Escritoras & Pensadoras Europeas

Concha Zardoya (1914 - 2004)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Sat, 17 Nov 2007 19:45:02 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Concha Zardoya González ha sido una importante poetisa, escritora y crítica literaria hispano-chilena. Esta etiqueta inusual permite dar cuenta de las dos integrantes de su historia personal, la chilena, país donde nació y creció, y la española, el país de la familia, país de su juventud y país al que está relacionada toda su historia.
Nació, primera de dos hijos (Alfonso Juan se llamaba su hermano, menor que ella un año y medio) el 14 de noviembre de 1914 en Valparaíso (Chile) de padre vasco-navarro y de madre santanderina; aunque fuera cántabra, su madre había crecido en Barcelona, y curiosamente solía hablar a la pequeña Concha en catalán.
Nuestra escritora vivió y se educó en Chile hasta 1932; estudió en el Liceo n. 2 de Valparaíso y obtuvo su primer título de estudio en «Humanidades». A los diecisiete años se trasladó con su familia a España, viviendo un tiempo en Zaragoza, desde donde posteriormente se trasladaron a Barcelona; en la ciudad catalana Concha trabajaba en un taller pintando lámparas y muebles antiguos. Por fin toda la familia se fue a vivir a Madrid.
En la capital se matriculó en la Universidad de Madrid en la facultad de Filosofía y Letras, aquí estuvo frecuentando los cursos desde 1934 a 1936; para ganarse un dinero pasaba a máquina los borradores de Gabriela Mistral y daba clases particulares. Los años de la Universidad fueron años ricos de estímulos culturales, en los que disfrutó de la lección de autoridades como Américo Castro, Salinas y Ortega y Gasset, entre otros. Durante la época de la Guerra Civil, es decir, de 1936 a 1939, Concha vivió en Valencia, aquí asistió a un curso de Bibliotecarios en la Universidad, curso en el que enseñaba Dámaso Alonso. En esta ciudad levantina empezó a trabajar dependiente del Ministerio de Educación Pública del gobierno republicano; estaba en «Cultura Popular», desempeñando múltiples funciones. Fue también encargada de la Emisión Radiofónica a donde llevó a Miguel Hernández para que leyera unos poemas suyos. Durante la guerra su único hermano murió y este evento trágico contribuyó a despertar en ella la vocación poética. Poco a poco, a través de José María Quiroga Pla, Zardoya iba publicando sus poemas en «Hora de España», revista de la cual era secretaria en aquel entonces María Zambrano; sus primeros textos sacados a la luz fueron �€�Antiguos camaradas�€� (Elegía) y �€�Ritual del pan�€� (Violencia del duelo).
En mayo de 1939 regresó a Madrid, donde se estableció y vivió de la costura, de hacer copias a máquina y de las traducciones; posteriormente ejerció la enseñanza, primero educando a los niños en el Colegio Ibérico, y más tarde impartiendo clases de literatura en el colegio Athenea de Madrid. Efectivamente había conseguido reanudar sus estudios como estudiante libre, hecho que le permitió licenciarse en Filología Moderna en 1947. Entre 1945-1946 tradujo del inglés a Walt Whitman y esto le abrió la puerta de los Estados Unidos adonde le invitaron para dar una conferencia, aunque siguió viviendo en España. En la post-guerra escribió Cuentos del antiguo Nilo, y se dedicó también a hacer guiones de cine, prólogos de obras clásicas, y a las series de Lecturas juveniles bajo el seudónimo Concha de Salamanca. Su primer libro de poesía remonta a esos años, Pájaros del Nuevo Mundo fue publicado en 1946; al año siguiente salió Dominio del llanto, y un tiempo después La hermosura sencilla y Los signos, obra que obtuvo un accésit del Premio Ifach.
En 1948 se trasladó a los Estados Unidos impartiendo clases de Literatura Española en la Illinois University como Visiting Instructor, aquí también se doctoró con la tesis España en la poesía americana. Más tarde trabajó como profesora de español en las universidades de Yale, Tulane de New Orleans, en la University of California, en la Indiana University, en el Barnadr College-Columbia University de New York, en Bloomington, y por último en University of Massachusetts et Boston. En esos años iba componiendo su valiosa aportación crítica sobre la literatura española, dedicándose con particular interés a los autores del siglo XX y a la vez seguía escribiendo versos y publicando sus colecciones de poesía. En 1955 obtuvo el Premio Boscán de Poesía por Debajo de la luz; en 1975 el Premio Fémina de Poesía por la obra El corazón y la sombra.
Su regreso definitivo a España data de 1977: regresó a vivir a Madrid, ciudad en la que escribió la mayor parte de sus obras. Su labor poética iba adquiriendo siempre más prestigio y atención atestiguada por la entrega de importantes reconocimientos: en 1980 se le entregaba el Premio Café Marfil de Poesía, en 1983 obtuvo el Premio �"pera �"ptima con Manhattan y otras latitudes, en 1988 recibía el Premio Prometeo de Poesía. Su última obra publicada fecha de 2003; al año siguiente, falleció el 22 de abril de 2004 en Majadahonda (Madrid), tenía 89 años.

María Zambrano (1904 - 1991)

mercedesgaf@telefonica.net (Mercedes Gómez Arcos) — Sun, 11 May 2008 15:59:50 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Castellano

Para la Historia de la Filosofía nació en 1930, fecha en la que puso por escrito sus inquietudes políticas y vivencias: publicó su primer libro "Horizontes del liberalismo". Había nacido en Vélez Málaga en 22 de abril de 1904. Después sus padres, ambos maestros, se trasladaron a Madrid y Segovia.

Entre los años 1924-1927 realiza su formación en Filosofía con maestros como Ortega y Gasset, García Morente y Zubiri. Es nombrada profesora auxiliar de metafísica en la Universidad Central pero no es suficiente y compatibiliza sus clases con sus inquietudes políticas: funda el movimiento denominado Frente Universitario Español (FUE). Siglas que podían confundirse con el movimiento liderado por José Antonio Primo de Rivera. No quería malentendidos y el movimiento se disolvió. Eran los años 1931-1932.

Empieza una etapa de colaboración con revistas: Revista de Occidente, Cruz y Raya y Hora de España. Y a relacionarse con jóvenes creadores de la Generación el 27, ente otros, Bergamin, Luis Cernuda, Jorge Guillén, Rafael Dieste, Emilio Prados, Miguel Hernandez. En 1936 sale pro primera vez de españa, después de su boda con Alfonso Rodríguez Aldave, secretario de la Embajada de España en Santiago de Chile, viaja, entre otros lugares, a La Habana. No le dura mucho esta situación pues en 1937 vuelven a españa para defender la causa republicana. Perdida esta causa, María Zambrano se exilia de España el 25 de enero de 1939.

Como todos los exilios es búsqueda y anhelo. Recorre países, primero Paris, después México, La Habana, Puerto Rico. Da clases en Universidades, conoce personas y, sobre todo escribirá.

En 1948 vuelve a París reclamada por acontecimientos familiares: Su querida hermana Araceli está al borde de la locura después de haber vivido situaciones límite a causa de los nazis. Desde este momento estarán siempre juntas las dos hermanas y emprenderán un nuevo viaje a La Habana ya que María Zambrano, en este año, se separará de su marido.

En 1953 dejan el continente americano y se instalan en Roma. Son años de una cierta estabilidad y de gran producción filosófica aunque no exenta de carencia, sobre todo económicas.

En 1964 salen de Roma para instalarse en Suiza. Muere su hermana Araceli en 1972 y en su retiro de La Pìace escribe libros entre filosóficos y místicos. Después Ginebra. Son años difíciles para María Zambrano pues su salud se resiente y retrasa su anhelado regreso a España, esa España que ya la reconoce como una gran pensadora: en 1981 se le otorga el Premio Principe de Asturias y en 1988 el premio Cervante de Literatura y Humanidades. Regrasaría y se instalaría en Madrid en 1984. Fueron años de intensa actividad con contactos tanto de instituciones como de intelectuales. Y seguirá escribiendo. Fallece en esta capital española el 6 de febrero de 1991.

María Zambrano (1904 - 1991)

fgdibe@hotmail.com (Filippo Giuseppe Di Bennardo) — Sun, 22 Feb 2009 19:55:13 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: español

MARÍA ZAMBRANO

María Zambrano Rodríguez nasce nella profonda Andalusia (Vélez - Malaga) all�inizio del secolo scorso e precisamente nel 1904. Nel 1924 si stabilisce con la sua famiglia a Madrid. Si laurea in Filosofia e Lettere e in quest�occasione si avvicina al pensiero di Ortega y Gasset di cui fu discepola, e al contempo si avvicina al lungimirante ed ancora troppo poco conosciuto Zubiri, a García Morente, Julián Besteiro e sempre in questi anni prende parte ai movimenti studenteschi e comincia a collaborare dal 1928 in vari periodici.Anche se in tutta la vita ha cercato di discostarsi dal pensiero del suo maestro, é discepola entusiasta e convinta di Ortega y Gasset come di Zubiri e Morente. Ortega non solamente le imprime il marchio dell�autenticità del vero filosofo, ma ancor più dota il suo pensiero di un orizzonte ed un paesaggio, di un contenuto; spesso e volentieri il pensare della Zambrano è permeato, perché assimilato, del pensiero del suo maestro (come lei sovente lo definisce). La �ragione vitale� indubbiamente sottostà alla �ragione poetica� che si presenta come metodo di pensiero e di scrittura a partire dai presupposti di Ortega della critica al razionalismo. Allo stesso modo è figlia del suo tempo e permeata della realtà storico politico filosofica del momento. Troviamo quindi nel pensare della filosofa, pur considerando il debole marcato verso il pensiero greco, tracce del pensiero esistenzialista, della filosofia fenomenologica e soprattutto, come è naturale, della filosofia vitalista. E non possiamo non menzionare qui l��amicizia� che la lega al pensiero etico e metafisico di Spinoza, così vicino alla sua forma di sentire la vita.

Nel 1931 viene nominata, e comincia così la sua attività professionale, come docente ausiliare di Metafisica dell�Università di Filosofia di Madrid, e nel 1932 sostituisce a Xavier Zubiri. Si sposa nel settembre del 1936 con Alfonso Rodrìguez e con il marito si porta in Cile nel periodo della Repubblica; torna in Spagna durante la Guerra Civile. Da qui parte per l�esilio nel 1939. Un esilio di quasi mezzo secolo che segnerà il pensiero, l�anima, il cuore della filosofa. Lascia la terra natia lasciando tutto anche il tesoro più grande: una cassa con gli appunti delle lezioni di Ortega e Zubiri. Esercita la docenza in Messico, Cuba, Puerto Rico; si impone via via sempre più chiaramente nella Zambrano la necessità di rispondere a quanto lei stessa denomina come la "ragione poetica": una ragione che possa esplicitare la ricezione vitale degli eventi della persona e che si elabora con la parola, una ragione sempre "nascente". Nel 1964 si trasferisce in Francia e nel 1978, passando per un breve soggiorno in Italia, fissa la sua residenza a Ginevra. Nel 1984 ritorna definitivamente in Spagna, a Madrid, dove nel 1988 le si concede il Premio Cervantes di Letteratura (la prima donna ad ottenere tale premio) e dove vive fino al 1991.

Senz�altro Maurits Cornelis Escher ci aiuta ad avvicinarci e ad entrare nella scrittura dell�autrice quando ci confida:

"Se sapeste ciò che ho visto nell�oscurità della notte... A volte sono quasi impazzito a causa del dolore provocato dal non poter riprodurre quanto visto. Comparato ad esso, ogni disegno è un fallimento che non fa permeare nemmeno una frazione di ciò che sarebbe dovuto essere stato scritto".

Il mondo della Zambrano è un mondo ampio, luminoso e quanto da lei contemplato insieme al desiderio che l�autrice ha di comunicarlo, è così vasto che l�autrice riesce a donarlo con una scrittura che acquisisce caratteristiche peculiari. Non è una scrittura ricercata, rimbombante di colta fraseologia, una scrittura bensì semplice, stilata di getto, non ricontrollata, sempre basata sui temi fondamenti che la Zambrano in tutta la sua vita ha cercato di chiarire, così come può fare l�uomo nel complesso mondo del logos; così come fa una persona, una pensatrice, quando cerca di farsi luce nell�esperienza umana e cerca di cacciare, a piene mani, la nebbia davanti a sé.

Questa scrittura senz�altro può generare problemi a volte di comprensione. Testi scritti quasi di getto, senza una vera e propria rielaborazione dell�autrice. Testi che per questo hanno quasi la freschezza della relazione dialogica, ma come altra parte della medaglia, allo stesso tempo, risultano a volte senza una vera e propria strutturazione stilistica. Una Zambrano quindi che, nell�affanno della comunicazione oltre ad utilizzare frequentemente nei suoi scritti in forma inadeguata la �j� o la �g� , non tanto come una forma ricercata o voluta, ma come frutto di una certa mancanza di attenzione e di una certa fretta nella scrittura, presenta anche una costante carenza di correzione dei suoi testi.

Questa una possibile chiave di lettura, in concordanza con la sua vita, con la sua esperienza e ricerca: ciò che vuole comunicare l�autrice, il desiderio di comunicazione, è così �ampio� che se da una parte ogni singola parola dei suoi testi è certa, ha un chiaro obbiettivo ed una sicura causa, d�atra parte il suo logos é difficilmente riconducibile a testi fissi (senza correre il rischio di ridurre il pensiero soggiacente) così che l�autrice stessa pone, nelle sue frasi, incisi che prevedono cambi di soggetto non chiaramente segnati, o incisi che non si capisce esattamente dove finiscono, o incisi che si aprono ad altri incisi... Da ciò la difficoltà, a volte, di seguire il testo nella sua tematica principale. Insieme a tutto ciò occorre anche aggiungere che la punteggiatura della scrittura della Zambrano è alquanto originale e personale. La weltaschauung della Zambrano è tale da non permettere all�autrice facili riduzioni e quindi a volte troviamo concetti che appaiono solo �abbozzati� non definiti completamente.

Nel 1939, come abbiamo appena detto, inizia un esilio che la porterà prima a Parigi, poi a New York, L�Avana, Puerto Rico, nuovamente Parigi (1946-1949) e L�Avana (1949-1953), infine Roma (1953-1964); dal 1964 al 1977 sarà a La Pièce sul lago di Ginevra e infine nel 1984 rientra in Spagna ove la sua opera comincia a essere diffusa e amata; ma sarà anche il tempo della libertà e della conquista intellettuale, con una fedeltà ai classici (Seneca, 1998, Agostino: La confessione come genere letterario, 1997) pari all�ascolto dei contemporanei: Machado, Cioran, Octavio Paz, ma su tutti Ortega: "Ortega usava spesso, a lezione, la metafora della rete per parlare della ragione quando pretende di catturare la realtà molteplice; la rete che impone la sua struttura, quel minimo di struttura indispensabile perché la ragione è indispensabile alla vita umana".(Delirio e destino).

Negli anni Sessanta dunque María Zambrano risiede a Roma. Sono anni caratterizzati dalle preoccupazioni intellettuali della Zambrano. Il pensare, ancor più che il pensiero della Zambrano, apporta una forma particolare, peculiare, nella quale si nota il costante sforzo di integrare gli elementi della realtà, quella realtà che soprattutto ci si presenta come costitutiva dell�essere umano. Una forma che deve questa sua peculiarità alla ibrida espressione nella quale il carattere puramente e rigidamente filosofico dell�esposizione si arricchisce con la musicalità e il ritmo proprio dell�immaginazione �poetica�: creatrice, fattrice, costruttrice: la parola s�incarna nell�immagine e la ragione s�innesta nel simbolo per raggiungere l�obbiettivo ricercato. Nella costante ricerca di, scendendo nell�inferno della realtà umana, gemmare la coscienza, risvegliandola, per condurla, elevarla, ai primordiali e non per questo primitivi, luoghi della creazione, dove è pienamente possibile essere.

I suoi testi ci fanno scoprire una Zambrano dal discorrere saggio e diafano, che tocca il cuore dell�uomo e tutto ciò a cui l�uomo non deve rinunciare, cominciando dalla ragione-libertà. Ma non tanto intesa solamente come il diritto di richiedere la propria, quanto l�eroico atteggiamento di garantire quella di tutti: "Ma volere avere ragione, tutta la ragione, è contrario alla stessa ragione; è rubare agli altri la loro, è perdere di vista che la ragione è un ordine nel quale ci deve essere un posto per tutti e per ciascuno". Anni di transito, anni di gestazione di tre importanti libri dell�autrice: Notas de un método (1989), El sueño creador (1965), e España, sueño y verdad (1965). Sono questi gli anni nei quali la traiettoria del pensiero filosofico della scrittrice ha un giro di boa, l�ultimo per alcuni dei suoi studiosi, dove si evidenzia la poetizzazione del suo linguaggio, dove cominciano a stabilirsi, come veicoli del pensiero, le metafore e i simboli sostituendosi ai concetti. Dove la ricerca della ragione poetica si fa più pressante e presente. Testi dove la Zambrano costruisce con il lettore una complicità del patos, del sentire piuttosto che un discorso razional-funzionale in vista del convincimento.

In questi anni romani l�autrice sembra ripetere con Unamuno che "i grandi pensatori sono i poeti", ma nel pensiero della Zambrano il termine poetico viene usato nei due sensi che la parola aveva in Platone. Il poeta è un uomo ispirato, un vate, quasi un indovino, una persona che riceve una rivelazione, o ancora più precisamente, un�intuizione. E in secondo luogo Platone usa questo temine con l�accezione di creatore, e soprattutto la capacità, possibilità, di creare con la parola. L�essere umano deve conoscere e conoscendo deve realizzare un�opera di travaso della realtà, dalla realtà fisica alla realtà concettuale, inventando (uscire all�incontro) la realtà, dando forma concettuale alla presenza intuitiva. È nella produzione di questi anni che si fa sempre più evidente il linguaggio poetico della Zambrano. L�accompagnare la coscienza verso la luce, l��alimentare� il corpo durante il suo esistere, non può realizzarsi nell�aridità della ragione patriarcale. La ragione patriarcale, nel suo processo concettuale ha bisogno di un mezzo di docile lavorazione che eviti stati e strati di rigidità nell�incontro, nella reciproca penetrazione di esseri-pensieri diversi che si scoprono come �altro�: il giudizio, intenso come pensiero che si forma nel processo cognitivo, deve crescere sopra l�acqua, come i fiori di loto. Quando cresce sulla roccia monolitica rimane, permane per sempre, cieco e il corpo teorico si ritorce pericolosamente meramente, esclusivamente, corpo normativo.

Contrariamente a quanto si possa pensare, occorre andar cauti con il considerare la Zambrano come una autrice �tradizionale�, anche se lei, in un certo senso, si considerava, nel suo originale senso, cristiana. Senza alcun dubbio si ritrovava in sintonia con i principi teorici della filosofia tradizionale, anche se a differenza degli autori della �Tradizione� la Zambrano segue fedele la ragione dubitativa ereditata dai greci e il suo pensare segue un cammino imparato solamente in parte e che praticava camminando con la coscienza sveglia, attenta al suono dei suoi stessi passi. Maria Zambrano ha percorso un cammino personale, non si può forse affermare che abbia inaugurato un cammino però sì possiamo assicurare che ha descritto il suo andare mentre lo percorreva. Il cammino della ragione poetica con la sua peculiare forma, procedimento filosofico: la metafora. E le sue possibilità; la disposizione dello spirito e la sua materia prima; i simboli. E in quest�ultimo metodo la filosofa si muove in un terreno tradizionale.

Tradizionali alcuni temi fondamentali (perché dell�essere umano), come l�amore, l�amicizia, il fallimento, che andrebbero conosciuti attraverso il pensiero globale della Zambrano. Il pensiero illuminante dell�autrice sul fallimento che trasuda dal pensiero poetico. Il fallimento inteso come realtà pienamente accettata, intesa e pensata, o quando pensata, come parte integrante della vita dell�uomo, come la forza di propulsione che spinge l�uomo a superarsi, a superare i suoi limiti, che aiuta l�uomo ad andare sempre al di là dello spazio vitale, di pensiero, conquistato: "Il sapere, il sapere proprio delle cose della vita, è frutto di lunghe sofferenze, della lunga osservazione che riassume un giorno in un istante di lucida visione perché incontra, a volte, la formula adeguata. Ed è anche il frutto che appare dopo un estremo evento, dopo un fatto assoluto, come la morte di qualcuno prossimo o semplicemente la morte di qualcuno, la malattia, la perdita di un amore o lo sradicamento forzato dalla propria patria."

Maria Zambrano una donna dal pensiero aperto sull�uomo, sulla persona, e per questo aperto a 180 gradi sulla vita. Un pensiero che esalta ed anela la libertà dell�uomo con una morale costruita sull�uomo, sulle esperienze vitali, quelle che il pensiero ha saputo raccogliere, dell�uomo. Un pensiero che si scopre, parola dopo parola fondato costantemente sulla carne viva dell�autrice, sofferto in prima persona, raccolto ed organizzato dal pensiero, redento dallo stesso vivere onesto della filosofa e poi offerto come dono, come perla preziosa. Per cui ogni argomento trasuda dell�esperienza, ed ha come chiave di lettura l�esperienza stessa dell�autrice: "Il corpo lo si è proposto come se venisse da un lungo esilio; come si trattasse di uno schiavo, di un proletario, della donna, dell�infanzia, di un Paese a lungo colonizzato". O l�alto e totalizzante pensiero sull�amore: un amore che per realizzarsi non necessita di un amante, ma che scopre in se stesso il profondo senso e motivo di ricerca ed esistenza. Un amore che si staglia per la sua radicalità e messa a fuoco dell�essere umano, che mette in primo piano la persona abolendo qualsiasi tipo di classificazione e restrizione culturale, sociale, abolendo forme di personalismo. Un amore che arriva al vertice della realizzazione stessa dell�amore: l�unità. Unità non intesa nel pensiero dell�autrice come uniformità, o realtà acquisita definitivamente, bensì una realtà intesa come costante e ricercato equilibrio, creato e ricreato accolto e anelato come la sostanza stessa dell�uomo, del cosmo.

Mi si permetta, di seguito, riportare alcune delle più profonde frasi della Zambrano sull�unità. Frasi che indicano quale la sua ricerca, la sua investigazione e novità sul tema:

"E siccome l�umano mantiene un�inesorabile unità vuol dire che è anche dovuta cambiare la considerazione, l�attenzione, l�atteggiamento insomma, verso la sua anima."

"Un simbolo è quindi un oggetto che, sia appartenga alla realtà naturale, sia alla realtà creata dall�uomo, oltre al suo significato ne offre un altro che lo circonda. Una unità. Un significato più ampio e più carico di sentimento."

"(...) Cioè, le qualità più spirituali e anche intellettuali dell�anima si travasano al corpo. E con questo concetto si suggerisce che l�unità dell�essere umano è completa, raggiunge l�identità."

"Tra essere e apparenza c�è un gioco di affinità e di parentela, che arriva all�estremo quando una cosa vale l�altra, quando una cosa può essere chiamata con il nome dell�altra, restando così nominate le due allo stesso tempo in una unità di senso."

"Nella metafora non si raggiunge quindi un�identificazione, né un�attribuzione, bensì si tratta di un altro tipo di legame e di unità."

"Come se la luce e il suo contrario, l�elemento più pesante, si fondessero nell�unità vivente della pianta. L�anelo vegetale tende un ponte tra questi due contrari: la luce e l�opaca terra. Perché l�atto dell�anelare si tende unendo ciò che andrebbe slegato, come il ritmo unisce gli istanti separati di un tempo senza forma, né vera continuità."

"La vita nel suo trascendere, nel suo modesto anelare, prima di tutto unifica. Unificazione è vivificazione."

"La metafora è il modo di contenere, di rinchiudere senza ridurre né astrarre niente, in unità."

Una Zambrano tradizionale sì, però sempre quando la �realtà divina� sia intesa come principio che fa costituire, scoprire in unità. Di fatti se in questi articoli la Zambrano si mostra al suo lettore nella sua veste più ampia di libera pensatrice, di madre di pensiero, è doveroso sottolineare che la caratteristica che nei suoi testi emerge prepotente ed illuminante è una Zambrano innamorata, appassionata, ricercatrice, come abbiamo appena letto, del tema dell�unità. In molti dei temi che abbiamo qui solo abbozzato, dove l�autrice espone il suo pensiero a ventaglio sulla condizione umana, troviamo costantemente cenni dell�autrice all�unità. Quasi come se le differenti tematiche fossero non tanto il tema principale, ma una scusa per poter indagare sul profondo anelito dell�uomo: l�unità. Unità dell�uomo con se stesso. Con la natura. Con gli altri attraverso le relazioni sociali. E unità con Dio.

Marguerite Yourcenar (1903 - 1987)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Mon, 02 Apr 2007 17:24:51 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Francés

�€�Historiadora - poeta�€� y �€�novelista�€�, como se autodefinía, Marguerite Yourcenar cultivó además otros géneros literarios, como el teatro, el ensayo y la crítica a los que se suma su dominio y experiencia en el ámbito de la traducción. Está considerada como una de las figuras clave de las letras francesas contemporáneas y atesora en su honor el hecho de haber sido la primera mujer elegida miembro de la Academia Francesa de Letras (1980).

Su verdadero nombre fue Marguerite Antoinette Jeanne Marie Ghislaine de Crayencour. Nació el 8 de Junio de 1903 en Bruselas, de madre belga y padre francés. Privada de la presencia materna a causa de su muerte por una fiebre puerperal después del parto, buscará refugio y protección en la figura paterna, que se convertirá además en su pedagogo, confidente y amigo. De su padre heredará también su anticonformismo, el placer de viajar; de ser una especie de �€�peregrinus ubique�€� en que se cimentará el lema de que �€�sólo se está bien en otra parte�€� y su gran cultura y talante intelectual. En vistas a su proyección en el terreno literario, ambos elegirán juntos un seudónimo; �€�Yourcenar�€�, que es un anagrama de su apellido y que sería su nombre oficial a partir de 1947. Y con esta consagración al arte, Marguerite creerá colmar de alguna manera la expectativa espiritual manifiesta por su madre.

La vida y la obra de Marguerite están marcadas por el motivo del �€�viaje�€�; por el movimiento continuo y el conocimiento extraído del entorno en su doble vertiente física y espiritual. Ya, cuando estalla la primera guerra mundial, emigra a Inglaterra en compañía de su padre iniciándose a la edad de once años en el estudio de las lenguas clásicas y del inglés, al mismo tiempo que se suscita en ella el interés por la lectura de los poetas italianos en su lengua original. En 1922, se halla en Italia en pleno fascismo con la irrupción de Mussolini en el escenario político, situación que denunciará más tarde en su libro Denier du rêve. Por esta época viaja en numerosas ocasiones a Suiza, la antigua Yugoslavia, Grecia, Turquía y a los Estados Unidos, impregnándose del sabor de sus culturas.

El año de 1929 será crucial para Marguerite, disociada entre el dolor por la muerte de su padre y todo un caudal de emociones que la van a envolver como mujer. Ama, escribe y viaja por Europa, una Europa calada por el peso del oprobio y donde se está forjando de forma inconsciente, la catástrofe.

La fecha de 1939 supone también un cambio sustancial en la esfera de lo privado. En 1937 había conocido a Grace Frick, una americana con la que establece una relación sentimental y que la invita a pasar una temporada en América. Ante la crudeza del acontecimiento bélico decide abandonar Francia e instalarse en Estados Unidos donde dará clases de Literatura Comparada en el Sarah Lawrence College. Este país se convertirá en su segunda patria, obteniendo la nacionalidad en 1947 y permanecerá en él hasta el final de sus días junto a su traductora y compañera sentimental Grace Frick.
A partir de 1950 reside en la isla de los Montes Desiertos (Maine, Estados Unidos) y alternará su exilio voluntario con un amplio periplo, eligiendo cada vez destinos más enigmáticos: Dinamarca, Argelia, Marruecos, Egipto, Japón, Tailandia, India y Kenia.

Murió el 17 de Diciembre de 1987 en el hospital de Bar Harbor, cerca de Petite Plaisance, su residencia-refugio en la isla de los Montes Desiertos, a la edad de 84 años, después de haber tenido que anular un viaje proyectado a Nepal por motivo de salud. Un año antes había recibido la Legión de Honor.

Glikl Bas Yehudah Leib (1646 - 1724)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:25:27 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: yiddish

Glikl Bas Yehudah Leib recibió el sobrenombre de "Glückel von Hameln" en el año 1896 de parte del editor de la primera edición del yiddish memorias; nombre en versión alemana del yiddish Glikl que significa "suerte".
Glückel nació en Hamburgo (Alemania) en el año 1646 en el seno de una familia judía, hija de un importante comerciante y una buena mujer de negocios. Muy pronto tuvieron que trasladarse a la vecina cuidad de Altona donde gozarían de una mayor protección todos los judíos. A los catorce años contrajo matrimonio con Chaim Hameln obligada por sus padres, tuvo catorce hijos en sus treinta años de matrimonio. Sagaz empresaria, esposa y madre, trabajó junto a su marido para fomentar sus riquezas y la manuntención de sus hijos. En su negocio de oro, perlas, plata, joyas,etc, Glückel fue la asesora en las relaciones comerciales mientras que su esposo viajaba para vender los productos. Muy pronto llegó la gran tragedia de la vida de Glückel, el evento que desencadenó la escritura de sus memorias. Una noche de 1689, Chaim tuvo un accidente mientras viajaba y murió poco después. La escritora se refirió a él en sus memorias como "buen amigo", expresión que pone de manifiesto la cercanía y el éxito de su compañía. Se sentó a escribir sus memorias en 1690 tras la muerte de su marido expresando su esperanza de que la escritura le ayudaría a disipar su dolor y con la intención de contarle a sus hijos sus antecedentes familiares. Nunca podría haber imaginado que sería reconocida por uno de los más notables documentos escritos a finales del siglo XVII, principios del XVIII. Sus memorias, que describen su vida como madre de catorce hijos y como empresaria y comerciante, ha dado a los académicos, estudiantes y laicos un valioso documento sobre la vida judía en Europa en el siglo XVII.
Después de varios días de duelo por la muerte de Chaim, Glückel se vió obligada a hacer frente a su nueva vida. Su excelente genialidad con los negocios salvó a ella y a su familia aunque, a pasar de su evidente talento empresarial, Glückel sucumbió a la ansiedad. Empezó a temer que pudiera fracasar en los negocios y como consecuencia tendría que depender de sus hijos, así que tomó la decisión de casarse por segunda vez acompañada del deseo de pasar sus últimos años en la tierra de Israel. El elegido fue el viudo Hirsch Levy, uno de los grandes errores de su vida puesto que este rico hombre de negocios llevó a la escritora a la más profunda quiebra. La pareja se vió obligada a depender de los hijos de Glückel hasta la muerte de Levy en 1712, que la dejó viuda a la edad de 66 años. A pesar de todas las desgracias, Glückel despidió su vida felizmente al amparo de una de sus hijas, yerno y nietos. Terminó el séptimo y último libro en 1719, cinco años antes de que ella falleciera. Murió el 19 de septiembre del año 1724 a la edad de 78 años. Las Memorias han llegado a nosotros a través de dos copias de su manuscrito formuladas por los miembros de su familia.

Virginia Woolf (1882 - 1941)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Tue, 20 Mar 2007 13:25:47 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: INGLÉS

Toda persona interesada en la literatura inglesa contemporánea debe acercarse hoy al número 50 de Gordon Street, en el barrio londinense de Bloomsbury, a la casa que fue domicilio de Virginia Woolf. Un breve paseo por los apacibles jardines cercanos puede ayudarnos a reconstruir en nuestra imaginación un microcosmos de geniales individualidades animadas por un mismo espíritu renovador en la estética y la literatura: las hermanas Stephen, Clive Bell, John Maynard Keynes y los ruidosos miembros de la familia Stratchey. Todos ellos formaban parte del Grupo de Bloomsbury y casi todos ellos han pasado a formar parte de la historia artística, filosófica o política de la Europa contemporánea y uno de ellos en especial, de la historia de su literatura: Virginia Woolf.
Virginia Adelaide Stephen nació y creció en un entorno en el que la lectura y la escritura eran las principales actividades ya que su padre, Leslie Stephen, era un crítico literario de amplia y conocida reputación. La infancia y juventud de Virginia no fueron lo que podríamos decir felices, ya que perdió a su madre cuando ella tenía trece años y a su padre con veintidós y dos años después a su hermano Thoby. Virginia además sufrió desde muy joven gaves periodos de depresión pero ella era una mujer fuerte y su capacidad para escribir la ayudó a aliviar el dolor. Pasó su infancia leyendo los libros de la enorme biblioteca de su padre, y con él comentaba las lecturas y éste le animaba a escribir. Recibió clases particulares en su juventud de griego y de latín, mientras su hermana Vanesa acudía a diario a la escuela de arte. Virginia pronto se acostumbró a estar sola y a escribir ensayos, pero sobre todo cartas, en las que demostró tener una gran habilidad para la observación. Y cuando con 25 años se acercó a la Universidad le pareció una colección de cerebros como si fueran anémonas marinas. En el año 1904 tuvo una crisis mental grave, ya era la segunda, y en esta ocasión cuenta que los pájaros le hablan en griego. Más adelante los hermanos Stephen se trasladan al barrio de Bloomsbury y Virginia empieza a trabajar como periodista y profesora en Morley College. Con la herencia que les deja su padre no tienen problemas económicos e incluso pueden permitirse dos criadas. Comenzó entonces la costumbre de reunirse en casa con un grupo de amigos para leer ensayos y debatir ideas. Destacan los nombres de Lytton Stratchey, Clive Bell, Saxon Sydney, Duncan Grant, Roger Fry y Leonard Woolf, todos ellos hombres y las dos hermanas Stephen: Virginia y Vanesa, que ante la sorpresa de los varones, no solo les igualaban en inteligencia sino que además, como recordaría Leonard, eran asombrosamente bellas. Más adelante Clive Bell se casaría con la hermana de Virginia, Vanesa.
La actividad más famosa del Grupo de Bloomsbury antes de la guerra fue la Primera Exposición Posimpresionista que causó sensación y rechazo en la sociedad victoriana. Aunque Virginia no tuvo mucho que ver con la organización, sí le afectó mucho puesto que lo que su hermana hacía con la pintura impresionista, ella lo intentaba escribiendo.
El 10 de agosto de 1912, Virginia se casa con Leonard en el registro civil de St. Pancras, en Londres. Mucho se ha escrito de su vida privada e íntima, pero lo que es cierto es que cuando estaban separados sus cartas muestran una gran pasión y amor entre ellos. Si bien en la luna de miel no lograron concebir hijos, los dos regresaron con los manuscritos de dos novelas. La de Leonard bajo el título de The Village in the Jungle, y la de Virginia Melymbrosia.
Su vida en común transcurría de manera tranquila, Leonard trabajaba como periodista político y Virginia escribía artículos y reseñas, hasta que el trabajo hizo que se debilitara demasiado e intentó suicidarse por segunda vez.
Durante la guerra, el Grupo de Bloomsbury se ve obligado a trasladarse de Londres a una casa de campo en Sussex. En el año 1917 el matromonio Woolf funda la imprenta Hogarth Press en la que publicaron varias obras de Virginia, de T.S. Elliot, E.M. Foster, y las obras completas de Freud entre otras.
El 28 de marzo de 1941, Virginia escribió una carta a su esposo, y se dirijió a pie al río Ouse, llenó los bolsillos de su abrigo con piedras y se lanzó al agua. Al cabo de tres semanas encontraron su cuerpo río abajo, en Southease, sus cenizas se enterraron en el jardín de Rodmell.

Christa Wolf (1929 - )

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Thu, 27 Mar 2008 18:57:10 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Alemán

Christa Ihlenfeld nació el 18 de marzo de 1929 en el pueblecito de Landsberg an der Warthe, en la provincia prusiana de Bradenburgo, el cual, al final de la II Guerra Mundial, pasaría a ser de Polonia y denominarse Gorzów Wielkopolski.

Hija de Herta Jaeckel y Otto Ihlenfeld, familia de clase media y de fuertes convicciones nacionalsocialistas, su primera infancia transcurrió en la trastienda del pequeño ultramarinos que regentaban sus padres, escuchando pequeñas historias de la vida cotidiana ensombrecidas con las calamidades de la dura posguerra.
Cuando Christa contaba con tres años, nació su hermano Horst, uno de los acontecimientos más felices de su vida y que marcaría sus primeros recuerdos. Desafortunadamente, la dicha no duró demasiado: los tiempos se iban tornando cada día más complicados y el mismo día en que Christa soplaba las velas de su cuarto cumpleaños, los nazis irrumpieron en la tranquila ciudad de Landsberg an der Warthe quemando todas las banderas comunistas.

Lectora precoz, Christa acudía cada día a la Escuela. Desde su pupitre de madera divisaba la pared con la gran fotografía del Führer, y como todas las mañanas, entonaba junto a los demás niños el himno de la Alemania nazi. Para aquella niña, su propio uniforme de BDM-Mädel (Sección femenina de las Juventudes hitlerianas) le infundía un fuerte sentimiento de pertenencia, obediencia y amor patriótico. Toda su educación giraba bajo los mismos parámetros fascistas que se respiraba en su hogar. A pesar de ello, algo en Christa cambiaría para siempre tras el 9 de noviembre de 1938: 100 judíos fueron asesinados, 26.000 deportados y miles de Sinagogas y comercios judíos de todo el Reich fueron quemados por las huestes nazis: era �€�La noche de los Cristales Rotos�€�. �€�Tenía 9 años y cuando al día siguiente leí el periódico... de repente nació en mí una gran desazón y un fuerte sentimieno de compasión�€�. Fue desde aquel instante cuando la pequeña Christa comenzaría paulatinamente a replantearse algunos de los dogmas que hasta entonces nadie se hubiera atrevido a cuestionar: ¿por qué las chicas de las juventudes hitlerianas teníamos que odiar a los comunistas o a los judíos si eran personas que ni siquiera conocíamos?.

Pero la vida seguía entre la amarga conciencia de un régimen en creciente tensión y el esperado estallido de la guerra. Era agosto de 1939 y la voz de Christa se quebró con la llegada de una triste carta: su padre acababa de morir en el frente. Su grito de dolor y furia ante una madre resignada rompió para siempre con su pasado: �€�¡Odio a vuestro Führer!�€�.

Christa padeció las calamidades y penurias propias del día a día, sin imaginar que el destino le aguardaba uno de los momentos más duros tras la muerte de su padre: ser expulsados de su propia casa. Christa se vio obligada a abandonar sus recuerdos de la manera más traumática cuando tan sólo le permitieron llevarse unos pocos objetos y dejar tras de sí su vida entera. Apenas tuvo tiempo de mirar hacia atrás, montada en un triste carromato y envuelta en una manta junto a Horst supo que ya nada volvería a ser como antes.

Era el invierno de 1945, Hitler había muerto y la guerra había acabado: la familia Ihlenfeld, como otros muchos compatriotas, huía sin aliento y sin apenas pertenencias hacia la frontera, por interminables caminos nevados, un trayecto sin retorno en cuyos márgenes Christa pudo ver cómo muchos niños, enfermos y ancianos quedaban rezagados para siempre. Las vivencias de aquel penosísimo éxodo marcaron a una Christa adolescente que sintió cómo se hundía definitivamente su pequeño mundo �€�Entonces experimenté en carne propia la cruda realidad del fascismo alemán.Todo en lo que se había apoyado aquella gran ilusion se derrumbó. Fue tan fuerte el sentimiento de vacío que ni siquiera tenía ganas de seguir huyendo�€�. Tras todas aquellas penalidades su familia se asentó por fin en Mecklenburg, región perteneciente a la ya incipiente República Democrática Alemana (RDA). Christa tenía tan sólo dieciséis años y se enfrentaba a otro régimen totalitario: el socialista. Aquel gran choque y contradicción política y personal influiría posteriormente en su obra. Nada más llegar, Christa trabajó como secretaria del Ayuntamiento del pueblecito de Gammelin compatibilizándolo con otros pequeños empleos para ayudar a la economía familiar. Pero las secuelas de su dura huída le pasó factura y tuvo que ingresar en un hospital por problemas pulmonares durante dos meses. Allí se refugió en la lectura del pequeño libro azul que una antigua maestra le había regalado: Poemas de Goethe. Sin duda, la poesía constituyó un dulce bálsamo para su alma: �€�Aquel libro marcó mi vida�€�. A principios de 1947 volvió a mudarse, esta vez a Bad Frankenhausen (Kyffhäuser), donde pudo volver a la Escuela Secundaria y graduarse finalmente en 1949.

Eran los primeros años de formación de las dos Alemanias, Christa sentía la imperiosa necesidad de desprenderse de la llamada �€�culpa nacional�€�. Probablemente fue esa la razón por la que aceptó formar parte activa en la fundación de una nuevo partido, el SED (Partido Socialista Unificado Alemán) �€" Sozialistische Einheitspartei Deutschlands - del que sería miembro hasta su desaparición en 1990. El SED significaba para Christa la alternativa radicalmente opuesta al sistema criminal del nacionalsocialismo. Christa puso especial interés en contactar con personas que habían luchado contra el fascismo o con aquellas que pudieron salvarse gracias al exilio. A través del partido pudo conocer a quienes más tarde se convertirían en sus propios referentes, como es el caso de la escritora judía alemana Anna Seghers, que tendría gran influencia en su obra y por la que siempre sentiría una gran admiración.

