora se centra fundamentalmente en dos componentes de su escritura: la estructura de su lenguaje y la presencia de la pasión como sujeto de su poesía o como tema de su narración. Su lenguaje se caracteriza por una importante concentración de comparaciones y metáforas que evitan siempre las combinaciones convencionales: "(...) soy el navegante a la deriva impulsado por las olas y la brisa. Ancorado a ti como a un coral" (Solitario de amor: 89).
Su preocupación por construir un discurso rico en inesperadas tonalidades de sentido define su escritura, pero la introducción de la pasión como elemento dominante en el campo narrativo es gradual. Y hay libros claves en ese proceso: "La nave de los locos" (1984), "Una pasión prohibida" (1986), "Solitario de amor" (1988), "La última noche de Dostoievski" (1992, obra por la que le ofrecen un premio a cambio de algunas modificaciones para poderla vender mejor: naturalmente, ella rechaza el premio porque el libro expresa todo lo que ella quiere decir), y "Desastres íntimos".
"Desastres íntimos" se compone de nueve cuentos que tienen en común un fuerte elemento erótico. Se describe el deseo, como necesidad de otro cuerpo, y, a veces, sólo el deseo, en abstracto, con total ausencia del otro ser.
No se trata de pintar cuerpos ni mucho menos relaciones sexuales. El lector puede imaginar cualquier objeto de deseo, ya que se presencian todo tipo de combinaciones, parejas de hombres y mujeres, o sólo de hombres o sólo de mujeres, hasta el cuento de "El testigo" que presenta la inesperada relación de un muchacho con la amante de su madre, en presencia de ésta última.
El lenguaje que cuenta esa historia, rico en comparaciones y metáforas inéditas, logra una expresión tan intensa como la experiencia amorosa del muchacho.
"Desastres íntimos" configura una ruptura con el mundo convencional de la pasión. Como el postmodernismo, parece contribuir a una reformulación de la visión del mundo. Por su lenguaje y por su enfoque, es un libro de vanguardia.
"El libro de mis primos" es una novela despojada de anécdotas, rica en digresiones narrativas, que pasa libremente de la prosa al verso. La historia se dispersa en una proliferación de secuencias, que poseen valor en sí mismas, desplazando lo típicamente novelesco a segundo plano. La novela capta la progresiva desintegración de una familia patricia, condicionada por anticuadas convenciones y por el poder alienante que ejerce el pasado. Las mujeres están condenadas a repetir hábitos rutinarios como la limpieza de la casa y a ser veneradas sólo por sus poderes de fecundidad; los hombres se mantienen ajenos a obligaciones sociales. El resultado es la parálisis social.
Gracias a esta obra, Peri Rossi no sólo consigue el reconocimiento en Uruguay, sino también la amistad con Julio Cortázar.
Peri Rossi revela una aguda conciencia crítica de circunstancias sociales opresivas y, a la vez, una firme voluntad de renovación estética. Toda su producción puede concebirse como una empresa de liberación total, como una búsqueda de caminos desmitificadores, en pos de un nuevo lenguaje, una nueva ética y una nueva conciencia.
En cada uno de los libros de narrativa publicados antes de su exilio en 1972, "Viviendo", "Los museos abandonados", "El libro de mis primos" e "Indicios pánicos", se reitera la visión de un mundo en proceso de desintegración. Las líneas dominantes de su literatura están libremente enlazadas en un entrecruce espontáneo, en relatos que suscitan preguntas básicas acerca de la naturaleza misma de la narrativa actual.
La narrativa de Cristina Perri Rossi, con palabras de Hugo Verani, es "una confluencia de deseos y carencias, confrontados a prejuicios morales o ideológicos, que encuentran su libertad en la escritura, en el placer del texto. Sus libros se leen como una búsqueda de placer y de liberación de las ataduras que someten a la humanidad. El acto creativo y el erotismo se convierten en fuerzas liberadoras, en instrumentos de desmitificación de lo establecido y prescrito" (Verani, 1980: 1046).

La obra poética
La poesía es una manifestación de amor a la palabra y a su poder evocativo y este amor por la palabra se manifiesta, a su vez, a través del uso refinado de la lengua.
El lirismo, en el caso de Peri Rossi, se podría definir como una fusión de su compromiso con la lengua y con el ser humano. Es una mezcla de sentimientos y sueños líricos a los cuales sólo podemos aspirar. Su lírica expresa la ironía, el humor y la ternura que ella manifiesta a lo largo de toda su obra. Su magistral uso de imágenes y su capacidad para conmover con su lírica, se unen. Su prolífica trayectoria lírica demuestra su constante energía y pasión por lo vivido, por lo sentido, por lo añorado y sobre todo se basa en el caudal onírico de lo �im/posible� de vida efímera.
Desde una experiencia amorosa desbordante, hasta la desidentificación que ocurre ante el exilio, Peri Rossi logra verbalizar los más ocultos sentimientos del ser humano y al mismo tiempo, los va despojando de inhibiciones.
En este sentido, la vasta trayectoria lírica de la poetisa es extraordinaria, no sólo por la riqueza de su contenido, sino sobre todo por la relación que sigue existiendo entre su obra poética y el resto de su creación en los diversos géneros. Entre las más salientes obras líricas hay que destacar: "Evohé", "Poemas eróticos" (libro que, por su contenido de erotismo y de trasgresión, crea gran escándalo en su época), "Descripción de un naufragio", "Diáspora", "Lingüística general", "Europa después de la lluvia" (colección que nace de la invitación de la Deutscher Peremischer Austandient de Berlín) y "Babel Bárbara".
Con el poemario "Las musas inquietantes" la autora presenta una colección de cincuenta poemas que denotan su sensibilidad perceptiva y su conmovedora forma de expresión lírica.
Con "Estado de exilio" expresa la cruel escisión del exilio y transmite la soledad que produce la búsqueda de referentes familiares al individuo. El proceso generativo de nuevos puntos de referencia, y la añoranza ante las ausencias creadas por el exilio se van descubriendo en los versos. La poetisa presenta, en forma incisiva, tierna y regeneradora, la esencia misma de la nostalgia persistente y perecedera que se mantendrá siempre, a pesar del tiempo.

Caterina Percoto (1881 - 1887)

miriamspinelli@hotmail.com (Miriam Spinelli) — Fri, 14 Nov 2008 03:00:05 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: italiano/friulano