Al margen de su compromiso político, en 1949 inició sus estudios de Filología Alemana en la Universidad de Jena, que posteriormente continuaría en Leipzig. En Jena conoció a quien sería su futuro marido y gran amor: Gerhard Wolf, compañero de Facultad. �€�Nunca lo olvidaré, la primera vez que lo vi fue en la escalera del comedor de la Universidad, iba muy elegante con su chaqueta y pantalones de aviador...yo aún llevaba aquel abrigo que me confeccioné con mi manta del hospital y mi falda de campana�€�. Finalmente en 1951 se casó con él. Junto a Gerhard Christa formó una de las parejas más productivas y estables, tanto en el terreno profesional como sentimental, siguiendo felizmente unida a él en la actualidad. Gerhard se convertiría en editor, dramaturgo, escritor y galerista . Tuvo dos hijas: Annette, nacida en 1952 y Katrin (Tinka), en 1956. En la Universidad de Leipzig redactaría Christa su trabajo final de carrera titulada Probleme des Realismus im Werk Hans Falladas bajo la dirección del profesor de Literatura Hans Mayer. Con Mayer lograría comprender la utopía real de un socialismo democrático humano. En 1953 obtuvo su licenciatura y a partir de ese momento trabajó como lectora, editora y crítica literaria en la Unión de Escritores Alemanes (�€�Deutscher Schriftstellerverband�€�) en Berlin hasta 1957. Posteriormente, entre 1958 y 1959 trabajó en la Revista Nueva Literatura Alemana (�€�Neue Deutsche Literatur�€�), para posteriormente pasar a formar parte como editora senior en la Editora Neues Leben.

En 1959 se trasladó a Halle, para trabajar en la Editorial estatal Mitteldeutscher Verlag, compañía en la que estaría hasta 1962. En 1961 publicó su primer trabajo: Moskauer Novelle, galardonado con el Premio de las Artes de la ciudad de Halle. Esta primera obra fue muy bien acogida en la RDA, por su fidelidad al modelo socialista; sin embargo, no sucedió lo mismo en la Alemania Occidental donde ni siquiera fue publicado. La obra describe la relación de amor entre una doctora alemana y un antiguo oficial del ejército soviético. Años más tarde, la misma autora renegaría de esta novela por considerarla excesivamente doctrinaria. Eran los momentos álgidos de la guerra fría y el mundo cultural de las dos Alemanias vivía respectivamente su momento más floreciente. Fue a raíz de aquel premio cuando el Ministerio de Seguridad del Estado (más conocida como la Stasi) se fijó en Christa Wolf como posible figura de la Propaganda cultural de la RDA.

Tras el gran momento de satisfacción por el reconocimiento público, Christa siguió trabajando haciendo las prácticas de sus estudios en el sector ferroviario estatal de la VEB-Waggonwerk Ammendorf, una fábrica de construcción de vagones en Halle donde incluso llegó a tener bajo su cargo a un grupo de trabajadores. Fue en aquel contexto donde vivió entre el auténtico mundo obrero industrial de la órbita socialista. En 1962 la familia Wolf se mudó a Kleinmachnow, situado justo en la frontera con Berlín Occidental.

Como incipente escritora, se sentía involucrada en el movimiento revolucionario cultural impulsado por el propio partido (SED): el llamado �€�Bitterfelder Weg�€�, creado en 1958, según el cual, la verdadera revolución socialista debía ser impulsada a través de un genuino y efervescente impulso cultural. Bajo el prisma de su experiencia en el mundo de los operarios y con cierta mirada crítica hacia el levantamiento del Muro, Christa escribió en 1963 su primera gran novela Der geteilte Himmel ( El cielo dividido) con el que la autora cosechó una gran crítica, convirtiéndose en todo un éxito editorial, traducida a varios idiomas y vendiéndose más de 160.000 ejemplares en su primer año. Más tarde sería además adaptada al cine por el director Konrad Wolf.

En esta novela, Christa describe a Rita, una estudiante, que tras un intento de suicidio, reflexiona sobre la triste separación del hombre al que tanto ama: Manfred, que huye a Alemania occidental poco antes de que se termine de construir el Muro; mientras, ella decide quedarse en el Berlín Oriental y así ayudar a levantar, construir y sostener una nueva sociedad. En suma, la protagonista decide quedarse en su país por lealtad a los valores de la RDA, aunque finalmente permanecer allí no terminará siendo una decisión estrictamente personal. Christa se atrevió a presentar ante el mundo las contradicciones y decadencia del socialismo, lo cual le granjeó críticas de su partido. Sin embargo, dejó la posibilidad de un futuro mejor en un sistema socialista basado en valores y principios de vertiente humanista, lo cual acabó agradando al régimen. Por esta novela, Christa Wolf fue nombrada miembro del Comité Central de su partido y galardonada con el Premio Heinrich Mann y el Premio Nacional de Arte y Literatura.

Tras su nombramiento como candidata al Comite Central del SED, Christa se sintió aún más comprometida con la política, iniciándose así un período de intensa actividad aunque sin descuidar su faceta de escritora. No obstante, cuando Christa tuvo la oportunidad de convivir con las altas esferas del partido, sintió la enorme necesidad de distanciarse al no sentirse en absoluto identificada ni en el plano intelectual ni público con el establishment. Por dicha razón, Christa comenzó a expresar públicamente su petición de un mayor intercambio de opiniones, dando cabida a diferentes corrientes, en aras de una mayor comprensión con el mundo creativo.

En 1965 se produjo un antes y un después en la relación de Christa con el SED. Por una parte, las presiones del régimen impidieron llevar a cabo un proyecto cinematográfico que ideó junto a su marido sobre la construcción del centro de Berlín titulado Fräulein Schmetterling. Por otra parte, en diciembre de ese mismo año, Christa Wolf intervino duramente en un Pleno del Comité Central del SED protestando por la censura y amenazas que, a través de la Stasi, el régimen estaba llevando a cabo contra aquellos autores que en sus obras cuestionaban algunos de los dogmas del pensamiento socialista. Tras bajarse del estrado, Christa supo que no volvería nunca más a ser nombrada para el Comité Central. Su intervención fue además borrada del libro de actas.

Christa era, desde 1962 una escritora independiente, por lo que decidió seguir en la línea de su crítica hacia la política de censura cultural. En 1967 publica Juninachmittag (1967), donde se puede observar la brecha existente entre la escritora y el régimen y donde narra un relato de la vida cotidiana mezclado con la muerte, la guerra y la paz.

Finalmente, en 1968 publica Nachdenken über Christa T. (Reflexiones sobre Christa T.), en la cual narra la vida y muerte, por leucemia, de una joven, contada a través de recuerdos y reflexiones de infancia, desde su huida al final de la Segunda Guerra Mundial, pasando por su trabajo, sus estudios y la propia enfermedad que se va agravando por la somatización de los conflictos políticos internos del régimen socialista de Alemania del Este. La joven busca incansablemente la armonía con una sociedad cada día más alejada del ideal que en un principio había imaginado. La enfermedad representaba un símbolo del desencanto y la decepción colectiva.
Desde un primer momento, el Ministerio de Cultura de la RDA intentó impedir la publicación de la novela, hasta el punto de que la Mitteldeutscher Verlag, la editorial estatal que había publicado sus obras, sólo pudo, tras muchísimos rodeos, publicarla en ediciones muy limitadas, justificando que se trataba de una obra de excesivo pesimismo estético. Christa Wolf decidió cambiar de editorial y finalmente fue publicada por la Aufbau-Verlag Berlin.

Cosechó feroces críticas y ataques por parte del propio Congreso de Escritores de Alemania Oriental, lo cual que hirió profundamente a Christa, desde donde se llegó a calificar su novela como �€�exagerada, pesimista y depresiva�€�. Por todo esto, Christa fue relegada y destituida fulminantemente de su cargo en el Comité Central. Estos fuertes ataques junto la profunda polémica originada en torno a la propia escritora logró llegar hasta el otro lado del Muro. La prensa de Alemana Occidental aprovechó enseguida la ocasión para ensalzarla como una especie de heroína y nombrarla �€�genial escritora disidente�€�.

Christa se sentía por ello cada vez más fuerte y, a pesar de las escasas noticias y las versiones oficiales, no era ajena de que algo se estaba moviendo a nivel social y filosófico en una juventud valiente que se rebelaba contra el sistema. Era el año del �€�Mayo de Paris�€� y la �€�Primavera de Praga�€�.

Esta última novela inició una nueva dirección en la Literatura de la RDA dado el énfasis en la autenticidad subjetiva. Como señaló Hörnigk, �€�se trata indiscutiblemente de uno de los libros más importantes de su tiempo�€�. Paralelamente, Magenau apunta: �€�Christa Wolf abandona de una vez por todas las ideas desfasadas del realismo e inicia un nuevo punto de vista en el mundo en la Literatura, en el cual se incorpora la conciencia del autor como sujeto que percibe�€�. Sin duda, este nuevo camino que inició Christa y por el que tanto fue criticada influyó notablemente en los autores de la RDA en los años 70 a mismo tiempo que su fama iba adquiriendo grandes dimensiones tanto a nivel nacional como internacional.

En todos esos años, Christa fue consciente de los logros sociales que por aquel tiempo conseguían los colectivos feministas y las mujeres del otro lado del Muro, sintiendo la necesidad de luchar por las mismas causas a través de un auténtico movimiento en favor de la emancipación de la mujer. Así, a través de sus escritos e intervenciones, Christa comenzó a demandar igualdad de derechos de las mujeres alemanas del Este �€�tal y como habían conseguido las alemanas occidentales�€�. Estos hechos volvieron a molestar profundamente al régimen, donde finalmente los portavoces de la Política Estatal de la Mujer satirizaron a Christa y describieron su �€�búsqueda interior�€� como un intento de �€�empujar a la mujer hacia roles masculinos�€�.

En 1971 publica Lesen und Schreiben, ensayo sobre fragmentos escritos entre los años 1966 y 1970 acerca de reflexiones personales sobre la Literatura y los escritores comunistas ante la sociedad actual. En ella escribe que la prosa no es en sí �€�filmable�€�. Sin embargo, pocos meses después, publicó Till Eulenspiegel, un relato que escribió conjuntamente con su marido y que fue concebido para su adaptación al cine. En 1974 publica Unter den Linden, (Bajo los Tilos) compuesta por tres novelas bajo un prisma único: la búsqueda de la felicidad y de la satisfacción personal.

En 1976, tras su nueva vida en Berlín, Christa publica una novela autobiográfica con la que consiguió hacerse un hueco en la Historia de la Literatura de la RDA, por su importancia y brillantez: Kindheitsmuster (Muestra de infancia). Una obra que trata sobre el sentimiento de culpa alemán tras el Nazismo y la necesidad urgente de tener por fin memoria histórica. En ella, Christa se llega a preguntar: �€�¿Cómo nos hemos convertido en lo que hoy somos?�€�. La autora describe su infancia durante el Tercer Reich, así como el viaje a su pueblo natal (Gorzów Wielkopolski) en julio de 1971 junto a su marido, su hija pequeña y su tan amado hermano Horst. Aquel viaje le devolvió la memoria de aquellos recuerdos de los que una vez tuvo que desprenderse, la época del nazismo, su penosa huida y los duros tiempos de la posguerra. Christa exhorta a la sociedad para que reconozca los errores cometidos desde todos los ámbitos, ya que para ella cada ciudadano alemán tenía su parte culpa.

Noviembre de 1976 significó un antes y un después para Christa. El cantautor de la RDA Wolf Biermann realizó unas declaraciones a lo largo de sus actuaciones al otro lado del Muro que fueron censuradas y consideradas anticomunistas, teniendo como consecuencia que se le retirara la nacionalidad de la República Democrática Alemana. Aquellos hechos tuvieron una gran repercusión en la vida cultural de la RDA y provocó que Christa encabezara, junto a otros muchos intelectuales, una protesta abierta contra el gobierno en defensa de la libertad de expresión y el respeto hacia una crítica constructiva al régimen. Este hecho le costó la expulsión fulminante de la directiva de la sección berlinesa de la Unión de Escritores (Schriftstellerverband), y que su esposo Gerhard fuera expulsado del partido. .

Los años 70 fueron además muy duros en otro sentido para Christa: en poco tiempo y a edades tempranas fallecieron varias de sus mejores amigas. Ello sumió a Christa en tal tristeza que a punto estuvo de conducirla hacia una grave depresión. En Febrero de 1973 murió su compañera y amiga Brigitte Reimann, y ese mismo año, en octubre su admirada Ingeborg Bachmann �€" de gran influencia en su obra y en cuya figura se basaría años más tarde para su obra Kein Ort. Nirgends- . En diciembre de 1977 murió también su amiga y escritora y fotógrafa Maxie Wander. Estos hechos influirían notablemente en su obra. Pero Christa logró rebelarse ante la muerte, en palabras de la autora, con la fuerza del amor.

Cada vez era más difícil escribir en el entorno social y literario de la RDA de finales de los 70 y principios de los 80, con una especie de �€�espada de Damocles�€� que pendulaba sin cesar sobre la obra de Christa. Por ello, junto a otros escritores, se dejó llevar por una corriente prerromántica fruto de sus marcadas crisis existenciales, iniciándola con su novela Kein Ort. Nirgends (En ningún lugar. En ninguna parte) que publicaría en 1979. Christa se había convertido en un elemento peligroso para el régimen. Criticaba abiertamente la realidad de un país ensombrecido y burocrático lleno de falsos discursos triunfalistas. La situación económica de la RDA era cada día más complicada. Poco a poco se escuchaban voces disidentes; la mayoría exigía una reestructuración del sistema, una depuración de los poderes estamentales, que se encontraban anquilosados, en aras de una aplicación más ajustada del ideal marxista a una sociedad socialista que integre los propios valores humanos. Otra parte de la oposición abogaba por un acercamiento al pensamiento occidental.

A principios de los 80, Christa tuvo la oportunidad de visitar Grecia. Esto supuso un viaje iniciático. Christa se sintió sumamente feliz e interesada por empaparse de la cultura clásica; allí quedaría fascinada por la Mitología, lo cual influiría notablemente en obras posteriores, como Kassandra y Medea.

Se acercaba una de las épocas más duras de la Guerra Fría, donde los desencuentros entre los países integrantes de la OTAN y del Pacto de Varsovia y la política de rearme nuclear encendía el tono de tensión. En la Alemania occidental cientos de miles de personas protestaban por la calle. En la RDA las protestas tuvieron que ceñirse al interior de los templos religiosos donde discretamente se rechazaba esa política de rearme sin sentido. En Berlín se construían búnkeres antinucleares en muchos distritos y en ciertos momentos los ciudadanos miraban hacia al este suspirando no tener noticias acerca del �€�botón rojo�€�. Agudizado por una cada vez más clara conciencia del fracaso del régimen, la grave crisis económica y la ausencia de libertades, el índice de suicidios en el país comenzó a dispararse así como los intentos de pasar al otro lado del muro.

En 1981 Christa Wolf participó en un encuentro internacional de escritores a favor de la paz y en contra de la guerra y las armas nucleares promovido por los presidentes de las dos asociaciones alemanas de escritores. En el verano de 1982 la autora ofrece cuatro conferencias en el marco de una cátedra poética en la Universidad Johann Wolfgang von Goethe de Frankfurt/Main. Sus discursos supusieron un espectacular éxito y fueron publicadas conjuntamente con una de sus grandes novelas: Kassandra, que sería publicada en 1983 y en la que se refleja la crisis política y económica que se vivía en la RDA.

Kassandra no es sólo un compendio de material histórico del mito de Casandra donde se muestra el pensamiento dualista y el rechazo histórico a lo femenino. Tomando como modelo el final de la guerra de Troya, Christa establece una analogía con la Guerra Fría. Vuelve a las reflexiones subjetivas de una mujer, la cual, en los momentos anteriores a su muerte, se interroga sobre el tiempo pasado, antes, durante y después de la guerra de Troya. Para muchos críticos, Christa se identifica en la figura de Casandra, la cual aunque mantiene el don de la adivinación le ha sido arrebatado el don de la persuasión y no puede remediar tener que decir siempre la verdad, lo que hará que muchos no la crean y la tomen por loca. Christa advertía del descrédito de la utopía socialista y de su cercano hundimiento, así como de la americanización generalizada que seguiría. Pero, como a Casandra, nadie la escuchó.

Aunque Christa Wolf estaba bajo la constante vigilancia de la Stasi (Servicio de Seguridad del Estado) por sus constantes desviaciones de la línea oficial, se le permitió siempre viajar y dar conferencias y disfrutar de estancias largas en Occidente. Dio conferencias en EEUU, Escocia, Italia y Suiza, fue profesora visitante de la Universidad de Oberlin (EEUU), impartió lecciones en Frankfurt Am Main y aceptó premios, entre ellos el premio Büchner de la Academia Alemana de Lengua y Poesía (1980), El premio austriaco de Literatura Europea (1985) y el Premio de los Hermanos Scholl de la ciudad de Múnich en 1987.

En Störfall. Nachrichten eines Tages (1987) (Accidente: noticias de un día) se materializa la idea que la autora años antes había profetizado con sus protestas acerca de los peligros de la industria nuclear y los daños irreparables que ocasionaba sobre la Naturaleza, que ella, como ecologista, amaba. El accidente de Chernobyl inspiró definitivamente a Christa para esta novela. La protagonista reflexiona sobre su propia vida, el día del accidente divisa un precioso cielo pero decide tirar todas las verduras y hojas que había recogido del jardín para hacer su ensalada por miedo a la posible radiación. Se alternaban las noticias de la radio sobre el desastre nuclear con las reflexiones sobre las bondades y las maldades de los avances tecnológicos que en esos momentos permitían que su hermano estuviera siendo operado de un tumor cerebral. Sin embargo, la operación le dejaría para siempre sin sentido del olfato.

En la segunda mitad de los años 80, Mijaíl Gorbachov, con la ayuda del presidente de Japón Seiichiro Nishi, inicia en la Unión Soviética un proceso de reforma conocido por Glasnost y Perestroika, basado en la reestructuración de la economía con el objetivo de reformar y preservar el sistema socialista, a través de un nuevo espíritu de empresa, innovación y cierta democratización de la vida política; lo cual provocaría años más tarde la caída y desintegración de la URSS. En esa misma época, los medios oficiales de la RDA seguían emitiendo propaganda en la que se ensalzaban las viejas glorias del decadente sistema. No obstante, en el mundo intelectual se fue creando una cultura de foros y encuentros llamada Die Nischengesellschaft, donde poco a poco se unían voces nuevas y libres que discutían y criticaban la política estatal. La figura de Christa Wolf no pasó desapercibida y a finales de los 80 muchos escritores y artistas como Volker Braun, Stefan Heym, Konrad Weiss, Gerhard Wolf, entre otros, se unieron a ella y se atrevieron a salir a la Alexander Platz de Berlin para hacer oir su voz en pro de una reforma que evitara la desintegración del país y una mayor humanización del sistema socialista.

Influenciada por los hechos y por esa conciencia de hermandad, Christa Wolf dio un paso adelante y escribió en 1989 Sommerstücke, (Pieza de verano) novela que narra como un grupo de amigos pasa un verano en una casa de campo y como en ellos planea un fuerte sentimiento de alienación, la misma que estaban sintiendo los autores de la RDA del momento. En junio de ese mismo año, fue definitivamente expulsada del SED.
Tras la caída del Muro de Berlin, en la noche del 9 de noviembre de 1989, todas las voces se unieron para pedir la reunificación, reivindicación con la que Christa no estuvo de acuerdo. A pesar de sus antiguas protestas y de sus desencuentros con el sistema, Christa se sintió de algún modo huérfana de la RDA (Ella que había sido durante un tiempo una de las escritoras más queridas de aquel país desaparecido). De hecho, sus primeros tiempos fueron difíciles y tuvo que replantearse su nuevo papel. Por dicha razón, Christa junto a Volker Braun y Stefan Heym volvieron a unirse para protestar contra la reunificación y a favor de la existencia de una RDA libre, independiente y resaltando las bondades de la ideología marxista. Christa, además, se atrevió a publicar en 1990 su obra Was bleibt (Lo que queda), escrita diez años antes y en la que reflexiona sobre la vigilancia diaria que soportó por parte de la Stasi. En la obra se pregunta quién fue culpable del desmoronamiento de la República Democrática Alemana, considerándose ella misma corresponsable. Esta postura ocasionó a Christa graves ataques hacia su labor como escritora, especialmente por parte de la crítica de Alemania Occidental, donde se llegó a cuestionar toda la literatura de la extinta RDA, y a sus autores. La crítica no quedó ahí, sino que llegaron a ser calificados como �€�Autores del régimen�€�. A esta corriente contra aquellos autores de la RDA se le conoció como Literaturstreit. �€�Fue algo muy injusto, pues sabían que muchos de nosotros habíamos sido objeto constante de espionaje e incluso amenazas por parte de la Stasi con motivo de nuestras protestas y desacuerdos con el sistema�€�.
Was bleibt (Lo que queda) fue objeto de graves acusaciones y calificado de hipocresía por parte de la crítica al exponerse la autora como víctima. Para Ulrich Greinert (Die Zeit), esa publicación "habría sido antes una bomba que habría supuesto el final de la escritora y su expatriación"; Para Schirrmacher (FAZ), "el libro hubiera producido hace diez años, incluso hace cinco, daños a la Stasi. Ahora carece de significación, es anacrónico y con rasgos ridículos".
Christa también se atreve a publicar Reden im Herbst (1990), donde reúne textos, análisis, discursos y comentarios sobre la caída del Muro y la extinción de la RDA.

Al tiempo que era nombrada doctora Honoris Causa durante ese mismo año por la Universidad de Hildesheim y la Universidad Libre de Bruselas, las críticas y comentarios seguían cebándose contra ella. Christa se sintió tan angustiada que incluso llegó a desahogarse con su antiguo profesor Hans Mayer en cartas en las que confesaba sentirse bastante desorientada. La misma Christa Wolf llegó a hablar públicamente de "un derribo preparado y consciente" y de que "tal violencia, agresión, odio y bazofia me resultan espeluznantes�€�; "una campaña de odio que sólo conocí en la prensa del viejo régimen comunista.�€�
El escritor Günter Grass, llegó a denunciar la situación: �€�me resultan familiares esos preparativos de linchamiento (..); unas veces es uno, otras otro. Esta vez había que acabar con Christa Wolf". En el 2006 Grass sufriría una situación similar por parte de la opinión pública cuando confesó su pasado en la Waffen- SS.

Desafortunadamente para Christa, las críticas no sólo no disminuyeron con el tiempo, sino que arreciaron cuando a partir de 1993, tras la apertura al público de los archivos de la RDA, se revelara que entre marzo de 1959 y octubre de 1961 ella misma había sido reclutada por la Stasi como colaboradora informal (miembro no oficial de este cuerpo de seguridad). A pesar de que también se mencionó que la información que Christa llegó a proporcionar apenas resultó de interés y que los propios oficiales de la Stasi criticaban su reticencia, la imagen de Christa se vio seriamente dañada. Fueron momentos muy duros para la autora, de hecho, su familia estuvo muy preocupada pues Christa solía somatizar las dificultades a través de su propia salud. Una Christa desmoronada se desplazó a Santa Mónica (Estados Unidos) en 1992, donde permaneció un año con una beca en el Getty Center for History of Art and Humanities. Desde allí sintió la necesidad imperiosa de replicar a todos aquellos que la acusaban: �€�Nunca me he sentido una víctima del sistema como algunos quieren hacer creer, sino alguien que con su trabajo intentó ayudar al Estado en el que creía�€�.

Tras su vuelta a Alemania, en 1993 recibió sendos premios de las dos Academias de la Cultura de Berlín, lo cual supuso un buen acicate para volver a empezar. Christa no había tenido apenas fuerzas para escribir después de aquellos amargos años. Lo poco que hizo entre los años 1990 y 1994 lo reunió en su obra Auf dem Weg nach Tabou que se publicó en 1994. La temática vuelve a ser la misma: la vida en la antigua RDA, su crisis existencial y los motivos de la reunificación de las dos Alemanias.

Finalmente Christa se enfrenta al reto de demostrar que no era una autora para el olvido, �€�Mi evolución literaria y política fue una especie de proceso de emancipación que se aleja de mi identificación con el Estado�€�. Y así, en 1996, nació Medea. Stimmen (Las voces de Medea). Se trata de uno de los mitos femeninos más controvertidos de la cultura griega. Representa a una mujer enamorada que abandona todo (familia, tierra y tradición) por el hombre al que ama: Jasón, al que ayuda para conseguir el Vellocino de oro. Wolf parte de la Medea de Eurípides donde Jasón y Medea marchan hacia Corinto y allí tienen dos hijos. Pero pronto acabará la dicha: Jasón rechazará a Medea para casarse por motivos políticos con Glauce, hija de Creonte, Rey de Corinto. El rey ordenará el destierro de Medea. En la versión de Eurípides Medea pide un día más de estancia en Corinto, deseo que le es concedido y que Medea aprovecha para asesinar a Glauce y a Creonte, y después a sus propios hijos con un único fin: desesperar a Jasón. Finalmente, Medea se suicida.

Christa Wolf hace hablar a seis personajes en once monólogos con diferentes puntos de vista, entrelazando los mismos y tramando los acontecimientos desde distintas posturas; unas meditadas y otras pasionales. En su obra la causa del destierro de Medea es la xenofobia de los corintios. Ella es extranjera en la tierra en la que vive y ya no puede volver a su patria y su familia. Por dicha razón, según la autora, la reacción de Medea no es motivada únicamente por Jasón, sino contra los corintios por la marginación sufrida. De hecho, en la novela de Christa Wolf son los corintios los que enfurecidos matan a los hijos de Medea para vengar la muerte de Glauce y Creonte. Para Christa Wolf, de las muertes de Creonte y Glauce tampoco cabe culpar a Medea, pues fueron fruto de la locura de Glauce. Por ello, Christa muestra a Medea como una mujer sobresaliente en un mundo masculino en donde la fémina sólo podía crecer como madre o con malas artes y perfidia. En cierto modo, existía un paralelismo entre Christa y Medea al sentirse la autora como una forastera en la nueva Alemania.

En el décimo aniversario de la caída del muro de Berlín publica Hierzulande Andernorts. Erzählungen und andere Texte 1994-1998, una colección en la que Christa reúne gran parte de sus artículos, escritos públicos, textos sobre aspectos de su vida en los últimos años, incluyendo su estancia en América. Christa confiesa que ya ha pasado tiempo desde que vio extinguirse su país, la �€�terapia para superar el dolor�€� había terminado y ya sólo le quedaba como un �€�fantasma�€� del dolor que llegó a sentir tan intensamente. Ese mismo año recibió varios premios, incluidos el Premio Elisabeth Langgässer y el Premio de Literatura Nelly Sachs.

En 2002, Christa publica la novela Leibhaftig-eine Erzählung, que representa un verdadero canto a la vida y para muchos, la despedida personal de Christa a la RDA. La desintegración del Estado socialista se recoge en la simbología del Hospital y la enfermedad en los últimos días de la Alemania oriental, en la lucha por mantener la vida tras terapias que van fracasando unido a una terrible fiebre que provoca sueños en donde una sociedad socialista es posible. Así, al igual que en Nachdenken über Christa T., la enfermedad es el medio por el que Christa refleja sus anhelos y reflexiones.

En el año 2003 Christa publica bajo el título Ein Tag im Jahr (Un día del año. 1960-2000), sus diarios de cada 27 de septiembre desde 1960 a 2000. Fue una idea publicada en 1960 por el periódico moscovita Izvestia que pidió a todos los escritores del mundo que describieran un día del año, el 27 de septiembre. Christa escribió su 27 de septiembre de 1960 y así continuó durante cuarenta años. Contando con gran sencillez, y a través de su vida cotidiana, Christa descubre un viaje en el tiempo en el que describe cómo cambia su vida año tras año incluyendo acontecimientos sociales, políticos y literarios que marcaron la historia.

En su 75 aniversario Peter Böthig publicó Christa Wolf. Eine Biographie in Bildern und Texten, un volumen biográfico especial documentado con textos y fotografias de su vida privada, sus amigos, su familia, su vida en Berlin y en su añorada región de Mecklenburg, en dicha obra se recoge parte de sus publicaciones y últimos artículos las cuales siguen en su línea de reflexión sincera y en las que afortunadamente no quedan apenas restos de su pasada amargura.

En el año 2004, en colaboración con la autora Charlotte Wolf, edita bajo la obra Ja, unsere Kreise berühren sich: Briefe la correspondencia que ambas mantenían desde hacía años. En 2005 publica Mit anderem Blick (Con otra mirada) editada en enero de 2008 en España. A través de tres historias, Christa se remonta a la época en vivió en Los Angeles (Santa Mónica) en aquel exilio voluntario. Tan lejos de su mundo, la autora se siente extraña en una sociedad consumista opuesta a todo lo que hasta entonces ella conocía, el paisaje, la gente, la vida en California, en la que casi todos son forasteros. Desde aquel mundo tan diferente, Christa recuerda su pasado, sus años de infancia, su querida Seghers, Fürnberg, Bredel, Becher, todos lo que conforman una trágica generación que vivió al borde del abismo. Una reflexión abierta y personal con un estilo irónico y desenfadado que muestran, una vez más, la vitalidad que desprende una autora como Christa Wolf, con una vida apasionante, fiel a su ideología hasta la vejez y rebosante de fuerza y de fe tanto en el futuro como en el amor.
Finalmente, en el año 2006, publica su hasta ahora último ensayo, Der Worte Adernetz: Essays und Reden. en donde, a través de una colección de ensayos y artículos y desde una nueva perspectiva como lectora, valora la contribución literaria de escritores como Heinrich Böll, Anna Seghers, Volker Braun, Inge Müller, Brigitte Reimann, Maxie Wander o Irmtraud Morgner, así como de la poesía de Nelly Sachs, aportando una brillante reflexión a través de la literatura y de la poesía de los grandes autores alemanes.

En sus últimas apariciones públicas, una Christa anciana, serena y con la cordura que dan los años, ha asegurado que ama la vida, �€�Ich lebe gerne�€�, y que se siente plenamente feliz viviendo en Berlín junto a su compañero y marido Gerhard y su familia. Siempre que Christa escribe y reflexiona regala sabiduría a través de sus palabras, nadie como ella ha sabido describir y hacer sentir, ese otro mundo y aquella otra sociedad que quizás algun día pudo haber sido real.

Karoline Von Günderrode (1780 - 1806)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sun, 14 Oct 2007 14:38:44 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Karoline von Günderrode wurde am 11. Februar 1780 in Karlsruhe geboren. Die Familie Günderrode gehörte seit dem 16. Jahrhundert zu den führenden Patriziergeschlechtern von Frankfurt am Main. Nach dem Tod des Vaters 1786 lebte die Familie in beengten Verhältnissen. Karolines frühe Jahre sind von einem gerichtlichen Streit gezeichnet, den sie zusammen mit der Mutter um das Erbe führte. Mit siebzehn wurde Karoline als �€žStiftsfräulein�€� des evangelischen Cronstetten-Hynspergischen Adeligen Damenstift in Frankfurt am Main angenommen. Das Stift sicherte mittellosen weiblichen Angehörigen der Alten-Limpurger Familien den materiellen Lebensunterhalt. Karoline studierte als Stiftsdame Philosophie, Geschichte, Literatur und Mythologie und entwickelte eine tiefe Sehnsucht nach einem erfüllten, selbstbestimmten Leben. Die Französische Revolution begeisterte sie. Ihre Liebesgeschichten hielten sie in Atem. Schon früh zeichneten sich die Themen ab, die sie ein Leben lang beschäftigen sollten: Gefangenschaft und Freiheit, Liebe und Tod. Ihre erste große Liebe wurde Friedrich Carl von Savigny. Er war damals Jurastudent und führte das junge Mädchen in den Kreis der Romantiker ein. Savigny ahnte nicht, dass seine Verehrerin Gedichte schrieb. Sie hatte allen Grund, es zu verbergen. Die enge Freundschaft zu der ebenfalls sehr wissensdurstigen Bettina von Arnim brach die Günderrode kurz vor ihrem Tod abrupt ab, da ihr Geliebter Friedrich Creuzer die Brentano-Familie nicht schätzte. Als Karoline mit 24 Jahren unter dem Pseudonym �€žTian�€� ihr erstes Buch, Gedichte und Phantasien (1804), veröffentlichte, wurde sie sowohl von Goethe als auch von Clemens Brentano sehr geschätzt. Es folgte eine weitere Sammlung von Gedichten, Poetische Fragmente (1805). Das Werk von Karoline von Günderrode aber steht bis heute im Schatten ihres Lebens. Dabei schrieb sie einige der schönsten Gedichte der europäischen Romantik, so das todessüchtige Hochroth. Ihre Dichtungen sind schwermütig und kühn, dabei aber schon im neunzehnten Jahrhundert nannte man Karoline von Günderrode die �€žSappho der Romantik�€�. Karolines Dichtungen bringen nicht nur den Konflikt zum Ausdruck, in dem sich eine liebende Frau damals befand, die zugleich ihr eigenen Ideen zu verwirklichen suchte, sie nehmen auch das Ende ihres hochgespannten Lebens vorweg. Die ungewöhnliche Erscheinung der Stiftsdame und Poetin war schon den Zeitgenossen ein Rätsel. Auch ihre Poesie schreckte in ihrer Bedingungslosigkeit viele Leser ab. Man zweifelte an ihrer Weiblichkeit. Denn Karoline von Günderrode widersprach den Vorstellungen der damaligen Zeit, wie eine Frau sich zu verhalten - und wie sie zu dichten habe .Auf einem Ausflug lernte Karoline den bedeutenden Philologen und Mythenforscher Friedrich Creuzer und seine dreizehn Jahre ältere Frau kennen. Nun erhielten ihre Lebensthemen einen Schub �€" und auch ihre Konflikte. Friedrich Creuzer schätzte ihre Dichtung und half ihr, diese zu verlegen. Karoline und Friedrich Creuzer versprachen einander bis in den Tod zu lieben. Doch Karoline konnte sich ein Leben als Professorengattin nicht vorstellen. Der Gelehrte spielte mit dem Gedanken an eine ménage à trois. Der kränkliche Friedrich Creuzer hatte aber nicht den Mut, sich von seiner Frau zu trennen. Karoline von Günderrode beschäftigte sich unter dem Einfluss von Friedrich Creuzer mit dem Studium früher, auch matriarchaler Gesellschaften. Auch darin war sie ihrer Zeit voraus. In Männerkleidung wollte sie Friedrich Creuzers Vorlesungen besuchen, um dem Geliebten so nah wie möglich zu sein. Als Friedrich Creuzer erkrankte und seine Frau ihn gesundpflegte, schwor er ihr, sich von seiner jungen Geliebten zu trennen. Schon lange besaß sie einen Dolch mit einem silbernen Griff. Aus unglücklicher Liebe, aber auch belastet von dem unlösbaren Konflikt zwischen ihrem Freiheitsbedürfnis und der Frauenrolle der damaligen Zeit, erdolchte sie sich selbst am Flussufer in Winkel am Rhein. Am nächsten Tag fand man ihre Leiche im Wasser. Friedrich Creuzer tat alles, damit Karolines postumes Werk Melete nicht publiziert wurde. Er kommt als �€žEusebio�€� in dem Buch vor und wünschte nicht erkannt zu werden. Erst hundert Jahre nach dem Tod der Dichterin konnte �€žMelete�€� veröffentlicht werden. Ihr Zwiespalt zwischen Liebe und Freiheitsdrang spiegelt die Situation der Frau in der bürgerlichen Elite um 1800 und wirft auch ein Licht auf die späteren Emanzipationsbewegungen. Die Radikalität, mit der sie ihr Gefühl auszuleben versuchte, hat schon ihre Zeitgenossen fasziniert. In den siebziger Jahren wurde Karoline zu einer Identifikationsfigur der Frauenbewegung. Christa Wolf steuerte einen Essay zu diesem Band bei und machte Karoline von Günderrode zu einer Protagonistin ihrer Erzählung �€žKein Ort. Nirgends�€�. Allerdings erfährt man hier viel über Christa Wolf und wenig über Karoline; so wie schon Bettine von Arnim die Dichterin zum Medium ihrer eigenen Weltsicht gemacht hatte.

Annette Von Droste-hülshoff (1797 - 1848)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sun, 14 Oct 2007 14:39:15 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Annette von Droste-Hülshoff, mit vollem Namen Anna Elisabeth Franzisca Adolphina Wilhelmina Ludovica Freiin von Droste zu Hülshoff, stammte aus dem altwestfälischen, katholischen Adel. Sie führte ein zurückgezogenes, sogar eingeengtes Leben. Eine erste größere Reise führte sie 1825 an den Rhein nach Köln, Bonn und Koblenz. In Bonn, das sie bis 1842 mehrfach besuchte, begegnete die Droste-Hülshoff August Wilhelm Schlegel. Zwar stand die Dichterin in brieflichem Kontakt mit intellektuellen Zeitgenossen wie den Brüdern Grimm, sie entzog sich aber niemals den Anforderungen ihrer Familie, etwa wenn sie immer wieder als Krankenpflegerin herangezogen wurde. Da sie ständig selbst kränkelte, standen für sie ein Bruch mit der Familie oder der Versuch nie zur Debatte, durch ihre Schriftstellerei ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Eine an sich harmlose Liebesaffäre wurde dann zu einer Lebenszäsur und zum lebenslangen Trauma. Danach gab sie alle Emanzipationsansprüche auf und beugte sich den gesellschaftlichen Konventionen der Biedermeierzeit. Wohl sah aber sie ihren Beruf als Dichterin. Annette von Droste-Hülshoff nahm ihre literarische Arbeit sehr ernst und war sich bewusst, große Kunst zu schaffen. Ihre Balladen wurden berühmt, wie Der Knabe im Moor, oder auch ihre Novelle Die Judenbuche, die einzige von ihr vollendete Prosaarbeit. Ein wichtiges Dokument tiefer Religiosität ist ihr Gedichtzyklus Das geistliche Jahr, in dem aber - typisch für die Zeit - auch die Zerrissenheit des Menschen zwischen aufgeklärtem Bewusstsein und religiöser Suche gestaltet wird. Die Ausführungen in diesem Werk werden heute als biographisch erachtet, da sie über 20 Jahre an dem gesamten Zyklus arbeitete. Bedeutend für ihr literarisches Wirken waren ihre Reisen an den Bodensee. Ab 1841 wohnte sie vorwiegend bei ihrem Schwager auf Schloss Meersburg am Bodensee. Insbesondere unter der Inspiration ihres Dichterfreundes Levin Schücking entstand in Meersburg ein Großteil ihrer �€žweltlichen�€� Gedichte. Sie erwarb schließlich 1843 ein Haus, das Fürstenhäusle, am Stadtrand inmitten der Weinberge in Meersburg. Am 24. Mai 1848 verstarb Annette von Droste-Hülshoff auf Schloss Meersburg am Bodensee. Nach ihrem Tod war sie so gut wie vergessen. Dies änderte sich in den 1870er und 80er Jahren, als man sowohl im Gefolge des sich erneuernden Katholizismus als auch des westfalischen Regionalismus nach literarischen Gewährleuten Ausschau hielt. Dem 20. Jahrhundert galt die Droste-Hülshoff von Beginn an als �€žDeutschlands größte Dichterin�€�. Die literarische Entwicklung der Droste-Hülshoff ist erstaunlich. Eine adlige Gelegenheitsschriftstellerin der Biedermeierzeit, die in den überaus engen Grenzen lebte, ein gut katholisches, stets kränkelndes Fräulein, das mit ebenso metaphorisch kühnen wie gedankentiefen Gedichten und mit einer bis dato unerhört realistischen und semantisch hochkomplexen �€žKriminalgeschichte�€� (Judenbuche) zur Weltliteratur vorstieß. In der Geschichte von der verfehlten Selbstverwirklichung des Friedrich Mergel, seiner Schuld und seiner grausigen Sühne mag die Dichterin ihre biographischen Versagungen, ihre Emanzipationswünsche und ihr Schuldbewußtsein literarisch projiziert haben. Schon die Briefe zeigen eine überaus phantasiebegabte, freiheitsdurstige Frau in der konfliktreichen Auseinandersetzung mit den gesellschaftlichen Konventionen ihrer Zeit, ihres Standes und ihres Geschlechtes. Daß ihr Name sich nicht im Dunkel vergessener Literaturgeschichte verlor, hat zwei Ursachen: zum einen fand die Dichterin zu einer exemplarischen religiösen Deutung ihrer gescheiterten persönlichen Selbstverwirklichung. Zum anderen fand sie eine Ersatzwirklichkeit für ihre begrabenen Jugendhoffnungen auf ein freies und selbstbestimmtes Leben. Das bekannte Gedicht Am Turme (1841) belegt in prägnanter Metaphorik (dem heimlich im Winde gelösten Haar), wie klar der Dichterin selbst dieser Zusammenhang von biographischer Resignation und poetischem Ersatzleben war. Ihre späten Lebensjahre sah die Dichterin im Zeichen der �€žGnade�€�, wie es am besten vielleicht ihr Gedicht Mondesaufgang bekundet.

Bettina Von Arnim (1785 - 1859)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sat, 13 Oct 2007 10:38:09 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Bettina von Arnim, geboren als Elisabeth Catharina Ludovica Magdalena Brentano, war die Tochter des Großkaufmanns Peter Anton Brentano und seiner Frau Maximiliane. Bis zu ihrem 13. Lebensjahr wurde sie im Ursulinenkloster in Fritzlar erzogen. Nach dem Tod der Eltern lebte sie bei ihrer Großmutter Sophie von La Roche in Offenbach, später in Frankfurt. Ihre Schwester Gunda war mit dem Rechtsgelehrten Friedrich Karl von Savigny verheiratet und lebte in Marburg, wo Bettina auch einige Zeit verbrachte. 1810 folgte sie dann den Savignys nach Berlin. 1811 heiratete Bettina Achim von Arnim, den sie bereits in Frankfurt als Freund und Studienkollegen ihres Bruders Clemens Brentano kennen gelernt hatte. Die Ehe dauerte zwanzig Jahre bis zu seinem plötzlichen Tod 1831 und brachte sieben Kinder hervor. Nach dieser Ehe begann die Hauptzeit ihrer schriftstellerischen Tätigkeit. Außerdem kümmerte sie sich um die Herausgabe der Werke ihres Mannes und ihrer eigenen Schriften. 1858 erlitt sie einen Schlaganfall, von dem sie sich nicht mehr erholte. Am 20. Januar 1859 starb sie im Kreise ihrer Familie.
Bettina gab ihr Korrespondenzen mit Goethe, Karoline von Günderrode, Clemens Brentano, Philipp von Nathusius und Friedrich Wilhelm IV. von Preußen in zum Teil sehr stark bearbeiteter Form heraus. Diese Briefbücher, die nach Grundsätzen gestaltet worden waren, die sich auf die romantische Poetik zurückführen lassen, wurden von den Lesern manchmal für authentische Dokumente gehalten, was zu allerlei Vorwürfen gegen Bettina von Arnims vermeintliche "Fälschungen" führte. Insbesondere das 1835 erschienene Goethes Briefwechsel mit einem Kinde wurde ein Verkaufserfolg und beeinflusste stark das Goethe-Bild der Folgezeit, insbesondere unter den Romantikern. Die Originalbriefe wurden im Jahr 1922 publiziert. In dem Briefroman Die Günderode verarbeitete sie die Monate ihrer Freundschaft mit Karoline von Günderrode im Jahr 1804 und deren Selbstmord. Des weiteren beschäftigte sie sich intensiv mit Musik und Zeichnen. Beschränkt wurden diese Bemühungen aber unter anderem durch ihre umfangreichen Hausfrauenpflichten und die Geldsorgen der Familie. Bettina von Arnims soziales Engagement hatte 1831 begonnen, als in Berlin die Cholera zahlreiche Opfer forderte. Ihre �€žnärrische�€� und exzentrische Image, die sie schon als Kind hatte, verhalf ihr noch zu einem willkommenen Freiraum vor der Zensur, als sie 1843 in der Schrift Dies Buch gehört dem König mit der gleichen �€žrücksichtlosen Ungeniertheit�€�, die sie der Konvention gegenüber an den Tag legt, die gesellschaftliche Verhältnisse beleuchtet. In der für Arnims Stil typischen Form dialektgefärbter, metaphernreicher und assoziativ-abschweifender Betrachtungen der �€žFrau Rat�€�, Mutter des von ihr gerade kultisch verehrten Goethe, appelliert das Königsbuch an Friedrich Wilhelm IV. von Preußen. Lange in Illusionen befangen, glaubt sie ihn dazu willens und fähig, sich als Vordenker, Erzieher und Wohltäter zu setzten. Mit dem Folgeprojekt, Gespräche mit Dämonen (1852), einer großen Dokumentation der wachsenden sozialen Verelendung und ihrer Ursachen, überschreitet Arnim dann aber doch die Toleranzschwelle. Dieses wurde 1919 nochmals aufgelegt, ergänzt durch den Untertitel �€žAufruf zur Revolution�€�. Ihre weit reichende Korrespondenz zur Ermittlung statistischer Angaben für ihr Armenbuch erregte großes Aufsehen, das Buch wurde bereits vor seinem Erscheinen von der preußischen Zensur verboten und erschien - in unvollständiger Form - erst 1969.
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Renée Vivien (1877 - 1909)

alaskaboreal@hotmail.com (Mado Martínez) — Tue, 26 Sep 2006 18:56:42 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Francés

Renée Vivien, pseudónimo de Pauline Mary Tarn nació en Inglaterra en el último tercio del siglo XIX. Su padre murió cuando ella era apenas una niña, dejandola a merced de una madre que intentó por todos los medios declarar a su hija como demente cuando su mayoría de edad estaba próxima con el propósito de arrebatarle su parte de la herencia.
Los años de niñez que pasó estudiando en Francia le hicieron adorar este país y su lengua, hasta el punto de convertirse París en su lugar de residencia y asumir el francés como lenguaje de expresión literaria.
Por otra parte, la ciudad de la Rive Gauche era un destino preferente para las artistas e intelectuales que ansiaban vivir libremente su homosexualidad, como era el caso de Vivien. Vecina de Colette (sus casas estaban comunicadas por el patio) y coetánea de Pierre Louys, Lucie Delarue-Mardrus, Liane de Pougy, entre otras, vivió su primer romance amoroso y lésbico con la también escritora Natalie Clifford Barney, conocida como "La Amazona", mujer de gran personalidad y fama que inspiró no sólo gran parte de las creaciones de nuestra escritora, sino de muchos otros escritores y escritoras más.
El mayor volumen de su escritura se concentró en el género poético, mientras que la narrativa vio la luz en forma de relatos (La Dame à la Louve) y una novela de la que haría dos versiones (Une Femme m�apparut...), amén de una pequeña biografía sobre Ana Bolena, un compendio de frases máximalistas (L�Album de Sylvestre) y traducciones de Safo y otras poetisas griegas.
El primer poemario que Renée Vivien publicó fue firmado mediante las palabras R. Vivien, que posteriormente derivaron en René Viven. Mientras la crítica alababa el talento de aquel autor que suponían masculino la autora se preparaba para dar el salto añadiendo una "e" más a su pseudónimo: Renée Vivien.
El escándalo sacudió a la joven poetisa, que de la noche a la mañana pasó de ser alabada y comparada con Baudelaire a ser tratada por la crítica con burlas referentes a su homosexualidad en todos los periódicos y revistas del momento. Tal fue la presión, que al cabo de un par de años, la escritora dedició retirar todos sus libros de la venta. En adelante, todo lo que publicaría sería para regalárselo a sus amigos y a la gente que ella considerase merecedora de leer su obra.
La temprana decepción amorosa e inseguridad que le produjeron las infidelidades de Natalie Clifford Barney, la precipitaron a correr bajo los brazos y la protección de la Baronesa Zuylen, quien a juzgar por los escritos que dejó escritos Colette sobre aquella relación, pusó a Renée Vivien en una situación subyugada y posesiva que la obligaría forzadamente a escribir una carta de ruptura dirigida a Natalie (la misma amazona confesaría años más tarde su total convencimiento de que Renée Vivien fue obligada a escribir aquella carta).
Sea como fuere, parece ser que efectivamente, Vivien no se hallaba enamorada de Zuylen, pues fueron otras las musas que le inspirarían amor y literatura, no sólo Barney, cuya sombra persistiría a lo largo de su vida y de su obra, sino también otras, entre las cuales la más importante sería la princesa turca Kerimé, con quien mantuvo una relación amorosa platónica y epistolar.
Este ser sensible y místico encontró refugio para sus decepciones y sus tenebrosidades en el alcohol, acarreándole con el tiempo una anorexia que la haría morir, o dejarse morir, en 1909, pocos meses después de haberle confesado en su última carta a la princesa Kérimé su intención de acabar son su vida iniciando ya lo que Renée Vivien llamó su "agonía moral".
Hoy en día todavía tiene lugar el "Premio Renée Vivien" de poesía que tras su muerte fundó la Baronesa Zuylen, con quien se cuenta que escribió conjuntamente otras varias obras más bajo el pseudónimo de Paul Riverdsale.

Elena Martin Vivaldi (1907 - 1997)

vale.vitale@yahoo.it (Valeria Vitale) — Sat, 12 May 2007 07:39:57 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

Nace Elena en 1907, en el seno de una familia universitaria. Su padre, José Martín Barrales, fue catedrático de Ginecología y hombre de talante progresista. Fue una de las pocas jóvenes que cursaron el bachillerato en el Instituto Padre Suarez, a comienzos de los años veinte. La poeta cursó posteriormente estudios de Magisterio y más tarde se licenció en Filosofía y Letras, en 1938. Accede por oposición al cuerpo de Bibliotecas, Archivos y Museos, en 1942, lo que le posibilitó no sólo ganarse un espacio propio en el mundo laboral, tan acotado en esos años para las mujeres, sino que también le supuso el estímulo y la tranquilidad de estar rodeada de sus más preciadas herramientas artísticas, los libros. Como consecuencia de su carrera laboral, Martín Vivaldi estuvo en Huelva, en el Archivo de Indias de Sevilla y, por fin vuelve a su Granada natal. Elena Martín Vivaldi es la poeta granadina más conocida de todos los tiempos. Su obra poética está ampliamente difundida a través de revistas literarias, habiendo sido incluidos muchos de sus poemas en antologías y traducidos para publicaciones extranjeras. Mucho se ha escrito sobre esta mujer afable, conversadora, íntima también, y de extraordinaria sinceridad poética, intentando adscribir su obra a un determinado movimiento literario.
Representa, para algunos, el punto de enlace entre la generación del 27 y todos los movimientos posteriores (Antonio Carvajal, Luis García Montero, Rafael Juarez, Javier Egea, Luis Muñoz, ...). Para Gallego Morell, �€�Elena Martín Vivaldi pertenece a una Andalucía poética que no va a remolque de Alberti o de Lorca, sino que enhebra con el aliento de Juan Ramón Jiménez y de Salinas después y de Becquer antes�€�...
Pero su poesía, de acentos íntimos y profundos, de intenso lirismo y honda tristeza, que se expresa en el lenguaje de una naturaleza sentida, interiorizada, de otoños, de lluvia, de árboles...no puede adscribirse con rotundidad a ninguno de los movimientos literarios conocidos. Elena Martín Vivaldi, sencillamente, es única, como única es la impronta de su magisterio sobre las generaciones de escritores granadinos desde la posguerra hasta el día de hoy.
Once libros han jalonado la trayectoria poética de esta singular poeta granadina. En sus primeras creaciones, se manifiesta ya esa especial sensibilidad poética que se expresa en un lenguaje claro y preciso, no exento de formas cotidianas, a través del cual nos hace partícipe de su sentimiento íntimo. Todo el desgarro entre su vitalismo y su soledad existencial, su honda tristeza, su acendrado romanticismo, su amor a la naturaleza están en estos primeros poemarios en los que es posiblepercibir la huella de Juan Ramón Jiménez: Escalera de luna, de 1945, El alma desvelada, de 1953, y Cumplida soledad, de 1958.
En Materia de esperanza, de 1968, el eje poético es el dolor interno por la maternidad frustrada. De forma similar a la �€�nobel�€� chilena Gabriela Mistral, el vacío de sus entrañas le provoca dolor, porque no nace de una decisión personal. De este modo, en esa historia de soledades en que se va conformando su trayectoria lírica, pasamos del primer desgarro inherente al desengaño amoroso a un segundo estadio proveniente del dolor de la no-maternidad.
Durante este tiempo, de 1972, representa la madurez sensitiva, intelectual y lírica de la genial poeta granadina, el momento culminante de su trayectoria poética.
Reconciliada con la soledad profunda del alma sensible, abre la puerta a una variedad temática más rica en matices y, por tanto, en acentos poéticos, alcanza con este poemario la perfección expresiva. Después vendrán títulos como: Y era su nombre mar, y Nocturnos, de 1981.
Su obra poética completa se publicó bajo el título Tiempo a la orilla, en 1985. Trece años después Elena nos dejaba, y con ella se iba una de las voces poéticas más claras y sugerentes de la literatura andaluza de posguerra. Sin embargo nos queda un testamento poético en el que su experiencia personal se universaliza y se hace experiencia colectiva.
Aunque su trayectoria poética está marcada por la indagación de los sonidos de la soledad, la poesía de Martín Vivaldi no es en absoluto pesimista, sino que insta al ser humano a acentuar las formas de sentir, con la voracidad de quien no quiere perderse nada del mundo. Para lograr la perfecta comunión con el tú poético, el yo lírico se despliega en miles de fórmulas métricas, desde las más tradicionales a las complejas, pasando por el versolibrismo tan caro a la generación poética en la que Martín Vivaldi desarrolla su labor.
Este legado humano y poético que la poeta granadina nos ha dejado obtuvo en vida merecido homenaje. Así, en el II Encuentro de poetas andaluces de 1982, su nombre fue aclamado como el de maestra indiscutible de las generaciones posteriores a la suya.
En 1988 recibió el nombramiento de Hija predilecta de Granada. Fue, así mismo, galardonada con la medalla de la Real Academia de Bellas Artes de Granada y son más los honores que se le rindieron y que no nombramos por no ser prolijos. Pero, sin duda, el mejor homenaje que se le puede hacer a Elena Martín Vivaldi es revivirla en la lectura íntima y sosegada de sus versos, aprendiendo de ella no sólo la maestría poética, sino también de su bagaje humano inmenso.

Simona Vinci (1970 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Tue, 17 Nov 2009 11:06:56 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Nació en 1970 en Milán y es una de las autoras más jovenes que han conseguido el reconocimiento del público en Italia.
Su obra se caracteriza por la búsqueda constante en el mundo de las obsesiones y las incertezas del amor, insertas a menudo en una atmósfera inquietante.
Llega al gran público con su novela Dei bambini non si sa niente del año 1997, en la cual aparecen algunos niños que cometen un delito feroz.
En su siguiente obra, una recopilación de cuentos titulada In tutti i sensi como l�amore de 1999, aparecen ya el desencanto, la desilusión y la soledad de las personas.
Además, también tuvieron gran éxito otras de sus novelas com Brother and Sister, publicada en 2003, Come prima delle madri del 2003 y Stanza 411 del 2006.
El gran descubridor de Simona Vinci fue Carlo Lucarelli; ella misma lo admite en una entrevista aparecida en la web www.thrillermagazine.it, además de reconocer la gran deuda intelectual adquirida con su editor.
Evidentemente, Simona Vinci no es una escritora de giallo pero, dejando a un lado las características más clásicas de este género, nuestra autora utiliza muchos aspectos de este tipo de literatura, aunque los adapta a su universo personal y a sus inquietudes, sobre todo enfocadas al intenso mundo de la infancia. No podemos olvidar que el delito no es más que un espejo de los delitos colectivos, de grandes desviaciones, de miedos y tramas psicológicas profundas.
Simona Vinci expresa con gran acierto las inquietudes, los miedos y la psicología de sus personajes, emnarcándolos en un contexto oscuro, tenebroso y que provoca miedo en el lector. Así consigue hacer realidad una de sus grandes preocupaciones: "Ho paura che le mie parole non servano a niente, non cambino niente".
Simona Vinci se define a sí misma como una escritora desorganizada, en el sentido de qu eno se sienta todos los días a escribir delante de una página en blanco o de la pantalla del ordenador. Sólo escribe en los momentos en que se necesita hacerlo y esto le sucede en cualquier lugar, simplemente escribe cuando desea hacerlo. Como persona es una mujer vitalista, que se impregna de la vida y la saborea con intensidad. Esta sensación se refleja perfectamente en su obra a través del lenguaje, del paisaje, de los personajes y sus sensaciones.
En sus obras transmite siempre una realidad particular, sin aspiraciones, situaciones similares a las presentadas en las crónicas periodísticas. Suelen ser circunstancias referidas al mundo infantil y juvenil, al mundo íntimo de los niños. Los temas recurrentes en todas sus obras son el vacío, el malestar, la desesperación y la búsquedad del amor.

Isabel De Villena (1430 - 1490)

violettecardaba@hotmail.com (Violeta Cárdaba) — Tue, 26 Sep 2006 18:55:44 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: catalanovalenciana

Escritora española en lengua catalanovalenciana, (n. 1430 - m. 1490). Se educó en la corte de su tía y prima María de Castilla (1401 - 1458), reina de Aragón. Su nombre fue Elinor, que cambió por el de Isabel a los quince años, al entrar de monja clarisa en el convento de la Trinidad de Valencia, del que fue elegida Abadesa en 1463, cuando tenía treinta y dos años.
Se Formó y se hizo escritora entre mujeres: en su casa (en la biblioteca de la reina) y en el convento de la Trinidad, para cuyas compañeras de vida redactó la Vita Christi y, probablemente otras obras, como el Speculum animae. La leyeron muchas mujeres, entre ellas, Isabel La Católica, que quiso que se la publicara para poderla leer, y María Jesús de Ágreda. Por eso, las principales protagonistas de la Vita Christi, publicada en 1497, son mujeres: la Virgen María, María Magdalena, etc. Aunque conoció la biografía de Cristo de Ludolfo de Sajonia, Isabel de Villena, se inspiró con gran libertad en los evangelios apócrifos, en las costumbres de su tiempo y clase social y también, en tradiciones procedentes de los evangelios gnósticos, escritos en los dos primeros siglos del cristianismo y prohibidos poco después. Supo transformar esos materiales en una preciosa obra de arte original.

Isabella Villamarino (1503 - 1559)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Fri, 24 Aug 2007 18:00:42 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano y español

Fueron los acontecimientos determinados por la ocupación española en Italia los que condujeron, desde la lejana Cataluña, a Bernart De Villamari, conocido como Bernardo Villamarino, que se había casado con la hermana del gran capitán don Raimondo de Cardona, lugarteniente del Reino, a Italia. Originariamente el apellido de la familia era Villamari, después vulgarizado en Villamar, Villamarì, Villamaría y el más usado Villamarino/a. En los documentos tanto el nombre del padre y como el de la hija lo encontramos indicado como Villamari.
Isabella Villamarino nació en el año 1503.
El 2 de junio de 1504, Bernardo Villamarino, conde de Bosa, obtuvo del rey Federico, por servicios prestados, el condado de la ciudad de Capaccio y el feudo de Altavilla, de Principato Citra, Pisciotta, Calvello, Tito y Satriano confiscados a Guglielmo Sanseverino. El gran almirante sobresalió en las guerras contra los turcos en Constantinopla, en el Danubio y en otras regiones de Hungría. Por su coraje y fidelidad a la corona fue nombrado Rey lugarteniente del Reino, conservando su título honorífico de �€�grande almirante�€� y conde de Capaccio-Altavilla. Aprobó a los Altavilleses tradiciones y una serie de artículos en su estatuto. Murió el 2 de diciembre de 1512.
Desde este momento, Isabella, sucedió al padre en el condado de Capaccio y Altavilla. De ella se hizo cargo su tía Isabella Maria Richenens, esposa de Raimondo de Córdoba. Fue considerada una de las mujeres más célebres de la época.
La figura de esta mujer se enlaza con un episodio importante de la feudalidad en la Italia meridional. La vida de Ferrante Sanseverino, príncipe de Salerno, su marido, es el ejemplo del sometimiento y de la transformación de la baronía napolitana, durante el dominio español.
Ferrante Sanseverino fue confiado desde muy pequeño al conde de Capaccio, padre de Isabella. De este modo los dos príncipes, futuros esposos, transcurrieron su infancia juntos.
Ferrante tenía menos de diez años de edad cuando el 17 de octubre de 1516, con el consentimiento del rey Fernando II, lo unieron en matrimonio con Isabella, de doce años, su coetánea y compañera de juegos. De este modo la serie de feudos y territorios que había heredado Ferrante se añadieron a los de Isabella haciendo una unión potentísima.
Isabella fue una literata de gran fama, experta en las lenguas clásicas, bella e inteligente, cantada numerosas veces en versos por sus contemporáneos, Mazziotti la describe así:
�€�... piccola statura, aveva bellísimo il volto e grandi occhi neri, squisita grazia e soavità nel dire. Onorata da molti studi e colta, fornita di spirito gentile destava l�€�ammirazione e l�€�entusiasmo...�€�. Desgraciadamente no existen retratos que nos muestren la imagen de Isabella.
Paolo Manuzio escribió que, en Avellino, la había escuchado recitar versos y prosas en latín escritas por ella y había quedado impresionado por su calidad. La elogia también el Abad Serassi cuando escribe la biografía de Torquato Tasso. Y Ortensio Landi, milanés, que en su obra Sferza degli scrittori antichi e moderni, publicada en Venecia en el año 1750 bajo el pseudónimo de Utopia, la elogia con palabras de admiración.
De ella se pueden destacar composiciones musicales a dúo con su marido, escritas durante el exilio del mismo y una gran cantidad de cartas dirigidas al Emperador, al cardinal Seripando y al arzobispo de Salerno.
Los príncipes transcurrieron gran parte del tiempo en castillos, sobre todo en Nápoles. En Salerno poseían una espléndida casa, en frente del edificio Ruggi de via Tasso, donde transcurrieron algunas temporadas.
El emperador Carlos V viajó a Nápoles y permaneció en la ciudad desde el 25 de noviembre del año 1535 hasta el 22 de marzo de 1536. Durante su estancia en la ciudad residió en el Castel dell�€�Ovo y sus estrechos colaboradores fueron huéspedes de la princesa Isabella. La permanencia del emperador animó toda la ciudad y los nobles prepararon numerosas fiestas para hacer agradable su demora. El emperador en una recepción conoció a Isabella y quedó impresionado por la gracia de su belleza, la cultura de su espíritu vivaz y la exquisitez de sus modales.
Durante una fiesta de disfraces el Emperador y el marqués del Vasto estaban sentados a los pies de la Princesa, después de una conversación amena el Emperador quiso bromear con Isabella haciéndose pasar por uno de sus colaboradores. Sin saber la verdadera identidad del enmascarado ella le pidió que hablase con el Emperador para pedirle un favor en su nombre. Le pidió que salvase a un cierto Gian Battista Della Tolfa sin pagar el �€�guidrigildo�€� (correspondía a la fianza para salir de la prisión). Éste estaba acusado de haber cometido un horrible homicidio. El Emperador, sorprendido, reveló su identidad y admirado por el espíritu de la joven mujer replicó sonriendo: �€�Ya está hecho lo que se me pedió�€�. La princesa muy contenta le entregó su ramillete y le dijo: �€�Señor Mascaro yo recibo la merced; tomase V. G. el ramillete que yo sé lo aggradece�€�.
En otra ocasión el Emperador de camino a Palazzo Sant�€�Agostino, con una numerosa escolta, quiso cambiar la ruta para �€�riguardare bravamente�€� la princesa, que para su llegada adornó exquisitamente los balcones. Durante varios días el Emperador y la princesa estuvieron juntos, conversando, bailando. El interés del Emperador era tan evidente que su marido fue avisado por el marqués del Vasto. Éste casi obligado a seguirle el juego, fingió que nada sucedía. Durante esta breve estancia el Emperador hablando confidencialmente con Doña Juana de Aragón, duquesa de Tagliacozzo, hablando de Isabella le dijo:
�€�Tre cose�€� mi ricordo a chi mi può in Napoli comandare aver promesso, duchessa mia. Una de le quali era in mano mia e la feci mal volentieri che fu smascherarmi innanzi a lei. L�€�altra che era contro le leggi perdonando l�€�omocidio commesso a Gian Battista Della Tolfa, con querele e interessi di parte; l�€�altra di farmi intercessore col Papa affinché possa la principessa di Salerno entrare dentro un monastero di donne monache per vedere sua sorella effetto vietato ad ognuno per editto Pontificale�€�.
Laura Cosentini escribe que �€�... la fama de l�€�amor suo per la principesa diede d�€�un tratto a questa una celebrità che le assicurava tutti gli omaggi, suscitandole molte invidie, mentre la grazia e la dolcezza de l�€�animo suo generoso aumentavano l�€�aureola gloriosa�€�.
Isabella participó activamente en las actividades del consorte. Su matrimonio con el príncipe no fue fácil, por las condiciones históricas que le tocó vivir y porque tenemos la certeza histórica de que su marido no era un modelo de fidelidad. Varias cartas testimonian su debilidad por las demás damas de la corte.
En 1551 el príncipe de Salerno huyó de la inminente amenaza del virrey Don Álvarez de Toledo, atravesando Basilicata y Puglia y embarcándose en Venecia para dirigirse a Francia. Fue declarado rebelde un año después. Isabella permaneció en Nápoles resistiendo a la hostilidad del virrey y declarando, como protesta, su fidelidad al rey, emperador Carlos V. Cuando la flota francesa y la turca se acercaron a Nápoles, siendo Ferrante el jefe de dicha flota, Isabella se retiró a Castel Nuovo para evitar sospechas y calumnias de su complicidad con los franceses. En ella existía implícita la convicción de que el único autor de su desgracia fuese el virrey Don Álvarez de Toledo, porque había perseguido hasta el exilio a Ferrante y la perseguía a ella también. En su interior no consideró nunca su fidelidad al rey incoherente respecto a las acciones de Ferrante.
Durante el proceso de su marido, la princesa, se refugió en el castillo de Avelino donde vivía su sobrina. El 12 de octubre de 1552 Isabella le escribe una carta al emperador confesándole todos sus miedos, ansias, sufrimientos y esperanzas.
El 13 de diciembre de 1554 la princesa Isabella escribe una carta, en lengua española, al Emperador donde le pide ayuda para salvar a sus súbditos, Joan Vincenzo Pysicello, Mucio Capeche y el abad Capeche, que habían sido acusados de traición.
El 15 de julio de 1555 Don Bernardino Mendoza, por orden del Emperador, informa a la princesa que se había preparado un viaje a España para que Isabella se encontrase con la reina de Portugal, hija de Carlos V. Isabella emprendió el viaje desde Nápoles con las galeras del reino con la esperanza de mejorar la situación y poner fin a sus sufrimientos. El 1 de agosto de 1555 hizo una parada en Barcelona después de una �€�prospera navigazione�€� e�€� senza haver sentito incomodo veruno�€��€�. De este modo describe la hospitalidad en dicha ciudad en una carta al cardinal Seripando del 10 de agosto:
�€��€�son stata accarezzata et accolta da i Cavalieri e Signori di questa città con tanta amorevolezza e cortesia che s�€�ella m�€�avesse visto m�€�havrebbe preso contento non mediocre...�€�.
Cuando pasó por Zaragoza fue recibida con igual hospitalidad por parte de los caballeros, del duque y de la duquesa de Francavilla, suegros del señor Ruy Gómez, virrey del reino de Aragón. Después de esta hospitalidad la princesa estaba realmente sorprendida y ella misma decía �€�non mi verria mai animo di partirmi�€�.
La princesa Isabella pasó muchos días en España esperando con nostalgia al Emperador: �€��€�solo mi manca la presenza di S. M. alla quale sempre che è stato in procinto di venire si sono opposti questi benedetti impedimenti di guerra�€��€�. En realidad el Emperador quería vivir en soledad los últimos días de su vida, de este modo se retiró al monasterio de Yuste en Extremadura. En 1556 abdicó a favor de su hermano Fernando y de su hijo Felipe II. Pesadillas religiosas lo obsesionaron hasta los últimos días de vida y murió el 21 de septiembre de 1558.
Cuando a Isabella Villamarino le fue concedido el permiso para volver a Nápoles un ictus cerebral acabó con su vida, el día 14 de octubre de 1559 en Madrid (Algunos críticos como I. Gallo y L. Troisi aseguran que el lugar de la muerte era Valladolid).
Poco después de la muerte de Isabella, la reina de Francia prometió a Ferrante una boda con una tal Francesca, propietaria de numerosas posesiones en Francia, pero el príncipe de Salerno estaba ya enamorado y prefirió casarse con una joven de Aviñón. Ferrante murió en el año 1568, a la edad de 61 años, en el más absoluto anonimato con su joven esposa pero sin la aprobación de sus conciudadanos por haberse convertido al calvinismo.

Mariolina Venezia (1961 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Tue, 17 Nov 2009 09:20:08 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Nació en Matera (Basilicata) en el año 1961. Se va a Francia a los veinte años: pasó dos años en Montpellier y cuatro en París. En este período entró en contacto con la realidad francesa y se dedicó a escribir poesía: publicó tres libros de poesía en una editorial del Sur de Francia. Este tiempo que vivió en Francia fue muy importante para la autora puesto que le permitió vivir experiencias absolutamente nuevas para ella y, además, entrar en contacto con el mundo del periodismo en dos vertientes principalmente: la radio, en la que hacía investigaciones profundas sobre diferentes argumentos y también escribió en alguna revista.
Durante este período realizó dos series de documentales muy influyentes para su producción literaria posterior: Una de ellas se llamaba �€�Il rosso e il verde, l�€�Italia dall�€�impegno politico all�€�ecologia�€�, en la que entrevistó a numerosos brigadistas que se habían exiliado en París; la otra serie, titulada �€�Qui altrove dappertutto e da nessuna parte�€� trataba el concepto de identidad unido al del espacio y del tiempo, para ello entrevistó a diferentes grupo sociales diferenciados por su profesión (campesinos, azafatas�€�) en las que el tiempo y el espacio determinan la vida de los individuos.
Decide volver a Italia porque siente la necesidad de escribir en su lengua madre. En la actualidad vive en Roma, ha escrito el libro de relatos Altri Miracoli (editorial Theoria) y guiones para televisión. La novela Mille anni che sto qui publicada en 2006 ha sido traducida ya en varias lenguas y la Warner Bros ha adquirido los derechos para hacer una película. Para escribir esta novela empleó la autora seis años de trabajo, en los que intentó recavar información de la gente del pueblo, es decir, un auténtico trabajo de campo realizado en los lugares utilizados como escenario de su novela, con la intención de recuperar la tradición perdida tras la industrialización de Italia. Con este fin en la novela narra la historia de una familia de campesinos, la familia Falcone, desde que se proclama la Unità de Italia (1861) hasta el año 1989, fecha en la que cae el muro de Berlín.
La novela de Mariolina Venezia recuerda ya desde el propio título a Cien años de soledad de García Márquez y, evidentemente, también su punto de partida: las dos novelas utilizan un referente numérico para enmarcar la historia de una saga familiar, intentando reflejar la sociedad rural de esos años plasmada en la historia de una familia. En los dos casos se utiliza un estilo próximo al realismo mágico. Este estilo literario denominado �€�realismo mágico�€� ha sido muy utilizado por la gran mayoría de los más prestigiosos autores literarios de América del Sur, pero tampoco es una novedad en Italia y baste como ejemplo recordar a Massimo Bontempelli, fundador de la revista 900 en 1926 y que se sirve del mundo irreal para novelar. Ya en la primera página del primer número de 900 Bontempelli proclamaba la reconstrucción del espacio y del tiempo como la tarea más urgente del siglo XX, hecho que serviría para restaurar la imaginación y animaba a los jóvenes escritores a salir fuera de sus casas y descubrir el mundo para escribir lo que vieran en él. Esto es precisamente lo que hace la escritora Mariolina Venezia para construir su historia: como hemos dicho más arriba, establece conversaciones con personas de diferentes generaciones que todavía viven en la zona y refleja en la novela sus impresiones, a veces incluso las palabras oídas, llenas de la superstición y la magia propias de la gente del campo.

Rahel Varnhagen (1771 - 1833)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Fri, 19 Oct 2007 18:03:34 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Rahel Varnhagen wurde 1771 in Berlin geboren.
Als Frau und Jüdin war sie doppelt ausgeschlossen:
der Ghettoisierung durch die Gesellschaft und der
bürgerlichen Entmündigung im Hause. Sie gehörte zu jener Generation romantischer Frauen, die nicht nur eine Emanzipation der Gefühle, sondern menschliche Gleichstellung für sich forderten. Tochter des zu Wohlstand gekommenen jüdischen Kaufmanns und Bankiers Levin, sollte sie ihre Bildung selbst schaffen, wobei man die Wurzeln ihres anarchischen und rebellischen Fühlens und Denkens haben mag. 1790 bis 1806 führte Rahel einen literarischen Salon (Salon der Rahel Varnhagen), in dem Dichter, Naturforscher, Politiker, Gesellschaftsgrößen und Aristokraten auf einer Ebene miteinander verkehrten. Das Ideal der Geselligkeit förderte somit die Emanzipation. Berühmte Rahel-Gäste waren Jean Paul, Ludwig Tieck, Ernst von Pfuel, Friedrich Schlegel, Wilhelm und Alexander von Humboldt, Friedrich de la Motte Fouqué, Prinz Louis Ferdinand und dessen Geliebte Pauline Wiesel. Ihr Talent lag im Gespräch, sie wirkte allein durch die Faszination ihrer Person, durch ihr pädagogisch-erotisches Geschick. Dabei besaß sie ein ausgeprägtes Selbstbewusstsein und einen scharfen Intellekt. Nach mehreren unglücklichen Beziehungen ehelichte Rahel 1814 den Diplomaten, Historiker und Publizisten Karl August Varnhagen von Ense und konvertierte zum Christentum. Der um vieles jüngere Diplomat und Schriftsteller wurde ihr Kind, Schüler und Liebhaber, später der sie vergötternde Prophet, Chronist und Herausgeber. Sie begleitete ihren Mann zum Wiener Kongress, von 1816 bis 1819 lebte sie in Karlsruhe und nach seiner Abberufung als Geschäftsträger am badischen Hof kehrte sie mit ihm im Oktober 1819 nach Berlin zurück. Aber schon bald führte sie ihren sogenannten "Zweiten Salon". Ihre Gäste waren u. a. Mitglieder der Familie Mendelssohn, Heinrich Heine, Eduard Gans, Ludwig Börne und der Fürst Hermann von Pückler-Muskau. Mehrmals besuchte das Ehepaar Varnhagen Goethe in Weimar.
Als Schriftstellerin pflegte Rahel vor allem die Gattungen Tagebuch und Brief. Damit ist sie typisch für die im 19. Jahrhundert aufblühende Frauenliteratur, die kleine, intimere Formen bevorzugt. Der Wert ihres Schaffens resultiert jedoch nicht nur aus der Dokumentation historischer und kultureller Vorgänge, sondern aus Rahels brillantem Stil und ihrer politischen Weitsicht. Varnhagens Bedeutung liegt in der Exzentrik, mit der sie den eigenen Blick in Sprache umsetzte. Was und wie sie es schreibt, ist leidenschaftlich-offen bis zum Schamlosen, ja Ordinären, lebendig und dabei voller Witz und Klatsch, immer aber originell und spontan.
1812 publizierte Rahel Teile ihres Briefwechsels mit Karl August Varnhagen, die Johann Wolfgang von Goethe betrafen und dessen Ruhm als Weimarer Dichterfürst bestärkte. Weitere Veröffentlichungen in Journalen und Almanachen folgten. Sie blieb anonym, wurde aber als Schriftstellerin in zeitgenössischen Lexikonbeiträgen genannt. Aber der Großteil ihrer Schriften wurde postum von ihrem Ehemann und nach dessen Tod von seiner Nichte Ludmilla Assing ediert.

Patrizia Valduga (1953 - )

l.cervini@libero.it (Laura Cervini) — Wed, 16 Apr 2008 14:29:49 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Patrizia Valduga nació en Italia, en Castelfranco veneto, en 1953. Estudió letras en Venecia, después de una pequeña paréntesis en la facultad de Medicina. Fue en Venecia donde descubrió su amor a la poesía y el encantamiento de las palabras.
Poetisa y también traductora, tradujo al Italiano John Donne, Molière, C.-P.J. de Crebillón, Mallarmé, Valéry, Céline, Beckett e il Riccardo III de Shakespeare por la editorial Italiana Einaudi.

Su talento reside en el empleo libre pero ordenado, rebelde pero fiel a la tradición, de la lengua Italiana y de sus rigurosas estructuras métricas.
Su compañero de vida y también de su visión artísticay poética, fue Giovanni Raboni, poeta Italiano y crítico literario que falleció en 2004. A él ella dedica un apéndice en la última colección del poeta, publicada por Garzanti, en 2006 llamada Ultimi versi (�šltimos versos).

La obra de esta poetisa aparece, en el panorama de la literatura Italiana contemporánea, no sólo original y fuera de los cánones de la poesía de nuestro días, sino también objeto de discusión y críticas controvertidas.
Evidentemente contra la degeneración de la lengua Italiana de los últimos tiempos, Valduga busca en la poesía su salvación y en la "prisión formal" la verdadera libertad de la expresión.
Su obra entera se compone de versos en forma cerrada: sonetos, madrigales, dísticos, cuartetas etc.
El erotismo es el elemento central de muchas de las poesías de Valduga, ella habla del sexo tanto con metáforas elegantes, como con palabras desnudas, feroces.
En Medicamenta se impone como "caso literario de la poesía contemporánea" por haber "rescucitado" todos los géneros métricos tradicionales de la poesía Italiana.
También en la colección "La Tentazione" (la Tentación) reaparece ese difícil equilibrio entre su lenguaje rico, fuerte, impetuoso y la que ella define "prisión formal" a la que se somete obediente. El poema Donna di dolori (Mujer de dolores) tiene un corte más teatral, y será representado en teatro ganando también el premio Eleonora Duse en 1992 y el premio Randone tres años más tarde.
El poema Requiem, una oda a su padre, es un riguroso poema en octavas ariostescas donde predomina la muerte.
El tema de la muerte se difunde también en el monólogo poético "La corsia degli incurabili" (La crujía de los incurables) donde también aparece una fuerte crítica a la situación socio-politica Italiana.
Aunque la muerte no es el tema principal en la colección de 1997 "Quartine e altre storie d�amore" (Cuartetas y otras historias de amor), el diálogo entre hombre y mujer, entre cuerpo y pensamiento, desvela una relación con la muerte que parece conectar ésta con las precedentes obras de la poeta.
En "Prima antologia" (primera antología) insterta un epistolario en endecasílabos.
"Quartine, seconda centuria" (Cuartetas, segunda centuria) es el segundo capítulo del discurso empezado con la obra Cuartetas y otras historias de amor. La voz de la poetisa sobre el tema del sexo. El cuerpo, su unión y su lejanía del alma, de los pensamientos, están pintados con colores más fuertes de los empleados en la otra colección de cuartetas; el tercer y último "capítulo" dedicado a este tema será "Lezioni d�amore" (Lecciones de amor).
Manfred es un poema corto publicado en 2003 con la colaboración del pintor Giovanni Manfredini.
Finalmente, el epílogo a la colección "Ultimi versi" (�šltimos versos) de Giovanni Raboni desvela una humanidad más tierna y doliente en poesías con rimas ricas de sufrimiento y de ese miedo a la muerte que en toda su obra Valduga ha combatido con las palabras.

Francesca Turrini Bufalini (1553 - 1641)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Fri, 24 Aug 2007 18:01:22 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Francesca Turrini nació en el año 1553 en Sansepolcro, en la provincia de Arezzo. Su padre era Giovanni Taurino (conocido como Turrini) conde de Stupinigi y Villafranca, su madre se llamaba Camilla, hija de Francesco conde de Carpegna.
Su padre murió cuando ella tenía sólo un año de edad y su madre la llevó a Carpegna, pero poco tiempo después falleció ella también, dejándola a cargo de sus tíos. Éstos vivían en Gattara y le dieron una buena educación que ella completó en el convento de Santa Caterina en Pesaro.
En 1574, en la fortaleza de san Giustino, se casó con Giulio I Bufalini con quien tuvo tres hijos (Giulio, Camilla, Octavio). Su marido, que tenía casi cuarenta años más que ella y era viudo por segunda vez, murió en 1583, dejándola sola con los tres hijos. Parte del tiempo lo pasaban en la casa de San Giustino y el resto en la casa de Città di Castello.
Los Bufalini poseían en Roma una capilla con frescos de Pinturicchio en Santa Maria Aracoeli y una casa. Francesca viajaba a menudo a Roma y fue allí donde tuvo la oportunidad de conocer a Tasso, Guarini, Marino y otros poetas y literatos. También tuvo amistad con los Orsini, los Colonna y los Aldobrandini.
Desde el año 1614 al 1622 fue preceptora de Anna y Vittoria en casa Colonna, bien recibida por la duquesa de Paliano.
En 1623 un hecho atroz la hizo volver a Città di Castello: su hijo Octavio y su siervo Livio fueron asesinados por intentar calmar una pelea durante la fiesta de San Lorenzo en Cospaia, un pueblo cercano a San Giustino, donde también murió el asesino.
Francesca murió el 25 de abril de 1641.