Caterina Percoto nació en Soleschiano (Manzano-Udine), en Friuli, la región del nordeste que linda con Eslovenia y Austria, el 12 de febrero en una familia de abogados, artistas y hombres de letras, única niña de los ochos hijos del conde Antonio Percoto y de Doña Teresa Zaina. Con la muerte de su padre la familia se trasladó a Udine y Caterina entró en el internado "Educandato di Santa Chiara". En este periodo se forjó en ella la aversión hacia la educación que las monjas impartían a las niñas, aversión que defendió a lo largo de su vida. De este periodo fue su primer amor que tanto la familia como las monjas desaprobaban a ser el joven de confesión judia, así que ella se vio obligada a truncar toda relación con él. Caterina, por la desepción, en el trascurso de su vida, se resignó a la soledad y a la educación de sus hermanos antes y luego a la de sus sobrinos. Años después, por razones económicas, la familia volvió al pueblo y Caterina dejó los estudios para dedicarse a los negocios familiares con la ayuda de Pietro Comelli, un cura que trabajaba en la finca y que pronto se convirtió en amigo sincero y en su guía espiritual. En el aislamiento del campo, la escritora se dedicó al estudio y a vivir en su entorno rural, codeándose con los campesinos. En 1839, don Comelli, envió secretamente a la "Favilla" de Trieste,el primer artículo de Caterina: un comentario de la traducción del escritor Maffei sobre algunos parrafos de la "Messiade" de Klopstock y así comenzó la relación de Caterina con Francesco Dall�Ongaro, editor de la revista. Dos años más tarde, se publicaron en la "Favilla" sus primeros cuentos que la llevaron a ser conocida en el mundo literario italiano. A raíz de eso, algunos años más tarde, empezó su amistad epistolar con Carlo Tenca, editor de la "Revista Europea" de Milán mientras que, al morir su hermano Costantino, tuvo que hacerse cargo de la educación de sus hijos. En 1848, en el marco de los levantamientos independentistas, sucedieron "Los hechos " de Jalmicco, (pequeño pueblo de la llanura friulana). Caterina se quedó horrorizada: después de una pequeña aparición en el primer número del "Giornale di Trieste", con un violento artículo "non una sillaba oltre il vero" (ni una sílaba más allá de la verdad), en la que hacía referencia a las atrocidades perpetradas por el ejercito imperial austriaco en Friuli, interrumpió su colaboración con los periódicos para dedicarse a una intensa actividad literaria y política; una elección que le otorgó un gra prestigio entre los literatos nacionalista. La muerte de la madre le dejó el legado de la impresa familiar mientras que Caterina estaba ya enferma y escribia cuentos para jovenes.Fue a Turín invitada por los Antonini y se paró en Milán donde encontró a Ippolito Nievo, Carlo Tenca y Tommaseo. En 1858 por interés de Tenca, de Tommaseo y sobretodo de Antonini, salió en la prestigiosa casa editora Le Monnier de Florencia la primera edición de los "Racconti" (Cuentos) con la presentación de Tommaseo. Cinco años más terde se publicó en Genova, con los hermanos Bottero, en el periódico "La donna e la famiglia", la nueva edición, en dos tomos. En el 1867 en Udine encontró a Garibaldi, al que le reprobó sus ideas anticlericales porque la fe de Caterina tenía en Dios y en la Iglesia los pilares que sustentaban su vida. El año siguiente rechazó la dirección del internado "Educandato di S. Chiara" (en la actualidad "Collegio Uccellis") y en 1871 el ministro de Instrucción Cesare Correnti la nombró inspectora de los internados del Veneto, pero el deambular por las distintas escuelas y conventos, fue fuente de amargas desilusiones para alguien que como ella creía en la pedagogía y renunció. En 1878 el editor Carrara de Milán publicó en su Biblioteca Recreativa "Ventisei racconti vecchi e nuovi" (veintiséis cuentos viejos y nuevos) de Caterina Percoto y cinco años más tarde, se imprimió la edición completa y definitiva con el titulo "Novelle popolari edite e inedite di Caterina Percoto "(Cuentos populares publicados y no publicados) (son 25 de los que 6 no habían sido aún publicados).
En 1885 Caterina estaba tan enferma que no pudo ni siquiera ir a Arta a encontrar al Carducci, hasta que el 15 de agosto de 1887 murió en S. Lorenzo di Soleschiano. La enterraron en Udine, al lado del también poeta friulano Zorutti. Caterina Percoto se incluye en aquella "Literatura de ambiente rústico" o "campestre" que teorizó en 1846 Cesare Correnti en un ensayo, como también el Carcano, el Nievo y el mismísimo Verga, al que la escritora escribió la presentación de su "Storia di una capinera". Las novelas y los cuentos del que en Italia se llamó "género rústico", se inspiraban en historias, personajes y ambientes rurales. En este movimiento se insertó la producción de Caterina Percoto, considerada por su apertura al dialecto y por una visión directa del mundo popular, una precursora del verismo, con el que tuvo también contactos personales a través de Luigi Capuana y del mismo Verga. Su "elección" rural se hallaba como una necesidad y su vocación literaria, encontraba en la representación del mundo campesino su temática más recurrente. En la campiña, Caterina trabajaba y eso la puso en contacto con los campesinos, con personas con las que ella, como condesa, no se hubiese relacionado nunca y tampoco con su pobreza, fruto de unas condiciones económicas de latifundio intolerables por una persona sensible. Será justo esta participación a los problemas diario de los pobres lo que la empujará más tarde a describir de manera atenta y con pasión su vida. Caterina veía el mundo bajo una mirada esquemática muy precisa: la vida es un valle de lagrimas, un lugar de sufrimiento: material para los pobres, espiritual sobre todo para los ricos y en el que tanto los unos como los otros existían y existirán siempre, sin ilusiones de cambios radicales. Los ricos designados para mandar, los pobres para obedecer y sufrir, a trabajar no para cambiar su propio estatus sino sólo para poder vivir de manera digna. El cometido de los ricos sería el de conseguir que el viaje de los pobres en este valle de lagrimas fuera menos doloroso, aliviando su inevitable miseria y los humildes tendrían que resignarse a su condición, sólo con el trabajo conseguirían su salvación, sin rebelarse huyendo (empezaba en esos años en Friuli la emigración hacia América, ampliamente contestada por los terratenientes, que se veían quitar a los mejores jornaleros). Su concepción de la vida era la del trabajo que todos, ricos y pobres tenían que desempeñar, como "tarea social" de manera que tanto los unos como los otros, construyeran armónicamente, complementariamente, una sociedad terrena activa y de progreso, en donde la misma pobreza se combatiría con la ocupación antes que con la ayuda en dinero. La Divina Providencia restablecería la justicia, premiando siempre a los infelices y castigando a los malvados bajo una concepción muy católica, fruto de una fe inquebrantable. Caterina declaró en más ocasiones poder escribir sólo de las experiencias que ella experimentaba trabajando en el mundo rural intentando desarrollar una economía colapsada, sin estrategias, abandonada a una producción de supervivencia. La observación directa de las condiciones de los campesinos era la fuente de su realismo que está caracterizado por la mirada atenta a los hechos reales que se desprende de sus cuentos, hasta convertirla en el nexo de unión de románticos y veristas. Toda la más valiosa producción de la condesa nacía de material autobiográfico, de una impresión directa y sincera de "cosas" reales, de un atento estudio que incluía una penetrante intuición psicológica. En los años antes de los levantamientos revolucionarios de 1848, las condiciones sociales y económicas del mundo rural empezaron a despertar interés y a la evolución de las técnicas de producción agrícola le siguieron unas iniciativas para mejorar los niveles de instrucción de las poblaciones de campesinos. Las intervenciones de letrados como Carlo Tenca y Cesare Correnti, animaban a los escritores italianos a dirigir sus esfuerzos creativos a ilustrar la vida y las condiciones del mundo rural, para exponer la realidad de sus dimensiones morales y materiales. Caterina anticipó las teorías de los intelectuales en facilitar una eficaz respuesta a la exigencia de una representación del pueblo encarnándolo en la sociedad friulana de la mitad del siglo, describiendo la inmovilidad jerárquica y económica de las clases sociales, desde los jornaleros hasta los terratenientes, precediendo también a Nievo. En su producción se encuentra una participación emotiva pero siempre aristocrática al mundo humilde. Le pusieron el apodo de "condesa campesina", por la representación del mundo arcaico de aquellas historias menores, a las que ella miraba con una comprensión inevitablemente aristocrática. Ella hizo del entorno rural de Soleschiano su mundo particular, su aislamiento en la campiña friulana, volcada en su familia, la llevó a mirar a su alrededor, a percibir los sentimientos ajenos, los de una clase social distinta a la suya pero que a la que ella consideraba que había que proteger y dirigir. Si a sus campesinos ya no les podía mandar, ella pretendía enseñarles a cuidar de los gusanos de seda o de los caballos. Empleó, como Manzoni, la temática del mundo de los pobres con un lenguaje simple y popular, dibujando personajes y paisajes de la realidad con un optimismo cristiano, al que se le unía los valores absolutos en los que creía: el estado y la religión, el trono y el altar, dos autoridades aceptadas como fundamento absoluto de un orden indiscutible. La temática del dolor es también muy amplia en su narrativa, debido a la pobreza de los campesinos, a una larga serie de desventuras y de enfermedades, soportadas con resignación y con confianza en la Divina Providencia. El centro y el símbolo de la vida miserable de los campesinos del Friuli como el de los campesinos de la Lombardía de Manzoni, era la "polenta" (harina de maíz cocida, usada como pan), que a menudo se les niega a sus personajes en los tiempos de carestía, como a los niños raquíticos, cadavéricos por el hambre en la ciudad de Osoppo sitiada por los austriacos en la "Donna di Osoppo". Hay que destacar para la autora de "Licôf" (fiesta de inauguración), de "Pane dei morti" (pan de los muertos), de "Un episodio dell�anno della fame" (un episodio del año del hambre), di "Prepoco", un papel de precursora en el desarrollo de temáticas, ámbitos y propósitos sociales, en los que sobresale el plan de educación de progreso moral y material, dirigido tanto a los humildes como a la burguesía agraria y a aquella parte de la nobleza que se dedicaba con espíritu nuevo a la gestión del patrimonio. En la descripción de los hechos del �48 en los cuentos - "L�incendio di Jalmicco", "La coltrice nuziale" (el aposento nupcial), "La donna di Osoppo", Caterina se hizo anti-austriaca. Su patriotismo consiguió que la aceptaran en los ambientes de la cultura oficial, con Tommaseo a la cabeza, pero ella se descubrió ante todo friulana con una producción de cuentos, leyendas, refranes y variaciones sobre ellos. El bilingüismo de Caterina tuvo un papel fundamental en su producción en la que alternó cuentos en lengua italiana con los de la lengua friulana. En sus cuentos italianos, el lenguaje es popular, en el sentido que le dio Manzoni y los románticos a los que les añade una tendencia dialectal, que subraya la gracia expresiva que se encuentra en el idioma nativo. Ella consigue dar aliento a los cuentos friulanos, porque en ellos el lenguaje fluye con la naturalidad del que lo habla cada día y con la mirada puesta en las fiestas y las tradiciones populares que determinan el ciclo de las estaciones y los pasajes obligados de cada uno: el nacimiento, el amor y la muerte. Lamentablemente, sus relatos friulanos pueden ser entendidos sólo por un limitado número de lectores ya que en ellos consigue pincelar perfectamente, con las palabras más ocurrentes de su idioma, los sentimientos que quiere expresar en la forma más liviana y al mismo tiempo más certera. Sus cuentos rebosan de frescura y de una cierta ingenuidad que los convierten en algo peculiar en el panorama literario de la época Su producción está considerada históricamente una de las manifestaciones más originales e interesantes de la poética romántica que abarca la literatura del ochocientos, comprendida entre el Romanticismo, la Scapigliatura y el Verismo.