Sabemos que compuso rimas religiosas y espirituales sobre los misterios del santísimo Rosario y otras de temas domésticos con mucha sencillez y candidez que reviven las imágenes de su vida de muchacha y de esposa. Estas rimas nos muestran que Francesca no cursó unos estudios regulares, pero sí que sentía una gran pasión por la religión, las bellas artes y la música. Entre los destinatarios de sus sonetos encontramos los nombres más relevantes de la Italia central de su tiempo.
Muchos de los sonetos están dedicados a su marido y son la prueba de que su vena poética se intensificó a partir de 1584.
El poema sobre el Santo Rosario lo dedica al nuevo Pontífice Ippolito Aldobrandini (Clemente VIII), nominado en 1592, como regalo y como protección para su familia, por aquel entonces sus hijos estaban en plena adolescencia y le provocaban más de un disgusto. Sobre todo discutían a causa del vinculante "fidecommesso agnatizio" impuesto por su padre en su testamento.
Lejos de intereses y problemas retóricos y de inquietudes personales, el mundo de Francesca Turrini, lleno de modesta tranquilidad, se caracteriza por una dulzura femenina que encuentra en ella misma la propia satisfacción.
En 1628 da su cancionero de Rime para su publicación en Città di Castello, de donde podemos obtener algunos indicios de su vida, y la noticia de la redacción de un poema heroico, religioso caballeresco, titulado Florio. Este poema inédito se encuentra en el archivo Bufalini en San Giustino, con algunos madrigales y rimas sacras.

Cristina Trivulzio Di Belgioioso (1808 - 1871)

nadyagrleo@wanadoo.es (Nadya Gil Rubiales) — Sat, 26 May 2007 13:48:12 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: italiano y francés

Cristina Trivulzio Belgiojoso (Milán, 28 junio de 1808 - 5 julio de 1871) participó activamente en el Risorgimento italiano. Fue editora de periódicos revolucionarios, escritora y periodista.

Su nombre completo era: María Cristina Beatrice Teresa Barbara Leopolda Clotilde Melchiora Camilla Giulia Margherita Laura Trivulzio.

Cristina, hija de Gerolamo Trivulzio y Vittoria Gherardini, se queda muy pronto huérfana de padre. La madre se volvió a casar poco tiempo después con Alessandro Visconti D�€� Aragona y tuvo un hijo y tres hijas. Cristina estará muy unida a sus hermanos (Alberto, Virginia �€�Valentina", Giulia�€�Gigia", Teresa).

No se sabe mucho de la historia de Cristina cuando era niña. Las pocas informaciones que se tienen se han obtenido por una carta en la cual se describe a su amiga Ernesta Bisi, contrariando a un frenólogo que pretendía conocer a las personas solamente por la forma de su cuerpo. Una versión de aquel periodo de los clarividentes y similares. La propia Cristina dice: "Yo era una niña melancólica, seria, introvertida, tranquila, tan tímida que me sucedía a menudo que me estallar el hipo en el salón de mi madre porque yo creí darme cuenta de que me estaban mirando o que querían hacerme hablar".

Ernesta Bisi era su maestra de dibujo. En ese tiempo se estilaba enseñar a las muchachas de familia noble canto, dibujo y otras formas de arte. A pesar de la diferencia de edad, permanecieron siendo grandes amigas para siempre y las confidencias realmente más íntimas se le harán a ella.

Ernesta la introdujo en el mundo de la" conspiración", a través de sus amigas. El momento más importante de la juventud de Cristina es el matrimonio con el apuesto y joven príncipe Emilio Barbiano de Belgiojoso. Muchos intentaron disuadirla, mientras conociendo los hábitos libertinos de Emilio, pero al final el matrimonio se realizó. Había grandes invitados en la iglesia de S. Fedele en Milán el 24 de septiembre de 1824. La heredera más rica de Italia traía una dote de 400.000 liras austriacas (más de 4.000.000 de ⴬ de hoy). Tenía sólo 16 años cuando adquirió el título de princesa.

El matrimonio no duró mucho. Oficialmente ellos nunca se divorciaron, pero en realidad ellos se separaron pocos años después, permaneciendo buenos amigos (con algunos altos y bajos) hasta la muerte. El marido, se escapó directamente con otra condesa (De Plaisance) y se refugió durante diez años en su villa en el lago de Como (Villa Pliniana). Al final de los años veinte Cristina, después del arresto de su padrastro se aproximó a las personas más involucradas con los movimientos por la liberación y se convertirá en "giardiniera". Los austriacos que dominaban la Lombardía desde 1815 y especialmente el jefe de la policía Torresani empezaron su trabajo de espionaje que duró hasta la unidad de Italia. Era bella, poderoso, y podía molestar mucho. Afortunadamente su fama, su posición social y su diligencia para la fuga, la salvaron de arrestos fáciles.

El gobierno de Viena controlaba cada uno de sus movimientos, y después de muchas amenazas, Cristina escapó al sur de Francia. La historia de este escape es contada por algunos biógrafos con los aspectos rocambolescos; Está seguro en todo caso, que ella se encontró en Provenza sola y sin dinero. Todas sus posesiones estaban congeladas por la policía austriaca y por mucho tiempo no pudo disponer de algún dinero. La última liquidez había sido destinada a pagar las deudas del marido, a cambio de su libertad.

Se encontró sola y hospedada por amigos en el pueblecito de Carquerainne. Aquí entró en escena un nuevo amigo, un tal Pietro Bolognini llamado "il Bianchi", ex notario de Reggio Emilia, al cual los espías austríacos asignaron inmediatamente el papel de amante. Aquí conoció a Augustine Thierry, un historiador que se había vuelto hacía poco tiempo ciego, ambos serán amigos hasta la muerte. Después de algunos meses, y pese a la falta de dinero, desembarcó en París y se buscó un apartamento pequeño al lado de la Madeleine (iglesia de París dedicada a María Magdalena).

Sobrevivió con lo mínimo por algunos meses. Cocinó por primera vez sus comidas y se ganó la vida cosiendo encajes y escarapelas. Una vida un poco diversa a la que estaba acostumbrada en Milán; todavía cuando se había involucrado en esta historia, no lo había pensado mucho antes de actuar, aunque si sabía que tendría que afrontar tiempos difíciles. Habría sido simple recuperar su dinero y estar cómoda en sus palacios en Locate o a Milán. Le habría bastado estar tranquila y no alzarse contra Torresani. Incluso el gobernador austriaco Hartig y el Metternich personalmente se intercambiaron cartas sobre la princesa y ellos aplacaron al jefe de la policía que con gusto la habría tenido encarcelada.

Después de poco tiempo, con un poco de dinero enviado por su madre y un poco recuperada por sus ingresos, consigue cambiar de casa y organizar uno de aquellos salones de aristocracia, dónde reunía a exiliados italianos y a la burguesía europea.

En los años 30 frecuentó al poeta alemán Heinrich Heine, el compositor húngaro Franz Liszt, el historiador francés François Mignet, el poeta francés Alfred De Musset y muchos otros. También tenía una correspondencia con �€�el héroe de dos mundos�€� La Fayette, el viejo general protagonista de la revolución francesa. Se le atribuyeron muchos amantes, un poco como nos esperaríamos hoy de una bella mujer rica en una situación similar. Todavía tenía una relación de amistad con el marido, con el que compartía el pensamiento político y nada más. En estos diez años siguió contribuyendo a la causa italiana, intentando influir en a las personas poderosas, escribiendo artículos y publicando periódicos políticos, cuando nadie quería publicar nada peligroso.

Le continuaron llegando sumas de dinero, y ella intentará distribuirlo, de manera que pueda ayudar a los pobre exiliados italianos, de los cuales se había vuelto referente parisino, e invirtiendo en las revueltas o directamente organizando envíos de armas para los "rebeldes�€� italianos. En 1838 su vida dará un gran giro. Nacerá María, su primera hija. El padre biológico de la niña no era seguramente el marido, con el que no se frecuentaba. Se ha hipotizado con la posibilidad de que fuera su amigo François Mignet o su secretario Bolognini.

Desde ese momento dejará sus salones y sus recepciones y ellos empezarán algunos años de semi-aislamiento. Estuvo de vacaciones en Inglaterra con sus hermanos y hermanas, y allí fue a encontrarse con Napoleón III que estaba en el exilio. Consiguió rasgarle una promesa: cuando el asunto de Francia estuviera arreglado, verá también la manera de poner en su lugar la situación en Italia. Desgraciadamente, una vez que obtendrá el poder de Francia, hará la contraria consideración a Italia, y la princesa quedará muy disgustada. Entonces volverá en París por un año, para después volver finalmente a Locate, dónde empezará sus obras sociales. Aquí creará las guarderías, las escuelas, transformarán su palacio en un falansterio, con algunos cambios introducidos por ella. Crea una casa de ayuda pública y da dotes a las esposas más pobres. Querái modificar también las enseñanzas religiosas, que no creía del todo exactas, pero no llego a tanto. Su trabajo político continuó intentando convencer a todos que la única solución para acercarse a la unión italiana era apoyar a Carlo Alberto y por consiguiente el retorno de la dinastía de los Savoia. Su objetivo no era una monarquía, sino una república al estilo francés, pero, si para llegar a la república era primero necesario unir Italia, él único medio era mediante la monarquía de los Savoia.

Perdidos en un abrir y cerrar de ojos los Cinco días en Milán, pero, encontrándose con Nápoles durante las insurrecciones, recogió a 250 hombres y los llevó en una nave hasta Milán, en ayuda a los guerrilleros. Durante unos meses se respiraba aire de libertad aunque la princesa no estaba de acuerdo con había obtenido el poder. El tiempo le dio la razón, de hecho mese después los austriacos volverán a Milán. Ella, y muchos otros burgueses de Milán, se las arreglarán pagando una multa elevadísima, salvando el palacio y la libertad.

El pasado un año, se encontró de nuevo en primera línea en el momento de la insurrección romana. Ellos asignan a ella la organización de los hospitales y su es distinguido, todavía antes del Florencia Nightingale famoso.

Desgraciadamente, también en Roma la revuelta es calmada además con la propia ayuda de los franceses tan querido por Cristina. Desaparecida también esta esperanza de libertad y traicionada por su propio amigo Napoleón III que zarpó en una nave directa a Malta. Iniciará un viaje que la llevará a Grecia para acabar en Asia Menor, en el valle perdido y desolado de Ciaq Maq Oglù, al lado de la actual Ankara, Turquía.

Aquí, sola con su hija María y otros pocos exiliados italianos, sin dinero y solamente mediante créditos, establecieron una empresa agrícola. Desde aquí escribió artículos e historias de sus peripecias orientales consiguiendo así un poco de dinero para seguir viviendo durante casi cinco años. En 1855 gracias a una amnistía recuperó los permisos de la burocracia austriaca, y volvió finalmente a Locate.

En 1858 muere su aún marido legal Emilio y pocos años después consigue finalmente hacer legítima a su hija María. En 1860, después del matrimonio de su hija con el buen Ludovico Visconti D�€�Aragona, comienza una vida como suegra. Dejará serenamente la política, porque en 1861 se formará finalmente la Italia unida, tan ansiada por ella.

Desde este momento será olvidada por todos, como si ya no sirviese más. Vivió entre Milán y Locate y el lago de Como. Se compró una villita en Blevio dónde se transfiere con su fiel Budoz, el sirviente turco que la había seguido durante más de veinte años y Miss. Parker, la gobernanta inglesa que había vivido con ella y su hija desde el viaje de 1839 a Inglaterra. Murió joven en 1871, con tan sólo 63 años. Había tenido una vida con muchas vivencias y siempre había padecido varias enfermedades, así como un tentativo de homicidio que había dejado diversas heridas. Fue enterrada en Locate, dónde todavía se encuentra.

Flora Tristan (1803 - 1844)

yussolano@yahoo.com (Yusmidia Solano Suárez) — Wed, 13 May 2009 08:51:42 -0200

Periodo literario: Ilustracion | Lengua en la que escribe: FRANCES

Flora Celestine Therese Tristán Moscoso nació en París el 7 de abril en 1803, en plena época napoleónica. Fue hija del coronel Marino Tristán y Moscoso, coronel peruano de la armada española y de la francesa Anne Laisney.
Durante los primeros años de su vida, Flora no se vio privada de nada y crecíó en un hogar siempre concurrido por visitas del nivel de Simón Bolívar y su maestro Simón Rodríguez.
La muerte de su padre cuando Flora sólo tenía 4 años sume a la familia en la pobreza. El estado francés revolucionario no reconoce a la viuda ni a los hijos negándoles cualquier bien o derecho.
Por este motivo, Flora comienza a trabajar como obrera en un taller de lítografia. Con apenas 17 años, se casa con el propietario de ésta, André Chazal, y tiene tres hijos, uno de ellos, Aline, será la futura madre del pintor Paul Gaugin.
Decepcionada del matrimonio comienza a trabajar como criada de una familia inglesa, por lo que debe viajar a Inglaterra. Se inicia entonces una lucha legal por la custodia de los hijos que duraría 12 años.
Sus amargas vivencias despiertan en ella un pensamiento y una actitud revolucionaria que la convierte en la precursora del movimiento feminista. Viaja por varios países donde realiza trabajos de toda clase, es en este momento cuando toma conciencia de su condición de "paria".
En 1833 decide viajar a Perú para reclamar la herencia que le corresponde de su padre, pero solamente consigue una pensión mensual. La etapa que pasa en Perú donde asiste a la guerra civil y ve la gran diferencia entre las distintas clases sociales será significante para el futuro de Flora: se convierte en defensora declarada de los derechos y libertades de la clase obrera y de la mujer.
Las persecuciones de su marido continúan, hasta el punto de recibir un disparo que la deja mal herida. Finalmente es condenado y ella consigue liberarse de él.
A raiz de un viaje a Londres, donde Flora consigue penetrar en la cámara de los lores disfrazada de hombre y donde entra en cometo con los obreros que malviven en una sociedad que les da la espalda, decide dedicar sus esfuerzos en un futuro sobretodo a la clase obrera: antes de empezar a gestarse las ideas de Marx y Engels, viaja por toda Francia dando apoyo a los trabajadores de su país.
En 1844 fallece víctima del tifus con solo 41 años, dejándons plasmadas sus ideas y sus vivencias en su prolífica obra, de la cual destacan Peregrinaciones de una paria, Paseos en Paris, Selección de Cartas, una recopilación de cartas del Libertador Simón Bolívar, Unión Obrera así como otros dos libros a favor del divorcio.

Maria Antonietta Torriani Torelli Vollier (1840 - 1920)

pellegrino.rossana@libero.it (Rossana Pellegrino) — Wed, 30 May 2007 01:05:32 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: Italiano

La "Marchesa Colombi", seudónimo de Maria Antonietta Torriani, fue una de las escritoras menores más importantes del siglo XIX italiano. Nació en Novara en 1840 en un entorno familiar bastante difícil: el padre, relojero, muriendo dejó la familia llena de deudas. La madre, por lo tanto se casa con un anciano creyendo solucionar los problemas económicos y dar un futuro mejor a sus hijas. Pero en realidad todo fue completamente diferente: la vida en casa con el padrastro fue dura y todo organizada en función del hermanastro. Con la muerte de la madre algunos años después, a Maria Antonietta y a la hermana se supone la misma suerte que tocaba a la mayoría de las mujeres de la época: aceptar una boda de conveniencia o seguir viviendo en la casa paternal asistiendo y cuidando al hermanastro. Su hermana se casò, Maria Antonietta en cambio resiste porque quería hacer otro de su vida, y sobre todo no aceptaba una suerte elegida por otros y tampoco quería seguir viviendo en un entorno, en una ciudad que le estaban estrechos y que no le ofrecían ninguna posibilidad y revelación artística.
Maria Antonietta, con sus esfuerzos escapó del pequeño mundo antiguo de la provincia piamontesa y poquito a poco se convirtió en la protagonista del mundo de las letras y de las artes. En primer lugar entró en un convento sea para estudiar sea para llegar a ser independiente y ganarse vivir sólo con su trabajo.
En 1866 consigue el diploma de maestra y enseñó en la escuela primaria de la �€�Bassa Novarese�€�. Pero tampoco el trabajo de maestra la satisfacía por completo y por tanto en 1868 se trasladó a Milán para buscar ocasiones que les pudieran permitir estar libre y sobre todo vivir de su escritura
El traslado a Milán fue una algo azaroso porque sea la ciudad que la época no eran acostumbradas a ver a las mujeres que escribían y que vivían de su trabajo de escritoras, es decir esta forma de independencia de las mujeres, y por tanto el inicio fue muy duro. Empezó a publicar en algunas revistas, ante todo en la �€�Illustrazione Universale�€�, dónde trabajaba el periodista Eugenio Torelli Vollier, con el cual había iniciado una correspondencia cuando estaba en convento. Sucesivamente colaboró con la revista turinés �€�Passatempo�€�
El 1870 fue un año muy importante para Maria Antonietta: en abril tuve su primera conferencia pública sobre Giulia Módena y en esta ocasión nació su amistad y su colaboración con Anna Maria Mozzoni. Muchas ideas y experiencias unen a las dos mujeres y sobre todo la necesidad de dar a las mujeres la posibilidad de instruirse. La instrucción es el primer paso que habían que cumplir para poder trabajar y ser independientes.
Nace así el proyecto de instituir un bachillerato femenino, la �€�escuela superior femenina Agnesi", en Milán, que fue inaugurada el 20 noviembre del mismo año. La poética de Maria Antonietta estaba centrada sobre la importancia que tenía o habría podido tener la literatura en la educación de las mujeres y sobre todo la contribución que las mujeres, en los en varios períodos históricos, habían dado a la literatura.
En 1871 empezó a publicar sus trabajos e inició su colaboración con el periódico emancipador "La donna", un periódico escrito solo por mujeres y por lo tanto visto con desconfianza y considerado escandaloso en los entornos más conservadores. Con la colaboración a esta revista Maria Antonietta entra en el vivo del debate social emancipazionista y feminista de su tiempo. Las batallas de estas mujeres concernían temas preferidos a la escritora: la educación, el acceso a las profesiones para las mujeres, la boda como única salida, la condición de las mujeres núbiles y su posibilidad de vivir contando con la misma independencia económica.
El 1875 fue un año significativo por dos motivos: inició a firmar sus obras con el seudónimo �€�La Marchesa Colombi�€� y se casa con Eugenio Torelli Viollier.
De aqui se multiplicaronn sus colaboraciones con periódicos como �€�il corriere della sera�€� (fundado y dirigido por el marido), y luego �€�La Nazione�€� y revistas como �€�Regalo italiano�€�, �€�Fanfulla�€�, �€�Nuova Antologia�€�, �€�Domenica letteraria�€�, y también con periódicos para los niños y siempre en este período publicó numerosos libros.
En 1886 se separó del marido y en 1900 después de su muerte se trasladó a Turín. Aquí públicó sus últimos libros: �€�Il bambino della Pia�€�, �€�Le gioie degli altri�€�, �€�Racconti popolari�€�. En los últimos veinte años de su vida vive entre Turín y Cumiana interrumpiendo su permanencia viajando por toda Europa.
El 24 de marzo de 1920 muere en su casa de Turín.

Lucrezia Tornabuoni De´medici (1425 - 1482)

marihuANALOK@hotmail.com (Ana De Zayas-enriquez) — Tue, 29 May 2007 10:36:29 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Toscano

Lucrezia, hija de Francesco Tornabuoni y Francesca Pitti, nació en Florencia en 1425. Casada con Piero de´Medici, tuvo varios hijos entre los que destacó Lorenzo el Magnífico. Aunque nunca se ocupara directamente de política, a menudo, ayudó a su marido en los asuntos de estado ya que éste se encontraba débil y enfermo de salud. Por otra parte, podemos considerar a Lucrezia como buen ejemplo de una dama de la alta sociedad florentina: una excelente administradora de la casa pero también una gran participadora de la vida cultural de su época. Estuvo rodeada de artistas y literatos entre los que destacaron Poliziano y Pulci. Su actividad literaria, giró en torno a su profunda religiosidad; escribió poemas sobre temas bíblicos y evangélicos además de laudas e himnos en torno a la vida de Cristo. También son interesantes las cartas de Lucrezia que se han conservado.
Murió en Florencia el 25 de marzo de 1482 y fue enterrada en San Lorenzo.

Barbara Torelli - Bentivoglio Strozzi (1475 - 1533)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Thu, 07 Jun 2007 10:38:23 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Hija de Marsilio, conde de Montechiarugolo, fue una mujer de belleza sin igual, que nació en Ferrara probablemente en el año 1475. Se casó en 1491 con Ercole Bentivoglio, caudillo al servicio de Florencia, pero poco después lo abandonó porque se enamoró de Ercole Strozzi, poeta de elegantes elegías en latín, con quien se casó al poco tiempo, el 24 de mayo de 1508. Con esta unión Ercole legitimizó una hija de nombra Giulia que había tenido con Barbara antes del matrimonio. Desgraciadamente su historia de amor no duró mucho porque trece días después, el 6 de junio, de la celebración de la boda Ercole fue asesinado. Fue encontrado lleno de sangre, atravesado veintidos veces por un puñal, envuelto en su propia capa y abandonado en la calle al lado de la Iglesia de S. Francesco di Ferrara. Algunos aseguran que fue asesinado por orden del duca Alfonso d�€�Este, celoso de él; otros que fue asesinado por Galeazzo Sforza di Pesaro y otros sostienen que la orden llegase del primer marido de ella.
Desconsolada pasó los últimos años de su vida en Reggio, en Emilia y murió en Bolonia el 17 de noviembre del año 1533.
De ella nos llegaron pocas obras, la más famosa e importante es el soneto que escribió a la muerte de su marido donde se reflejan los sentimientos sinceros de Barbara por él, lleno de expresividad y densidad de imagenes, reflejo de la dramática situación.

Obras

Algunas poesías y el insigne soneto por la muerte de su marido se pueden encontrar en la colección de Poeti Ferraresi antichi e moderni y en Memorie per la storia di Ferrara, tomo IV de Frizzi.

Benedetta Tobagi (1977 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Fri, 01 Oct 2010 07:32:13 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Benedetta Tobagi nació en Milán en 1977. Se ha licenciado en Filosofía. Es colaboradora habitual de diversos periódicos y editoriales en Italia y también ha trabajado en el campo de la producción audiovisual.
Es actualmente una mujer comprometida con el mundo de la cultura en general, desarrollando interesantes iniciativas culturales y proyectos didácticos en centros de documentación y asociaciones para la memoria del terrorismo.
Cuando cuanta tan solo con 3 años asiste a una escena terrible: ve el cuerpo de su padre en el suelo de una calle de Milán, con un agujero en la cabeza, después de haber sufrido un atentado de manho de la Brigada 28 de marzo. Nadie se da cuenta de que la niña ha seguido a la madre hacia la calle y que ha presenciado la terrible escena, escena que señala su vida para siempre y que le llevará a intentar descubrir quién sera su padre, recogiendo información de todos los papeles almacenados en el pequeño despacho de la casa, de los amigos que le cuentan cómo era el padre, etc.

Jasmina Tesanovic (1954 - )

cinziolina@yahoo.com (Cinzia Sama) — Sat, 28 Apr 2007 10:00:09 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: INGLES

Jasmina Tesanovic (Belgrado, 1954), pacifista y activa feminista, desde 1978 cuando ayudó a organizar la Primera Conferencia Feminista de la Europa del Este, (en 1994 fundó también la editorial Feminista 94 en Belgrado), es una de las escritoras, traductoras (tradujo al serbo a Pier Paolo Pasolini, Elsa Morante, Italo Calvino, Hannah Arendt, Karen Blixen) y directoras de películas más importante de la actual literatura yugoslava.
En el año 2000 publicó en España "El diario de Jasmina", (que se publicó por primera vez en castellano en Buenos Aires, en el 1999 y por primera vez en internet) escrito durante la guerra de Kosovo y los bombardeos sobre Belgrado por parte de la OTAN. Fue acusada de traición por el gobierno de Milosevic y por eso sus textos circularon clandestinamente fuera de Yugoslavia, hasta que se publicaron en la revista "Granta". El diaro fue traducido a once idiomas y hasta la fecha se han vendido 10.000 ejemplares. Ha sido llevado a la pantalla bajo el título "Opera moral de una idiota política" (1999).
De las páginas de este diario, aprendemos que Tesanovic pasó su infancia en el extranjero para seguir, con su madre, al padre a los distintos destinos adónde lo llevaba su carrera de ingeniero y hombre de negocios.
Una obra suya menos conocida es "Matrimonium" (traducido al español en el 2003) muy importante para entender el concepto de relación matrilineal en la literatura escrita por mujeres. Este libro, junto a "Amor Mundi", escrito por Dusan Velickovic, el primer esposo de Tesanovic, recuerda, desde una diferente perspectiva, los 72 días del bombardeo de la OTAN sobre Yugoslavia y opina sobre el asesinato de su primer ministro Milosevic.
A diferencia de "El diario de Jasmina", en "Matrimonium" son muy pocas las referencias políticas y casi siempre están puestas en relación con la madre, a quien Tesanovic dedica el texto: �€�Para mi madre, que se convirtió en mosca�€�. La desaparición de la madre coincide con la caída de Milosevic y del comunismo en Serbia, que representaba la ideología de su vida.
"Matrimonium" es muy valioso porque nos proporciona varias informaciones sobre la vida de la autora. Ella misma nos cuenta que su relación con la madre fue siempre muy controvertida y difícil, porque ésta era muy fuerte y autoritaria, tanto que ella a sólo veintún años, se va de la casa. La madre nunca apoyó sus decisiones, y menos la de ser una escritora. �€�Tuve una infancia explicablemente triste. (...) Me sentí vigilada y controlada y por eso partí.�€�
En "Matrimonium" Tesanovic confiesa que la represión materna repercutía también a nivel profesional, tanto que no se atrevió a escribir hasta que ella murió. �€�Tu imponente presencia física funcionaba como una censura, pero ahora que no estás me siento más libre�€�.
Pero sólo a un solo año de su muerte, Jasmina quiere parecerse a la madre, y se vuelve cada vez más obsesionada por reconquistarla y volverla parte de sí. Sólo cuando eso pasa Jasmina puede dejar de escribir su diario, después de un largo año.
A través de "Matrimonium" nos enteramos también de que Tesanovic tiene a una hija con la cual tiene una relación muy fuerte. �€�Volví a amar otra vez. (...) He tenido suerte de ser una madre y no sólo una hija�€�.
En "Matrimonium" Tesanovic habla también abiertamente del matriarcado y del patriarcado, acusando al segundo y defendiendo al primero. Hay muchos comentarios sobre la situación de la mujer, todavía muy desfavorable, y bien representada por su madre, que por seguir a su esposo, dejó de ejercer la profesión de doctora.
"Matrimonium" está escrito en forma de diario, pero tiene una estructura anómala, así como la narración, porque la mayoría de las veces Tesanovic se dirige a su madre, casi se tratase de cartas y en pocos casos habla referiéndose a ella con la tercera persona.
Lo interesante de este otro diario es que no está escrito en la lengua madre de Tesanovic, sino en inglés, porque �€�He tratado de escribir unas pocas palabras sobre tí [la madre] en nuestra lengua (...) y me sentí enferma... Ese lenguaje me trae malos recuerdos y siento miedo mientras escribo. Es el idioma en el que soy juzgada por las personas que amo... Es el lenguaje de la censura y la autocensura. Es un lenguaje patriarcal y patrimonial. Sólo en inglés puedo decir tu secreto�€�.
En el 2005 Tesanovic se vuelve a casar con el escritor americano de ciencia ficción Bruce Sterling.
Actualmente colabora con diversos medios italianos, estadounidense, británicos y yugoslavos, por los cuales escribe artículos, donde analiza la situación internacional. Uno muy interesante es el sobre el décimo aniversario de la masacre de Srebenica (julio de 2005), donde, como siempre, Jasmina mira de frente los hechos. Como serbia y como europea, hace autocrítica al describir tanto la indiferencia de sus vecinos como la de la comunidad internacional.

Laura Terracina (1519 - 1577)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Sun, 13 May 2007 09:17:00 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Muchas incertidumbres y lagunas rodean la vida de la poetisa Laura Terracina.
Empezando por su fecha de nacimiento que algunos críticos sitúan en el 1525. En un soneto ella misma dice �€�avendo io trentadue anni Nel mille cinquecento cinquanta uno�€� así que siguiendo sus propias palabras la situaremos en 1519 y en Nápoles donde dice en otro soneto �€�nacqui�€� di pover seme�€� ne la più dolce et vaga Città del mondo�€�.
Fue hija de Paolo Terrracina y Diana Anfora di Sorrento, sus hermanos fueron Giacomo, que tuvo el cargo de justiciero en la ciudad de Nápoles, y Mariano que fue abad en un convento de Taranto. Cuando Giacomo contrajo matrimonio en el 1535 Laura se trasladó a la nueva casa del hermano y con la nueva familia vivió muchos años. Creció en el ambiente de la nobleza napolitana, los Bacio-Terracina pertenecían a la alta burguesía napolitana. Su padre en 1507 obtuvo de Fernando el Católico jurisdicción de barón sobre algunas tierras de la provincia de Lecce y murió probablemente después de 1567.
Fue una mujer inteligente y culta, se reunía y tenía buena relación con los mejores literatos y poetas de su tiempo. Incluso Vittoria Colonna le dedicó unos versos de admiración �€�Per essere donna anch�€�io, donna gentile, / s�€�io leggo i vostri versi / così leggiadri e tersi, / spiegati in vive carte e �€�n puro inchiostro / con che indorate il ferreo secol nostro, / tanto stupore io piglio...�€�.
Mantuvo correspondencia con muchos insignes literatos, entre los que podemos destacar a Tansillo, con quien mantuvo una vasta correspondencia poética y a Giovann�€�Alfonso Mantegna di Maida, con quien intercambió rimas y epístolas en 1551 con cierto tono de ternura.
Desde el año 1545 hasta 1547 formó parte de la Academia degli Incogniti donde brilló por su inteligencia y sus rimas con el nombre de Febea.
Traiano Boccalini en Ragguagli di Parnaso narra la triste historia de la muerte de Laura Terracina. Cuenta que cuando la poetisa llegó al Parnaso, fue cortejada por muchos hombres entre los cuales Mauro. Éste no le era desconocido a la poetisa ya que de él había leído alguna obra y lo admiraba, así que lo aceptó como marido. Poco después del matrimonio Mauro notó que su esposa a menudo llevaba en la pierna derecha una liga pomposa bordada con oro y llena de joyas. Cuando su marido supo que era un regalo del rey de Inglaterra Eduardo VI, como premio por la devoción hacia él, de un ataque de celos la degolló.
Parece increíble, pero esta fantasía de Boccalini pasó durante años por una narración biográfica, sin darse cuenta de los errores cronológicos que hacían de la historia una narración fantástica. Mauro en realidad murió en el año 1536 y era imposible que estuviese celoso del rey de Inglaterra que nacía un año después. En estos errores, tan evidentes, no cayeron eruditos como Quadrio o Ferri.
También fue una de las protagonistas de un poema dramático de Giacomo Riccio �€�Maritaggio delle Muse�€� colocándola como una amante de Ariosto, obsesionada por el amor que se lamenta de la crueldad de su amado. Caporali la consuela y ella se olvida de su amante Ariosto y ama a Caporali que se siente obligado a casarse con ella.
En realidad Laura fue esposa de Polidoro Terracina, un pariente suyo con quien se casó cuando ella tenía más o menos cuarenta años, entre 1560 o 61, y murió de muerte natural. Su marido la amó de forma incondicional y su amor por ella fue tan exclusivo que llegó a turbarse por los celos que sentía hacia su esposa (para él su belleza no había desaparecido), hasta el punto que ella más de una vez le reprocha estos celos y lo calma asegurándole, en sus rimas, el amor que siente por él.
Entre los años 1570 y 72 Laura viajó a Roma, como se lee en algunos sonetos, en busca de un lugar más tranquilo. No se sabe cuanto tiempo exactamente haya permanecido allí, pero casi con seguridad se puede afirmar que haya escrito allí su última obra, durante la elección del nuevo papa Gregorio XIII en mayo del 1572, y después haya abandonado la ciudad.
De los últimos años de vida de la poetisa no se sabe mucho pero tuvieron que ser muy tristes ya que fue despidiendo uno a uno a sus amigos, protectores y familiares quedándose prácticamente ella sola esperando su muerte.
Aunque se desconoce la fecha exacta de su muerte se sabe con certeza que fue después de 1577, cuando terminó la dedicatoria de su última obra.

Sus obras

Fue una poetisa �€�docta�€� y con un estilo controlado. Aunque algunos críticos consideran que en sus rimas no aparece ningún �€�labor limae�€�. A este propósito dice Jolanda De Blasi que �€�non seppe l�€�arte della lima, e la trascuratezza della forma fa capolino più che di dovere�€�. Sin embargo fue una rimadora fecunda y muy apreciada por sus contemporáneos.
Se la recuerda sobre todo por sus composiciones morales y políticas, donde encuentra un espacio para expresar, con enérgica perfección, sus nobles sentimientos, a menudo velados por una sombra de melancolía. En sus versos a menudo pasó de la inspiración profana a la religiosa, ya que en ella eran grandes el desprecio del mal y la visión del mundo para nada alegre y feliz. Puede ser que por esto Boccalini sostenga que en sus versos se aprecie el lúgubre presentimiento de su legendario final violento.
Muchos personajes de su propia familia son recordados en sus rimas. Recuerda sólo una vez a sus padres y sabemos que ha estado casada porque en la epístola dedicatoria de la Seconda parte dei discorsi sopra le seconde stanze del Furioso (22 agosto 1567) dice de haber compuesto la obra tras la petición de su marido �€�il signor Polidoro�€� quien aparece nombrado numerosas veces en las rimas compuestas entre 1549 y 1560.
Sus obras gozaron de innumerables reediciones y podemos encontrarlas en numerosas colecciones.
La primera edición de sus Rime fue publicada en 1548 en un elegante volumen de Giolito en la ciudad de Venecia y un año después se publicó en Florencia las Rime seconde dedicadas a un alemán de nombre Leonardo Kurz. En el mismo año publica con Giolito La prima parte dei discorsi sopra le prime stanze de�€� canti d�€�Orlando furioso, donde parafraseaba en modo preciso y meticuloso las primeras estancias del poema, cuarenta y seis composiciones de tema moral o encomiástico, cada una de siete octavas, de las cuales los versos finales eran las primeras octavas da cada uno de los cantos del Furioso.
Con la octava rima al estilo de Ariosto, Laura da la vuelta a los frecuentes comentarios sobre las mujeres y encuentra el modo de estimular a las mujeres al estudio.
En 1550 publicó Quarte rime y en 1552 Quinte rime ambas en Venecia con Valvassori.
En 1558 publica Seste rime en Luca con una reedición en Nápoles.
Las Settime rime fueron publicadas en Nápoles con Cancer en 1561 con el título Settime rime sovra tutte le done vedove di questa nostra città di Napoli titolate et non titolate. En estas rimas se ve cómo la poetisa ya no se siente joven y le dice adiós con dolor a su radiosa juventud perdida y a su belleza marchitada.
A estos versos les siguió las Ottave, que corresponden a la Seconda parte dei discorsi sopra le seconde stanze de�€� canti d�€�Orlando furioso, siguiendo el mismo método de la anterior y publicada en 1567 con Valvassori.
Y su último trabajo fue Sonetti al sommo pontefice Gregorio decimoterzo, et con sua Santità tutti i Cardinali, Rime spirituali, morte di Principi er di Signori titulati, et non titulati con altri sonetti a particulari gentil�€�huomini e donne composti per la signora Laura Terracina, Libro Nono, que dedicó al cardinal Ferrante de�€� Medici el 30 de noviembre de 1577. Son las últimas rimas de la poetisa que se encuentran en un códice inédito en la Biblioteca Nazionale de Florencia.

Harriet Taylor Mill (1808 - 1858)

954378830@telefonica.net (Ricardo Hurtado Simó) — Fri, 18 May 2007 02:46:06 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Inglés

Como tantas otras veces, la historia de la filosofía ha eclipsado el papel de una mujer en favor del de un hombre. En este caso, la pensadora Harriet Taylor Mill aparece siempre a la sombra de quien durante algunos años fue su marido, John Stuart Mill. Por el contrario, el peso y la capacidad intelectual de Harriet están como mínimo al mismo nivel que el de su marido, como él mismo reconocía, "Era tan elevado el nivel general de sus facultades, que la más sublime poesía, filosofía, oratoria o arte parecían triviales a su lado y aptos sólo para expresar una pequeña parte de su espíritu".
Harriet Taylor Mill nació el ocho de octubre de 1808. A la edad de dieciocho años se casó con John Taylor, en 1826, rico hombre de negocios centrado en el ámbito farmacéutico, con quien tuvo tres hijos: Herbert, Algernon y la pequeña Helen. Tanto John como Harriet participaron activamente en la Iglesia unitaria, en el grupo conocido como los �€�Unionistas radicales�€�, defendiendo posiciones extremas para la época.
La joven pareja mantenía estrechas relaciones con los miembros más distinguidos de los unitarios, entre los que destacaba William Fox, defensor de los derechos de la mujer y ministro unitario de la capilla de South Place, parroquia a la que pertenecían Harriet y John. A través de la persona de W. Fox fue posible que Harriet y John Stuart se conocieran en 1830, pues John Stuart también se movía en ambientes radicales, aunque éste pertenecía a los �€�Filósofos radicales�€�, de corte utilitarista, que pretendían llevar a cabo ciertas reformas parlamentarias. Desde el primer momento, Harriet y John Stuart congeniaron, asombrándose John por la fuerza activa de Harriet, y destacando ella que John era el primer hombre que la consideró como un igual. Por esta época, el matrimonio de Harriet con John Taylor estaba deteriorado; por ello, durante los años 1831 y 1832, Harriet escribió ensayos sobre la mujer y el matrimonio, unos veinte años antes de que realizara �€�La emancipación de la mujer�€�. En este momento, su interés por el matrimonio y el divorcio era obvio, por encontrarse casada, pero enamorada de otro hombre diferente de su marido.
Al poco tiempo de empezar la relación con Stuart Mill, el marido de Harriet estuvo al corriente, y permitió los encuentros entre ambos hasta cierto punto. Así, en 1833, Harriet se estableció en una casa separada de la de su marido, llegando incluso a realizar viajes junto a Stuart Mill; sin embargo, la �€�benevolencia �€� de John Taylor tenía sus límites, y se negó a que Stuart Mill le dedicara a Harriet los �€�Principios de economía política�€�. En 1849, John Taylor empezó a padece cáncer, y pidió a Harriet su compañía y cuidados, negándose ésta por sentir el deber de permanecer junto a Stuart Mill, aquejado de una lesión de cadera y de una pérdida temporal de visión. Finalmente, John Taylor falleció en el mismo 1849.
Pese a llevar unos veinte años juntos, Harriet y John Stuart esperaron dos años más para casarse, en 1851. Aún está presente la controversia sobre qué tipo de relación tenían, y si mantuvieron relaciones sexuales o no. Controversia que tiene su razón de ser en la rígida moral victoriana de mediados de siglo XIX y en las fuertes convicciones intelectuales de ambos sobre el sexo físico.
Harriet y John Stuart tenían poco más de veinte años cuando se conocieron, estando veinte años compartiendo sus vidas fuera del matrimonio y siete como marido y mujer, hasta la muerte de Harriet. La salud de Harriet estaba notablemente deteriorada a causa de la tuberculosis, motivo que le hizo entre las décadas de 1830 y 1850 viajar en varias ocasiones a Francia e Italia para mejorar su estado con un clima más cálido que el inglés; en 1858 viajó de nuevo a Francia por estos motivos, falleciendo ese mismo año en Avignon. En su �€�Autobiografía�€�, Stuart Mill la define como su "antorcha intelectual".
Tras la muerte de Harriet, John Stuart Mill se trasladó a Avignon para pasar el resto de su vida hasta 1873, fecha de su defunción.

Arcangela Tarabotti (1604 - 1652)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Sun, 18 Mar 2007 19:08:09 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: italiano

Sor Arcangela Tarabotti (1604-1652),considerada un de las más imporatantes escritoras italianas de su época entró siendo niña _ y en contra de su voluntad- en el monasterio denel Sant�Anna de Venecia,donde pasó el resto de su vida en estricta clausura.
Fue una de las muchas �€�monjas forzosas�€� en la Venecia del siglo XVII y vivió el monasterio como una cárcel y un �€�inferno de�€� viventi�€�.

La verdadera vocación de Arcangela Tarabotti (Elena Cassandra) no era religiosa, sino literaria. Autodidacta, empleó su talento para sacar a relucir los motivos políticos y económicos que estaban en la base del monacato forzoso, siendo el punto de mira en el contexto más amplio de la opresión de las mujeres, por defender a las mujeres denunciando la opresión que estaban sufriendo junto a otras injusticias perpretadas por los hombres.

Tarabotti escribe, con un resentimiento perceptible,que los hombres �€�han usurpado terreno a las mujeres, de entre las que pocas pueden dedicarse al noble empleo del escribir, porque son alejadas de las tiranías viriles del poder aprender a leer y de la luz de las doctrinas y de las hermosas letras.

A través de la actividad literaria ella, que se describe como �€�una mujer a la que le falta la luz del arte y del estudio necesario de quien procesa las hermosas letras�€� consiguió superar los límites físicos que la separaban del mundo que ansiaba. Estableció una amplia red de contactos literarios, mantuvo una estrecha correspondencia con mujeres y hombres notables como Giovan Francesco Loredano , Vittoria della Rovere o el Cardenal Mazzarino, publicò cuatro obras controvertidas y redactó otras seis.

En conclusión, parece que sus obras representan un caso histórico y literario único. �€�Le lettere familiari e di complimento�€� son la obra maestra de esta escritora que no tiene rivales en el campo femenino durante el siglo XVII . Es en esta obra donde la voluntad y la determinación de Tarabotti de legitimarse a sí misma como escritora aparecen clarísimas.

Alfonsina Storni (1892 - 1938)

milena@ugr.es (Milena Rodríguez) — Sun, 20 Apr 2008 08:33:34 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

Alfonsina Storni (1892-1938), considerada una de las poetas argentinas más importantes y una de las más destacadas "poetisas" del postmodernismo hispanoamericano, nació en Sala Capriasca, cantón ticino de la Suiza italiana, el 29 de mayo. A los 4 años comienza a vivir en Argentina, país al que emigran sus padres. Su infancia transcurre entre las ciudades argentinas de San Juan y Rosario. Alfonsina trabaja desde los doce años para ayudar a sostener su casa, en trabajos de bordado y costura. En 1907 se incorpora a la compañía teatral de José Tallaví y realiza una gira de un año por todo el país. En 1909 se matricula en la Escuela de Maestros Rurales, cuyo título recibe en 1910. En 1911 comienza su carrera docente en la la Escuela Elemental Nº 65 de Rosario y publica también sus primeras colaboraciones en varias revistas rosarinas. Al terminar el año escolar, renuncia a su empleo y se traslada a Buenos Aires. En 1912, sin haberse casado, nace su hijo Alejandro Alfonso.
En 1916 aparece su primer libro de poemas, "La inquietud del rosal", libro aún adolescente, de escaso valor literario, y se incorpora al grupo "Nosotros". En 1918 publica su segundo poemario, "El dulce daño", que incluye uno de sus mejores y más célebres y representativos poemas, "Tú me quieres blanca", y en 1919 se edita su tercer libro de versos, "Irremediablemente". Al año siguiente aparece "Languidez", libro que recibe el Primer Premio Muncipal y el Segundo Premio Nacional de Literatura. Alfonsina comienza a colaborar en esta fecha en el periódico "La Nación" de Buenos Aires, donde firma en ocasiones con el seudónimos Tao-Lao. Adquiere también la ciudadanía argentina.
En 1923 Alfonsina es nombrada profesora de Lectura y Declamación.
En 1925 publica "Ocre", su quinto poemario y en 1926 el libro de poemas en prosa "Poemas de amor".
En 1927 se estrena su obra de teatro "El amo de mundo". En 1930 dicta conferencias en España con gran éxito. En 1932 publica "Dos farsas pirotécnicas", que contiene las obras teatrales "Cimbelina en 1900 y pico" y "Polixena y la cocinerita". En 1934 publica el que será su último libro de poemas, "Mundo de siete pozos", donde se aprecia una influencia de la estética de las vanaguardias.
En el año 1935, Alfonsina descubre que tiene un tumor en el pecho izquierdo y es operada de "cáncer de pecho con ramificaciones".
En enero de 1938 Alfonsina participa junto a Gabriela Mistral y Juana de Ibarbourou en unas charlas organizadas por la Universidad de Montevideo, que reúnen a las tres figuras más representativas de la poesía femenina hispanoamericana de la época. La intervención de Alfonsina se titula "Entre un par de maletas a medio abrir y las manecillas del reloj". Durante ese mismo año, el 25 de octubre, Alfonsina se suicida arrojándose al mar en una playa de Mar del Plata. Días antes escribe su último poema "Voy a dormir", que sirve de inspiración para la famosa canción "Alfonsina y el mar".
Una frase de Federico de Onís, escrita en 1934, resume la importancia de Alfonsina Storni dentro de la poesía escrita por mujeres: "es la más feminista de las poetisas mayores de esta época: todas ellas, como mujeres, expresan inevitablemente, cada una a su modo, sentimientos femeninos; pero Storni ve además su feminidad como problema no sólo individual, sino social".

Gaspara Stampa (1523 - 1554)

zamiramy_1982@libero.it (Ermira My Cela) — Tue, 23 Jan 2007 19:40:07 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Gaspara Stampa, la voce piu� autentica e spontanea della poesia italiana del seidicesimo secolo, nacque a Padova nel 1523 da una colta ma modesta famiglia di commercianti di origine milanese. Nel 1531, alla morte del padre Bartolomeo, si trasferì a Venezia con la madre, il fratello Baldassare e la sorella Cassandra. A Venezia tutti e tre ebbero una buona educazione letteraria e artistica, in particolare le due sorelle divennero presto ammirate cantanti e suonatrici di liuto. La casa Stampa divenne un salotto letterario tra i piu� freguentati dai maggiori musicisti,pittori e letterati di Venezia.
Gaspara, ammirata come cantante oltre che per la sua bellezza, ebbe molti corteggiatori. Molti elementi inducono a pensare che fosse una cortigiana, una di quelle cortigiane colte ed eleganti, d�alto rango, di cui specialmente Venezia nel 500 era piena, e che viveva in un ambiente raffinato composto di nobili e artisti che avevano il culto della poesia, della musica e delle arti in genere. Qualunque sia la sua biografia di cortiggiana oppure no, Gaspara dovette essere una donna che con prontezza d�ingegno e vivacità, riusci� a vivere in una certa libertà di affetti e di costumi,s vincolata da rigidità morale, e ciò nulla toglie alla considerazione dei suoi versi, spesso severamente giudicati.
Nel 1544, l�improvvisa morte del fratello Baldassare colpì dolorosamente le donne della casa e Gaspara, particolarmente, reagì allontanandosi dalla mondanità tanto da meditare una vita monacale. Passata la crisi religiosa e mitigato il dolore del lutto, tornò alla vita mondana del passato e alla spensieratezza amorosa. A 25 anni si innamoro� follemente di Collatino di Collalto al quale dedicò versi e rime sublimi, che le hanno donato un posto d�onore nella letteratura. Il suo legame con il conte fu tempestoso e doloroso. Da parte sua sua fu un amore sincero, con sentimento quasi disperato. Il conte, invece, ricambio�solo a tratti la passione di Gaspara, l�amò piu� per vanita� che per trasporto. Collatino si allontanava spesso e Gaspara soffriva immensamente della lontananza. La loro relazione si interruppe definitivamente nel 1551. Fu un colpo duro per Gaspara che ne risenti� anche nel fisico e a nulla valsero le attenzioni del nobile veneziano Bartolomeo Zen. Si pensa che Gaspara abbia soggiornato a Firenze, di certo morì suicida a Venezia nel 1554. Poco dopo la sua morte la sorella Cassandra pubblicò le oltre 300 composizioni del suo Canzoniere, una forma di diario intimo dove si alternano gioie ed angosce. E� una delle testimonianze letterarie piu�delicate della sensibilita� femminile dell�epoca. Tre anni dopo la morte di Gaspara, il conte collatino di Collalto si sposò.

Elena Soriano (1917 - 1996)

fe2cemom@uco.es (Mª Paz Cepedello Moreno) — Tue, 23 Jan 2007 19:30:05 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: ESPAÑOL

Nacida el 4 de febrero de 1917 e hija de padres andaluces, Elena Soriano pasó su infancia entre Castilla y Andalucía debido a la profesión de su padre, que era maestro nacional. Aunque estamos de acuerdo con Concha Alborg en que los primeros años de la vida de nuestra autora no tienen especial interés, no podemos dejar de destacar que ya a los cinco años leía y a los diez escribía relatos en forma de novelitas.
Siguiendo los pasos de su padre, realizó la carrera de Magisterio, que acabaría en 1935, y luego comienza sus estudios en Filosofía y Letras, aunque no consiguió concluirlos. En primer lugar, por el estallido de la guerra civil y, en segundo lugar, por causa de la represión franquista �€"fue expulsada con la calificación máxima de las oposiciones de auxiliar de biblioteca por ser sospechosa de �€�roja�€�-.
Elena Soriano vivió la guerra civil en Valencia, y al finalizar ésta, contrajo matrimonio con Juan José Arnedo Sánchez y se dedicó forzosamente a la vida familiar como consecuencia de su veto en el concurso público de oposición. Aunque esta circunstancia marcó su vida literaria, hubo otra que la determinó definitivamente: la censura. La primera obra de Elena Soriano, Caza menor, aparecida en 1951, fue acogida con gran éxito y una crítica, cuando menos, favorable. Pero no corrió la misma suerte la trilogía Mujer y hombre, y, en concreto, la primera novela de esta serie: La playa de los locos. La censura franquista no consideró pertinente la difusión de una obra que atentaba contra los valores femeninos defendidos por el patriarcado dominante en la España de aquellos años. La prohibición de esta novela no sólo trunco una trilogía que podemos considerar un hito en la historia de la literatura de nuestro tiempo sino que destrozó la carrera literaria de una mujer que no conseguiría recuperarse hasta 1969 con la creación de la revista El Urogallo de su propia mano.
Parejo a la censura hay otro tema de vital importancia en la trayectoria de nuestra autora y que la determina como escritora. Elena Soriano reiteró en numerosas ocasiones que la otra gran razón, junto a la censura, que la llevó a abandonar la literatura temporalmente fue su condición de madre y mujer en la España franquista. Efectivamente, una de las grandes luchas de nuestra autora a lo largo de su vida fue la de adquirir el crédito intelectual que el hombre, por el simple hecho de serlo, conseguía con mucha más facilidad que una mujer de su tiempo y, en este sentido, Elena Soriano se define, con gran valentía, como una mujer feminista. Esta lucha, que alcanzó su punto culminante con la creación de la revista El Urogallo, dirigida y financiada por ella misma desde 1969 1975, se vio truncada por a la circunstancia más terrible de su vida: la drogadicción y muerte de su hijo Juanjo. El silencio literario volvió a envolver la vida de nuestra autora hasta que, precisamente, la terrible vivencia de la pérdida de su hijo la lleva a construir la obra que mayor éxito le dará de su carrera y la más dolorosa de escribir: Testimonio materno. La recreación de esta dura circunstancia sólo se justifica por el profundo sentido del deber moral que sentía Elena Soriano con una sociedad formada por individuos que podían estar viviendo las mismas circunstancias terribles que ella había sufrido. No podemos, pues, pedirle más a una autora que ha llevado su compromiso con un momento histórico en el que no se sentía integrada hasta sus últimas consecuencias. Elena Soriano abandonó este mundo en 1996, con el mismo sentimiento de �€�eterna insatisfacción�€� que había marcado su vida.

Yrsa Sigurðardóttir (1963 - )

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Sun, 20 Apr 2008 08:33:16 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: islandés

Vilborg Yrsa Sigurðardóttir nació en el seno de una familia de clase media en Reykjavík (Islandia) el 24 de agosto de 1963. En la escuela estudió, inglés, alemán, matemáticas, y muchas asignaturas con las que no tuvo apenas que esforzarse, ya que era una niña bastante despierta. No obstante, a Yrsa no le gustaba demasiado la Historia islandesa tal y como se enseñaban en las clases. Ni ella misma imaginaría que de adulta, sentiría una inmensa curiosidad por estudiar todo lo relacionado con las tradiciones de su país, incluidas las Sagas islandesas, el mundo fantástico de las leyendas de elfos y trolls y la existencia de fantasmas, muy arraigada en la cultura de Islandia.

Como buena islandesa a Yrsa le gustaba viajar, y de hecho, durante su juventud pasó un verano en Berchtesgaden, Baviera, lugar del que se enamoró. Desde entonces Yrsa mantendría una relación de cariño hacia Alemania, no sólo por su dominio del idioma sino por su sintonía con dicho país así como la cantidad de documentación que encontraría allí para su primera novela. Por dicha razón Yrsa incorporaría a un abogado alemán, Matthew Reich, como uno de sus personajes principales de sus novelas de misterio.

En 1983, Yrsa se graduó en el Instituto de Enseñanza Secundaria, y dado que era una estudiante aplicada en Ciencias, decidió estudiar Ingeniería. Sigurðardóttir se matriculó en la Universidad de Islandia, donde se licenciaría con buen expediente en 1988.

Poco tiempo después sufrió uno de los más desagradables episodios de su vida, cuando el 11 de mayo de 1989, con veinticinco años, fue detenida por la policía islandesa junto a su entonces pareja por presunta posesión de cocaína. Esto empujó a Yrsa a demandar al gobierno islandés por los daños y perjuicios ocasionados al haberla arrestado de manera ilegal e innecesaria, por lo que no dudó en recurrir hasta el Tribunal Europeo de Derechos Humanos. Además de haberse violado su presunción de inocencia, se le había negado a Yrsa una indemnización pecuniaria por haber sido mantenida a disposición judicial después de una sentencia absolutoria. Una comisión judicial llegó a viajar hasta Islandia para comprobar su caso y estudiar los expedientes, aconsejando al Gobierno islandés el pago de una indemnización al lograr la autora que la Justicia le diera la razón. Finalmente, el 30 de mayo de 2000 el Gobierno islandés abonó la indemnización e Yrsa recibió una disculpa oficial del Poder Judicial islandés, tal y como ella había exigido.

Tras aquel desagradable episodio Yrsa decidió poner tierra por medio y proseguir con sus estudios. Por dicha razón estudió un Máster de Ingeniera en la Concordia University de Montreal (Canadá) donde terminaría de graduarse en 1997 y terminaría de perfeccionar su francés.

De regreso a Islandia, Yrsa consiguió un puesto de importancia como ingeniera civil en la compañía Fjarhitun, empresa en la que en la actualidad presta sus servicios y de la que ostenta el puesto de jefa de equipo de una de los más grandes proyectos energéticos del este de Islandia: la construcción de la mayor presa de Europa con el fin de generar energía hidráulica.

En la actualidad, Yrsa vive en Reykjavík en la bella zona residencial de Seltjarnarnes, para ella, uno de los mejores lugares donde vivir y educar a sus hijos. Está casada y tiene dos hijos, el mayor de ellos, le hizo abuela en 2006, cuando Yrsa tenía sólo cuarenta y tres años. Su hija pequeña, Kristín Sól, una niña rubia y de grandes trenzas, fue escogida por Yrsa para el personaje de Sóley, la hija de la protagonista de sus novelas.

Con motivo de su trabajo, Yrsa debe viajar lejos y pasar largas temporadas fuera de su hogar, en zonas nevadas y agrestes pero de una belleza infinita. Sin embargo, la ingeniera no puede desligarse de su amor por la lectura, razón por la que, en sus largas estancias en las cabañas de madera, en soledad y junto a la calidez de la chimenea, se embulle en su gran pasión: la lectura de novelas de misterio.

Al principio, influida sin duda por el amor y entrega a sus hijos, publicó en 1998 su primer libro para niños �€��žar lágu Danir í því�€�. Tras el éxito obtenido se atrevió con cinco novelas más, las más reciente es Biobörn (BIO niños), publicada en 2003, ganó el Premio Nacional de Islandia de Novela para niños. En el año 2000, el Departamento islandés de IBBY (International Board on Books for Young People) también premió a Yrsa por su novela Við viljum jólin í júlí (Queremos la Navidad en Julio). La nota característica de estos libros para niños es el gran humor que se desprende de ellos. De hecho, algunas de las protagonistas son chicas a las que les ocurre de todo, como Stella.

Yrsa decidió un buen día dejar de lado lo que ella denomina la candidez infantil y escribir para adultos. Y ya que el crimen era la rama de la literatura que más le interesaba, decidió escribir un libro de aquéllos que tanto les gustaba.

�€�Muchos piensan que lo que ocurrió en mi vida sobre el asunto de la detención influyó en mi primera novela, donde aparece la droga asociada al crimen, sin embargo la gente ha de saber que en Islandia, los pocos delitos que existen están relacionados precisamente con el alcohol y las drogas�€�.
Efectivamente, Islandia es un país pequeño, de 311.396 habitantes (según el censo del año 2007), donde la mayor parte de la labor de la policía es acompañar a los borrachos a su casa los fines de semana y controlar la velocidad en la única carretera nacional que existe en el país. Posee uno de los mejores puestos en el ránking mundial de seguridad ciudadana, y como ejemplo de ello, la gente suele dejar sus bolsos, carteras y abrigos en los bancos de los parques mientras practican un poco de deporte, o los carritos con los bebés en las puertas de las cafeterías en verano mientras las madres saborean tranquilamente un helado.

Su primera novela para adultos, la novela policíaca �žriðja táknið (El último ritual), fue publicada por la casa editorial Veröld en 2005. Traducida a 25 idiomas, ha sido la obra que le ha dado fama mundial. Una historia en la que se mezcla la vida cotidiana de la Islandia actual con apasionantes episodios de la historia del país. �€�Yo quería escribir sobre un asesinato actual que tuviera una conexión con el pasado de la Historia de Islandia. Cogí mis viejos libros de Historia y fui leyendo, subrayando aquello que me parecía interesante y fascinante para mi novela. Adquirí en Amazon el libro sobre el Martillo de las Brujas, el cual era difícil de leer por su lenguaje anticuado y arduo, pero fue una experiencia interesante que me sirvió para escribir esta novela, y ya luego sólo me faltó escoger un escenario�€�.

Es una obra novedosa e interesante por múltiples motivos. En primer lugar posee un lenguaje muy ágil, y describe, como nadie se ha atrevido a hacer anteriormente, un mundo sumamente actual de la manera más viva, real, sencilla y elegante posible. Por su parte, la obra hace referencia al Malleus Maleficarum, (el Martillo de las brujas del dominico Kramer escrito en el Siglo XV), y que en la actualidad se puede adquirir como compendio titulado Malleus Maleficarum o El martillo de las brujas de Jacob Sprenger y Heinrich Kramer. Además hace un breve pero interesante recorrido por la magia negra, la asfixiofilia, los piercings extremos y los grupos de culto a la brujería. La novela no regresa tanto al pasado, sino más bien es éste el que se adapta a la actualidad de la mano de un personaje tan magistralmente descrito como la víctima de esta obra: Harald Guntlieb.

En sus novelas de misterio, Yrsa posee un estilo narrativo vivo, ágil y muy actual, basado fundamentalmente en los diálogos y, a través de éstos, en las reacciones que van mostrando los personajes. Todo fenómeno sucede según la cadena de acontecimientos originados por los pasos llevados a cabo en las indagaciones. Por su parte, la descripción física y psicológica de los personajes de Yrsa, es sumamente inteligente, dibuja pinceladas representativas y el resto lo deja a elección de la intuición del lector.

�€�Todos mis personajes tienen algo en común: no son perfectos. Y es que la experiencia me ha enseñado que la vida es así. Para mí es importante que el lector se sienta identificado con el personaje, con alguien creíble y convincente. Por eso, la protagonista de mis novelas, �žóra, es también una versión adulta de las chicas de mis libros para niños, donde el humor juega un papel muy importante.�€�

�€�La elección de la profesión de �žóra (abogada) fue la excusa perfecta para describir a alguien que puede tener la oportunidad de tener contacto con el delito o el crimen�€�. La autora quiso que, para hacerla creíble, �žóra tuviera dos hijos y fuera una madre trabajadora a tiempo completo e independiente económicamente, como muchas mujeres islandesas.
Y es que Yrsa Sigurðardóttir es una mujer actual y joven, por eso es crítica y sabe cómo reflejar aspectos como la pérdida de la identidad propia del país, la globalización y la influencia masiva de rasgos angloamericanos en la juventud, rasgos descritos en la obra de Sigurðardóttir. Así, la autora los representa a través de las costumbres y hobbys de su hijo Gylfi y de otros jóvenes, como los emails instantáneos, el lenguaje de los móviles, los piercings, la música estridente, las drogas, las pastillas, los vaqueros rotos, los peinados, el argot juvenil, el Manchester United, los pubs, el �€�body modification�€�, las becas Erasmus�€�
Sin embargo, la autora no deja de reflejar aspectos de la vida islandesa, como el frío característico del clima de su país, en muchos casos, a través de la propia vestimenta de los personajes. Las carreteras mojadas son una constante en ambas novelas, así como la alusión a los paisajes nevados y lugares representativos de la isla, como Hólmavík, el Museo de Brujería de Strandir, Skálholt, Ragá.

Gracias a la excelente acogida de la crítica y de los lectores de El último ritual, Yrsa Sigurðardóttir, publicó en 2006 la siguiente entrega de la saga de los abogados �žóra y Matthew: El Ladrón de almas, donde la abogada será requerida por Jónas, un antiguo cliente suyo, para investigar una serie de extraños sucesos relacionados con el mundo de lo sobrenatural. Estos fenómenos parecen estar afectando al complejo hotelero de terapias alternativas del que él es propietario en Snæfellsnes, un lugar emblemático para los islandeses y del que Julio Verne se basó para escribir �€�Viaje al centro de la tierra�€�. Por su parte, en 2007, se publicó �€�Aska�€� (Ceniza, en español) su tercer libro de la serie de �žóra y Matthew, que, como la misma autora confiesa tiene un doble significado, el significado bíblico del miércoles de ceniza �€�polvo eres y en polvo te convertirás�€� y las cenizas devastadoras del volcán islandés Heimaey.

En su segunda obra, El ladrón de almas, Yrsa refleja un tema de continua actualidad en la Islandia mágica: los fenómenos paranormales y la fuerte creencia en los fantasmas. Yrsa asegura que �€�aunque personalmente no es mi caso, es completamente cierto y muy común que en Islandia creemos en esa clase de cosas a diferencia de lo que ocurre en el resto de Occidente�€�.

Yrsa, se encuentra en la actualidad verdaderamente sorprendida y satisfecha por la acogida que está teniendo su obra, no sólo en Islandia, sino en el resto de Europa, y por ello está animada a seguir escribiendo sin dejar de lado su profesión de ingeniera. Para la autora, los motivos que le llevan a escribir vienen motivados por impulsos de tipo, como ella misma define, masoquista, �€�el mismo que lleva a los hombres a afrontar dificultades y escalar montañas, pero que cuando alcanza la cima le hace sentir inmensamente feliz y pensar que todo lo pasado ha merecido la pena�€�.

Yrsa Sigurðardóttir, es considerada actualmente en Islandia como la nueva reina del género policíaco. No obstante, no deja de ser una mujer extremadamente sencilla, llama la atención que su teléfono particular esté a disposición de sus lectores, incluso se la puede encontrar cenando con algunos de ellos en el Við Tjörnina tras hacer de guía turística improvisada.

Gabriella Sica (1950 - )

nadyagrleo@wanadoo.es (Nadya Gil Rubiales) — Wed, 06 Dec 2006 14:36:11 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana

Gabriella Sica, oriunda de Viterbo donde nace el 24 de octubre del 1950, vive desde los diez años de edad en Roma, su ciudad adoptiva.

Tras la publicación de algunos textos poéticos en revistas y antologías, como Prato Pagano, en 1980, y el Almanacco dello Spechio, en 1983, salió su primer libro de poesía La famosa vita en 1986, seguido de Vicolo del Bologna, en 1992 y Poesie bambine en 1997. A finales del año 2001 salió Poesie familiari (Fazi Editore), el libro más maduro de Gabriella Sica, Premio Internazionale di Poesia Camaiore, del cual se ha editado la segunda edición. Poesie familiari es una recopilación de los poemas escritos durante los años noventa, cuyo «estilo familiar» es también una opción de poesía comunicativa y clara. Sia dato credito all�€�invisibile, (prosa y ensayos), publicado en el año 2000 por Marsilio, es un peregrinaje por los lugares de la poesía «entrañables» para la autora, un «contracanto en prosa» de las Poesie familiari.

Desde 1980 Gabriella Sica ha trabajado alrededor de la poesía contemporánea. Ha dirigido, entre 1980 y 1987, la revista Prato pagano en cuyas páginas han debutado o publicado muchos de los autores de la generación literaria italiana actual. Ha curado la antología La parola ritrovata. Ultime tendenze della poesia italiana (Marsilio, 1995) que recoge escritos de poetas y críticos acerca de las tendencias de la poesía de los últimos dos decenios del siglo XX. Se ha ocupado, además, de la tradición poética italiana en continuidad con la poesía actual en el libro Scrivere in versi. Metrica e poesia (Pratiche, 1996, recientemente actualizada y ampliada en una nueva edición de Il Saggiatore, 2003).
En prosa ha publicado Scuola di ballo (1988), y È nato un bimbo (1990).
Es autora de seis filmes sobre los grandes poetas del Novecientos: Giuseppe Ungaretti. Eugenio Montale, Pier Paolo Passolini, Umberto Saba, Sandro Penna e Giorgio Caproni, de los cuales, los tres primeros, han sido publicados en vídeo cassette (Einaudi).

Maria Sibylla Merian (1647 - 1717)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:27:22 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: alemán

Maria Sybilla Merian nació en Francfort (Alemania) el 2 de abril del año 1647 y murió el 13 de enero del año 1717 en Amsterdam. Fue una naturalista y pintora alemana.
Aunque ignorada durante mucho tiempo, es considerada actualmente como una de las más importantes iniciadoras de la entomología moderna, gracias a las observaciones detalladas y a su descripción, con ilustraciones propias, de la metamorfosis de las maripoas.
María Sibylla Merian fue hija de Matthäus Merian el viejo, grabador en talla dulce y editor; murió cuando María Sibylla tenía tres años. Su madre, Johanna Sibylla Heim, era la segunda esposa de Matthäus Merian. Más tarde, su padrastro, Jakob Marell, famoso por sus cuadros de flores, le enseñó a pintar, dibujar y grabar. A los trece años ya pintaba sus primeras imágenes de insectos y de plantas a partir de modelos que capturaba directamente.
A los 18 años, en 1665, María Sibylla se casó con un pintor especializado en arquitectura, Johann Andreas Graff. Dos años más tarde tuvo su primera hija, Johanna Helena, y la familia se mudó a Núremberg. Maria se preguntaba cómo podían surgir las más bellas mariposas de las orugas. Estudió la metamorfosis, los detalles de la crisálida y las plantas de las cuales se alimenta la oruga. Ilustró así todos los estadios del desarrollo en su libreta de bocetos.
Esta libreta de bocetos es la trama de su primer libro, publicado cuando tenía 28 años, en 1675, con el nombre de Neues Blumenbuch (Nuevo libro de flores). En éste sólo las flores son reproducidas de forma muy ingeniosa y detallada. Los dos últimos volúmenes del libro se publicaron en 1677. En 1678 nació su segunda hija, Dorotha Maria, y un año más tarde publicó su libro Der Raupen wunderbare Verwandlung und sonderbare Blumennahrung (La oruga, maravillosa transformación y extraña alimentación floral) que es su segunda gran obra. En este libro presenta los distintos estadios de desarrollo de las distintas especies de mariposas sobre las plantas de las que se alimentan.
En 1685 Merian se separó de su marido y se mudó al castillo Waltha (Holanda). En este lugar estudió la fauna y flora tropical sudamericana y, un año más tarde, se instaló en Ámsterdam.
En 1699, con 52 años, viajó con su hija más joven a Surinam. Aunque amigos y conocidos de María le desaconsejaron hacer ese viaje a Surinam, ésta no abandonó su proyecto. Para su viaje, Maria obtuvo una beca de la ciudad de Ámsterdam. Desde Paramaribo, la capital del país, las dos mujeres realizaron numerosas excursiones al interior de Surinam. Maria describió todo lo que fue descubriendo sobre la metamorfosis de los insectos tropicales de Surinam y realizó un gran número de dibujos y acuarelas. En 1701 se contagió de malaria y debió interrumpir su viaje y volver a Ámsterdam.
Sus dibujos y bocetos le sirvieron de base para realizar un trabajo de importancia sobre la fauna y la flora de Surinam. Con la ayuda de varios conciudadanos el editor publicó, luego de tres años de trabajo intensivo, la obra más importante de Maria Sibylla Merian: Metamorphosis insectorum Surinamensium ( Metamorfosis de los insectos del Surinam), publicada en Ámsterdam en 1705.
Su libro era para la época bastante caro y había pocos compradores, Maria Sibylla Merian no podía vivir sólo gracias a su pintura. Se dedicó a dar cursos de dibujo y a la venta de utensilios de pintura y preparaciones a base de plantas y animales de todo tipo de especies.

Merian, que contaba con una gran reputación de naturalista y artista, murió en 1717 a los 70 años en Ámsterdam. Hacía dos años que debía desplazarse en silla de ruedas tras un ataque de apoplejía.

En los últimos años del siglo XX, el trabajo de Maria fue redescubierto, restaurado y varias veces honrado. Su retrato se puso en el billete de 500 marcos alemanes y en un sello de 0.40 marcos de 1987. Varias escuelas llevan su nombre y en enero de 2005 la ciudad de Warnamünde botó un barco con su nombre perteneciente al Instituto de Investigación en el Mar Báltico.

Matilde Serao (1857 - 1927)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Mon, 15 Jan 2007 10:55:10 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: Italiano

Matilde Serao, célebre escritora y periodista italiana, nació en Patras (Grecia) en 1857 y murió en Nápoles en 1927. Su padre, abogado y patriota italiano, se vio obligado a emigrar para evitar las frecuentes persecuciones de la policía borbónica y se refugió en Grecia, donde se casó con Paulina Borely, una mujer griega de gran cultura. Tras la caída del Reino Borbónico, su familia regresó a Nápoles donde ella transcurrió su infancia, caracterizada por la pobreza y la precariedad de la situación familiar. Frecuentó la Scuola Normale Pimentel Fonseca de Plaza del Jesús, en Nápoles, y, tras haber obtenido el diploma de maestra, empezó a trabajar en los telégrafos del estado, iniciando paralelamente su colaboración con algunos periódicos locales. En 1878 hizo su ingreso en la redacción del �€�Corriere del Mattino�€�, y en ese mismo año publicó, con lo pseudónimo de Tuffolina, su primera colección de cuentos, Opale. En 1882 se mudó a Roma donde empezó a colaborar con varios periódicos entre los cuales �€�Il Farfulla della Domenica�€� y �€�Capitan Fracassa�€�. En aquel periodo conoció a Edoardo Scarfoglio con el cual se casó en el 1885 y con el cual tuvo cuatro hijos. Junto con su marido fundó el �€�Corriere di Roma�€� y en el 1892, siempre con él, fundó �€�Il Mattino�€�. Tras su separación con el marido (1902) fundó �€�Il Giorno�€� (1904) que dirigió hasta su muerte. Matilde Serao se distinguió siempre por su dinamismo y por sus dotes periodísticas, y tuvo un rol de primer plano en la vida napolitana entre los dos siglos. Su grande producción literaria llega a su apogeo en las paginas que retraen el ambiente popular napolitano, y en particular, en los análisis psicológicos, particularmente sutiles, de los personajes femeninos. A pesar de que Matilde Serao fue una de las figuras intelectuales más eminentes de final del siglo XIX y del principio del siglo XX su obra es prácticamente caída en el olvido, como demuestra el hecho de que es poco recordada en las historias literarias y en las antologías, donde sigue ocupando una posición marginal. De hecho es considerada por parte de la crítica como una verista menor y la modernidad y eficacia de su escritura no es considerada merecedora de conquistarse un espacio en el canon literario referido a su época, sobre todo porque se le reprocha que se exalta exclusivamente en sus matices locales. Fue apreciada hasta el punto de ser candidata al premio Oscar por la literatura poco antes de su muerte, aunque el premio será asignado a su contemporánea, la escritora sarda Grazia Deledda. Debido a su actividad de periodista conoció a muchas personas de todas las clases sociales, frecuentó los ambientes más refinados y los salones literarios más en auge de su época, y su antifeminismo teórico, a menudo estuvo en contraste con los personajes presentados en sus obras. La que es considerada su obra maestra, Il ventre di Napoli, nació como un reportaje sobre las nefastas consecuencias de la epidemia de malaria del 1884, y fue publicada en apéndice en el �€�Capitan Fracassa�€� (1884). En realidad es más que un documento histórico, es una representación eficaz de la degradación del pueblo napolitano de la época, que señala la existencia del lado oscuro de la ciudad, de la presencia de esas personas �€�invisibles�€� que viven en la precariedad en los barrios populares de Nápoles, en definitiva un sutil análisis de la condición socio-económica de Nápoles en aquella época.

Anna Seghers (1900 - 1983)

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Wed, 21 Jan 2009 07:48:14 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Alemán

"Anna Seghers: alemana, judía, comunista, escritora, mujer, madre. En cada una de estas palabras hay que pararse a reflexionar. Tantas identidades contradictorias, aparentemente excluyentes, tantos ligamentos profundos y dolorosos..." (Christa Wolf.)

Anna Seghers, cuyo verdadero nombre era Netti Reiling fue la hija de un comerciante de arte llamado Isidor Reiling y su mujer Frau Hedwig (nacida Fuld) perteneciente a una conocida familia de empresarios de Frankfurt; Nació el 19 de noviembre de 1900 en Mainz. Su familia, bastante adinerada, profesaba la religión judía ortodoxa.
En sus primeros años, la pequeña Netti visita la escuela privada para niños de la señorita Goertz y posteriormente sería matriculada en la escuela de señoritas de PeterStrasse. Durante la primera guerra mundial, ya con 14 años, Netti, como muchas de las muchachas de su clase se alistó junto con sus compañeras de escuela al Servicio de Ayuda para la Guerra pudiendo así aportar su granito de arena como compatriota.
Influenciada por el ambiente cultural familiar, en donde las sagas, los cuentos y las obras de los clásicos eran temas diarios, estudió en las universidades de Colonia y Heidelberg Historia, Historia del Arte y Sinología. Finalmente, en 1924 se doctoró en la Universidad de Heidelberg con una tesis sobre los judíos y el judaísmo en la obra de Rembrandt "Juden und Judentum im Werke Rembrandts"
A pesar de sus experiencias dentro de la clase acomodada, la vida universitaria había abierto una nueva perspectiva en el horizonte cultural de Netti, por lo que acabó uniéndose a grupos intelectuales de izquierdas y conocería a su futuro esposo. A los 25 años, y gracias a su fuerte personalidad, consiguió contraer matrimonio con el sociólogo, escritor y comunista húngaro László Radványi. En 1926 nació en Berlín su primer hijo Peter. En esos años comenzaron a editarse en el periódico alemán Frankfurter Zeitung sus primeros cuentos.
En 1927 escribió su cuento llamado "Grubetsch" bajo el nombre artístico Seghers. Al año siguiente, escribiría una nueva obra ya firmada como Anna Seghers, y tendría a su segunda hija: Ruth.
Efectivamente, fue en 1928 cuando publicó ese primer libro titulado "La Revuelta de los pescadores de Santa Bárbara" (Aufstand der Fischer von St. Barbara). Esta fue la obra que le abrió las puertas al mundo literario, pues su novela fue considerada como una obra maestra del postexpresionismo. Con esta obra, en la que relata de manera casi poética la rebelión humana de los pescadores contra el monopolio, la miseria y la solidaridad humana, asuntos siempre dominantes en su literatura, consiguió el premio Kleist, entregado por Hans Henry Jahn. En su obra, la autora hace uso de la corriente literaria del nuevo factualismo, cuidando al máximo los detalles en las descripciones. El lema de la obra es la necesidad del hombre de trabajar unidos para la lucha contra la opresión y el uso de la rebelión como método de lucha.
En ese mismo año y convencida de que no sólo había que luchar desde la escritura, se hizo miembro del KPD (Partido Comunista Alemán, o Kommunistische Partei Deutschlands). Uno de los detonantes para afiliarse en esos momentos fue el considerar que era el único partido en Alemania que se estaba enfrentando verdaderamente y de manera valiente contra el ya cada día más asentado nazismo.
Comprometida con sus ideales de defender las virtudes del colectivo y proletariado, en 1930 publicó una serie de relatos cortos sobre la pobreza y las huelgas de los trabajadores: "Auf dem Wege zur Amerikanischen Botschaft und andere Erzählungen". En dicha obra se refleja la influencia de Dostoyewsky en la recreación de los ambientes y la forma de adentrarse en los personajes atormentados. Fue en ese mismo año, 1930, cuando cumplió su sueño de viajar por primera vez a Moscú, quedándose admirada por el comunismo hecho realidad, vivido en directo.
De vuelta a Alemania, el nacionalsocialismo había llegado al poder, y tal y como ella misma había temido, fue arrestada temporalmente por la Gestapo. Anna Seghers ya era una conocida escritora comunista y su marido ostentaba el cargo de director de la Escuela Marxista de Trabajadores (MASCH). Acusada de varios cargos, entre ellos de desobediencia al Estado, y recluida temporalmente en una prisión de mujeres, supo que sus libros en Alemania habían sido prohibidos y quemados, para gran frustración e impotencia de la entonces muy joven autora. Pero quizás lo que más le hirió y causó desilusión en sus años fue el derrumbe de su propia utopía: que los trabajadores alemanes no se organizaran y lucharan contra el régimen nazi, sino muy al contrario, en su mayoría, por acción u omisión, fueran cómplices y partícipes del nuevo régimen. Poco después, y gracias a varios golpes de suerte, pudo escapar a Suiza, desde donde se trasladó a París en 1933. Allí tomó un papel comprometido y beligerante contra el gobierno nazi, siendo redactora de la revista Neue Deutsche Blätter, publicada en Praga, y participando en varias iniciativas de grupos intelectuales alemanes exiliados.
En 1934 estuvo en Viena, donde logró reunir una amplia documentación sobre la insurrección de febrero de 1934 y los últimos momentos de Engelbert Dollfuss, asesinado por los nazis austriacos habiendo sido un héroe de guerra y un gran político. Gracias a la información obtenida escribió la novela "Der Weg durch den Februar" (1935). También estuvo en España durante la guerra civil española siendo testigo directo de lo que ella consideró una auténtica revolución. De vuelta a París, fue una de las fundadoras del Schutzverbandes Deutscher Schriftsteller.
Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial y la toma de París por parte de las tropas alemanas, en 1940, su vida dio un giro radical, su marido fue internado en el campo de concentración de Le Vernet en el sur de Francia. Anna Seghers logró de nuevo escapar y huir con sus hijos desde París hasta la parte del sur de Francia, la cual estaba gobernada por Pétain.
Ya en Marsella, intentó por todos los medios conseguir la liberación de su marido, y en cuanto hubo posibilidad de salir del país, a través de Martinica, Nueva York y Veracruz llegó hasta Ciudad de México. El viaje supuso una verdadera tortura de burocracias y visados pues su verdadera intención era instalarse en EEUU, país que no la acogió por el pasado comunista del matrimonio. Atrás había quedado su vida en Europa, pero no su trabajo, en aquellos cafés de París, en sus largas esperas en Marsella para la liberación de su amado, había escrito los borradores de dos grandes obras, llenas de todo lo que ella quería entregar al mundo: poder transmitir a tantas personas, a las miles que habían sido víctimas del nazismo, que existía la esperanza de una vida mejor, que la unión hacía la fuerza y que la palabra clave era la solidaridad entre los seres humanos. De aquella época francesa en medio del caos la esposa del compositor Eisier, relata "En este período caótico ella mantenía su ritmo de vida, escribía un libro y a una hora determinada de la tarde no se la podía molestar, porque hacía los deberes con sus hijos. Yo la admiré mucho, porque en medio de aquella existencia improvisada, de la histeria y el nerviosismo generales, exhalaba una gran calma".
En México Anna fue muy bien recibida y muy querida por escritores como Pablo Neruda y el autor brasileño Jorge Amado "Nadie poseyó en este mundo tanto encanto y fantasía como Ana - tanto, tanto." Por su parte, Anna se esforzó por integrarse y aprender enseguida el idioma. Como siempre era ella la que sacaba a su familia adelante, fue ella misma la que consiguió que su marido trabajara en la Universidad. Allí, Anna Seghers fundó el club antifascista Heinrich Heine siendo ella la presidenta. También Seghers colaboró en la revista Freies Deutschland, junto con otros escritores refugiados en el país, entre ellos Ludwig Renn. Fue en 1942 cuando publicó la que probablemente sería la novela más conocida, La séptima cruz (Das siebte Kreuz). En ella la autora descarga sus iras y denuncia aquella caída de la utopía que vivió estando detenida, la sociedad nihilista, aquella que no se compromete y que acabó cómplice con el nazismo. Narra la historia de siete evadidos de un campo de concentración nazi, el comandante del campo ordena clavar siete cruces por cada uno de los huidos perjurando encontrar a cada uno de ellos. De los siete prisioneros acosados por la Gestapo sólo uno logrará escaparse gracias a la ayuda valiente que le ofrecen algunas personas.
En Transit se describe, con detalle y con cierta influencia kafkiana, a través de la vida de algunos prófugos que se reúnen en Marsella con la esperanza de poder salir de Francia, el relato sobre la historia de aquellos que, por un motivo u otro, eran perseguidos y se veían obligados a abandonar la arruinada Europa por culpa del avance del nazismo, entre ellos incluso excombatientes republicanos españoles. Era en parte su propia biografía.
En junio de 1943 sufrió un gravísimo y extraño accidente de tráfico que la tuvo postrada en un Hospital. Para su alegría, un año más tarde, Fred Zinnemann filmó la película La Séptima Cruz, con actores como Spencer Tracy, en la que para muchos fue su mejor interpretación, lo que la convirtió en una autora conocida.
En 1947 volvería a la Berlín oriental, como miembro del Partido Socialista Unificado de Alemania (Sozialistischen Einheitspartei Deutschlands), en la entonces República Democrática Alemana. En ese año se le otorgó el premio Georg Büchner. En 1951 ganó el Premio Nacional de la DDR y realizó un viaje a la República Popular de China ya como autora consagrada. Mientras tanto, en la Alemania Federal se la ignoraba y consideraba una simple escritora del régimen.
Todos estos premios y viajes ratificó su compromiso con el socialismo y la sociedad del proletariado, lo cual se reflejaría en la obra "Die Toten bleiben Jung" (1949). Ese mismo año fue nombrada presidenta de la Federación de Escritores de la DDR. Sin embargo, poco después, al igual que ocurrió con otras escritoras alemanas como Christa Wolf, comprometidas pero también críticas, cuando en 1957 el editor e intelectual Walter Janka, fue procesado por una presunta "conspiración contrarrevolucionaria", ella se organizó e intervino a su favor.
Anna Seghers siguió publicando historias de amor apasionantes como la de 1971, llamada "Überfahrt ". Seis años más tarde publicó "Steinzeit/Wiederbegegnung "(1977), en la que uno de sus cuentos lleva impreso una bella historia de amor. La autora llevaría a cabo una intensa vida literaria, publicando ensayos, poesías, cuentos y libros sobre arte, literatura, sin abandonar nunca su fuerte compromiso político.
En 1975 fue nombrada Ciudadana de Honor de Berlín oriental. En 1978 falleció el que siempre fue su compañero en una vida tan intensa como la que vivieron. En 1981 también le sería concedida la Ciudadanía de Honor de su ciudad natal, Mainz.
Anna Seghers murió el 1 de junio de 1983 en Berlín, con el recuerdo de su esposo y con la certeza de que su vida y obra prácticamente quedaría en el olvido. Hasta el final de su vida, Anna había vivido en la misma casa berlinesa de la Volkswohlstraße 81 (calle hoy llamada Anna-Seghers-Straße).
La vida y obra de Anna Seghers, incluso años después de su muerte, y aún la caída del muro, no ha sido justamente reconocida. Se la acusa de no pronunciarse nunca contra el régimen de Stalin y de ser benevolente con los regímenes comunistas. Afortunadamente, en los últimos años existe una valoración menos negativa de su obra. Sigue siendo hoy una escritora tabú debido a su fuerte vinculación política, lo cual no debiera empañar su gran talento literario, al fin y al cabo, además de la genialidad de su pluma, de la que hizo gala siendo muy joven, las personas que, de manera honesta, están comprometidas y son fieles a sí mismas, independientemente de sus ideas, son un ejemplo que debe permanecer siempre en nuestra memoria.