Emilia Pardo Bazan (1851 - 1921)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Thu, 15 Mar 2007 13:47:12 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: español

Emilia Pardo Bazán nace el 16 de septiembre de 1851 en La Coruña, hija de una familia gallega noble y muy pudiente : el conde José Pardo Bazán y Amalia de la Rúa.
La fecundísima escritora (compuso cuarenta y una novelas, siete dramas, dos libros de cocina, más de quinientos ochenta cuentos y cientos de ensayos ) fue una mujer de amplísimas actividades.
A la edad de 9 años ya empezaba a mostrar un gran interés por la escritura. En la biblioteca paterna encontró acceso a una gran variedad de lecturas; declaró que sus libros preferidos entonces fueron Don Quijote, la Biblia y la Iliada. Leyó además La Conquista de México de Solís y Vidas paralelas de Plutarco. Los libros sobre la revolución francesa le fascinaban. A los doce años la familia decide quedarse en La Coruña durante los inviernos y allí estudia con instructores privados. Se sale del ritual de la educación femenina al negarse a tocar el piano y a tomar clases de música. Dedica todo su tiempo a la lectura.
Se estableció en Madrid en 1869, un año después de contraer matrimonio a los dieciséis años con José Quiroga. En 1873 la familia Pardo Bazán �€" también los recién casados- abandona temporalmente España. El viaje se prolonga por varios países de Europa, lo que despierta en Emilia la inquietud por los idiomas, con el deseo de leer a los grandes autores de cada país en su lengua original. Su inquietud intelectual va en aumento y , al regreso a España, entra en contacto con el krausismo a través de Francisco Giner de los Ríos . El influjo de los krausistas la empuja a la lectura de los místicos y de Kant, y éstos, a su vez,la conducen hasta Descartes , Santo Tomás, Aristóteles y Platón.
En 1876, año del nacimiento de su primer hijo, Jaime, se da a conocer como escritora al ganar el concurso convocado en Orense para celebrar el centenario de Feijoo. Son años en los que todavía no abandonado totalmente la poesía. En 1891 emprende una aventura periodística con Nuevo Teatro Crítico, revista fundada y escrita completamente por ella, que tanto en su título como en su planteamiento misceláneo, cultural en sentido amplio, y divulgativo quiere rendir homenaje a su admirado Feijoo, y ese mismo año funda y dirige en 1892 la Biblioteca de la mujer, que englobaría todo lo tocante al conocimiento científico, histórico y filosófico de la mujer en todos los tiempos. El fracaso de esta obra, su escasa venta, apoya la creencia de Pardo Bazán de que el peor mal que sufre la mujer de su época es la ignorancia y la falta de interés por aprender.
En muchos de sus ensayos se dedica a la cuestión feminista, demostrando su continua lucha por los derechos de la mujer en la sociedad española.
Mientras que en Europa surgían movimientos feministas, España ni siquiera se enteraba del tema. Pardo Bazán, sin embargo se emerge en ello. Una manera en que expresa sus sentimientos hacia este problema es a través de artículos y ensayos. Alguno de sus primeros artículos feministas se publicaron en inglés en la revista londinense Fortnightly Review y en España en la revista Nuevo Teatro Crítico. En este último escribió que era un error afirmar que el papel que le corresponde a una mujer en las funciones reproductivas determina las restantes funciones de su vida. Su mayor crítica consiste en que la sociedad ha proclamado los derechos del hombre pero no los de la mujer.
Sus escritores contemporáneos opinaban tanto a favor como en contra de su producción literaria. Algunos la envidiaban pues su fama se extendía por Europa. Pero a pesar de las dificultades Pardo Bazán llegó a ser una figura reconocida en la vida cultural, literaria y social. En 1908 comienza a utilizar el título de Condesa de Pardo Bazán, que le otorga Alfonso XIII en reconocimiento a su importancia en el mundo literario; desde 1910 era consejera de Instrucción Pública; socio de número de la Sociedad Matriense de Amigos del País desde 1912�€�Dos años después se el impondría la Banda de la Orden de María Luisa, y recibiría del Papa Benedicto XV la Cruz Pro Ecclesia et Pontifice�€�En 1916 el ministro de Instrucción Pública la nombra catedrática de Literatura Contemporánea de Lenguas Neolatinas en la Universidad Central.
El 12 de Mayo de 1921, una complicación con la diabetes que padecía le provoca la muerte.

Petronilla Paolini Massimi (1663 - 1726)

crisvalbi@hotmail.com (Cristina Valdivia Biedma) — Thu, 21 Feb 2008 08:34:24 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: Italiano

Petronilla Paolini Massimi supo hacer frente, con una magnífica modernidad, a unas circunstancias vitales nada favorables para una mujer. Con su precoz matrimonio con un familiar 30 años mayor que ella, sólo contaba con 10 años de edad, comienza una vida de esposa sumida en el sufrimiento y en el dolor; con una personalidad capaz de crecerse en la adversidad decidió separarse de su marido para internar en un convento. Allí, a pesar del sufrimiento por la separación de sus hijos, desempeñó un papel importante dentro de la sociedad al escribir una producción poética que se rebelaba contra el poder masculino; aboga por un feminismo que luchaba por la libertad y la dignidad de la mujer. Con una lírica dulce y ardiente donde refleja su existencia vital consigue introducirse en el círculo de la Accademia dell�€�Arcadia, transformándose en Fidalma Partenide. También es conocida como la Gloria de�€� Marsi. Muere en Roma en 1726.

Anna Maria Ortese (1914 - 1998)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Sun, 19 Nov 2006 16:45:19 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Hija de Oreste Ortese, empleado en una oficina financiera y de Beatrice Vaccà, mujer de condición social superior, Anna Maria Ortese, escritora y periodista italiana, nació en Roma en 1914. Transcurrió su infancia, caracterizada por la precariedad de la situación familiar y los continuos desplazamientos de un lugar a otro, entre Trípoli y Nápoles. Realizó sus estudios elementales en Trípoli y tras haber frecuentado un instituto de preparación para el trabajo estudió varios años de piano. Poco tiempo después murió uno de sus hermanos y ella sustituyó su vocación musical por la literaria. Abandonó los estudios, prefiriendo estudiar como autodidacta y aprendió el francés y el español. Empezó a escribir a la edad de diecisiete años y en 1937 hizo su exordio literario con la recopilación de relatos fantásticos Angelici Dolori, aunque ya a partir de 1935 había empezado a colaborar con la revista �€�Italia Letteraria�€�.
Su arte fue admirado por muchos de sus contemporáneos, como por ejemplo Massimo Bontempelli y Elio Vittorini, sobre todo por la profundidad de su escritura y la particular personalidad de una escritora que no se podía asimilar con ninguna influencia exacta. Sensible y atenta a la realidad, su gran capacidad de representar situaciones cotidianas la acercan a la corriente neorrealista desde el punto de vista del contenido, aunque el registro estilístico utilizado por la escritora la pone más cerca al realismo mágico presente en algunos autores hispanoamericanos de la época. En 1953 ganó el Premio Viareggio con Il mare non bagna Napoli, publicado en el mismo año, una colección de relatos que ofrecen un sutil y penetrante retrato de la ciudad napolitana en aquella época, a medio camino entre el cuento realista y la crónica. En 1965 publicó la novela L�€�iguana, una fábula misteriosa, caracterizada por la polémica moral y los matices fantásticos, seguida por Poveri e semplici (1967), con el cual obtuvo el Premio Strega en el mismo año, una historia amorosa ambientada en Milán que se entrelaza con la política, La luna sul muro (1968), L�alone grigio (1969), Il porto di Toledo (1975), Il cappello piumato (1979), Il cardillo addolorato (1993), Alonso e i visionari (1997), donde se reconoce plenamente su inconfundible estilo de visionaria y transfiguradora de la realidad.
Retraída e introvertida su vida fue caracterizada por el aislamiento y la soledad (nunca se casó y una vez llegó a decir que siempre había estado sola como un gato), la pobreza y la indigencia. Esta voluntad de quedarse apartada de los círculos literarios y de los ambientes culturales, ha contribuido a la escasa notoriedad de la que aún hoy en día goza la escritora, ya que, aunque, junto con Elsa Morante, es considerada una de las autoras más influyentes del panorama cultural italiano del siglo XX, la validez cultural de su producción literaria es poco conocida y poco estudiada por parte de la crítica contemporánea. Murió en Rapallo en 1998.

Virginia Olper Monis (1856 - 1919)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Thu, 24 May 2007 18:10:22 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana

Virginia Olper Monis (1856-1919), nació en Venecia, más exactamente en el histórico «Ghetto ebraico», la primera judería de Europa, el 21 de enero de 1856. Su padre era Silvio Olper, un comerciante veneciano hebreo de buena condición económica, el cual se dedicaba también a actividades editoriales; la madre de Virginia, Sofia, murió muy pronto, cuando los hijos eran pequeños. Los Olper eran una familia culta y de simpatie risorgimentali.
Poco se sabe de Virginia, sin embargo, gracias a la tradición hebráica que favorecía también la educación de las chicas, pudo disfrutar de una buena instrucción de marco humanístico, incluso puede que tuviese una preparación musical. A los veinte años sabemos que ya debía estar casada con Isidoro Monis (1845), un farmacéutico de San Giorgio al Tagliamento (localidad de la parte más oriental de la provincia de Venecia). El matrimonio vivió en Friuli, más tarde en Padua y, al final de su vida, en el mismo San Giorgio. Los Monis tuvieron dos hijas: Elisabetta Lia (1876) y Silvia (1880), autora de un posible retrato, el único que tenemos de Virginia.
Los años vividos en Padua fueron los más fecundos para la actividad literaria de Virginia: ella empezó a colaborar con varias revistas, diarios locales como «Il Veneto» e «Il Comune», pero también escribía para «La Donna», revista feminista fundada en Padua en 1868 por Gualberta Alaide Beccari (y dirigida por ésta misma hasta 1890), y en las más importantes revistas literarias de la época como «Natura ed Arte» del editor milanés Vallardi, la romana «Vita italiana» dirigida por De Gubernatis, en la cual escribía Grazia Deledda, la «Gazzetta letteraria» de Turín, «La Tavola rotonda» de Nápoles, donde a menudo publicaba D�€�Annunzio, «La Favilla» de Perugia y otras más. Entre sus escritos periodísticos más originales, vale la pena recordar las reseñas a las novelas de tres grandes autoras de la época: de Neera comentó Teresa (en «La Donna») y La vecchia casa (en «Natura ed Arte»), entró en el debate provocado por la novela Il marito de Bruno Sperani/Beatrice Speraz (en «La Tavola rotonda») y publicó (en el diario «L�€�Adriatico») un comentario al conocido y debatido libro Una donna de Sibilla Aleramo; a este respecto es interesante recordar que ya en 1899 Rina Faccio, que todavía no utilizaba su noto seudónimo, había dedicado a la escritora veneciana un medaglione en la revista «L�€�Italia femminile». Virginia Olper firmó también varios ensayos de tema social.
Parece que no fue autora de versos, pero fue en esa misma época patavina cuando Virginia Olper editó sus más importantes obras narrativas: los cuentos Racconti veneziani e novelle sentimentali (1893), Miutte. Bozzetto friulano (1898), La cieca (1904) y Derelitti (1906); los cuentos infantiles Gloria di sole y Storia di una bimba (1899); la novela Il raggio (1899). Escribió y sacó a la luz otros artículos: Guida pratica della massaia (1887), un escrito dedicado al padre In memoria di Silvio Olper (1899), Il movimento etico-sociale e l�€�Unione Morale (1899), La donna nella realtà (1908). Parece que también haya publicado descripciones de ilustres personajes de la literatura italiana como Gaspara Stampa y Dante Alighieri, y tenemos noticia incluso de un estreno teatral en el teatro Alfieri de Turín del drama Il figlio.
En 1907 los Monis se trasladaron a San Giorgio al Tagliamento, pueblo de origen de Isidoro, y por lo que se sabe, Virginia dejó las letras. Falleció el 13 de septiembre de 1919 en Venecia y fue sepultada en el cementerio hebreo del Lido de Venecia.
Virginia Olper Monis fue una figura interesante y realmente original. Aunque su producción no es copiosa, resulta novedoso su punto de vista con respecto a la condición de la mujer, por ejemplo afirma que la educación de la mujer es algo imprescindible, al mismo tiempo que ella defiende la oportunidad de una ley sobre el divorcio (Di volo sopra una seria questione. Carta a la signora Olimpia Saccati publicada en «La Missione della Donna» en 1879), durante una época en la que casi nadie sostenía esa cuestión.
Curiosos, en el panorama de la literatura italiana de la época, son también sus cuentos de insólita ambientación veneciana; son cuentos contemporáneos a las comedias de Gallina y de Selvatico que nos ofrecen un diferente punto de vista de la realidad de la pequeña burguesía de esa ciudad.

Eunice Odio (1919 - 1974)

susan.campos@uam.es (Susan Campos Fonseca) — Thu, 13 Mar 2008 19:29:25 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

Nació en la ciudad de San José, el 9 de octubre de 1919.
Curso estudios primarios en la escuela Delia U. De Guevara, los de enseñanza secundaria en el Colegio Superior de Señoritas, complementó sus estudios con extensas lecturas, principalmente en el campo de la poesía moderna. Su inquieta búsqueda de nuevos horizontes la llevó a viajar a Nicaragua, El Salvador, Honduras, Guatemala, Cuba y los Estados Unidos.
De regreso al país a principio de los 40 sus poemas son leídos en la radio, utilizando el seudónimo de "Catalina Mariel". De 1945 a 1947 publica poemas en el "Repertorio Americano"de Joaquín García Monge y en el periódico "La Tribuna". Además colaboró en el periódico "Mujer y Hogar".
En 1947 participa y gana en el concurso centroamericano de poesía 15 de septiembre, con el libro "Los elementos terrestres", el cual es publicado un año después. En ese mismo año viajó a Guatemala a recoger el premio, donde además de dar charlas, conferencias y demás, decidió quedarse a vivir allí.
En Guatemala trabajó en el ministerio de Educación, y después de una larga permanencia, en 1948 adquiere la nacionalidad guatemalteca. También escribió en revistas y periódicos de ese país, hasta que por problemas personales se ve obligada a salir del país y decide ir a vivir a México, donde vive hasta su muerte, con excepción de dos años y medio que vive en Estados Unidos.
En 1953 se le publica en Argentina el libro de poesía "Zona en territorio del alba", texto que fue seleccionado por Centroamérica para ser publicado en la colección "Brigadas Líricas".
En México trabaja en periodismo cultural, como crítica de arte, además realiza traducciones en inglés, escribe y publica cuentos, ensayos, reseñas y narraciones en periódicos especializados de arte y literatura. En 1962 se nacionaliza mexicana. En 1964 empieza a colaborar con la revista venezolana "Zona Franca".
En 1957, envía por correo "El tránsito de fuego", para participar en el Certamen de Cultura de El Salvador. Los encargados del concurso no retiraron el envío a tiempo, por consiguiente no fue considerado en la premiación. No obstante, por el mérito indiscutible del poema, se le concedió a su autora, fuera de concurso, el equivalente a la mitad del segundo premio y, lo que es más importante, su publicación.
En 1963 publica una serie de artículos donde se manifiesta en contra del comunismo y de Fidel Castro. Esto le trae el repudio de la izquierda mexicana, lo que constituye un obstáculo en su carrera periodística.
Para Eunice Odio la poesía fue durante toda su vida un elemento cotidiano y esencial. Muere en la ciudad de México el 23 de marzo de 1974.