Caroline Schlegel-schelling (1763 - 1809)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sat, 13 Oct 2007 10:22:21 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Caroline Schlegel wurde als Dorothea Caroline Albertine Michaelis 1763 in Göttingen geboren. Als Tochter des Professors für Orientalistik Johann David Michaelis (1717-1791) verkehrte sie früh mit den dortigen Gelehrtenfamilien. 1784 heiratete sie ihren Jugendfreund, den Clausthaler Amts- und Bergarzt Dr. Johann Franz Wilhelm Böhmer. Bereits im Februar 1788 aber starb ihr Mann. Caroline, erneut schwanger, zog mit Therese und Auguste, ihre Kinder, zurück ins Göttinger Elternhaus; vermutlich in dieser Zeit lernte sie August Wilhelm Schlegel kennen. Bis zum Herbst 1791 lebte Caroline mit Auguste in Marburg, seit Ende 1791 wieder in Göttingen. Als "kokette junge Witwe", wie sie sich selber nannte, übersiedelte sie schließlich mit Auguste im März 1792 nach Mainz. Im Oktober 1792 wurde Mainz durch französisch-revolutionäre Truppen unter Custine eingenommen, am 18.3.1793 die Mainzer Republik und drei Tage später ihr Anschluß an das revolutionäre Frankreich ausgerufen. Caroline trat nun den "Clubisten" in der "Gesellschaft der Freunde der Freiheit und Gleichheit" bei. Allerdings rückten bald preußische Truppen gegen die Mainzer Republik vor. Einige Zeit danach verließ daher auch Caroline Ende März 1793 Mainz. Sie wurden aber vom preußischen Militär erkannt. Caroline wurde zunächst auf der Burg Königstein, dann in Kronberg im Taunus inhaftiert. Sie fürchtete nun, daß man Forster für den Vater ihres Ungeborenen halten und sie als Geliebte eines verhassten "Democraten" mit Repressalien zu rechnen haben werde. Sie war deshalb entschlossen, sich zu töten, falls ihre Schwangerschaft entdeckt würde. Freunden und Verwandten gelang es jedoch, ihre Begnadigung bei König Friedrich Wilhelm II. von Preußen zu erreichen. Im Juli 1793 wurde sie freigelassen. Allerdings war Caroline nach der Haftentlassung in Deutschland als "leichtfertige" Frau und "Democratin" gesellschaftlich geächtet, selbst alte Freunde wandten sich von ihr ab. Nur wenige halfen ihr in dieser Zeit. Entscheidend war die Unterstützung durch die Brüder Schlegel. Den Bruder August Wilhelm heiratet sie im Juli 1796. Die Brüder Schlegel wurden zunehmend zum Mittelpunkt der Jenaer Romantiker. So bedeutete diese zweite Ehe für Caroline die Rückkehr in die bürgerliche Gesellschaft. Sie nahm an der literarischen Entwicklung des Kreises lebhaften Anteil. Ihre geistiger und organisatorischer Anteil als Mittelpunkt und Medium der Gruppe war entscheidend. Sie reduzierte sich bewusst jedoch als Helferin der Männer, Lektorin, Mitarbeiterin an der Zeitschrift Athenäum und an A.W. Schlegels Übersetzungen. Sie ließ Schlegel ihre Arbeiten unter seinem Name veröffentlichen. Bis auf wenige Kritiken, Gedichte und Konzepte ist nichts überliefert. 1798 kam der Philosoph Schelling nach Jena. Es entwickelte sich eine Liebesbeziehung zwischen ihm und Caroline, die von ihrem Mann toleriert wurde. Noch 1799 spielte Caroline in Friedrich Schlegels Werk Lucinde die Schlüsselrolle. Dann aber kühlte sich das Verhältnis zwischen Schwager und Schwägerin merklich ab und entwickelte sich zu offener Feindschaft. Auch aus dem Freundeskreis von Friedrich Schiller kamen heftige Angriffe gegen Caroline. Das lag teilweise an den Fehden zwischen den damaligen Dichterschulen der �Romantiker� und �Klassiker�, in deren Zusammenhang sich die Romantiker über das schillersche Pathos lustig machen. Aus Kreisen der Klassiker erhielt Caroline dafür den Spottnamen "Madame Beelzebub". Auffällig ist, daß Goethe über Caroline nur achtungsvoll schrieb. Die Romantiker wiederum nahmen Goethe von ihrer Kritik aus, versuchten aber, ihn gegen Schiller auszuspielen. August Wilhelm Schlegel folgte Ende 1800 einer Berufung von Jena nach Berlin. Caroline blieb zurück; ihre Beziehung kühlte weiter ab. Caroline kam stattdessen zunächst �halboffiziell� mit Schelling zusammen. Auf Grund zunehmender Entfremdung ließen sich Caroline und August Wilhelm Schlegel schließlich 1803 einvernehmlich scheiden. 1803 heirateten Caroline und Schelling in Murrhardt. Sie folgte ihm im selben Jahr zunächst nach Würzburg, 1806 nach München. 1809 starb Caroline in Maulbronn während eines Besuchs bei Schellings Eltern.
Nur ihre Briefe haben die Jahrhunderte überdauert, von ihnen sind mehr als vierhundert überliefert. Diese Dokumente einer politischen und literarischen Umbruchsituation beinhalten zugleich intime Selbstaussagen eines ungewöhnlichen Lebens, das widerspruchsreich, erfüllt, aber auch unerfüllt war. Ihre Briefe erzählen von weiblicher Lebenserfahrung im Sinne von Novalis, der denjenigen einen großen Menschen nennt, dessen Tagebuch das größte Kunstwerk sei.

Margarita Sarrocchi (1560 - 1618)

chato74@latinmail.com (Jose Manuel Sanchez Aguilar) — Thu, 07 Jun 2007 10:38:01 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: ITALIANO

Nace en Nápoles hacia el 1560:tras la muerta del padre,Giovanni Sarrocchi, fue educada en Santa cecilia en Roma por el cardenal Guglielmo Sirleto:tuvo como maestros a el gramatico Rinaldo corso y el matemático Luca valerio. Morirá en 1618
De joven comenzó a componer versos que fueron aclamados por sus contemporáneos, tuvo relación de amistad con la infeliz noble Beatrice Cenci.
Se caso con un noble piamontés de la familia de lo Biraghi.SE queda viuda e 1613 y mantiene un salón literario en su casa: tuvo relación con hombres de todos los campos de la cultura de la época, con Gian Battista Marino , en Roma , tendrá un intercambio de poesías elogiadoras que favorecerán a una amistad posterior:pero el poeta se canso de este legame y el amor
se volvió odio: Sarrocchi se volverá anti-Marinista.
Digno de resaltar es la gran admiración que sentía por Galileo a quien conoció personalmente en 1611 cuando este se quedo en Roma unos meses gracias a la amistad que ella tenia con el científico Luca Valerio:sera una apasionada de la teorías galileicas haciendo usos de ellas en el libro La Scanderbeide del cual hará algunas revisiones a lo largo del tiempo, poema que estaba modelado sobre la Gerusaleme Liberata de Tasso.Su obra tiene un valor histórico ya que retrata la campaña heroica de Giorgio Castriota Scanderg , vivida desde 1403-1463.LOs factores históricos se relacionan con los amorosos,como son la historia de Sereno y Calidora , y Pallante y Flora.SU poema tendra buena suerte , sera publicada por primera vez en Roma de 9 cantos completos, después llegaría a23 cantos que aparecerán de forma póstuma
Sarrocchi morirá en Roma en 1623 y que tendrá una nueva edición en el 1633: En el seiciento fue publicada en Nápoles en 1701 y en Roma en 1726.

Goliarda Sapienza (1924 - 1996)

saramalfatti@hotmail.it (Sarah Malfatti) — Sun, 09 May 2010 10:53:30 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Goliarda Sapienza nace en Catania en junio de 1924. Su infancia, en una familia socialista y antifascista, marcará su actitud y sus ideales. El padre de Goliarda, Giuseppe (Peppino) Sapienza, fue un abogado sindicalista famoso en toda la isla por su incesante y animada actividad política, una actividad que, durante el fascismo, lo llevó a la cárcel.

La madre fue una figura fundamental en la historia de la izquierda sindicalista y antifascista en Italia: Maria Giudice, éste era su nombre, fue la primera mujer que dirigió la �€�Camera del Lavoro�€� en Turín. Fue directora del periódico �€�Il grido del popolo�€�, fundado por su amigo Antonio Gramsci, y en 1917, por haber manifestado en contra de la guerra, fue encarcelada junto a Terracini, uno de los futuros fundadores del Partido Comunista de Italia.

Maria y Peppino se conocen en Sicilia, donde Maria se encontraba para organizar una huelga de campesinos: los dos son viudos y tienen varios hijos de precedentes uniones (7 hijos ella y tres él).
Goliarda nace de esta �€�libera unione�€�, y en el nombre de esta libertad recibe, por voluntad de su padre, una educación lejana de los cánones y de los estereotipos fascistas: para que su formación sea libre de las constricciones ideológicas y políticas del régimen, Giuseppe educa su hija en casa, y con tan solo 14 años le permite mudarse a Roma.

Madre e hija, la primera continuamente vigilada por la policía fascista, y , se van a Roma dejando atrás la isla y sus costumbres: la idea de mudarse, de hecho, se debió también a la oposición de la familia Sapienza a la propuesta de matrimonio, basada en intereses económicos, del joven hijo de una familia catanesa de la alta burguesía.

Goliarda, sin embargo, se enamorará de Roma, y en Roma se quedará pada toda la vida: con 16 años empieza su carrera de actriz, apoyada sobre todo en el padre que le escribe en la primavera del 1942 desde la cárcel donde se encontraba encerrado por antifascismo �€�no seas modesta. Tu no tienes nada que envidiar a las más grandes actrices pasadas y futuras, qué el presente no tiene�€�.

Con una beca de estudio para alumnos actores comienza a frecuentar la Academia de Arte Dramático de Roma, dando inicio a una carrera que la llevara a ser una afirmada interprete de papeles pirandelianos ( debuto con un papel en �€�Così è se vi pare�€�) y a trabajar en el cine con directores del calibre de Visconti, Maselli, Blasetti, Comencini.
Al director Francesco Maselli quedará unida por 17 años, dividiendo con él vida privada y profesional hasta el final de los años sesenta, cuando ya deja el escenario para dedicarse a la literatura y a un nuevo amor, Angelo Maria Pellegrino, su compañero hasta la muerte.

En 1967, después de haber empezado su ciclo autobiográfico con Lettera Aperta y Il filo di mezzogiorno, empieza la que podemos definir la novela de su vida, El arte del placer, y para 10 años (hasta 1976) seguirá escribiendo, creando (y confrontando su creación con una joven amiga y con el portero de su casa en via Denza, en Roma) sin pensar en nada más, ni en su sustentamiento: su situación económica empeorará hasta tener que embargar sus muebles para pagar su querida ama de casa. Será por esta situación, junta al rechazo por parte de varios editores de su novela, que Goliarda llegará a cumplir un gesto que ella misma definirá una rebelión, una petición de ayuda y al mismo tiempo una reivindicación: sabiendo que iba a ser descubierta, y sin preocuparse por eso, robó algunas joyas de casa de una amiga muy rica, segura de que la misma amiga la habría denunciada a la policía. Fue detenida en la cárcel romana de Rebibbia a principio de octubre de 1980, y de esta experiencia dentro de un mundo carcelario que aparece como verdadero espejo de relaciones, afectos y sabiduría, saca otra novela biográfica fuerte, �€�L�€�Università di Rebibbia�€�, cuyo título subraya la importancia formativa, para Goliarda, de la vida en la cárcel.

La novela se publica en 1983, mientras que los editores siguen rechazando, a pesar de la intervención de Sandro Pertini, presidente de la republica y amigo del padre, �€�L�€�arte della gioia�€�.
La autora, sin embargo, sigue trabajando en su novela, sobre todo en la segunda parte, para muchos años más, llevando la historia de Modesta, la protagonista nacida en la Sicilia más pobre justo a principio del siglo XX y después princesa, madre, intelectual, fulcro de relaciones humanas, sentimentales y políticas, hasta el final de los años sesenta, entrelazando su vida tan llena y profunda con casi un siglo de acontecimientos históricos.

En sus últimos años fue profesora en el �€�Centro sperimentale di Cinematografia�€�, en Roma; en 1996, mientras se encuentra en Gaeta, Goliarda muere a la edad de 72 años, cuando sólo una la primera parte de su libro había sido publicada, y por lo visto no muy apreciada por parte de la crítica oficial.
Dos años después de la muerte de la autora, Angelo Pellegrino consigue que la novela sea publicada entera, pero será sólo unos años después, gracias a la fama obtenida en varios países europeos, sobre todo en Francia, donde Goliarda y su novela (traducida y publicada en 2005) se habían vuelto iconos de la izquierda intelectual, se empieza también en Italia a hablar de esta poderosa historia otorgándole por fin los créditos que se merece.

Francesca Sanvitale (1928 - )

crisvalbi@hotmail.com (Cristina Valdivia Biedma) — Tue, 29 Apr 2008 18:18:32 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Proveniente de familia Emiliana, Francesca Sanvitale nació en Milán. Su juventud transcurrió en Florencia, lugar escogido para realizar sus estudios de literatura italiana. En su currículo podemos encontrar diversas colaboraciones en periódicos y revistas, además de una larga carrera en el ámbito de la televisión como encargada de programas de espectáculo y culturales. Ha conseguido el título de �€�Cavaliere della Repubblica�€� por su papel dentro de la cultura italiana.

En su obra centraliza como papel fundamental la conexión humana, la cual reporta infinidad de sentimientos que a su vez nos dirigen hacia un crecimiento como personas. Y esas personas son las que crean la historia, aspecto importante dentro de la novela de Sanvitale (en particular la Unificación italiana) y también de su ideología; ya que el escritor, como ente cultural debe aprovechar cualquier recurso para crear una cultura de la realidad.

En la actualidad vive en Roma

Virginia Salvi Martini (0 - )

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Mon, 05 May 2008 16:08:38 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Se conoce muy poco de la vida de Virginia Salvi. Se sabe que nació en Siena y se casó con un cierto Achille Martini, de ahí su segundo apellido. Tuvo una hija a la que bautizó con el nombre de Beatrice, también poetisa. Sabemos que, durante los años 1540 y 1550, vivieron en Siena y después la familia se trasladó definitivamente a Roma donde Virginia falleció. El hecho de haber pasado muchos años en la ciudad de Roma hizo que muchos de sus biógrafos cayesen en el error de pensar que Virginia fuese romana y no sienesa.
Se sabe que en 1561 fue una mujer de gran reputación y admirada por su conocimiento de las Ciencias y de la Poesía y que todavía en 1580 su hija Beatrice residía en Roma.
Sus rimas fueron a menudo confundidas con las de otra poetisa llamada Virginia Ventura Salvi.

Obra:

La producción de esta poetisa comprende más de cuarenta y cinco composiciones recogidas no sólo en las tres grandes colecciones de rimas (la de Domenichi de 1559, Bulifon de 1695 o Bergalli de 1726) sino en diferentes volúmenes como se mostrará en el apartado de las ediciones.
Las composiciones de Virginia son de estilo petrarquista y evocan los típicos sentimientos e imágenes del Cinquecento italiano. Salvi fue una hábil poetisa capaz de manipular inteligentemente el vocabulario petrarquista como, por ejemplo, en la poesía �€�Da fuoco così bel nasce il mio ardore�€� donde encontramos un inteligente juego poético. El verso final de cada una de las catorce octavas retoma todos los versos del soneto CXXXIV de Francesco Petrarca �€�Pace non trovo e non ho da far guerra�€�.
Sabemos que Salvi mantenía una correspondencia poética gracias a los sonetos que han llegado hasta nosotros y no se excluye la posibilidad de que haya mantenido también una correspondencia epistolar con grandes figuras importantes de su tiempo.
Existen sonetos dirigidos a los reyes de Francia, que posiblemente no tuvieron respuesta. En cambio, las composiciones dirigidas a Pietro Bembo fueron correspondidas y dan muestra de la amistad entre ambos, sobre todo la canción �€�Mentre che �€�l mio pensier dai santi lumi�€�, donde Salvi muestra el dolor causado por la ausencia de Bembo. La respuesta de Bembo, retomando la estructura de la canción de Virginia, parece sincera y le pide que no llore más su ausencia.
Quizás las composiciones de Virginia Salvi más interesantes son las de carácter político. La situación política de Siena antes de la caída de la República (1555) era uno de los pensamientos más importantes en la vida de la poetisa, como también lo era el hecho de que su familia fuese filo-francesa en política y amiga de los florentinos que seguían a Pietro Strozzi.

Letizia Russo (1980 - )

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Sat, 22 Sep 2007 15:45:16 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: italiano, portugués

Letizia Russo, nacida en Roma en el año 1980, es dramaturga y traductora.
Como autora, Letizia destaca, a los dieciocho años, en 1998 en el concurso escolar �€�Grinzane Cavour �€" Grinzane Scrittura�€�, donde presenta el �€�Dialogo tra Pulcinella e Gesù�€�, premiado en el concurso. De aquel esbozo inicial, Letizia desarrolla su primer texto, representado por primera vez en el año 2000 en Castelnuovo di Farfa, en el Festival del Teatro de Roma �€�Per le antiche vie�€�, con �€�Niente e nessuno: una cosa finita�€�.
El texto es un rezo laico, un �€�tentativo d�€�approccio ai sentimenti dell�€�uomo�€� y el hombre en cuestión es Jesús. Las referencias evangélicas a Cristo y a su Pasión se examinan a través de los ojos de dos figuras fundamentales: Judas, personaje central de la primera parte, y Magdalena, en la segunda parte. El conjunto lo rige O, un pobre desgraciado napolitano que interpreta su propia vida a través de la de Jesús y que hace de marco al texto. El título deriva de una afirmación de la madre de O: �€�I�€� nun conosco nisciun�€�. Nun conosco San Gennaro santissimo, nun consoco �€�o papa e manco �€�o vescovo�€�. Entonces O es un nada y un ninguno. Y en este sentido ni siquiera un hombre, sino sólo una cosa, una cosa finita. El texto es un adelanto de las futuras obras de la autora, a pesar de que la lengua utilizada, el dialecto napolitano de O (que recuerda mucho a Eduardo De Filippo), sea todavía un poco �€�macchiettistico�€�. Sin embargo, encontramos ya los elementos que caracterizan �€�Tomba di cani�€�, sobre todo los del así llamado �€�Teatro delle miserie�€�.
�€�Il teatro delle miserie�€� no es una invención de la jovencísima autora; es una fórmula que ella adopta. Según Tiziano Fratus �€�se trata de un teatro de la privación, de la sustracción, de la vergüenza: situado en ambientes vacíos, malsanos, periféricos, donde sobreviven personajes sin pasado �€" sin memoria �€" sin futuro �€" enfermos mentales, lisiados, enfermos terminales �€" sin presente �€" sin trabajo y sin lazos afectivos y/o familiares. En este recorrido se coloca seguramente Letizia Russo: envueltas en una condición socio-económica desesperante, las miserias de sus personajes emergen y encajan con los perfiles de una historia del hombre que no se ha presentado a las citas y ha traicionado las promesas�€�.
Al año siguiente Letizia escribe �€�Tomba di cani�€�, con la que participa al Premio Riccione, ganando el Premio Pier Vittorio Tondelli. El texto es representado por Cristina Pezzoli y la protagonista es Isa Danieli. El espectáculo recibe tres candidaturas a los Premios Olímpicos 2003 del ETI (Danieli obtiene el premio como mejor actriz) y, sucesivamente, gana también el Premio Ubu a la mejor novedad de dramaturgia italiana, ex aequo con Emma Dante.
�€�Tomba di cani�€� presenta la escritora a la crítica teatral nacional, con apenas veinte años. Como nota Enrico Groppali, el texto está construido en torno a dos ideas-guía: por un lado, cuenta la historia de un adulterio ambientado en un país imaginario devastado por la guerra; por otro lado, describe una relación morbosa entre un hijo con muchas veleidades pero de escasas posibilidades y capacidades (que acabará en una silla de ruedas) y una madre paralítica y ciega que causa el desencadenarse de los peores acontecimientos en aquel ambiente pequeño y claustrofóbico. Desde el punto de vista de las situaciones, Letizia Russo sufre la influencia evidente de Sarah Kane, con su culto de la violencia más feroz. Además, también en �€�Blasted�€� de Kane la guerra irrumpe repentinamente en la historia y parece ser una metáfora perfecta de la condición humana. Pero también en el lenguaje, caracterizado por repeticiones delirantes y cargadas de ansia y por un léxico duro, se siente la influencia de la controvertida autora inglesa. Y no sólo esto; en la representación de un mundo dominado por la violencia y el abuso encontramos seguramente referencias también a los trabajos más recientes de Harold Pinter. En cualquier caso, la referencia a Sarah Kane no pasa inobservado al jurado del Premio Riccione, que otorga al texto el Premio Tondelli con la siguiente motivación: �€�Per la forza rabbiosa con cui questa acuta stupefacente ventunenne, senza trascurare la lezione di Sarah Kane ma con una propria sentita impronta, rappresenta un mondo condotto all�€�ultimo stadio dalle ferite di una guerra disperata e stremante, giovandosi di una scrittura aspra e voluta, ma di immediato rilievo scenico�€�: una escritura fuerte que contrasta con el aspecto grácil de la escritora. Como Sarah Kane después de �€�Blasted�€�, también Letizia Russo después de �€�Tomba di cani�€� recibe críticas despiadadas por parte de críticos que no la entienden, como Luca Doninelli que, en las columnas del periódico de los obispos italianos, define el texto como un sustancial fracaso (�€�escrito bien, pero incapaz de hacer daño�€�) y se atreve presuntuosamente a dar a la escritora consejos de escritura.
En el texto, el uso de la lengua (�€�papel carbón del pensamiento, también malo�€�, como la define Letizia) está muy cerca al de Sarah Kane: la autora lo define �€�de construcción disonante y sin puntuación�€�. Las didascalias son las mínimas indispensables y sirven como llave de interpretación del texto, para el lector y para quien lo pone en escena. Por sus características filosóficas y lingüísticas, �€�Tomba di cani�€� es un texto fundamental de la nueva dramaturgia italiana. Es un texto innovador, un drama que manifiesta el deseo de oposición y de denuncia de toda forma de guerra entendida como instrumento de política. En los medios de comunicación, cualquier forma de manifestación del disenso es interpretada como un apoyo a los terroristas, como demagogia o, como mucho, como sátira: nunca se la toma en serio. Pero en el teatro de Letizia Russo encontramos claramente la razón profunda por la que existe el arte: la de oponerse a cualquier forma de poder hegemónico, de denunciar la tendencia siempre más fuerte a amordazar la verdad.
Entre enero y mayo del año 2002, la joven autora trabaja para el �€�Teatrogiornale�€� de RadioTre, ideado por Roberto Cavosi, escribiendo �€�Lo spirito nell�€�acqua�€�; �€�I conigli sulla luna�€�; �€�Kilmainam Gáol�€�; �€�La via del mare�€� y �€�Qoélet�€�. En el verano de ese mismo año, Letizia participa a la Summer International Residency for Playwrights and Directors del Royal Court Theatre de Londres.
En el 2002 el Premio Candoni de Arta Terme le encarga un nuevo texto, �€�Asfissia�€�.
Más que un texto, �€�Asfissia�€� es un laboratorio que se quedó al nivel de fase de estudio y que no ha conocido todavía una redacción definitiva que satisfaga a la autora.
Aquí la lengua se presenta muy pobre: es una lengua que intenta ser popular, seguramente inculta, con un ritmo sincopado, irregular, a veces amplio y otras cortado, con una puntuación indiscutiblemente anticonvencional. La sintaxis aparentemente es fácil, los diálogos son rápidos y las didascalias esenciales, como en gran parte de la dramaturgia contemporánea italiana, pero también como en gran parte de la reciente dramaturgia inglesa.
La visión de la vida que emerge en esta obra es que ésta es sustancialmente casual. Ante esto no hay que afligirse: hay que tomar nota. Dice el personaje de Tajga: �€�Ma non c�€�è niente di male che tutto questo è solo un caso. Non c�€�è niente di male che si nasce e poi si �€" e non resta niente. Uno vuole cancellare che esiste pure la fine. Vuole cancellarla e dire che poi ricomincia tutto e invece non c�€�è niente di male che non è vero niente che tanto poi è la stessa cosa sempre per tutti uno non rimane manco più nel ricordo e è questa la vera fine e se ci penso bene è pure una gran bella fortuna.�€�
En el 2003, para el �€�Progetto Petrolio�€�, dedicado a Pier Paolo Pasolini y dirigido por Mario Martone en Nápoles, escribe �€�Babele�€�, primer capítulo de una trilogía sobre el poder, que debuta en Portici y después se representa en el Teatro dei Rinnovati de Nápoles, en enero de 2004, bajo la dirección de Paolo Zuccari (quien también es interprete junto con Roberta Rovelli).
�€�Babele�€� es un texto con dos personajes. La historia se desarrolla dentro de un �€�edificio�€� en el que vive Falena, un hombre de treinta y cinco años, dueño de Boccuccia, una bailarina de veinticinco a la que le falta un brazo. Nos encontramos en una sociedad con leyes feroces: cada �€�edificio�€� tiene sus propias reglas y el poder central sirve sólo para segregar a los lisiados, a los �€�Inferiores�€� contra quien ha abierto una guerra santa. Para ello, este poder está dotado de policía capaz de matar deliberadamente, sin condena alguna firmada por un juez. Es una situación parecida a la de �€�The Chrysalids�€� de David Harrower, pero sin el final positivo; entre los dos personajes se desencadenará una guerra despiadada, el hombre con el ejército y la bailarina con los viejos del edificio. Pero la guerra no solucionará nada. Al final Boccuccia se rendirá y los dos, juntos, se irán en un viaje artificial, con la esperanza de no volver.
En el mismo año, para el proyecto de Teatro Scolastico �€�Connections�€� del National Theatre de Londres, escribe el texto �€�Binario morto�€� (2003), representado y traducido en Inglaterra y Portugal. El espectáculo debuta el 8 de julio de 2004 en el Cottesloe Theatre School de Wiltshire. En Italia, se representa con motivo de la Biennale de Venecia, en el Teatro delle Tese alle Vergini, el 24 de septiembre de 2004, bajo la dirección, en un primer momento, de Barbara Nativi y en un segundo momento (por motivos de salud) de Dimitri Milopulos, producido por la Biennale de Venecia y por el Teatro della Limonaia de Sesto Fiorentino.
�€�Connections�€� es un proyecto patrocinado por el gobierno británico y destinado a la escritura de textos teatrales para adolescentes, después realizados por estudiantes. El drama es un cuento noir que tiene como tema el poder religioso, observado desde el punto de vista de un clan de chicos. Sobre una colina, que recuerda un poco la cima de un monte bíblico y un poco el Olimpo, crece un niño que aprende, con la ayuda de un fiel amigo, a convertirse en dios; es un dios que somete a un grupo de secuaces, los ama y los trata brutalmente, hasta que otro jefe, después de un largo viaje, llega a la colina para derrotarlo. Como sucede en la lógica del autoritarismo, el nuevo jefe será cruel como el primero, como en �€�Animal Farm�€� de George Orwell. Mientras algunas vallas publicitarias exaltan la vocación religiosa �€" como hacen todavía hoy las sectas, incluso con llamamientos a través de Internet�€" del texto brota una pregunta crucial sobre quién posee verdaderamente la hegemonía sobre el mundo: ¿el dios o quién lo ha instruido? La autora, sin dar respuestas definitivas, concluye la historia con el suicidio, ahorcado, del amigo-maestro de dios.
El texto es muy innovador porque desmiente la imagen estereotipada de la infancia como edad de la inocencia. El retrato de la infancia como �€�vida violenta�€� ya lo había hecho Pasolini, pero en sus novelas (�€�Ragazzi di vita�€� y �€�Una vita violenta�€�) y en sus películas (�€�Accattone�€�) el mundo y la vida se ven desde el punto de vista de aquellos chicos: ellos se convierten en criaturas poéticas y nosotros estamos obligados a estar de su parte. Lo mismo sucede con los personajes de los chicos napolitanos de Eduardo De Filippo: su pobreza genera una vida dura que nos conmueve, porque nos parecen víctimas de una sociedad más dura que ellos (y es la misma visión de la infancia pobre que encontramos en las novelas de Dickens o en algunas películas de Chaplin). En cambio en �€�Binario morto�€� las familias de estos chicos son lugares de dramas, violencias, prejuicios, ignorancia y droga. De este modo, los chicos viven en ambientes peligrosos, donde aprenden a volverse igualmente peligrosos: sus relaciones sociales se basan en la fuerza física, en la pertenencia al clan y en la violencia. Vivir se convierte en una lucha por la selección natural y esto se muestra, en el texto, sin poesía y con mucha dureza. La periferia parece la de �€�La Haine�€� de Mattiew Kassovitz, pero podría ser cualquier periferia degradada de una grande ciudad europea.
También en el 2004, Letizia escribe �€�Edeyen�€�, presentado por primera vez en Siracusa Ortigia Festival en julio del año siguiente, con el montaje de Fausto Russo Alesi.
�€�Primo amore�€�, del 2005, debuta en junio del mismo año dentro del festival �€�Garofano Verde �€" scenari di teatro omosessuale�€� en el Teatro Belli de Roma, una vez más bajo la dirección de Paolo Zuccari e interpretado por él mismo.
Desde mayo de 2004 es, durante diez meses, �€�writer-in-residence�€� en la compañía Artistas Unidos del Teatro Taborda de Lisboa. En septiembre de 2005 se representa el texto fruto de esta colaboración, �€�Gli animali domestici �€" Os Animais Domésticos�€�, en el Teatro Nacional Dona Maria II, bajo la dirección de Jorge Silva Melo.
También en estos últimos textos, como en todos los de Russo, los personajes son elementos que constituyen una �€�filosofía de los sentimientos elementares�€� que es la visión del mundo de Letizia. Para la autora, en el mundo falta un sistema general �€" histórico y social �€" capaz de transmitir los valores, de reconocer los derechos y de ayudar. La sociedad descrita en las obras de Russo no parece un moderno estado de derecho sino un �€�status belli�€�, una situación de guerra social constante. Lo que Letizia nos quiere decir es que el �€�status belli�€� es la verdadera cara de nuestras aparentes democracias, por lo que las ambientaciones no son ni hipótesis sobre el futuro ni escenarios de ciencia-ficción, sino representaciones de la esencia real del mundo de hoy. En este escenario desalentador pero no falto de intuiciones reales, la muerte no es vista como la apoteosis de la tragedia sino, al contrario, como una salida a una situación que no deja esperanzas y que no da futuro, la única verdadera liberación.
El 19 y 20 de julio de 2007, en el 39° Festival Internazionale del Teatro della Biennale de Venecia, dedicado a �€�Goldoni e il teatro nuovo�€�, Letizia presenta �€�Il feudatario�€�, con la dirección de Pierpaolo Sepe, producción del Teatro Stabile di Innovazione �€�Clásicos de Alcalá�€� y de la Biennale de Venecia. En este texto, la fuerza y la escritura rabiosa de la autora, ahora de veintisiete años, concentradas en la historia ideada en 1757 por Goldoni, crean un cortocircuito. El texto es la historia de unos tiempos injustos, en los que el hombre estaba obligado a soportar las violencias y las injusticias de su dueño, sin ninguna posibilidad de tutela o de salida. Los pobres no conocían derechos y el dueño determinaba destinos y vidas. Nadie podía imaginarse algo diferente a esto.
En la interpretación que hace del texto de Goldoni, una vez más Letizia pone en escena personajes en situaciones de vida insostenibles, comprometidos en una continua lucha por la supervivencia, que se lanzan en un nuevo �€�status belli�€�: la revuelta. Pero esta vez, la liberación no se busca en la muerte sino en una acción revolucionaria, en la elección de los hombres de organizarse para darse un sistema de vida mejor. Para Letizia el autor quería contar una rebelión, en nombre del honor y de la vida (una historia que tiene mucho en común a �€�Fuente Ovejuna�€� de Lope de Vega), y explicar aquella necesidad de justicia que, casi treinta años después, habría tomado fuerza en la cercana Francia, dando vida a la revolución política y cultural más importante de la historia.

Interesante y prolífica es también la actividad de Letizia Russo como traductora, que procede paralela a la de autora.
Del inglés ha traducido: �€�On an Average Day�€�, de John Kolvenbach; �€�Gross Indecency�€�, de Moises Kauffmann; �€�Easy Access (Solo Remix)�€� y �€�Death & Dancing�€�, de Claire Dowie; �€�The Tale of the Allergist�s Wife�€�, de Charles Busch; �€�Body Language�€� y �€�A Word from our Sponsor�€�, de Alan Ayckbourn; �€�Humble Boy�€�, de Charlotte Jones; �€�Gagarin Way�€�, de Gregory Burke; �€�Tiny Dynamite�€�, de Abi Morgan; �€�Japes�€�, de Simon Gray; �€�Hysteria�€�, de Terry Jonson; �€�Edoardo II�€�, de Christopher Marlowe, una producción del Teatro Stabile dell�€�Umbria, para la dirección de Antonio Latella, con Danilo Nigrelli, Marco Foschi y Cinzia Spanò.
Del portugués brasileño ha traducido: �€�Vestir o Pai�€�, de Mário Viana; �€�O Leopardo�€�, deAntônio Rogério Toscazo; �€�Quase Nada�€�, de Marcos Barbosa.
Del italiano al portugués ha traducido: �€�La zoppa deve partorire ma il bambino non ne vuole sapere di nascere�€�, (�€�A coxa vai parir mas o bébé quer lá saber de nascer�€�), de Antonio Tarantino;
�€�La busta�€� (�€�O envelope�€�), de Spiro Scimone; �€�La terra vista dal mare�€� (�€�A terra vista do mar�€�), de Davide Enia.
Estos tres textos son sketch comisionados por la compañía Artistas Unidos para el espectáculo �€�Conferência de Imprensa e Outras Aldrabices�€�, representado en Lisboa en junio del 2005, en el Teatro Nacional Dona Maria II. Para la misma ocasión Letizia Russo ha escrito el sketch lírico �€�Senza Titolo�€�.
Para terminar, fuera del ámbito de teatro, Letizia ha traducido al portugués, junto con Pedro Marques, �€�L�€�inquisizione�€� (�€�A inquisição�€�), poema de Tiziano Fratus.

Lalla Romano (1906 - 2001)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sun, 31 May 2009 11:15:08 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Lalla Romano, cuyo auténtico nombre es Graziella, con el que se identifica en su faceta personal y privada, reservando el primero para su dimensión pública y literaria (rescatado de su infancia); nace el 11 de Noviembre de 1906 en Demonte (Cuneo), de padres oriundos de la zona, siendo la primogénita en relación con otras dos hermanas: Silvia y Luciana. Su padre Roberto, aparejador y jefe del Gabinete Técnico del Ayuntamiento de Demonte, sentía una gran pasión por la música, la pintura y la fotografía; vocaciones que legará con fruto a la escritora. Su madre, Giuseppina Peano, era sobrina del conocido lógico-matemático Giuseppe Peano; figura intelectual que ejercerá una gran influencia sobre Lalla.

En 1924, concluido el Bachillerato, se matricula en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Turín con un elenco de profesores de la talla de Annibale Pastore (Filosofía Teorética), Ferdinando Neri (Literatura Francesa) o Lionello Venturi para la Historia del Arte. En estos años, por otra parte, ha comenzado ya la trayectoria pictórica con los primeros autorretratos fechados en 1923.

Entre los años 1925-1928 asiste con frecuencia al estudio del pintor Giovanni Guarlotti y efectúa múltiples viajes con largas estancias en París visitando museos, galerías de arte (acompañada a menudo por Venturi) y tomando contacto con los impresionistas y post-impresionistas.

Toda una lista de nombres importantes entrarán a formar parte de su círculo de conocidos y amigos: Sborowsky, Menzio, Severini, Mario Soldati, Arnaldo Momigliano, Carlo Dionisotti, etc. En la Universidad será compañera de Cesare Pavese y entablará amistad con Franco Antonicelli y Giovanni Ermiglia.

En 1928 finaliza sus estudios universitarios, licenciándose en la rama de Letras presentando una tesis sobre Cino da Pistoia. En este mismo año, entrará en la escuela de pintura de Felice Casorati por consejo de Lionello Venturi, conociendo también a Daphne Maughan, Nella Marchesini, Paola Levi Montalcini y Giorgina Lattes.

Desde 1929 a 1941 desarrolla su actividad profesional como profesora de Enseñanza Secundaria en Cuneo impartiendo las asignaturas de Lengua Italiana e Historia del Arte y después en Turín. También ejercerá como directora de la Biblioteca Municipal de Cuneo, compilando el catálogo de los Incunables. Trabajos que irá alternando simultáneamente con la pintura, participando en exposiciones colectivas en Turín y Milán, y con la escritura, a través de incursiones de modo esporádico en revistas como "L�Arte", donde transfiere su experiencia pictórica práctica y teórica con un ensayo sobre La scuola di Casorati (1930) o mediante cuentos varios relacionados siempre con la cuestión artística: Una cena di artisti, Visita al collezionista (1930-40), etc.
Este período viene además marcado por tres hechos importantes: en 1932 se casa en Cuneo con Innocenzo Monti, empleado de banco que emprenderá una brillante carrera hasta convertirse en director del Banco Comercial Italiano. Relación estrecha que supondrá un vínculo permanente de profundo afecto en la vida de Lalla. Al año siguiente nacerá su único hijo, Pietro, llamado "Piero" en el ámbito más familiar. Y en 1941 publicará su antología poética Fiore con la alabanza de críticos como Ferdinando Neri o Gianfranco Contini que ensalzan su sensibilidad, su fuerza íntima y sus resabios clásicos que recuerdan fragmentos sáficos o el eco de ciertas poetisas del "Cinquecento".

En 1943 durante la guerra, se refugia en Cuneo con su hijo en casa de sus padres, habiendo recibido daños el inmueble donde residían en Turín, y se adherirá al Partito d�Azione formando parte de la Resistencia, en calidad de encargada de los "Grupos en defensa de la mujer" (luego llamados U.D.I.).

En 1944 ocurrirá un hallazgo, que será decisivo en el planteamiento artístico de su obra: tras la invitación de Cesare Pavese a que tradujese los Trois Contes de Flaubert; al ponerse en contacto con esta prosa, al mismo tiempo simple y esencial, descubrirá por una parte, la rigurosidad de la misma, y por otra, la afinidad sustancial entre prosa y poesía, desterrando para siempre sus prejuicios de infravaloración sobre la primera, y, operándose el pasaje definitivo de la pintura a la narrativa.