Silvina Ocampo (1903 - 1994)

vale.vitale@yahoo.it (Valeria Vitale) — Mon, 08 Jan 2007 17:36:08 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Silvina Ocampo nació en Buenos Aires en 1903. Fué la menor de las seis hija de Manuel Silvino Ocampo y Ramona Aguirre.
En su juventud estudió dibujo en Paris con Giorgio de Chirico y mostró inclinación por la poesía, gracias a la marcada tradición cultural de su familia y a la trayectoria de su hermana Victoria Ocampo quien la vinculó al mundo literario.
Por conducto de Jorge Luis Borges con quien la unió una gran amistad, conoció a su marido, el escritor Adolfo Bioy Casares con quien se casó en 1940.
Tuvieron una única hija, Marta, en 1954.
Desde que publicó su primer libro "Viaje olvidado" en 1937, Silvina Ocampo ha escrito incesantemente. Dos veces ganadora del Premio Nacional de literatura argentina, innumerables otros premios han recompensado su amplio trabajo. Obtuvo el Premio Municipal por "Espacios métricos" (poesía) en 1954, el Segundo Premio Nacional de Poesía por "Los nombres" en 1953, el Premio Nacional de Poesía por "Lo amargo por dulce" en 1962 y el Premio del Club de los 13 por "Cornelia frente al espejo" en 1988.
Fue también traductora y ocasionalmente escritora para niños y dramaturga.
Entre 1974 y 1979 publicó cinco volúmenes de cuentos infantiles (El Tobogán, El Caballo Alado, Canto escolar, el Cofre volante y La naranja maravillosa).
Ha realizado traducciones del inglés y el francés. Borges prologó una antología de sus cuentos publicada en Francia en 1974, cuya introducción es de Italo Calvino. También ha sido traducida al inglés e italiano.
Silvina Ocampo se ha transformado en un mito de la literatura argentina.
La crítica en general le adjudica importancia a su obra sugerente y de cierta premeditada confusión en la que conviven sentimientos opuestos e inesperadas fracturas de las convenciones. Su temática es la literatura fantástica en la cual desliza la ironía y un humor negro eficaz con ribetes truculentos.
Borges le reconoce una virtud inquietante y que a él, particularmente, le causaba �€�un poco de aprensión: la clarividencia. Nos ve como si fuéramos de cristal, nos ve y nos perdona�€�. Un elogio temible.
Su humor, cándido a veces, corrosivo otras, pero siempre unido al pudor, acompaña a toda su ficción. Pudor que no es sino elegancia formal ubicado en las antípodas de la explicitez de hoy. Su amor por la literatura francesa e inglesa, la llevaron primero a la lectura ferviente, y más tarde a la traducción. Tradujo al español entre muchos otros, a Emily Dickinson, Andrew Marvell, Baudelaire, Verlaine Alexander Pope, y Pierre de Ronsard. La reedición de algunos de sus libros como "Los que aman, odias" en colaboración con Bioy Casaras, "Autobiografía de Irene" "Los días de la noche", "Informe del cielo y del infierno" o "Lo amargo por dulce" por citar algunos, indican el sostenido interés en Hispanoamérica por la obra de Ocampo.
Han sido innumerables los reportajes, entrevistas, ensayos y comentarios hechos sobre Silvina Ocampo y su obra. Baste recordar los de Borges, Calvino, Martinez Estrada, Pichon Rivière, Alejandra Pizarnik, Abelardo Castillo y Eloy Martinez entre otros. Murió en Buenos Aires en 1994.

Victoria Ocampo (1890 - 1979)

vale.vitale@yahoo.it (Valeria Vitale) — Sun, 25 Feb 2007 14:20:36 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

La ensayista y traductora Victoria Ocampo nació en Buenos Aires el 7 de abril de 1890, en el seno de una familia de la elite tradicional argentina. A los seis años, con su familia, realizó el primero de una serie interminable de viajes a Europa. Para liberarse de las rígidas reglas familiares, en 1912 se casó con Luis Bernardo de Estrada, pero al año siguiente conoció a Julián Martínez, con quien sostuvo una intensa relación sentimental. Sin embargo, para no romper con las convenciones sociales, continuó viviendo con su marido ocho años más. En 1924, la editorial Revista de Occidente, dirigida por Ortega y Gasset, publicó su primer ensayo, De Francesca a Beatrice, al que le siguió La laguna de los nenúfares (1926). Nuevamente en Europa y después de haber terminado su relación con Julián Martínez, conoció al Conde de Keyserling y a Drieu La Rochelle. En 1931 fundó la revista Sur y, dos años más tarde, la editorial del mismo nombre, en la cual publicó a autores argentinos y tradujo a importantes escritores extranjeros. En 1935, apareció el primer tomo de sus Testimonios (el décimo y último apareció en 1977). Al año siguiente, fue vicepresidenta del Congreso Internacional de los PEN Clubs. En los años cincuenta, delatada como opositora al peronismo, fue encarcelada en el Buen Pastor por veintiséis días. En 1956 presidió el Fondo Nacional de las Artes. Además de su constante trabajo como traductora, aparecieron sus libros Habla el algarrobo (1960), Tagore en las barrancas de San Isidro (1961), La bella y sus enamorados (1964), Diálogo con Borges y Diálogo con Mallea en 1969. En noviembre de 1970, en un artículo publicado en el diario La Nación, anunció el cierre de la revista Sur. Días después, la revista Confirmado le realizó esta breve entrevista, titulada �€�Victoria Ocampo. Fiesta y muerte ajenas�€�, que se publicó en la sección titulada �€�Opiniones�€�. La nota muestra a una impaciente y fastidiada Victoria Ocampo que, casi a su pesar, se somete al interrogatorio periodístico.

Recién en junio del año siguiente, después de diez meses, apareció el número 326/28 de Sur, dedicado a la mujer, en el cual se anunciaba como revista bianual. Sin embargo, se trataba del último número activo realizado en vida de Victoria, pues los demás números se dedicaron a reeditar antologías de trabajos ya publicados. En 1976 fue designada miembro de número de la Academia Argentina de Letras, cargo que por primera vez ocupó una mujer. Murió en San Isidro el 27 de enero de 1979. Durante ese año, comenzaron a publicarse los seis volúmenes de -su Autobiografía, que había comenzado a escribir en 1952.

Isotta Nogarola (1418 - 1466)

fantozzi02@hotmail.com (Carolina González Perancho) — Wed, 27 Jun 2007 15:42:26 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: Latín

Isotta Nogarola, autora y pensadora nacida en el año 1418, es un referente esencial dentro del círculo intelectual de la Verona de la primera mitad del siglo XV. Recibe en su infancia y juventud, junto a su hermana Ginevra, una completa educación, debido principalmente al aire renovador que imprime el Humanismo y que envuelve a Europa y en especial a Italia, y por supuesto, a un ambiente familiar idóneo que fomenta el estudio y cuya verdadera impulsora será la madre, Bianca Borromeo. Al contrario que su hermana, que abandona prematuramente los estudios para contraer matrimonio, Isotta dedicará toda su vida a la labor intelectual.
La pensadora veronesa comienza a ser conocida en 1435 a través de la relación epistolar que estableció con diversos intelectuales del momento, uso tan del gusto de la época en los círculos eruditos. Será precisamente la polémica correspondencia mantenida con el prestigioso humanista Guarino Veronese la que marque un antes y un después en la vida de la autora véneta. El rechazo, la humillación y la difamación a la que se verá sometida por el trato desdeñoso de la élite de doctos varones (entre ellos Veronese) y por parte también de las mujeres de la alta sociedad de Verona, la presionarán a abandonar sus aspiraciones de convertirse en miembro de la comunidad humanista. En efecto, su producción literaria se verá afectada por este hecho, pasando de los estudios propiamente humanísticos, de carácter clasicista, a temas esencialmente teológicos, único ámbito del saber permitido a las mujeres en aquel momento. No obstante, existen ciertos indicios documentados que nos demuestran que nunca abandonó completamente los estudios humanísticos. Como consecuencia de esta decisión, renunciará al matrimonio y se recluirá en su casa para consagrarse al estudio y la ascesis como�€�mujer pía�€�, como monja doméstica.
Esta etapa de la vida de Isotta Nogarola se caracteriza principalmente por dos hechos fundamentales, como son la coincidencia con su momento de mayor productividad literaria y su profunda amistad con el noble veneciano Ludovico Foscarini. Será una figura esencial para la vida de santidad de la autora véneta, ya que la exhortará a una vida de verdadera devoción cristiana. Foscarini también se convertirá en interlocutor del más célebre de los escritos de Nogarola, De pari aut impari Evae atque Adae Peccato (1451). Muere en su encierro de Verona en 1466.

Amalia Nizzoli (1806 - 1845)

jpichardocastellano@gmail.com (Jesús Pichardo Castellano) — Tue, 05 Jun 2007 11:04:17 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiana

Nació en torno a 1806 en Toscana. Se trasladó a Egipto con 13 años a casa de su tio Filiberto Marucchi, médico del gran contable del reino de Mehemed-Ali. Aprende a hablar árabe y se casa en 1826, con solo 14 años, con Giuseppe Nizzoli, canciller del consulado de Austria en Alejandría.
Publica en 1941 su único libro con el largo y pomposo título de "Memorie sull´Egitto e specialmente sui costumi delle donne orientali e sugli harem scritte durante il suo soggiorno in quel paese" (1819-1828), en el que cuenta su propia experiencia en Oriente.
Cuando las "Memorie sull´Egitto" salieron a la luz por medio de la imprenta Pirotta, en 1941, en Milán, el viaje a Oriente, y en especial a Egipto, estaba de moda.
En su viaje no existe la fuga, sino más bien la reconfirmación de todos los parámetros de civilizaciones europeas. Ella no viaja por elección propia, y se establece en Egipto durante años, por lo que su conocimiento de los lugares es familiar: son lugares donde ha vivido, que forman parte de su pasado y de su memoria.
Amalia Nizzoli consigue llevar a cabo una vida aventurera sin salirse de los típicos esquemas de familia tradicional. El viaje no rompe el círculo de la vida doméstica, ni está ligado a la búsqueda de una nueva identidad. Más bien se podría decir que el contacto con el modelo de feminidad islámica refuerza su identidad de mujer burguesa, católica y occidental.
Come sucede a menudo en otros textos escritos por mujeres, Amalia Nizzoli se presenta detrás de un sujeto "indigno", autorizada a hablar no por sí misma, sino como testimonio �€�informado sobre los hechos".
La imagen de sí que Amalia Nizzoli construye es la de una madre valerosa, que ha afrontado peligros por tierra y mar, y que siempre se ha mantenida en su papel de mujer de un hombre importante.
La mirada de Amalia contrasta con la de otros autores (hombres) precedentes y con la imagen que nuestra literatura transmite de Oriente. El subtítulo del libro (�€�specialmente sui costumi delle donne orientali�€�) anunciaba la fascinación del misterio y del exotismo de una tierra lejana, contada desde uno de sus ángulos más impenetrables: las mujeres orientales. Las mujeres en los harem era uno de los sujetos preferidos de la pintura romántica.
El harem, visto desde una perspectiva de mujer, ya no es el lugar de la seducción, sino el de las fatigas domésticas, el de la convivencia forzada y de la segregación. La narración de Amalia Nizzoli estropea la imagen de la mujer oriental acuñada por la mentalidad masculina. La imagen de la odalisca, desde siempre ligada a la idea de la sensualidad de la danza, se estropea en estas páginas, dejando poco espacio a la fantasía erótica.
Pensando en un público femenino, hace hincapié en la descripción de los vestidos y de las joyas, de los colores y de los tejidos, narra con detalle los interiores de las casas. No falta una especial atención a la vestimenta, al maquillaje, a los peinados, al color de las uñas, a las ceremonias de las mujeres orientales, como la del café y la de fumar pipa.
Amalia hace continuas comparaciones con las costumbres de las mujeres europeas, y sus juicios son fulminantes. En diversas ocasiones sostiene que las turcas llevan una vida monótona y aburrida, no hacen otra cosa que comer y sus conversaciones están llenas de cotilleos. Amalia Nizzoli, en sus juicios sobre las mujeres orientales habla como si los defectos atribuidos a las mujeres orientales no existieran en las mujeres europeas.
En el contraste de valores, al final, Amalia Nizzoli vuelve siempre a su identidad de mujer occidental. Al salir del harem escribe: �€�parece que he vuelto a nacer y a recuperar la libertad�€�

Florence Nightingale (1820 - 1910)

evadida@yahoo.es (Eva Dominguez Garcia) — Sat, 23 Jun 2007 10:11:51 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: inglés

Nació en una rica familia inglesa en la Villa Colombaia, Florencia, Italia.
Nightingale se entregó a la enfermería, lo cual mostraba una pasión pero también una rebelión contra el rol esperado para una mujer de su estatus, que debía convertirse en esposa y madre. En aquellos tiempos, la enfermería era una carrera de poca reputación, ocupada mayormente por las mujeres más pobres, que seguían a la armada. Cuando en 1845 Nightingale anunció su decisión de estudiar enfermeria, provocó gran enfado y preocupación en su familia, sobre todo en su madre.
Cuidó de gente pobre e indigente, siendo defensora de la mejora de los cuidados médicos en las enfermerías e implicándose activamente en la reforma de las leyes de los pobres.
En 1846 visitó Kaiserswerth, Alemania, y conoció a fondo el hospital establecido por Theodor Fliedner y dirigido por una orden de religiosas luteranas. Quedó profundamente impresionada por la calidad de los cuidados y por el grado de compromiso y la práctica de las religiosas.

Nightingale fue cortejada por el político y poeta Richard Monckton Milnes, pero lo rechazó convencida de que el matrimonio interferiría con su capacidad de seguir su llamada a la enfermería. Estando en Roma en 1847 conoció a Sidney Herbert, un político brillante y casado. Ambos se sintieron mutuamente atraidos y se hicieron íntimos amigos de por vida. Herbert le fue útil en su trabajo en Crimea y en el campo de la Enfermería, y ella fue una consejera clave en su carrera política.

Su carrera en Enfermería comenzó en 1851, cuando recibió formación en Alemania a pesar de las objecciones de su familia, preocupada por las implicaciones sociales de dicha actividad.
De 1853 a 1854 fue superintendente en el Instituto para el Cuidado de Mujeres Enfermas en Londres.

Su contribución más conocida fue durante la Guerra de Crimea, a donde fue en 1854 con una plantilla de 38 enfermeras voluntarias formadas por ella. Al llegar a las barracas del principal campamento británico en Scutari encontraron soldados heridos en pésimas condiciones higiénicas y nutricinales, cuidados por personal médico sobrecargado de trabajo. Nightingale y sus compatriotas comenzaron la limpieza a fondo del hospital y del equipo, reorganizando el cuidado de los pacientes. Las tasas de muertos no empezaron a reducirse hasta que los alcantarillados de las barracas se sanearon y se mejoró la ventilación. A partir de netonces Nightingale abogaría por la importancia fundamental de las condiciones sanitarias. Como consecuencia redujo las muertes en la armada durante los tiempos de paz y consiguió que se prestara atención al diseño sanitario de los hospitales.

Florence Nightingale regresó a Iglaterra como una heroína en Agosto de 1857, y según la BBC era la Victoriana más popular después de la Reina Victoria. Se trasladó de casa de sus padres al Hotel Burlington en Piccadilly. Padeció una fiebre aguda debido a una forma crónica de Brucelosis que contrajo durante la guerra de Crimea. Prohibió la entrada en su cuarto a su madre y hermana y raramente salía.
En respuesta a una invitación de la Reina Victoria Nightingale jugó un papel central en el establecimiento de la Comisión Real para la Salud de la Armada, que fue presidida por Sidney Herbert. Como mujer, Nightingale no podía optar a la Comisión Real, pero escribió un Informe de más de mil páginas para la Comisón, que incluía datos estadísticos detallados. Este informe llevó a una revisión a fondo de los cuidados medicos de la armada y al establecimineto de una Escuela Médica Militar y de un sistema completo de archivos médicos militares

En 1855 ya se dio reconocimiento a su trabajo en la guerra estableciéndose La Fundacion Nightingale para enfermeras en formación.
En 1859 tenía 45.000 libras a su disposición de la Fundación Nightingale para Crear la Escuela de Fromación Nightingale en el Hospital de St. Thomas, en Julio de 1860, que ahora se llama La Escuela de Enfermeras y Matronas Florence Nightingale y forma parte del
King´s College de Londres.
Nightingale escribió "Notas de Enfermería", publicada en 1860, un delgado libro de 136 páginas que sirvió como base del curriculum de la Escuela Nightingale y otras escuelas de enfermería establecidas. Notas de Enfermeria también se vendió bien al público general y se considera una introducción clásica a la Enfermeria. Nightingale dedicó el resto de su vida a establecer y promocionar la profesión de Enfermera y a organizarla en su forma moderna.

Su trabajo inspiró a las Enfermeras de la Guerra Civil Americana. El gobierno unionista le pidió consejo para organizar la medicina de campamento. Aunque sus ideas encontaban resistencia oficial, inspiraron al cuerpo de voluntarios de la Comisión Sanitaria de los Estados Unidos.

En 1869 ella y Elizabeth Blalckwell abrieron la Facultad Médica de Mujeres.

En 1870 fue tutora de Linda Richards, la primera enfermera cualificada de América y la capacitó para regresar a EEUU con una formación y conocimiento suficiente para establecer escuelas de enfermeria de calidad. Linda Richars llegó a ser una gran pionera de la enfermería en EUU y Japón.

Ya en 1882 las enfermeras Nightingale tenían una presencia creciente e influyente en la embrionaria profesión de enfermera. Algunas eran jefas de importantes hospitalels dentro y fuera de Inglaterra.

En 1883 le fue concedida la Real Cruz Roja por la Reina Victoria. En 1907 se convirtió en la primera mujer que obtuvo la Orden del Mérito. En 1908 se la reconoció como Ciudadana Honorífica de la Ciudad de Londres.

A partir de 1896 estuvo confinada en cama. Posiblemente padeció del Síndrome de Fatiga Crónica. Durante sus años de confinamiento en cama siguió trabajando en el campo de la planificación de hospitales y su trabajo se propagó rápidamente por Inglaterra y el mundo.

Murió el 13 de Agosto de 1910.

Florence Nightingale también hizo importantes contribuciones al desarrollo de la Estadística aplicada al ambito de la Salud Pública y los Cuidados Médicos y Enfermeros.