En 1947 se traslada a Milán y continúa impartiendo clases en la escuela media "Arconati" hasta su marcha en 1959. Sigue colaborando con ensayos críticos y piezas narrativas en revistas prestigiosas como "La Rassegna d�Italia", "Il Verri", "La Fiera Letteraria", "Il Caffè", "Paragone" o "Nuovi Argomenti" a la par que va ampliando sus contactos intelectuales al conocer a figuras de la talla de Montale, Bacchelli, Sereni, Vittorini, Rognoni, Anna Banti, Elsa Morante, etc. Sigue además ligada para sus publicaciones a la casa editorial Einaudi, lo que supone estrechar vínculos con su editor, Giulio Einaudi, Cesare Pavese, Natalia Ginzburg, Italo Calvino o Giulio Bollati.

El período de 1948 a 1975 constituye un tiempo fructífero y prolífico de creación artística a un ritmo vertiginoso en que se confirman publicaciones de obras significativas con el reconocimiento de premios importantes. Así en 1951 con Le metamorfosi iniciará su larga serie de obras en prosa, le seguirá la novela Maria (1953) que recibe un año después en Lugano el "Premio Internazionale Veillon", Tetto Murato (1957) con la designación en ese mismo año del "Premio Pavese", Diario di Grecia (1959), L�uomo che parlava solo (1961), La penombra che abbiamo attraversato (1964), novela alabada por Calvino y Elsa Morante y que revelará las cualidades más auténticas de Lalla como narradora. Recibirá el "Premio dei Librai milanesi", aunque produce un gran escándalo el hecho de no ser nominada para el Premio Viareggio a pesar de contar con el apoyo de personalidades como Bobbio, Longhi, Ungaretti o Montale entre otros, indignación que lleva precisamente a Montale a dimitir del propio jurado.

En 1967, con una edición renovada (en la estructura y la adición de un ensayo sobre el sueño) de Le metamorfosi conseguirá al año siguiente el Premio Soroptimist. Y en 1969 saldrá Le parole tra noi leggere, obteniendo un gran éxito y el Premio Strega.

Vendrán después: Didone ritrovata (1971); ensayo introductorio al libro IV de la Eneida de Virgilio, L�ospite (1973), Lettura di un�immagine (1975), y La villeggiante (1975).

Este discurrir narrativo se va alternando con la génesis de su obra lírica que aflora en dos momentos determinados: L�Autunno publicado en 1955 con una "Nota" de Carlo Bo y Giovane è il tempo (1974), antología que incluye variaciones de los poemas iniciales presentes en Fiore y en L�Autunno con otros inéditos, y por la que recibirá en Nápoles el Premio Sebeto.

En 1976 es elegida consejera del Ayuntamiento de Milán como independiente por las listas del Pci, aunque la experiencia será breve, ya que dimitirá al año siguiente.

En 1974 publica la que es considerada por la mayoría de la crítica su obra maestra: Una giovinezza inventata y también un libro de fábulas Lo stregone. Este mismo año será premiada doblemente, con la "Penna d�Oro" por parte de la Presidencia del Consejo de Ministros y con la medalla de oro de "Benemerenza Civica".

A partir de aquí hasta el 2001, fecha de su muerte, seguirá consolidando su carrera con nuevas publicaciones y nuevos reconocimientos públicos: Inseparabile (1981), La treccia di Tatiana (1986); un libro-comentario a fotografías de Antonio Ria, Romanzo di figure (edición renovada de Lettura di un�immagine), también de 1986; album fotográfico personal por el que recibe el "Premio Castellammare del Golfo" con la consiguiente exposición en Milán, otras ciudades italianas y el extranjero. Se le concede también este mismo año el "Premio Circolo della Stampa" de Turín. Viene después Nei mari estremi (1987), reconocida con el "Premio Grinzane Cavour" al año siguiente y que quiere ser un homenaje a su marido Innocenzo, muerto el 1 de Octubre de 1984 y testimonio de su relación, Un sogno del Nord (1989); selección de poemas breves y ensayos, libro también galardonado con el "Premio Procida-Isola d�Arturo/Elsa Morante, Le lune di Hvar (1991); una novela-diario sobre sus vacaciones en Yugoslavia y que Carlo Bo considerará como "el testamento" de Lalla Romano, en que hay una especie de recapitulación de todo su trabajo, Un caso di coscienza (1992); breve novela sobre su experiencia como docente en los años 50, Ho sognato l�Ospedale (1995); sobre una reciente experiencia en el hospital, In vacanza col buon samaritano (1997), que será designada con el "Premio Palazzo al Bosco" al año siguiente, en que publicará también L�eterno presente. Conversazione con Antonio Ria (1998). En 1999 verá la luz la novela Dall�ombra, y en el 2000, Ritorno a Ponte Stura, un nuevo "album de fotografías" con breves comentarios por parte de la escritora a cargo de Antonio Ria y con un ensayo de Roberto Cassanelli que ilustra los aspectos histórico-críticos de las imágenes.

En la década de los 80 intervendrá además como colaboradora con distintos artículos y reseñas en periódicos importantes como el "Corriere della Sera" o el "Giornale" de Milán. Se da a conocer en circuitos más amplios, comenzando a publicar muchos de sus libros en Francia, trabajando con nuevas casas editoriales como Denoël o La Différence. Y la etapa de los "90" supondrá un broche de oro, una cascada acumulativa de premios como reconocimiento a su labor creativa y a su carrera, que se suceden desde distintas Entidades y Organismos: el 14 de febrero de 1993 será nombrada por el gobierno francés "Officier de l�Ordre des Arts e des Lettres". Al año siguiente, con motivo de un Congreso de dos jornadas en Milán para enjuiciar su obra (en su vertiente global pictórica y literaria) con la participación de prestigiosos literatos, críticos e historiadores del arte, recibe los premios "Premi Grinzane Cavour-Terre del Piemonte y Gandovere-Franciacorta. En 1995 obtendrá el "Premio edizione Donna" por el proyecto de traducción de Maria en la casa editorial Gallimard y además, el 15 de Diciembre del mismo año, el Presidente de la República, Oscar Luigi Scalfaro le otorgará la condecoración de "Cavaliere di Gran Croce dell�Ordine al merito della Repubblica Italiana". En 1996 le es concedido también el Premio internacional "Unione Latina" por el conjunto de su obra. Y el 21 de Febrero del 2001 se la distinguirá con el "Diploma di Medaglia d�oro ai Benemeriti della Scuola della Cultura e dell�Arte" por parte del Presidente de la República Carlo Azeglio Ciampi, último premio en vida, ya que muere en este mismo año, dejándonos un legado ingente y polifacético de gran calidad.

Lalla Romano, mujer activa e intimista a la vez, adherente a un entorno refinado y equilibrado burgués ha sabido conciliar perfectamente su faceta pública en su doble dimensión cultural-creativa y literaria, y socio-política con algunos compromisos de implicación concretos a lo largo de su vida; y su faceta privada, bastante rica de experiencias personales: la relación intensa con su marido, la experiencia de maternidad y sus amistades varias. Se ha mantenido siempre ajena al mundo intelectual oficial, alejada de modas, de las distintas corrientes literarias de la época, incluso de cualquier tipo de activismo feminista, buscando su independencia, su originalidad expresiva en un sentido de neutralidad casi clásica y muy personal, que huye de cualquier concesión al sentimentalismo, del empalagamiento narcisístico, exhibicionismo psicológico, victimismo o de la palabra "hueca".

En la etapa que le tocó vivir, con respecto a su propia identidad como mujer, no podrá encontrar su imagen especular en los referentes femeninos en un plano de proyección social, y para ser fiel a su inclinación filosófica y artística, tendrá que buscar su afirmación en las figuras masculinas que la rodeaban: su padre, su tío el matemático Giuseppe Peano, el profesor Pastore, el pintor Morelli o el famoso crítico de arte Lionello Venturi. Sentirá en sí por tanto, la copresencia de sentimientos dialécticos, una ambivalencia que por su atracción hacia lo abstracto y espiritual, y su no reconocimiento en un sistema expresivo a través de la corporeidad (según era patente en la época como atributo femenino) la llevarán a "redimensionar su femineidad en un sentido viril" como apunta Jadranka Novak en su estudio "Il tempo ritrovato di Una giovinezza inventata di Lalla Romano".

Perfil literario y concepto artístico

La escritora generacionalmente se adscribe cultural y poéticamente a la de Pavese, Quasimodo, Vittorini, Montale, Levi, Calvino, Sereni, Pasolini, Ginzburg, Morante, Moravia, Volponi, Ottieri, Sciascia, Eimaudi y Bollati, Carlo Diomisotti, Gianfranco Contini, Geno Pamploni, Maria Corti, Grazia Cerchi...

Concibe la escritura como una "persistente identidad en el tiempo"; un medio para salvar la eternidad de las experiencias vividas en su auténtica actualidad siempre presentes. Una escritura que tiene una gran fuerza ética, un medio indagatorio, que convoca a la memoria con un doble valor: su rescate, nos dice la escritora, nos hace más humanos porque nos conecta a un hilo universal consciente y provoca nuestra reflexión, y por otra parte, tiene un valor epifánico o revelador de la verdad. Considera este aspecto fundamental y vincula la memoria a la fantasía, ya que es la que propone la elección inicial.

Su engranaje expositivo se ha tildado de "autobiográfico". Cesare Segre, gran estudioso en profundidad de su obra, niega rotundamente esta característica. Llega a conclusiones opuestas, aduciendo que parte precisamente del material autobiográfico para configurar su tejido creativo y dar lugar a otras realidades literarias de valor universal.

Otra característica de la obra de Lalla Romano es que mezcla distintos códigos expresivos, especialmente la pintura y la fotografía con la literatura. Ello es producto de una visión global, esencial, perenne, en que el tiempo y el espacio forman una realidad única. Vincenzo Consolo en su artículo "La memoria in Lalla Romano tra scrittura e immagine" habla de la importancia que tiene la fotografía en ella (más que en ningún otro escritor moderno) como fuerte potencial del que se impregna la memoria, fuente de inspiración e invención, testimonio de realidad viva en suma. Además, esta inserción de materiales heterogéneos en el seno de una misma obra se revelan como indicios o señales de una verdad perseguida.

Su serenidad interior se refleja en su estilo, que manifiesta un equilibrio esencial, con una lengua que eleva a una medida "clásica" los módulos linguísticos de la burguesía septentrional, disciplinada bajo una estructura laica y lógica, cincelada en el rico legado de la cultura de la Ilustración, una lengua clara, hecha de frases simples pero que logra atrapar las quiebras y matices más sutiles mediante un uso original de la parataxis que refleja cadencias nítidas y precisas que abren camino a sugestivas e improvisadas suspensiones y dudas que siembran una atmósfera de cierta inquietud.

La misma Lalla declarará en varios escritos, pero sobre todo en uno de ellos, aparecido en 1945 y que se considera una especie de poética en clave para interpretar su obra (incluido en La villeggiante ), que encontraba gran dificultad en traducir las cosas en palabras por la rotundidad evidente de las imágenes que se imponían a su mente sin un aparente nexo lógico; en esa lucha incansable de todo escritor entre el contenido y la forma de expresarlo, pero en este caso, ese contenido se hace patente en las cosas concretas ya definidas:

"Faccio un tremendo sforzo per tradurre in parole le cose, ma mancando i nessi non riesco a combinare un discorso. Cerco di inventare, ma sento sempre più che il senso mi sfugge, mentre tanto più pesano con la loro massiccia evidenza, le cose ...".

Hildegart Rodríguez (1914 - 1933)

psicarol@gmail.com (Carolina Martínez Cabello) — Fri, 15 Jun 2007 07:28:23 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Hildegart nace en Madrid siendo concebida por su madre con la intención de, bajo su educación y con sus ideas, liberar la "reforma social" de España a principios del siglo XX. La madre de Hildegart, Aurora Rodríguez Carballeira, busca a un hombre que actúe como inseminador y que luego desaparezca, pensando ella que el matrimonio sólo supondría un obstáculo para sus ideas. Eligió con mucho cuidado al padre de Hildegart, teniendo en cuenta que además de las condiciones físicas y morales que estimaba imprescindibles, este también fuera alguien que no pudiera reclamarle nada. La identidad de ese padre es desconocida. Una vez embarazada rompió con todo y se marcho desde El Ferrol (Galicia), donde vivía, hasta Madrid. No tuvo problemas económicos para empezar una nueva vida al proceder de una familia acomodada. Aurora se alegró de tener una niña, ya que, pensó que esta podría hacer una labor más fructífera que un hombre, por ser la mujer quien estaba más necesitada de liberarse de esclavitudes, tabúes y falsos complejos de inferioridad. En opinión de Aurora, Hildegart debía ser la hembra fuerte capaz de redimir a la mujer.
El nombre de Hildegart, según su madre, está formado por la palabra "gart" que significa jardín, y "hilde", que significa conocimiento o sabiduría; por tanto "jardín de la sabiduría". Y no se equivoco con el significado del nombre, al conocer la vida de Hildegart encontramos a una persona brillante y creativa. Hildegart lee y escribe al mismo tiempo que aprende a hablar. A la vez que aprende castellano también estudia alemán, inglés y francés. A los once años comienza a dar conferencias y escribe en la revista �€�Sexualidad�€�, en la sección �€�higiene sexual�€�. Antes de cumplir los trece años ha terminado el bachillerato con sobresaliente en todas las asignaturas y comienza la carrera de Derecho (con una dispensa por la edad).
A los catorce se lanza a la lucha que su madre le había previsto. En Enero de 1929 ingresa en la Unión General de Trabajadores (UGT). También ingresa en las Juventudes Socialistas madrileñas. Pocos meses después, publica sus primeros artículos en "El Socialista" y se hace popular. En mayo de 1932 termina Derecho, pero debe esperar a ser mayor de edad para poder ejercer, sólo tiene dieciséis años, así que comienza los estudios de medicina.
Junto a sus artículos en "El socialista", empieza a colaborar con otros dos diarios madrileños; "La Libertad" y "La Tierra". Además, participa en numerosos actos políticos y culturales, con frecuentes conferencias en las que defiende, no sólo la igualdad jurídica de la mujer con el hombre, sino la completa liberación del sexo femenino. Algunas de estas conferencias después aparecerían (ampliadas y corregidas) convertidas en libros (por ejemplo, "La rebeldía sexual de la juventud").
En el tema político, desilusionada por la actuación del partido socialista en la Segunda República de España, parece que Hildegart, al igual que otros compañeros va a abandonarlo, pero antes de eso es censurada por su indisciplina, al oponerse en un artículo publicado en "La Libertad", a la candidatura propuesta por el partido. Aprovecha para escribir un libro titulado "¿Se equivocó Marx?" en el que opina que, en cuanto al socialismo en sí, anarquistas y feministas tienen razón al afirmar que los diputados obreros acaban siendo corrompidos por las mismas instituciones burguesas a las que pretenden destruir. Al epílogo de esta obra le añade una nota breve a través de la cual se da de baja, tras cuatro años militando en la Federación Nacional de Juventudes, en la Agrupación Socialista madrileña y en el Sindicato de Actividades Diversas de la UGT. Tras esto, pide su ingreso en el Partido Republicano Federal. Los tres últimos años de vida de Hildegart son muy prolíficos. Escribe casi a diario artículos para "El Socialista", primero, y para "La libertad" y "La Tierra" después, colabora con revistas extranjeras, pronuncia numerosas conferencias y publica diversos libros.
Si resulta interesante su labor en el terreno político, más importante e interesante resultan aún sus trabajos encaminados a la liberación de la mujer. Si en los primeros años aboga por la concesión del voto a la mujer, defiende posteriormente la igualdad jurídica entre los dos sexos (como sostiene en su obra "Venus ante el Derecho") y más aún, la liberación femenina de toda clase de tabúes y prohibiciones sexuales. Considera que este aspecto del problema supera en importancia a todas las revoluciones que ha conocida la humanidad y que contribuirá en mayor medida que ninguna otra a liquidar injusticias. Hildegart, que estudia y conoce las más modernas teorías sobre el comportamiento sexual de la pareja humana, cree que "el problema del sexo se eleva ante las generaciones futuras como el principal problema al que debe buscarse una solución urgente". Se lanza resueltamente a la cruzada en defensa de la mujer. Da conferencias sobre la injusta postergación femenina y la urgencia de un cambio jurídico y ético. Interviene personalmente en las semanas de eugenesia y es cofundadora junto con Marañón de la Liga Española para la Reforma Sexual, sección de la Liga Mundial para la Reforma Sexual que tenía sede en Berlín. Ella organiza sus estatutos y elabora los primeros números de la revista �€�Sexus�€�, su órgano de debate y difusión de las ideas. Abordó temas que la sociedad española seguía considerando intocables y la participación en la Liga le permite mantener relación por carta con Havelock Ellis, uno de los precursores de la sexología europea, a través del cual publica algunos ensayos y trabajos en revistas científicas extranjeras y empieza a ser conocida en Alemania, Inglaterra y Francia. Entre sus admiradores también podemos encontrar a H.G. Wells, al que Hildegart sirve de interprete y acompañante en una de sus visitas a Madrid, y que trata de convencerla de que ella tendría más futuro en Inglaterra.
Su intensa visa sindical y científica se ve truncada por su muerte prematura. En la madrugada del 9 de junio de 1933, teniendo sólo 18 años, su madre acaba con ella matándola mientras duerme. Aurora dispara hasta cuatro veces sobre su hija. La explicación que da Aurora Rodríguez sobre por qué mata a su hija (rechazando ella misma algún tipo de desequilibrio mental) es que la joven se iba a desviar de la misión que ella le había encomendado. Incluso habla de que hay gente interesada en utilizar a Hildegart para defender otras ideas e intereses que ella no quiere, hasta llega a decir que el Servicio de Inteligencia Británico quiere convertirla en espía y teme que para convencerla se hayan servido de algún muchacho para enamorarla. Hay quien cree que la principal razón de su muerte es que no soportó que Hildegart, al igual que hablaba a los demás sobre la necesidad de rebelarse, quisiera hacer lo mismo con su madre. Tras toda la vida bajo la dominación de su madre quiere ser libre y eso no fue capaz de asumirlo su madre. Ellis había escrito un artículo sobre ella titulado �€�La Virgen Roja�€�, en el que elogiaba y aplaudía su trabajo al mismo tiempo que censuraba la simbiótica relación que mantenía con su madre. Este artículo había llegado a manos de Hildegart y su madre el día anterior al asesinato.

Mercé Rodoreda I Gurguí (1908 - 1983)

molinermarin@yahoo.es (Maria P. Moliner Marin) — Sun, 31 May 2009 11:14:50 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: catalán

Breve biografía
Mercé Rodoreda i Gurguí es considerada como una de las grandes novelistas del siglo XX en lengua catalana. Sus obras siguen hoy en día traduciéndose a otras lenguas y ganando lectores, y sobre todo lectoras, e investigadores que van aportando más información y nuevas perspectivas a su producción literaria. Nació en Barcelona el 10 de octubre de 1908 y vivió su infancia y parte de la adolescencia en un pequeño chalet del abuelo materno en el barrio de Sant Gervasi, alejada del bullicio del centro de la ciudad y rodeada de casas señoriales, jardines y naturaleza. Protegida probablemente en exceso por su abuelo, quien le aportó no solo el calor familiar sino que influyó fuertemente en su formación cultural y catalanista, se cría en un ambiente cerrado y casi endogámico roto tan solo por la asistencia a algunas manifestaciones literarias. Por el hecho de ser mujer, su familia no le permitió seguir sus estudios que tuvo que abandonar a los nueve años con el pretexto de ayudar en casa. Más pendientes del "qué dirán", la mantuvieron al margen del ambiente social e intelectual barcelonés del momento.
La muerte del abuelo cuando ella contaba con doce años marcó un punto de inflexión en su vida, como se percibe en toda su producción literaria. La pérdida de una figura tan trascendental para la niña supuso, además, que su soledad en un barrio que se le iba deviniendo en exceso tranquilo, se intensificara. Poco tiempo después conoce a Joan Gurguí i Guàrdia, tío materno recién llegado de América, con quien le concertarán un matrimonio que se materializará ocho años después, y con el que tendrá un hijo. Muy pronto, la escritora desmitificará la idílica idea que sobre el matrimonio tenía y los problemas de la pareja se acentuarán por la diferencia de edad y la divergencia entre los proyectos de ambos.
El ambiente de euforia y libertad que se vive durante los breves años de la república la ayudan a tomar conciencia de su situación de opresión, reclusión y falta de libertad como mujer. Comienza a escribir y colabora en la radio, diarios y revistas de Barcelona, además de en la Institució de les Lletres Catalanes y, en consecuencia, frecuenta a los intelectuales y escritores catalanes, entrando a formar parte del mundo literario de la época.
El exilio a Francia, acabada la guerra civil, le supuso inicialmente una liberación del ámbito familiar y el descubrimiento de una vida llena de expectativas profesionales y personales. La planificación por parte de la Conselleria de Cultura de la Generalitat Catalana del exilio de sus intelectuales en enero de 1939, permitió un contacto entre los mismos, incluso la conciencia de grupo. Así, en Roissy-en-Brie, coincidió la escritora con personalidades como Pompeu Fabra, Francesc Trabal, Joan Oliver, Cèsar August Jordana, Anna Murià, Pere Calders, Rosa Artís o Armand Obiols, entre otros. Este último, amante y posterior pareja de la escritora, ejercería una fuerte influencia sobre ella, condicionando en muchas ocasiones en exceso su escritura.
Pero a la situación dramática del exilio se unió la vivencia de la segunda guerra mundial, la necesidad de escapar de nuevo, esta vez a Burdeos, el distanciamiento de Obiols y de muchos de sus amigos y referentes y el abandono de proyectos.
Después de un peregrinaje de varios años por diferentes ciudades de Francia, dificultades económicas, problemas de salud y una gran precariedad laboral, Rodoreda y Obiols se instalan en Ginebra de manera menos provisional, aunque él continua viajando con frecuencia, dejándola sola durante largas temporadas. Gracias al trabajo de traductor para la UNESCO de Obiols y de sus colaboraciones en diferentes organismos internacionales, vivirán unos años de manera más pausada y menos precaria; de este modo, ella puede dedicar más tiempo a la escritura y reescritura de sus obras. Sin embargo, son continuos sus problemas con editores y editoriales para la publicación y traducción de sus novelas y las decepciones por no conseguir los premios literarios, a los que se presenta insistentemente con obras nuevas o reescritas. Por fin en 1966 obtiene el premio Sant Jordi de novela, lo cual le supone el primer paso para comenzar a vivir de la literatura. Llegarán poco después algunos premios antes negados y otros nuevos como el premio de la Crítica o el de reciente implantación Ramon Llull, que le abrirá las puertas del mundo hispanoamericano. También en esta época consigue desbloquear las traducciones de sus novelas a otras lenguas y comienzan a aparecer las primeras ediciones en inglés, francés o checo. Consigue, así, su objetivo marcado desde hace muchos años: afianzar su reconocimiento como escritora de calidad tanto en España y en Cataluña como en el resto de Europa. Pero sus fracasos con los premios literarios y los problemas de traducción no terminan aquí: sigue presentándose a premios que le niegan supuestamente por causas políticas, de género u otras más espurias; esta derrota es vivida de tal modo por la escritora que incluso niega haberse presentado a muchos de ellos.
En 1979, ya sola, después de algunas visitas a Barcelona para acogerse al derecho de amnistía laboral decretado por la Generalitat (que nunca le concedieron), vuelve definitivamente y se instala en Romanyà de la Selva, donde vive con dos amigas sus últimos años. Por fin en 1980 le conceden el máximo galardón de las letras catalanas: el Premi d�honor de les Lletres Catalanes. Pocos años antes, en 1976 le proponen llevar al cine una de sus obras más conocidas actualmente: La plaça del diamant, que se estrena en 1982 con el director Francesc Betriu, protagonizada por Silvia Munt, y que la relanza como escritora; la película es televisada y Rodoreda ve cómo crece su popularidad.
Muere en un hospital de Girona en 1983.

Producción literaria
Resulta difícil ubicar a Mercé Rodoreda en un género literario determinado, no sólo porque a lo largo de su vida cultivó tanto el teatro como la novela, el cuento y la poesía, sino también porque, como consecuencia del hibridismo contemporáneo de los géneros, su producción en prosa, que es la que la ha proyectado internacionalmente, está impregnada de una recurrente presencia de elementos líricos.
Comienza con el cultivo del relato breve, colaborando desde muy joven en revistas y periódicos de Barcelona como Revista de Catalunya, Mirador o La Revista. Dichos relatos fueron recopilados posteriormente, junto con otros inéditos, en el libro Semblava de seda i altres contes (1978). Otras recopilaciones posteriores de sus relatos son Vint-i-dos contes (1958), La meva Cristina i altres contes (1967), Viatges i flors (1980), Quanta, quanta guerra (1980) o La mort i la primavera (1990).
Parte de su obra narrativa responde a la clasificación de novela corta, como El carrer de les Camèlies (1966) o Jardí vora el mar (1967), a partir de las cuales elaborará sus novelas largas, las más conocidas son Aloma (1938), La plaça del diamant (1962) o Mirall trencat (1974), la más ambiciosa, que puede ser considerada una novela río. No son éstas, sin embargo, sus primeras novelas, pues anteriores a ellas están las que podrían denominarse novelas de juventud, menos conocidas porque después de su publicación fueron rechazadas por la autora: Soc una dona honrada? (1932), Del que hom no pot fugir (1934), Un dia a la vida d�un home (1934) y Crim (1938). Estas obras pertenecen a la misma época que Aloma, y en ellas, a pesar del débil pulso narrativo, se deja entrever ya la atracción de la escritora hacia el mundo femenino, que se convertirá con el tiempo en una constante a lo largo de toda su literatura.
Su última novela, Isabel i Maria, de publicación póstuma (1991) se puede considerar, más que como una novela abierta, como un work in progress, como explica su crítica más importante, Carme Arnau. Se trata de un corpus de escritos sobre una novela nunca concluida y en continua revisión que aportan importante información sobre el método de trabajo de la escritora y sobre la estrecha relación entre sus novelas. En ella se percibe el afán de innovación de estilo, al dar voz a diferentes personajes y ofrecer, de este modo, un multiperspectivismo que aporte relatividad a lo contado.

Tópicos y estilo
Muchos son los elementos que dan cohesión a su producción literaria, tanto en lo que respecta al estilo como en la utilización de ciertos tópicos que se van repitiendo constantemente. En primer lugar, podemos destacar que los personajes más relevantes de sus obras son femeninos, pero lejos del encorsetamiento de las protagonistas que encontramos en muchos novelistas, la escritora nos ofrece un abanico amplio y variado de la figura de la mujer, tanto en lo que concierne a la edad como al estatus social, nivel cultural..., cuyo único elemento de relación, además de su sexo, es la ubicación en Barcelona. Todos sus personajes tienen también en común la capacidad de reflexionar sobre ellos mismos y sobre su modo particular de ver el mundo que las rodea. Son frecuentes los planteamientos existenciales como la búsqueda de identidad, la soledad o la libertad, que en ocasiones llegan a provocar incluso la histeria; todo ello siempre desde una perspectiva femenina, marcada por la maternidad, casi siempre conflictiva, cuyo enfoque responde a la idea que, sobre este aspecto, nos da Julia Kristeva. Por esa adopción de un punto de vista femenino complejo, y por el rechazo en la reproducción de estereotipos simplificadores su obra literaria da una imagen más cercana de la psiqué de la mujer contemporánea.
Otros subtemas que giran alrededor de la escritura femenina son: las complejas relaciones madre-hija, vistas siempre desde distintos puntos de vista, el jardín, las flores, las relaciones familiares, la figura del tío-marido o la soledad.
Muchos de estos tópicos se convierten en símbolos personales por la fuerte trabazón que mantienen con la propia vida de la escritora y por su aparición repetitiva incluso machacona; entre dichos símbolos se produce en ocasiones una relación estrecha fácilmente interpretable; es el caso de la pérdida de la infancia a los doce años y la consiguiente pérdida de la felicidad que coincide con la obsesión por la sangre que a menudo lo impregna todo a través del color de ciertas flores y la evocación de recuerdos; junto a ellos, el descubrimiento del mundo y, en consecuencia, la toma de conciencia de falta de libertad. Otro ejemplo podría ser el valor simbólico de los nombres de las mujeres o su relación con símbolos florales, presentes en casi todas sus obras y exentos todos ellos de la candidez e ingenuidad que les atribuye la tradición; por contra, la crueldad, en sus diferentes manifestaciones, es casi omnipresente.
Junto al jardín, otro de los escenarios preferentes en las novelas de Rodoreda es la casa, ambos acabarán convirtiéndose en la imagen de la mujer que los habita y en un reflejo de la evolución de su propia vida; de ahí la importancia del paso del tiempo como un fenómeno en muchas ocasiones degradador que incluso condiciona los recuerdos hasta el punto de llegar a modificar la imagen del pasado.
Esta evolución de los personajes paralela a la casa y al jardín adquiere tal importancia en las novelas que la conciencia del transcurso del tiempo viene proporcionada por los cambios que se producen en esa la realidad exterior más cercana.

Técnicas discursivas
Pero la calidad de un escritor no se reconoce por la utilización de ciertos tópicos o la evolución de los mismos en símbolos, que, aunque numerosos en Rodoreda, son siempre limitados. Su reconocimiento como novelista contemporánea viene dado por el dominio de las técnicas narrativas, su capacidad para utilizar diferentes niveles diegéticos y distintas posiciones enunciativas incluso dentro de una misma novela y la maestría en el uso de la polifonía en su producción más madura. Estamos ante una escritora en continuo proceso de evolución que comenzó escribiendo cuentos con gran maestría pero no quiso limitarse a las posibilidades sintéticas de este género sino que indagó en las capacidades discursivas de la novela.
Así, comenzó con el uso de la heterodiégesis (tercera persona) en novelas de juventud como Aloma, pero aventurándose en un narrador equisciente que mostrara un conocimiento del mundo limitado e ingenuo, el de su propia protagonista.
En La plaça del Diamant, sin embargo, tenemos una narradora autodiegética (primera persona) que exhibe en su propio discurso rasgos que la definen y caracterizan; así, a través de un denso monólogo interior, Colometa cuenta su propia vida, pero exhibiendo una total pasividad ante el mundo que la rodea, sin conciencia alguna de responsabilidad o actitud positiva. La impresión que ofrece al lector la incapacidad de controlar y conducir su propia existencia.
Dichas posiciones enunciativas ofrecerían pocas posibilidades a una escritora perfeccionista y con grandes aspiraciones. Por ello probablemente escribiera una novela totalmente realista, con ciertas dosis de naturalismo: Mirall trencat, contada en su totalidad por un narrador omnisciente, fuera del universo de la historia, que, desde una posición ajena a los sucesos, al tiempo que demiúrgica, manipula los personajes, las acciones, el tratamiento del tiempo... La adopción de una técnica tradicional no resta, sin embargo, modernidad a un relato en el cual se encuentran ciertos rasgos estilísticos propios del momento en que fue escrito, como son el perfeccionamiento en el uso del estilo indirecto libre, la multifocalización, el acceso mental de alternancia limitada, la ironía, etc. Rodoreda se apoya en formas literarias instituidas por la escritura masculina que, no obstante, quedan subvertidas al ser utilizadas como instrumentos de transmisión de experiencias femeninas.
En muchas de sus novelas homodiegéticas se transmite la sensación de que la historia de la protagonista no tiene un interlocutor definido, con lo que se refuerza el vacío existencial de la narradora-protagonista. Además, es frecuente la narración personal disonante caracterizada porque en el discurso aparecen claramente dos ejes diegéticos: el que se sitúa cronológicamente en el momento de la enunciación, y el que se apoya estructuralmente en un tiempo pasado, por lo que existe una distancia temporal entre el tiempo de la historia y el tiempo del discurso. La escritora contemporánea indaga, por tanto, en las posibilidades que su palabra ofrece para la expresión de un mundo oculto y percibido como individual y diferente, de ahí el uso frecuento de la corriente de conciencia. Esto la diferencia de la novela escrita por mujeres de épocas anteriores, cuya finalidad básica consistía en que no se percibiera a través de la escritura la condición femenina de la autora y, de este modo, exponer una visión de la realidad ficticia que no difiriera de la ya expuesta.

En casi todas las narradoras contemporáneas se percibe una preocupación por indagar en las diferencias por razón de sexo y por determinar el proceso a partir del cual el individuo se convierte en mujer. De ahí que sea frecuente que los relatos se retrotraigan a la época de pubertad de las protagonistas, dado que la adquisición de la conciencia de la diferencia marca un punto de inflexión en la vida de los personajes femeninos. Al dar la palabra al personaje femenino, la descripción de los hechos difiere de la realizada por los personajes masculinos.

Como otros muchos escritores en el exilio, Rodoreda escribe inspirándose en su tierra, pero desde una observación a distancia que provoca una visión de la realidad a menudo deformada por la selección de recuerdos e idealizada por la añoranza, pero enriquecida por la perspectiva y por las vivencias de otras realidades distintas a las vividas en su espacio propio.

Luise Rinser (1911 - 2002)

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Mon, 28 May 2007 07:31:30 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua alemana

Luise Rinser nació el 30 de abril de 1.911 en Pitzling, pedanía de la ciudad de Landsberg am Lech, en el sur de Baviera (Alemania). Hija de un maestro de escuela y organista, ya desde niña destacaba por su tremenda curiosidad y ansias de conocer todo lo que le rodeaba. En su ciudad natal aprendió las primeras letras, y a los ocho años escribió su primer cuento dedicado a sus padres. Con catorce años, y sin que nadie lo supiera, redactaba pequeños relatos en el silencio de la noche, los cuales finalmente verían la luz en la revista "Westermanns Monatsheften". Tras terminar los estudios de Secundaria se trasladó a Múnich donde estudió Pedagogía y Psicología en la Universidad. Tras aprobar el examen final de carrera comenzó a trabajar desde 1935 como maestra de apoyo en diferentes Escuelas del pueblo y de Formación Profesional bávaras.

Su vida parecía transcurrir con relativa tranquilidad, entre sus alumnos de la escuela y una voraz creatividad que iba puliendo a través de sus escritos, sin embargo, su espíritu inconformista iba encendiéndose al tiempo que en su país se izaban banderas cruzadas que auguraban tiempos de profundos cambios. Luise, adoptó, como era propio de su joven y fuerte carácter, una postura combativa, positiva y enérgica, y a través de la revista Herdfeuer, se atrevió a publicar sus primeras y valientes críticas en contra del nazismo.

Fue por su frontal rechazo a las políticas del gobierno nazi por lo que en 1939 rehusó afiliarse y colaborar con el NSDAP (Partido Nacionalsocialista de Alemania), renunciando voluntariamente a su puesto de maestra para evitar el tener que propagar y enseñar a sus alumnos el ideario fascista. A sus veintiocho años Luise era consciente de la gravedad de una decisión que podía costarle la vida. Por dicha razón, el hecho de que la única represalia que tomaran contra ella fuera el prohibirle seguir escribiendo, significó, aunque un alivio, una muy triste noticia, pues era un intento de matar sus sueños.

En ese periodo de tiempo, Luise, sin trabajo y sin poder publicar sus relatos, se centró más en su vida personal y contrajo matrimonio en 1939 con su antiguo compañero de Universidad, el músico y capellán protestante de Braunschweig, Horst-Günther Schnell. Asimismo, muy pronto irían llegando las felices noticias de los nacimientos de sus dos hijos: Christoph y Stephan. Pero el espíritu de Luise no podía resignarse únicamente a su labor como madre y ama de casa, imperaba tanto su amor inquieto por la literatura que en su escaso tiempo libre empezó a leer y escribir de nuevo, recibiendo para ello todo el apoyo, admiración y amor de su marido. Fue de hecho Gunther quien se encargó de enviar a la prestigiosa editorial alemana Suhrkamp un manuscrito escrito en tan sólo seis semanas, que se convertiría en la primera novela publicada de Rinser en el año 1941: �€�Die gläsernen Ringe�€�, en la que Luise relata de manera muy sosegada y distante su propia infancia. Desgraciadamente, la segunda edición de su novela no pudo ver la luz al ser inmediatamente prohibida e incautada por las autoridades nazis.

La felicidad duró muy poco, en 1943, Gunther fue obligado a combatir como soldado alemán en el frente oriental y castigado a permanecer en primera línea de combate, donde pronto sería abatido. Luise, sola con sus pequeños, llena de rabia y tristeza, escuchaba en secreto la radio de las fuerzas aliadas, la BBC, y conociendo la situación real de la guerra comenzó a alentar a los soldados para que dejaran de ser blancos fáciles para �€�el enemigo�€�: la guerra no tenía ningún sentido. En la lucha sin tregua contra el salvaje e inhumano destino de muchas personas durante el Tercer Reich, decidió contraer matrimonio con su gran amigo, el escritor homosexual y pacifista Klaus Herrmann, salvando a éste de ser deportado a un campo de concentración.
Pero muy poco después, en 1944, le sobrecogió la traición de una amiga de la infancia, compañera de pupitre y cuyo marido era oficial de la Gestapo: le había denunciado ante las autoridades nazis. �€�El odio sólo lo he sentido en mi vida una vez y de manera muy breve�€�, diría Luise más tarde. Fue condenada a muerte por los delitos de desmoralización de las Tropas y por Alta Traición al Tercer Reich y trasladada a la prisión de mujeres de Traunstein. A la espera de ser ejecutada en cualquier momento a Luise se le iban grabando con gran dolor todas sus vivencias, hambre, crueldad, humillaciones y las torturas sufridas en la cárcel. Casi milagrosamente, a comienzos de 1945, las tropas norteamericanas llegaron a prisión antes que el verdugo de Luise, evitándole una muerte segura y liberando al resto de prisioneras. Luise escribió con avidez, con un estilo ágil, sencillo y antes de que se sumergieran en el olvido, aquellas experiencias de la cárcel en su obra "Gefängnistagebuch" que sería publicada en 1946. «No tendremos futuro hasta que no hayamos �€�visto�€� del todo nuestro pasado y no importa si lo vivimos como víctimas o como verdugos » escribió Luise a propósito de esta obra, que huía de un dramatismo fácil y que trata de la condición humana desde su desnudez. Gran parte de lo escrito en aquel diario de Prisión ha sido utilizado hasta la fecha no sólo como documento histórico sino como testimonio vital contra la ideología facista.

Si con "Gefängnistagebuch" Luise fue reconocida definitivamente en Alemania como una auténtica combatiente contra la barbarie nazi, lo fue también su feminismo a ultranza, atreviéndose a decir en plena posguerra y cuando un sentimiento de culpabilidad colectiva embargaba el espíritu de un país abatido que cada hombre encerraba en sí mismo a una mujer. Para ella, el verdadero avance de la humanidad pendía de la reconciliación definitiva de lo masculino y femenino de una manera indeleble y perenne, y, de hecho, las guerras no eran sino consecuencia del dominio de lo masculino sobre lo femenino, en definitiva la represión contra la mujer.

Desde 1945 hasta 1953 la autora trabajó como periodista y colaboradora en el diario muniqués �€�Neue Zeitung�€� a la vez que continuaba con su pasión por escribir publicando obras como "Jan Lobel aus Warschau" (1948) donde dos mujeres arriesgan su vida por esconder a un judío polaco, �€�Mitte des Lebens�€� (1950), su primer libro feminista donde habla del amor y de la emancipación a través de una mujer fuerte y apasionada, y �€�Daniela�€� (1952), además de numerosísimos relatos cortos como �€�Die Rote Katze�€� (escrito en 1948 y publicado en 1981), narraciones y pequeños cuentos fruto de su extraordinaria capacidad de observación y su inagotable creatividad. Muchas de sus obras se encuadran dentro del género Kurzegeschichte y narran múltiples vivencias durante la penosa vida de posguerra quedando de relieve la desesperación del pueblo alemán ante el derrumbe económico y moral en los años posteriores a 1945. A pesar de que este tipo de técnica narrativa tan íntima y realista puede apreciarse en los escritores del �€�Grupo 47�€�, Luise nunca sería considerada una escritora perteneciente a esta corriente literaria alemana, sino más bien una autora de entretenimiento o de lectura de placer, tal apreciación probablemente poco afectó a una novelista que siempre huía de cualquier encasillamiento.

Dentro de este período, en 1954, públicó su obra "Der Sündenbock�€� y contrajo matrimonio en Ammersee con un entonces desconocido y excéntrico compositor Carl Off, �€�genio y demonio en una sola persona�€� como solía definirlo la propia autora. Durante su vida con Carl, Luise publicó "Abenteuer der Tugend"(1957) y "Geh fort, wenn du kannst" (1959). Luise consiguió alcanzar una enorme fama con sus novelas, en las cuales, a menudo, la autora proponía un tipo de mujer fuerte, con ansias de libertad y emancipación que se debate entre el autoritarismo del hombre y su propia identidad.