Igualmente contribuyó al movimiento feminista británico, como revelan algunos de sus escritos donde protesta contra la sobre-feminización de las mujeres hasta rayar la inutilidad, que era como Nightingale veía el estilo de vida de su madre y su hermana mayor, a pesar de su educación. Rechazaba sus vidas de comodidad irreflexiva y prefirió por el mundo de los servicios socialels. Sus escritos también reflejan su temor a que sus ideas fueran ineficaces.

Irène Némirovsky (1903 - 1942)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Fri, 02 May 2008 12:47:16 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: francés

Irène Némirovsky nació en Kiev el 11 de frebrero de 1093 en el seno de una familia judía acudalada. Irene creció en un ambiente burgués donde no faltó la institutriz francesa que se encargara de la educación de la niña. Fue así como Irene conoció y se desenvolvió, desde temprana edad, en francés.

En diciembre de 1918 la familia se vio obligada a escapar de Rusia como consecuencia de la Revolución. Tras permanecer un año en Finlandia, se instalaron en París en 1919, cuando Irène contaba con 16 años. Una vez en París, retomó sus estudios y pronto comenzó a publicar sus escritos en revistas. Se licenció en Letras en la Sorbona en 1926, el mismo año en que se casó con Michael Epsein. Fruto de este matrimonio fueron sus dos hijas: Denise (1929) y Élisabeth (1937).

En 1929, un sobre anónimo que contenía una novela manuscrita en francés titulada David Golder cayó en las manos de Bernard Grasset. El texto entusiasmó al editor. Deseoso de contactar con el autor, publicó un anuncio en un peródico solicitando la presencia de éste en la editorial. Así fue cómo Irène Némirovsky, a los 26 años, vio publicada su primera novela.

Un año después salió al mercado El baile, que sería llevada al cine por Danielle Darrieux.

A pesar de ser una escritora reconocida e integrada en la sociedad parisina, su origen judío hizo que le fuera denegada la nacionalidad francesa en 1938. Un año más tarde, ella y su familia se convirtieron al catolicismo. Pero esto no impidió que las leyes antisemitas promulgadas en 1940 privaran a Michele Epstein de su derecho a trabajar y a Irène de publicar. La situación era cada vez más difícil, por lo que el matrimonio, portando la estrella amarilla, se refugió en Issy-l�Évêque, donde habían mandado a sus hijas en 1939 junto a la familia de su niñera.

Irène, consciente de que corrían malos tiempos y de que el desenlace podría ser trágico, se dedica a escribir. Es en este periodo cuando escribe La vida de Chéjov, (una biografía sobre el autor ruso) y Las moscas de otoño. También inicia su obra póstuma Suite francesa, que no llegaría a terminar pues el 13 de julio de 1942 fue arrestada e internada en el campo de Pithiviers para, posteriormente, ser deportada a Auschwitz, donde murió en agosto de 1942.

Michel Epstein escribió al mariscal Pétain para pedirle que le dejaran ocupar el lugar de su esposa, pero la única respuesta que recibió fue su inmediato arresto. El 6 de noviembre de 1942 fue deportado a Auschwitz y ejecutado.

Tras la muerte de sus padres, las dos niñas se vieron obligadas a vivir escondidas durante la guerra, ayudadas por amigos de la familia. Con ellas siempre portaron una maleta que, además de algunos recuerdos de sus padres, contenía una serie de manuscritos confiados por su madre. Entre ellos se encontraba la novela inacabada Suite francesa, que había sido concebida como una obra en cinco partes de las que Irène sólo pudo acabar dos: Tempestad en junio y Dolce.

Tuvo que pasar tiempo hasta que Elisabeth se decidiera a mecanografiar el manuscrito y, al descubrir que se trataba de una novela inacabada, decidera entregarlo al Institut Mèmoire de lÈdition Contemporaine. La obra fue publicada en 2004 y con ella recibió, a título póstumo, el Premio Renaudot.

Ada Negri (1870 - 1945)

medeaporundia@yahoo.es (José Juan Burgos Roldán) — Tue, 26 Sep 2006 18:37:21 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana

Ada Negri, también conocida como la "Vergine Rossa", poetisa italiana de inicios del siglo XX, nació en el seno de una muy humilde familia en el año 1870 en Lodi. Debido a que sus padres tenían que trabajar, Ada Negri pasó una infancia muy solitaria, en la portería del palacio Cingia-Barni, donde trabajaba su abuela como portera. Negri se dedicaba simplemente a ver deambular las personas que entraban y salían del palacio, hasta que gracias al esfuerzo de su madre pudo comenzar a estudiar en la �€�Scuola Normale femmenile�€� de Lodi y pudo sacarse el diploma de maestra de enseñanza elemental, cuya profesión comenzó a ejercer en 1888 en la escuela elemental �€�Motta Visconti�€� de Pavía. Fue en esta época cuando comenzó a publicar sus primeras poesías y también comenzó a ejercer como periodista. Estas primeras poesías fueron recopiladas en la obra �€�Fatalitá�€�, publicada en 1892 a través de la editorial Treves. Su primera edición tiene un gran éxito y le proporciona a la escritora una cierta fama que hace le sea concedido, por el Ministro de la República Giuseppe Zanardelli, el título de �€�docenge ad honorem�€�, y así poder dar clases en los institutos de enseñanza superior, motivo por el cual se traslada a Milán, donde establece contacto con miembros del círculo socialista.

En 1894 gana el Premio "Milli" a la poesía, y es en este mismo año cuando publica su segunda colección de poesía �€�Tempeste�€�, con la cual empieza a involucrarse en una temática social muy revolucionaria escrita con un lenguaje muy moderado.

Tras haberse casado y haber sido madre, en 1904 publica �€�Maternitá�€� y �€�Dal profondo�€� en 1910, obras ambas de una gran introspección interior por parte de la poetisa.

Pocos años le duró el matrimonio, se separó en 1913, y tras irse a Suiza, donde lejos de su tierra natal escribió, colmada de una gran melancolía, �€�Esilio�€�, en 1914, y una colección de catorce relatos titulada �€�Le solitaire�€�, que nos narran su modesta visión del mundo, siempre vista desde su humilde origen. Tiene en Zúrich una tormentosa relación con otro hombre lo que la lleva a escribir la obra �€�Il libro di Mara�€�, publicada en 1919, libro bastante inusual por la época ultra conservadora y fuertemente católica de la sociedad italiana, a este último libro le sigue �€�Stella mattutina�€�, publicado en 1921, novela autobiográfica en la que recuerda su infancia, adolescencia y sus primeros años de juventud, esta novela tiene bastante éxito, incluso es traducida a varias lenguas. Escribe también �€�I canti dell�€�isola�€�, publicado en 1924, y otros obras más tanto poéticas como novelísticas.

En 1931 recibe el premio Mussolini a toda su carrera y en 1940 es nombrada miembro de la �€�Accademia Italiana�€�, lo cual hace que sea la primera mujer en la historia de Italia en serlo. Muere en Milán en 1945

Anna Neera Zuccari (1846 - 1918)

marihuANALOK@hotmail.com (Ana De Zayas-enriquez) — Tue, 26 Sep 2006 18:29:53 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Anna Radius Zuccari fue una escritora milanese que con el pseudónimo horaziano de Neera publicó ensayos y novelas. Nacida en Milán en 1846 pasó momentos felices en Caravaggio lugar donde vivían su sabuelos maternos y que son recordados y descritos en sus obras de forma entrañable.

Al morir su madre de forma prematura (ella tenía diez años) y al tener graves problemas financieros no pudo continuar con sus estudios; esto le obligó a vivir con dos tias, hermanas de su padre, que tuvieron un papel decisivo en la formación de su personalidad la cual maduró autónomamente y se destacó del resto de las mujeres comunes de su época.

Aunque escribió muchas novelas merece ser mencionada su correspondencia en la que encontramos cartas intercambiadas con los personjes más ilustres de su tiempo como Verga, Capuana o Marinetti.

También fue importante su libro de memorias "Una giovinezza del secolo XIX" , considerado un excepcional documento autobiográfico; lo empezó a escribir en 1917 a raíz de una enfermedad que la obligó a permanecer en cama. Nunca terminaría este libro, que quedó incompleto y que dejó de escribir solo unos días antes de morir en Milán en 1918.

Sus heroínas como Teresa, Lydia, Marta, Anna, fueron mujeres profundamente marcadas por las circunstancias de esa época: eran víctimas de los hombres y de su indiferencia y casi siempre estaban obligadas a vivir con alguien al que no amaban. Gracias a estos personajes, Neera, consigue expresar rasgos revolucionarios de los que emanan iquietudes de una sorprendente modernidad, como cuando Teresa, afronta por primera vez el tema del deseo femenino.

Las cualidades que caracterizan las obras de Neera son la participación emotiva, la lucidez de análisis y las introspecciones psicológicas.

Benedetto Croce, la alabó por su análisis de la condición femenina sorprendentemente moderna en muchos aspectos y por su gran humanidad.

Olympia Fulvia Morata (1526 - 1555)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Wed, 30 May 2007 01:06:48 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Latín y griego

Nace en Ferrara, hija de Fulvio Peregrino Morato, profesor universitario de Literatura, y tutor del hijo menor de Alfonso d�€�Este, duque de Ferrara.Desde niña manifestó un gran interés por el aprendizaje, asimilando del padre tanto el latín como el griego.
En 1540 se establece en la corte de Ferrrara como compañera de estudio de Ana de Francia, hija del duque Ercole di Ferrara. En 1543, el papa visita la ciudad, e instituye el tribunal de la inquisición.Muchas personas, cercanas a la madre de Ana,fueron procesadas. Olimpia dejó Italia, y en 1546 contrajo una enfermadad que la mantiene alejada de la corte. Regresó en 1548, año en que muere su padre. Con el matrimonio, y la consiguiente partida de Ana a Francia, Olimpia fue alejada de los Estensi.
En 1549, llega a Ferrara Andrew Grunther,un joven doctor,de quien Ollimpia se enamoró. Se casaron al año siguiente,bajo el rito protestante, y Olimpia escribe un imno en griego, para celebrar el evento. En abril del mismo año,Grunther, habiendo acabado su doctorado en medicina, regresa a Alemania, y pocos meses después regresa para llevarse a Olimpia. Los dos se establecieron en la ciudad natal de Grunther, y Olimpia retoma sus estudios. En aquel período escribe los Dialoghi di Teophila e Filotima, en los que expresa su melancolía hacia las personas que había dejado en Ferrara.En abril de 1553, la ciudad de Grunther fue asediada por algunas armadas de mercenarios alemanes, y permanece cercada durante nueve meses, en los que la escritora envió diversas cartas a sus amigos en Ferrara. Toda la vida de Olimpia Morata está documentada en sus múltiples cartas, que constituyen la parte más imponente de su obra.
Expugnada la ciudad , los habitantes sufrieron atroces torturas, Olimpia y Grunther consiguieron huir, pero pronto fueron apresados. Afortunadamente, el obispo que había ordenado el asedio de la ciudad envió una carta a sus soldados para que los liberasen . Una vez liberados , los dos buscaron refugioen diversas cortes alemanas, estableciendose finalmente en la corte de los Erbach.
La experiencia vivida durante el cautiverio había mellada la salud de la escritora, que ,en 1555, murió por una epidemia. Muchas de sus poesías y de sus cartas, se recuperaron después de su muerte.

Elsa Morante (1912 - 1985)

jpichardocastellano@gmail.com (Jesús Pichardo Castellano) — Tue, 26 Sep 2006 18:50:28 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiana

Nació en Roma el 18 de agosto de 1912. Cuando acabó el instituto, se fue de casa para vivir sola, pero la falta de medios la llevaron a abandonar la carrera de Letras. En los años treinta pudo mantenerse con la redacción de tesis de licenciatura y dando clases privadas de italiano y latín. Pronto colaboraró con revistas y periódicos, como el Corriere dei Piccoli. Entre 1939 y 1941 trabajó para Oggi. En 1936, en casa del pintor Capirossi, conoció a Alberto Moravia, con el que se casará en 1941. En ese mismo año publicó su primer libro, Il gioco segreto, una colección de ensayos. Vivió primero en Anacapri, y después en Roma. Durante las luchas entre el ejército alemán y la resistencia italiana, en 1943, permaneció escondida junto a Moravia, y ambos retomaron sus respectivas carreras literarias en 1948, cuando la autora publicó su primera novela, Menzogna e sortilegio, sobre una familia que se ha refugiado en el mundo de la fantasía (obra con la que obtuvo el premio Viareggio). En 1957 se publicó l´ Isola di Arturo, con el que ganó el premio Strega. Trata el tema de las relaciones que se crean en mundos imaginarios, en este caso los de un muchacho huérfano en una isla de su invención. En 1959, durante un viaje, conoció a Bill Morrow, joven pintor con el que mantendrá desde entonces una intensa amistad. En 1962 murió trágicamente Bill Morrow, dejando en la escritora un gran sentido de vacío, tanto que para quien la frecuenta aparece atormentada por la idea de la muerte y de la vejez. Tratará estos temas en las poesías de "Il mondo salvato dai ragazzini". En 1974 publicó La Storia, con el que obtuvo un enorme éxito de público. En 1973 comenzó a escribir su última novela, Aracoeli, que acabó en 1982, obteniendo con ella en 1984 el premio Médicis de literatura extranjera. Sus últimos años transcurren en cama, no pudiendo caminar. En 1983 intentará suicidarse pero será salvada en el último instante por una sirvienta. Muere de infarto en una clínica romana el 25 de noviembre de 1985. Escribió también numerosas narraciones breves, la mayor parte de ellas para niños, como las que se encuentran recopiladas en Lo scialle andaluso (1963).Su obra, centrada en los sueños y en las contradicciones del hombre, constituye una crítica del excesivo racionalismo europeo

Malika Mokeddem (1949 - )

glaa84@yahoo.es (María Ferrand) — Tue, 03 Jun 2008 18:12:00 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Francés

Malika Mokkeddem nació el 5 de octubre de 1949 en Kenadsa, un pequeño pueblo minero en el límite del desierto occidental de Argelia. Es la menor de diez hermanos en una familia analfabeta nómada recien sedentarizada. Creció escuchando las historias de su abuela beduina Zohra, y fue la única niña de su familia y del poblado que asistió a la escuela secundaria. Cursó la carrera de medicina en Orán y terminó estableciéndose en la ciudad francesa de Montpellier en 1979. Practicó su profesión hasta 1985, cuando decidió consagrarse a la literatura.

Los libros han sido para ella una sólida tabla de salvación. "Los libros me han hecho salir de todo eso, me han salvado de la desesperación. Cuando tenía doce años tenía mucho miedo a que mis padres me casasen. Y decía que si eso ocurría, me iría de casa aunque los animales del desierto me comieran. Los libros me permitían aprender a ser yo misma".

Para la autora la escritura es una trashumancia infinita, como la de sus antepasados por el desierto. Malika Mokeddem es a la vez tierna y feroz, tenaz y frágil, de un valor ejemplar que no se doblega ante las amenazas de los integristas. Por eso Malika Mokeddem es una heroína moderna.

Es una autora que encarna la voz del cambio y la libertad en Argelia desde el exilio. No hay censura ni amenaza capaz de sosegar la pluma de aquel cuya lucha por la integridad representa su alimento.

Giannina Milli Cassone (1825 - 1888)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:24:22 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiano

Giannina Milli nació en Teramo en el año 1825, de ingenio precoz y fácil memoria, improvisaba versos ya a los cinco años.
El rey de Nápoles quiso conocerla y se empeñó en hacerla estudiar en un colegio femenino. No fue aplicada con el estudio, leía muchísimo y recibía clases de canto. Más tarde se puso en manos del innovador improvisador Regaldi quien la animó a seguir con su aficción.
Diede su primera academia el 24 de junio del año 1847 y fue todo un éxito; desde entonces continuó improvisando en numerosas cuidades italianas.
Arrastrada por su amor patriótico, llevó siempre en su corazón la causa unitaria nacional, por ello sus versos fueron censurados y estuvo amenazada de cárcel. Después de la primera guerra de la independencia, tomó la decisón de recorrer toda Italia considerada ya la más grande poetisa improvisadora del país; fue recibida incluso por Manzoni en Milán en el año 1859.
Hacia 1865, a través de la joven americana F. A lexander que frecuentaba su lugar de reunión, conoció a Beatrice, la "poetisa pastora" que encontró en el Abetone.
Giannina estableció su residencia en Florencia donde vivía con su familia (madre, hermano y hermana) detrás de la iglesia de S. Lorenzo.
Su lugar de tertulia era un centro intelectual frecuentado por A. Vennucci, G. Giuliani, P. Villari. Fue amiga de la condesa Maffei quien la consideraba su hija predilecta y con quien mantuvo una larga correspondencia.
En el año 1860 le fue decretada una pensión anual por interés de algunos señores pertenecientes a varias ciudades italianas que aunaron un capital para ser asignado a la más merecedora entre las mujeres italianas; de ella tomó nombre y continuó siendo asignada a mujeres beneméritas en las letras.
En el año 1865 el ministro de instrucción pública la nombró inspectora en las escuelas públicas y elementares de Livorno, después de Nápoles y de la Puglia. En el año 1872 fue llamada a dirigir la escuela pública magistral en Roma.
Se hicieron ediciones diversas de sus Poesie estemporanee, publicadas en varias ciudades de Italia entre los años 1852-1867.
En el año 1876 contrajo matrimonio con Ferdinando Cassone y con él, proveedor de estudios, se trasladó a Caserta. Murió el 18 de octubre del año 1888 destrozada por el dolor de haber perdido en poco tiempo a su madre y a su esposo.