El matrimonio con el autor de �€�Carmina Burana�€�, supuso cinco años de verdadero infierno hasta su divorcio en 1959. Pero Luise siempre supo encontrar consuelo y refugio en el apoyo de grandes amigos como el compositor coreano Isang Yun, el abad de un Monasterio benedictino (pues Luise era además una cristiana convencida) y el teólogo jesuita Kart Rahner, al cual siempre se le ha considerado el gran amor de su vida ya que a él dedicó sus más bellas y apasionadas cartas de amor. Sin embargo, en su obra autobiográfica «Saturn auf der Sonne» (1994), una Luise anciana reveló que el auténtico y verdadero gran amor de su vida había sido el abad benedictino de iniciales �€�M.A�€� y al que nunca descubriría para no comprometerlo. En palabras de la autora �€�Él era mi destino�€�, sólo en una ocasión se besaron fugazmente �€�La primera y la última vez�€�. �€�Fue tal mi fidelidad hacia M.A que nunca pude amar a otro hombre, a pesar de que tuve oportunidades�€�. Quizás, fue por dicha razón, por lo que Luise, aunque católica, criticó con furor el celibato, al que consideraba �€�antinatura�€�.

En 1965 Luise se instaló en Rocca di Papa, un pueblecito de la provincia de Roma (Italia), donde la autora descubrió un bello paisaje en el que evadirse de la realidad, un hogar donde se sintió siempre feliz y arropada por sus vecinos (sería reconocida posteriormente como ciudadana de honor). En Rocca di Papa Luise pasó gran parte de su vida, allí lograba concentrarse para escribir muchas de sus obras, relatos, ensayos, novelas, preparaba sus obras radiofónicas y sus libros de viajes. No fue su hogar definitivo, pues Luise siempre conservaría su casa de Baviera, en Unterhaching, a las afueras de Múnich.

Durante la década de los sesenta Luise se fue sintiendo cada día más comprometida con sus ideales feministas, con la ecología y el pacifismo. Por dicha razón se convirtió en una firme activista política. Mantuvo una voluntad en sus convicciones y militancia que la acompañarían incluso hasta en la vejez. Ella misma se definía como �€�socialista y cristiana�€�. En este último ámbito continuó siendo una mujer inconformista y criticó abiertamente la postura del Vaticano sobre temas como el aborto, el papel de la mujer en la Iglesia, etc�€� �€�La iglesia y yo no nos entendemos�€�. Sin embargo, permaneció fiel a su admirado Karl Rahner y a la obra teológica de éste, que tanto influiría en el Concilio Vaticano II (1962-1965), evento histórico que Luise llegó a cubrir como corresponsal.

En su compromiso político, en 1968, apoyó públicamente la candidatura de Willy Brandt en su campaña electoral, al que acompañó en mítines y viajes por toda la República Federal Alemana (RFA). Se manifestó junto al escritor Heinrich Böll por el desarme nuclear y en contra de la carrera armamentística en la RFA, también salió a la calle a favor de los derechos de la mujer y participó en decenas de manifestaciones de movimientos por la paz y por las minorías. Simpatizó por la causa de la profesora estadounidense Angela Davis, expulsada en 1969 de la Universidad de California por su afiliación al Partido Comunista y manifestó públicamente su empatía con los ciudadanos de la entonces República Democrática Alemana.

Sin duda, a finales de los años 70 llegó el período más controvertido y polémico de la vida de Luise Rinser al criticar ésta, en una carta abierta, la sentencia por el incendio de un centro comercial cometido por Andreas Baader y Grudrun Ensslin y otros miembros de la organización terrortista alemana Fracción del Ejército Rojo (RaF), conocida como la banda Baader-Meinhof. Rinser llegó a escribir al padre de Ensslin (novia de Baader): �€�Gudrun ha encontrado en mí a una amiga de por vida�€�. Por esta razón, Luise Rinser fue acusada de simpatizante de la banda. Llegó a recibir amenazas serias desde grupos de extrema derecha en los frenéticos días del �€�Otoño Alemán�€� (1977) tras publicar la revista �€�Quick�€� que la autora había llegado a recibir en su día a la famosa pareja de terroristas. En aquel lapso de tiempo, la indignación por el secuestro de Schleyer a manos de la Baader-Meinhof, provocó que Rinser recibiera un aluvión de críticas tanto de sectores de la derecha como de la izquierda del país, voces que pedían excluir sus textos en los libros de escuela, así como reproches del propio Presidente Hans Filbinger, que deseó �€�el mayor éxito en la lucha contra Luise Rinser�€�. Paradójicamente Luise Rinser había sido condecorada en ese mismo año 1977 con la Medalla al Mérito Nacional: la Bundesverdienstkreuz. En sus años ancianos, Luise confesó con la sabiduría que concede la edad: "Yo antes sí era muy temperamental y podía excitarme de manera terrible, políticamente hablando�€�, y es que según ella misma reconoció, �€�llegué a meter baza en todas partes, lo que me ocasionó innumerables complicaciones.�€�

En aquellos encendidos años 70, Luise Rinser, seguía escribiendo sin cesar, estudiaba, observaba intensamente y aprendía, a lo largo de sus viajes por el mundo, de países como la Unión Soviética, Estados Unidos, España, India, Indonesia, Corea del Sur, etc.. Experimentó vivencias extraordinarias que llegó a describir en sus relatos de viajes pero que no lograron cambiar su propia concepción del mundo. De vuelta a su compromiso político se pronunció a favor de la modificación del párrafo 218 para abolir la prohibición del aborto, y fue considerada una dirigente de la izquierda católica en la RFA. En 1979 Luise recibió el premio Roswitha de la ciudad de Bad Gandsersheim, lo cual supuso para ella una reconciliación definitiva con la opinión pública.

Por su parte, tras recibir un año antes el Premio Europa, escribió en 1981 una autobiografía titulada "Den Wolf umarmen" y en 1983 publicó su novela "Mirjam�€�, en el que se recogía un novedoso perfil de María Magdalena. Fue en el año 1984 cuando se convirtió en la primera mujer que optaba a la presidencia alemana por el partido de Los Verdes, puesto que finalmente no consiguió al ser derrotada por el demócrata-cristiano Richard von Weizsäcker (CDU). Desilusionada con la política, finalmente Luise admitió amargamente: « No son las personas ni los partidos los que hacen la historia, sino que la economía hace la historia, las finanzas hacen también la historia, y ya puede estar al frente de ello un buen hombre como Weizsäcker o el para mí antipático Kohl que nada cambia. Y yo a veces me desespero porque, al fin y al cabo, todo es cuestión de dinero ».
En 1986 publicó su novela « Silberschuld» y en esa misma década visitó en varias ocasiones Corea del Norte a través de una serie de viajes que la marcarían profundamente y que incluyó en su popular cuaderno de viaje: �€�Nordkoreanisches Reisetagebuch", Luise quedó prendada del régimen totalitario del país y en especial de la persona del dictador Kim Il-sung al que visitó con asiduidad. Rinser justificaba así su fascinación: �€�Yo quería conseguir, a través de mi trabajo, que se conociera una clase de socialismo que no sólo consistiera en un modelo determinante para el futuro del Tercer Mundo, sino que también nos pudiera aportar otros impulsos para una reflexión valiente en relación a un socialismo posible que ayude a derrotar la creencia ciega en la imprescindible lucha entre el sistema capitalista y el comunista�€�. Luise dedicó un capítulo de su libro a Kim Il-sung, al que consideraba �€�El pequeño rey�€� y se convirtió además en miembro de la �€�Comisión Internacional para la reunificación pacífica de las dos Coreas�€�. Entre otras organizaciones, Luise era también miembro de la Academia de las Artes de Berlín, de la Academia Tiberia y Senadora de la Academia Internacional Medicea.
Entre 1987 y 1988 recibiría varios premios como el Heinrich-Heine de la Academia de las Artes y Heinrich-Mann del Ministerio de Cultura de la República Democrática Alemana, así como el Premio literario Elisabeth-Langgässer.
El año 1989 supuso un importante momento para la Historia y en especial para todos los alemanes: la caída del Muro de Berlín y la reunificación de Alemania. Luise no celebró aquel momento, aunque tampoco lloró: no fue nunca un secreto que para Luise, la caída de la República Democrática Alemana, tuvo un cierto sabor agridulce.
Cuando ya Luise contaba con ochenta años, en 1991, publicó su novela más apasionada y romántica, �€�Abaelards Liebe�€�. Dicha novela ha sido considerada para muchos una novela autobiográfica de Rinser. Relata la historia de un �€�amor loco�€� entre el gran teólogo y filósofo Abelardo y su alumna Héloise, contada por Astrolabius, el hijo de aquél. Aquel mismo año, mientras celebraba el enorme éxito de su novela, Luise recibió los siguientes reconocimientos: �€�Premio Internacional de Literatura Ignazio Silone�€�, �€�Premio Herkomer�€� y el �€�Premio de la Cultura de la ciudad de Landsberg�€�.

La repercusión pública que obtuvo con �€�Abaelards Liebe�€� animó a Luise Rinser a publicar, en 1994, su correspondencia privada con el teólogo Kart Rahner, fallecido diez años antes, bajo el título �€�Gratwanderung. Briefe der Freundschaft an Karl Rahner". El escándalo estaba servido: la Orden de los Jesuitas puso el grito en el cielo ante una obra a la que acusaba de divulgar contenidos eróticos. Pero Rinser defendió su obra enérgicamente: �€�Sólo porque se representa a Rahner como ser humano y no como un simple nombre tallado en piedra, sobre la cual él en absoluto hubiera querido estar.�€� Pero aquello era la punta del iceberg, el libro brindó una buena ocasión a sus detractores para ridiculizarla con acusaciones como �€�mártir frustrada�€� y otros epítetos. No se le perdonaba lo que para muchos suponía una enorme falta de tacto. El crítico Carl Amery llegó a reprocharle su fanfarronería y exhibicionismo. Sin embargo, Rinser siempre argumentó que Rahner había estado de acuerdo con la publicación de un diario íntimo que ofrecía una mirada libre sobre el torbellino de sentimientos entre una mujer amante y un hombre religioso con muchas ganas de vivir pero comprometido con su celibato.

Un año después de la famosa polémica, en 1995 relató su hermoso encuentro con el Dalai Lama, que en aquel tiempo se encontraba en su exilio en la India, en "Mitgefühl als Weg zum Frieden�€�, Luise, aunque fuera ya a sus 83 años, se sintió tremendamente feliz tras haber hecho realidad el sueño de reunirse con él. La influencia del Lama fue de tal magnitud que consiguió renovar aún más si cabe el compromiso de Rinser con el ecologismo. A la pregunta de Rinser de qué era para el Dalai Lama la Religión, éste contestó: �€�Ser religioso es aquél que trabaja para la preservación de la Creación�€�. Luise Rinser estuvo absolutamente en sintonía con esta afirmación del líder tibetano, llegando a decir en defensa de los animales: �€�El anonimato de nuestras víctimas del reino animal es lo que nos hace sordos a sus gritos�€�.También acogió como filosofía propia un antiguo proverbio hindú: �€�Dios duerme en las piedras, respira en las plantas, sueña en los animales y quiere despertar en nosotros los hombres�€�.

A pesar de su espíritu incansable, los años iban pasando, y ya en 1992, Luise Rinser había escrito una breve nota para el diario "Deutsche Allgemeine Sonntagsblatt" en la que confesaba haber cumplido con su tarea de ser elemento revulsivo hasta el último aliento. Hablaba de tranquilidad por un tiempo. Unos años antes la propia Rinser ya lo decía: �€�Se debe empezar a hacerse mayor a los treinta años, eso sería lo ideal. Se aprende a entender la auténtica realidad de las cosas y se llega a ser totalmente libre a través del intelecto y recurriendo a la claridad que ofrece la Filosofía. La gente que nunca se entrega tampoco puede morir porque la muerte es la última entrega.�€�

Poco antes de su fallecimiento Luise comentó: �€�Cuanto más viejo se hace una más entiende pero menos puede explicarse�€� fue por dicha razón por la que un buen día dijo �€�ya no escribo más�€�. Cuando en su última entrevista se le preguntó qué entendía por la Literatura actual ella respondió: �€�nada de eso me interesa ya, me estoy preparando para morir�€�. Pero Luise jamás demostró tristeza ante su propio final, de hecho, fue una de las pocas de su tiempo que se ocupó del tema de la mortalidad del ser humano. Sobre la vida después de la muerte ella explicaba: �€�estoy totalmente convencida de que hay algo. Como persona occidental, Luise no se podía explicar que caigamos en un silencio eterno: �€�así como en la tierra arrasada tras la guerra vuelve a brotar de nuevo la vida, así me explico la existencia más allá de la muerte�€�.

En los últimos meses de su vida ella ya se encontraba muy débil de salud. En la celebración de su 90 cumpleaños en la Casa de la Literatura de Múnich, con el alcalde de la ciudad como maestro de ceremonias, y cuando todo el mundo la esperaba, Luise Rinser nunca logró llegar: tras su vuelo desde Rocca di Papa hasta Múnich, al bajar del avión se cayó por la escalera golpeándose y lastimándose. Sufrió innumerables operaciones de cadera. Varios meses después, Christoph Rinser, hijo de la escritora, informó mediante un comunicado que el domingo 17 de marzo de 2002, que su madre había fallecido de manera �€�muy repentina e inesperada�€� a causa de una insuficiencia cardiaca en su residencia de Unterhaching.
Tras la triste noticia, muchos medios la recordaron como una mujer luchadora, feminista, pacifista, ecologista, controvertida, rebelde y valiente. En su carta de condolencias, el Presidente alemán, Johannes Rau, destacó la importancia de Rinser como una de las grandes voces literarias del siglo XX y una trabajadora en favor de la libertad, la democracia y la convivencia de los pueblos. Hermann Hesse y Thomas Mann elogiaron la obra de la que fuera tal vez la escritora alemana más conocida de la posguerra. El �€�Stuttgarter Zeitung�€�, describió a Luise Rinser como «la pastora de la anarquía».

Luise Rinser nunca volvería a escribir, se había marchado para siempre, pero no su espíritu ni su voz. Se inmortalizó a través de su extensa obra, un legado que abrió los ojos a toda una generación de hombres y mujeres. Muchas tomaron un valiente ejemplo y el testigo de Luise, el de una mujer escritora, comprometida y profunda pensadora, con grandes aciertos y errores, pero siempre libre y decidida. Luise Rinser, aunque exhausta en su ancianidad, seguía cada día leyendo y aprendiendo con la misma curiosidad que la acompañó desde que era una niña en Pitzling hasta su lecho de muerte: «Sigo esperando a una izquierda rebelde y mantengo mi fe en una utopía de la paz».

Lidia Ravera (1951 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Fri, 01 Oct 2010 07:35:03 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano

Lidia Ravera nació en Turín en 1951. Vive en Roma. Es escritora y periodista. Comienza a escribir desde muy joven, ella misma reconoce en la autobiografía que aparece publicada en su página web que su primer "éxito" literario se produjo a los siete años de edad, momento en el que escribe una frase en un papel, la maestra la lee y considera oportuno colgar dicho papel en la pared del pasillo de las aulas en la escuela, con lo que las niñas de las otras clases van a leerlo.
Es una articulista habitual del periódico electrónico �€�L�€�Unità.it�€�, en sus artículos trata temas de gran actualidad: Berlusconi, la revolución de las mujeres, etc. Artículos en los que se muestra muy combativa con el Presidente y con sus actuaciones públicas y privadas.
Imparte habitualmente cursos y talleres de escritura en colaboración con diversas entidades.

Franca Rame (1929 - )

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Fri, 24 Aug 2007 17:59:36 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: italiano

1. Su formación
Franca Rame nace en Parabiago, un pequeño pueblo situado en la provincia de Milán, el 18 de julio de 1929, por casualidad: su familia, en aquellos días, actuaba allí. Su padre, Domenico, su madre Emilia, su hermano, sus tíos, primos y demás actores y actrices contratados, constituyen una compañía que recorre los pueblos y las pequeñas ciudades de Lombardía y Piamonte. La familia Rame cuenta con una antigua tradición teatral: eran actores desde el 1600, a veces hacían de titiriteros y otras de marionetistas, dependiendo de las situaciones.
Con la llegada del cine, los Rame se pasan al �€�teatro de persona�€�, añadiendo los �€�efectos especiales�€� del teatro de marionetas. Van de pueblo en pueblo, con gran éxito y ganándose la simpatía de todos los habitantes.
Al parecer, todavía hoy, a pesar del personal éxito teatral y televisivo, si Franca visita uno de aquellos pueblos, la gente dice: �€�Es la hija de Domenico Rame�€�. Perfectamente en línea con la tradición de la Commedia dell�€�Arte, los Rame actúan improvisando, utilizando un repertorio de situaciones y diálogos trágicos y cómicos.
A menudo tienen que debutar en una nueva ciudad o pueblo poniendo en escena, después de haber hecho una encuesta entre los habitantes de dicha población, la historia de la vida del Santo o de la Santa Patrona del lugar.
Los textos de los espectáculos van del teatro bíblico a Shakespeare, de Cejov a Pirandello, de Nicodemi a las grandes novelas históricas de fondo social del 1800, normalmente relacionados con una ideología socialista y anticlerical. De este modo, se representan las vidas de Giordano Bruno, Arnaldo da Brescia y Galileo Galilei.
Domenico Rame es el poeta de la compañía. De fe socialista, a menudo destina la recaudación de los espectáculos (con el consentimiento de todo el grupo) para apoyar las luchas obreras (sobre todo, para ayudar a las fábricas ocupadas), para construir guarderías o para otros fondos benéficos-sociales. De esta actividad existe, todavía hoy, numerosa documentación en el archivo RAME-FO, probablemente conservada por la madre de Franca, Emilia Baldini, maestra, hija de un ingeniero del ayuntamiento de Bobbio.
Cuando Emilia, entonces jovencísima maestra, se enamoró de Domenico, tenía casi veinte años más que ella pero, a pesar de la oposición severa de la familia, se casó con él. Por aquel entonces Domenico actuaba en Bobbio con sus marionetas y títeres y juntos empezaron a recorrer toda la provincia lombarda. De este modo, Emilia se convirtió en actriz y diseñadora del vestuario. Fue ella la que enseñó a los cuatro hijos, nacidos del matrimonio, a recitar diferentes papeles y a moverse en escena. Se la recuerda como mujer excepcional, puntillosa y óptima organizadora: auténtica responsable de la compañía (virtud que después heredará también Franca, escrupulosa en organizar la vida de las numerosas compañías teatrales que fundará con Dario Fo).
Es en este ambiente donde Franca Rame aprende las técnicas teatrales y empieza a sentir el escenario como su propia casa �€�perché -dice- ci sono nata: ho debuttato a otto giorni (interpretaba el hijo recién nacido de Genoveffa di Brabante, n.d.r.) in braccio a mia madre... non parlavo tanto quella sera lì!�€�

2. Su carrera personal y su actividad con Dario Fo
En la temporada 1950-51, Franca Rame, siguiendo a su hermana Pia, deja la familia y la contratan en la compañía primaria de prosa Tino Scotti para la obra �€�Ghe pensi mi�€� de Marcello Marchesi, que se representa en el Teatro Olimpia de Milán.
Es en este momento cuando las vidas de Franca y Dario Fo se cruzan.
Dario había empezado a actuar desde hacía poco (en el verano del 1950) en la revista de verano dirigida por Franco Parenti y es en esta ocasión donde se produce el �€�encuentro�€� con Franca Rame, pero no con ella directamente: él ve a Franca en una foto en casa de unos amigos. Se enamora perdidamente de ella.
En esa misma temporada Franca y Dario por fin se encuentran. Es por casualidad, contratan a los dos actores para la misma obra �€�Sette giorni a Milano�€� de Spiller y Carosso, estrenada por la compañía Nava-Parenti, en el Teatro Odeon de Milán. Para que Franca se enamore de él, Dario usa una técnica un poco drástica: finge que la ignora. Después de algunas semanas, ella lo para entre bastidores y le besa en la boca. Se hacen novios.
El 24 de junio de 1954, se casan en Milán, en la basílica de Sant�€�Ambrogio. De esta unión, el 31 de marzo de 1955, nace en Roma su hijo Jacopo.
En 1958, junto con su marido, Franca funda la Compañía Dario Fo-Franca Rame (Dario es el director y el dramaturgo del grupo, Franca es la primera actriz y la administradora) que, en los años siguientes, obtendrá un gran éxito en la afluencia de espectadores en los teatros municipales.
La fama, de ahora en adelante, no hace más que crecer. Y, con la fama, también las polémicas.
En el otoño del año 1962 Dario y Franca dirigen, presentan y escriben los textos de �€�Canzonissima�€�. Se trata de un programa de televisión muy popular, unido a la lotería nacional, y que cada año tiene un presentador diferente. Los sketch de Dario Fo y Franca Rame se convierten en un caso nacional, desencadenando violentas polémicas. Es la primera vez que son llevados a la pequeña pantalla la vida y los problemas de la gente, como las enfermedades profesionales de una mujer que trabaja como peajero o los obreros que pierden la vida en caídas de los andamios. El éxito es increíble: los taxis dejan de trabajar durante las transmisiones, los bares dotados de televisión se llenan de gente. La dirección de la RAI empieza a tener miedo y, aun si los textos están previamente aprobados, comienzan a censurar. En especial un sketch sobre la mafia, en el que se habla de un periodista asesinado, provoca una catástrofe. Malagodi, senador liberal, interviene en la comisión de vigilancia de la televisión del Parlamento italiano, protestando porque: �€�Si insulta l�€�onore del popolo siciliano sostenendo l�€�esistenza di un�€�organizzazione criminale chiamata mafia!�€�. (En el año 1985, Malagodi es nombrado, por el presidente del Consiglio Giulio Andreotti, senador de por vida �€�per i servigi resi alla politica�€�...).
La pareja Fo-Rame recibe amenazas de muerte escritas con sangre y el típico ataúd de madera en miniatura. La familia Fo (incluido el hijo de 7 años) está bajo protección policial. Empieza un pulso con la RAI sobre la censura; pocas horas antes de que el octavo episodio se retransmita la dirección de la RAI comunica que habrá nuevos cortes; Dario y Franca los rechazan y amenazan con abandonar la transmisión. Ni siquiera minutos antes del comienzo de �€�Canzonissima�€� se sabe lo que sucederá. Después la RAI confirma los cortes y Dario y Franca se retiran de la transmisión, como señal de protesta. Las manifestaciones de solidariedad son increíbles, miles de telegramas y cartas. La RAI no es capaz de sustituir a Fo y a Rame porque todos los actores italianos, siguiendo las indicaciones del SAI (Sindicato Actores Italianos), rechazan ocupar sus puestos. Dario y Franca, después de cinco procesos, son condenados a pagar millones por daños. Durante 15 años estarán totalmente excluidos de los programas RAI y de las campañas publicitarias radio televisivas (radio y televisión eran, por aquel entonces, monopolio del estado).
En el 1963-64 los dos debutan en el Teatro Odeon de Milán con �€�Isabella, tre caravelle e un cacciaballe�€�, que narra el descubrimiento de América. Está basado en un buen estudio histórico sobre la vida de Cristóbal Colón y la corte de Isabel de Castilla, dentro del contexto histórico de la �€�limpieza étnica�€� contra los árabes y los hebreos de España. Se trata del principio de un gran trabajo de investigación sobre la historia y los �€�dogmas�€� de la cultura dominante. El espectáculo, fuertemente desmitificador de la �€�historia escolar�€�, de la retórica militarista y patriótica, es criticado duramente por la derecha; la pareja es agredida a la salida del Teatro Valle a Roma y sólo la presencia de grupos de obreros y militantes del Partido Comunista garantizan que las representaciones continúen.
�€�Settimo: ruba un po�€� meno!�€� es de los años 1964-65 y con esta obra debuta una vez más en el Teatro Odeon de Milán. Es una obra muy violenta, dedicada a Franca Rame que interpreta el papel cómico principal, el de una enterradora un poco rara ya que el sueño de su vida es el de convertirse en prostituta. La obra anticipa, con una denuncia minuciosa, la corrupción italiana, treinta años antes de la revolución que provocó el escándalo �€�Mani Pulite�€�.
En el año 1968, siempre al lado de Dario, Franca abraza la utopía del 1968, sale del circuito del ETI, funda el colectivo Nuova Scena y después el Collettivo Teatrale La Comune (ambos comprometidos con los círculos Arci, con las casas del pueblo, con las fábricas y con las escuelas ocupadas), con el que interpreta obras de sátira y de contrainformación política muy feroces y con las que ella y Dario tendrán numerosos problemas de censura. Incluso el Partido Comunista Italiano no verá con buenos ojos la toma de posición antiautoritaria de los actores ante la Unión Soviética de Breznev. Para demostrarlo, después de la invasión rusa de Checoslovaquia, Fo y Rame retiran la autorización para representar sus textos en dicho país. Rechazan las censuras propuestas para las representaciones de una obra en la URSS y prácticamente dejan de representar sus textos en todos los países del área soviética.
En el 1969-70 Franca Rame representa en la Camera del Lavoro de Génova y en varias localidades, dos comedias nuevas de Fo: �€�L�€�operaio conosce 300 parole, il padrone 1000, per questo lui è il padrone�€� y los dos actos �€�Legami pure, tanto spacco tutto lo stesso�€� y �€�Il funerale del padrone�€�.
A causa de las críticas que estas obras hacen al Estalinismo y a las posiciones social-democráticas del PCI, la dirección del mismo sabotea la gira. Decenas de representaciones se anulan. Es un momento muy duro: a Franca le es negada la Camera del Lavoro de Milán, donde tendría que debutar, pero encuentra hospitalidad el en Circo Medina, un circo ecuestre con tigres, leones y elefantes, afortunadamente encerrados en las jaulas alrededor del circo. Una vez superadas las primeras dificultades gracias a la movilización de los compañeros de la base del PCI y de la izquierda extraparlamentaria, las obras continúan con gran éxito. Franca Rame devuelve a Enrico Berlinguer, secretario del PCI, su carné de afiliada al partido (Dario nunca se había afiliado).
El 1969-70 es el año de �€�Mistero buffo�€�, en el que casi actúa sólo Dario Fo, pero en su escritura trabajan los dos juntos. Se trata de una verdadera clase de historia de literatura que empieza con la protesta por las antologías escolásticas y por su interpretación del primer texto en lengua italiana (Rosa fresca, aulentissima), censurado por su significado que, de manera grosera, alude al sexo. El actor reconstruye la lengua de los juglares medievales (gracias al grammelot) y recita sus monólogos haciéndolos, de este modo, accesibles al público. El éxito es increíble. Fo recita incluso en los anfiteatros y en los polideportivos con miles de espectadores. Es la obra que lo hará famoso en todo el mundo, con más de cinco mil representaciones.
Mientras, en el 1970-71, Franca Rame estrena con �€�Tutti uniti, tutti insieme! ma, scusa, quello non è il padrone?!�€�, sobre el origen del Partido Comunista Italiano en el 1921. Del 1971 es �€�Fedayin�€�, obra realizada por Dario, con Franca y diez auténticos Fedayin (palestinos guerrilleros) en escena para recaudar fondos y medicamentos para la resistencia palestina. Franca fue a recoger a los Fedayin al Líbano a los campos militares con la ayuda del Frente Popular Democrático.

3. La violación
La mañana del 9 de marzo de 1973, exponentes de la extrema derecha raptan a Franca Rame y la violan. Se trata de un acontecimiento muy importante, que marcará indeleblemente la vida de Franca, también porque sólo después de veinticinco años fue depositada la sentencia del proceso, tiempo suficiente para que prescribiese el reato. La violación, como se descubrirá con el tiempo (como sospechaban desde el principio), es un ultraje a su ser mujer y de izquierdas. Se conocen los autores: Biago Pitarresi, Angelo Angeli (conocido por su pasión por los dulces, por la cual lo llamaban �€�il golosone�€�, además de su pasión por las armas y los explosivos), �€�un certo Patrizio�€�, �€�un certo Muller�€�. Pero lo que más llama la atención es lo que sale a la luz en la sentencia del encausamiento, depositada por el juez Guido Salvan, en la que se confirma que la violencia a Franca Rame, si no fue ordenada, fue �€�inspirada�€�, �€�sugerida�€� por oficiales de los carabinieri de la división Pastrengo que mantienen fuertes y frecuentes contactos con los neofascistas. Lo sostiene, desde el principio, uno de los violadores, Pitarresi, y la versión de los hechos lo confirma. De este modo, la violación de Franca Rame es una violación de estado, llevado a cabo con el preciso intento de humillar de la manera más terrible a una mujer culpable de estar comprometida políticamente contra los fuertes poderes de la sociedad y a favor de los derechos de las mujeres.

4. Franca vuelve al teatro
Entre los años 1974 y 75, Franca y Dario se comprometen con obras, manifestaciones y jornadas de sensibilización a favor de la aprobación de las leyes sobre el divorcio y el aborto.
En el 1976-77, después de quince años de censura, Dario y Franca vuelven a la RAI con una serie de obras, entre las que destacan �€�Mistero buffo�€�, �€�Settimo: ruba un po�€� meno!�€�, �€�Isabella, tre caravelle e un cacciaballe�€� y �€�Parliamo di donne�€� (más de veinte horas de transmisión). La derecha y la Iglesia lloran, critican y atacan cada una de las obras. Franca Rame gana la Mascara con laurel de oro del Premio IDI, como mejor actriz televisiva por �€�Parliamo di donne�€�. De la misma época son también �€�Morte accidentale di un anarchico�€� y �€�Non si paga! Non si paga�€�.
En noviembre de 1977 se estrena �€�Tutta casa, letto e chiesa�€�, una comedia grotesca sobre la condición de la mujer. Franca firma oficialmente el testo con Dario. La comedia se repetirá más de treinta veces. De ahora en adelante, Franca será la portavoz de las exigencias del movimiento feminista, interpretando también textos suyos como �€�Grasso è bello!�€� o �€�La madre�€�. Se trata de una actividad que llevará a cabo a lo largo de su carrera y que no abandonará pero que culminará, en el año 1994, con la puesta en escena de �€�Sesso? Grazie, tanto per gradire!�€�, texto sobre la conciencia femenina que precede a The Vagina Monologues de Eve Ensler.
En 1980 Franca, Dario y su hijo Jacopo, fundan la Libera Università di Alcatraz, un centro cultural y de agroturismo. La sede del centro está situada en las colinas que se encuentran entre Gubbio y Perugia. Comprando poco a poco tres millones setecientos mil metros cuadrados de bosque (que estaban destinados a la tala) y de olivares, los Fo impiden la destrucción de un valle maravilloso. Reforman las once casas antiguas de labranza y las torres abandonadas. Numerosos artistas y grupos culturales apoyan la iniciativa de Alcatraz, entre los cuales Sergio Anese, Stefano Benni, Dacia Maraini, Milo Manara, Andrea Pazienza, Elena Cranco, que hacen cursos de teatro, tebeos, danza, escritura, técnicas psicofísicas, psicología y artesanía. Además Alcatraz acoge actividades didácticas y recreativas para chicos marginados o minusválidos. Las actividades del centro son: hipoterapia, cómico-terapia, equitación, paseos por los bosques, piscina y clases de natación. A todo esto se unen los cultivos naturales, un restaurante ecológico y un laboratorio para la preparación de conservas biológicas. Hasta hoy el centro ha acogido a más de treinta mil personas y lo dirige Jacopo Fo.
En 1980, Franca rescribe �€�Lo stupro�€�, monólogo autobiográfico escrito por primera vez en 1975, que repetirá varias veces en diferentes obras. Desde el 10 hasta el 23 de mayo de 1981, en el Riverside Studios de Londres, Franca Rame representa, con gran éxito de crítica y público, �€�Tutta casa, letto e chiesa�€�. En el Nacional Theater, Ivonne Bryceland recita la misma obra con el título en inglés �€�Female Parts�€�.
En mayo de 1984, en el Teatro Municipal General San Martín, en Argentina, Dario y Franca se exhiben con �€�Tutta casa, letto e chiesa�€� y �€�Mistero buffo�€�. Un menor durante la representación de �€�Mistero buffo�€� hace explotar una bomba lacrimógena (de tipo militar) en el teatro. El susto y el pánico general se apoderaron de los espectadores. Durante su estancia en Argentina, cada noche jóvenes y no tan jóvenes fascistas, en cazadora negra de piel, bajo la mirada complaciente de decenas de policías, tiran piedras contra las ventanas del teatro (dañadas hasta el tercer piso), mientras católicos (incitados contra los espectadores por los feroces artículos publicados en la prensa nacional, escritos por el obispo de Buenos Aires antes de que la compañía llegase a la ciudad), con grandes imágenes de Jesús en el pecho, rezan en el atrio del teatro. Otros interrumpen la obra con gritos, cada vez que escuchan la palabra �€�Papa�€�. Interviene la policía, que los saca en brazos del teatro. Franca y Dario reciben la solidariedad gubernativa y sobre todo popular, también de las �€�madres de la plaza de Mayo�€�.
En septiembre de 1992, Franca estrena en el Teatro Nuevo de Milano una obra compuesta por dos actos independientes escritos por ella: �€�L�€�eroina�€� y �€�Grasso è bello�€�. En �€�L�€�eroina�€� se narra la tragedia de una madre que tiene tres hijos toxicómanos, dos de ellos mueren de sobredosis y de SIDA. Para salvar a la tercera hija y comprarle la droga, la madre se prostituye: �€�Di tossicodipendenza si può guarire, di AIDS si muore!�€�. En �€�Grasso è bello�€�, en el que Franca recita muy gorda vestida con un chándal de gomaespuma, se habla de la feminidad, del ser sexy, de la delgadez, de las dietas, del amor y de la vida. Como le sucede a menudo a Franca, varias noches los propietarios de algunas salas cancelan su disponibilidad tras una campaña periodística moralista y las representaciones se anulan.
El 1994 es el año de �€�Un palcoscenico per le donne�€�; en el teatro de Porta Romana de Milán, Franca Rame organiza un festival de teatro al femenino con jóvenes actores. En el mes de agosto este festival se representará en Cesenatico con gran éxito.
El 9 de octubre de 1997, la Academia de Suiza otorga a Dario Fo el premio Nobel de Literatura. Con la siguiente motivación: �€�El premio Nobel de Literatura se otorga a Dario Fo por el espíritu renovador de su teatro, en el que, con Franca Rame, actriz y escritora, en la tradición de los juglares de la Edad Media, castiga a los poderes establecidos y restaura la dignidad de los oprimidos.�€�
El 10 de diciembre de 1998, Franca recibe en España el Premio León Felipe por los derechos humanos con esta motivación: �€�A Franca Rame, víctima de la crueldad de poderes oscurantistas y corruptos, por su denodada defensa de los desheredados y de los oprimidos, de las causas nobles de los hombres y de las mujeres con su trascendental obra artística y ética alegremente integrada por Dario Fo�€�.
El 22 de diciembre de 1998, la Provincia di Milano entrega a Franca la medalla de oro de Riconoscenza de la ciudad �€��€�per la sua attività di attrice legata all�€�impegno politico, alla passione civile, per le sue innumerevoli iniziative nelle carceri, contro la droga e contro ogni forma di discriminazione.�€�
El 30 de octubre de 1999, se les entrega a Franca Rame y a Dario Fo la �€�Honorary fellowship�€� de la Universidad inglesa de Wolverhampton por �€�su contribución al teatro internacional y la humanidad de su arte junto con el compromiso democrático y político que los ha caracterizado.�€�

5. La actividad política
En las elecciones políticas del 2006 se presenta como candidata encabezando la lista del partido en el Senado en Piamonte, Lombardía, Véneto, Emilia-Romaña, Toscana y Umbría en las listas del partido político fundado por Antonio Di Pietro, l�€�Italia dei Valori. La eligen como senadora en Piamonte. Antonio Di Pietro la propone como Presidenta de la República, pero sólo la sostiene su partido.
A partir de este momento, Franca arrincona (quizás temporáneamente) su actividad teatral para dedicarse totalmente a la política.

Su obra

Presento, a continuación, tres de los textos más significativos de Franca Rame.

�€�Parliamo di donne�€�
Todas historias paradójicas: algunas ya conocidas, como el monólogo en el que cuenta el agitado despertar de una obrera que tiene que atender a su hijo y correr al trabajo en la fábrica (de la obra �€�Tutta casa, letto e chiesa�€�), o la historia que cuenta la desesperación de la madre de �€�Michele lu Lanzone�€�, el sindicalista siciliano asesinado por la mafia (de la obra �€�L�€�operaio conosce 300 parole, il padrone 1000, per questo lui è il padrone�€�), hasta las historias escritas exclusivamente para esta obra, como la historia de la creación de Eva, hija de la Locura, y del pecado original, o la de un director de fábrica transformado en un muñeco para abofetear y dar así la posibilidad a sus empleados, en especial a la obrera Armida, de desahogar la rabia reprimida desde hace ya demasiado tiempo; hasta la historia surrealista de toda una familia en pleno drama del aborto, incluido el padre, embarazado por un caso extraordinario de partenogénesis, para terminar con la historia de una familia de obreros que ha elegido la libertad del ser esclava de sí misma en el trabajo a domicilio�€�
Se habla de mujeres, en esta revolucionaria obra de 1977, pero sobre todo, hablan las mujeres. Ésta es la verdadera intención de la obra, que empieza presentando al Hombre como uno que �€�arriva, parla, interrompe, disturba... E noi, zitte? Nossignore! Parlare, donne!�€�. Porque las mujeres se han quedado calladas (o, mejor todavía, han sido obligadas a quedarse calladas) durante demasiados siglos. Y entonces es necesario que las mujeres se reapropien de la palabra. La verdadera revolución femenina empieza aquí.

�€�Parliamo di donne n. 2�€�
La escribe Franca Rame (con la colaboración de Dario Fo, quien también la ha dirigido), en el año 1992 y está estructurada en tres actos.
En el primer acto �€" L�€�eroina �€" Franca Rame interpreta el personaje de �€�Mater Tossicorum�€�, una ex profesora de latín que ha tenido que adaptarse a un nuevo trabajo, el de vendedora ambulante de videos porno, teléfonos de mentira, preservativos y otros deleites, en un parque público de las afueras; la mujer espera a un camello para compárale la droga que suministra �€�poco a poco�€� a su hija, toxicómana. �€�Mater Tossicorum�€� ya había perdido dos hijos, ambos por culpa de la heroína, y sueña con llevar a su hija a Liverpool, donde espera encontrar el ambiente adecuado para salvarla; para esto necesita mucho dinero, y por ello se prostituye�€�
En el segundo acto �€" Grasso è bello! �€" la actriz es �€�Mattea�€�, una mujer con casi sesenta años separada de su marido y que padece de obesidad, obsesionada con la báscula, la bicicleta estática, dietas y adiposa melancolía. A través del personaje de �€�Mattea�€�, emerge la paradoja del ser mujer que es característico del teatro de Franca Rame, lejos de la retórica del feminismo superficial hasta el punto de mostrar en la mujer la primera �€�enemiga�€� de las otras mujeres: Mattea ha decidido hacerle la guerra a las demás mujeres tanto en el trabajo como en los sentimientos y está dispuesta a todo para sentirse todavía deseada y amada.
En el tercer acto �€" Una giornata qualunque �€" una mujer sola está intentando grabar su último mensaje con la cámara de video para su marido infiel antes de suicidarse.
�€�Parliamo di donne�€� es una obra hecha de historias privadas y conturbadoras, pero también surrealistas, entre lo cómico y lo grotesco, entre la diversión y la reflexión y representa con sarcasmo, ironía y desencanto temas graves y actuales como la condición de la mujer, los problemas sentimentales, la toxicomanía y el SIDA, la fe y el dolor. Un sutil cuadro de la sociedad contemporánea, en forma de hiriente sátira, dentro de la clásica tradición de aquel teatro popular comprometido del que Franca Rame y Dario Fo son desde hace muchos años los más prestigiosos y aclamados autores y protagonistas.

�€�Sesso? Grazie, tanto per gradire!�€�
Franca Rame escribe: �€�Sono anni che porto in giro per il mondo spettacoli sulla condizione della donna, lo sfruttamento sessuale, i problemi con i figli, i tradimenti, la coppia chiusa, la coppia aperta... E in tutti questi anni il mio camerino è diventato come lo studio di un analista: uomini, donne, giovani mi confidano storie che non racconterebbero al confessore. Ebbene, con tutto questo dialogare, mi sono convinta che la causa di ogni pena amorosa, di legami che si sfaldano, è la mancanza di armonia tra i sessi.�€�
De aquí nace la idea de estrenar, en el año 1994, una obra escrita a seis manos por Franca, Dario y si hijo Jacopo, basada en �€�Lo zen e l�€�arte di scopare�€� de Jacopo Fo. Y es precisamente Jacopo, que basándose en sus propias experiencias sexuales, inspira a Franca a hablar de amor y de sexo, de la falta de conocimiento del propio cuerpo, del tabú, del miedo y las inhibiciones.
En este monólogo grotesco e irónico, Franca Rame, contando también sus experiencias sexuales, demuestra como todos nosotros, todavía hoy, estamos siendo educados en la ignorancia y en la idea de que la sexualidad, sobre todo para las mujeres, sea una cosa indecente. Al principio, la censura ministerial prohíbe la obra a los menores de 18 años. La siguen una movilización de la prensa y el recurso legal. Después de dos meses, se retira la censura y la obra se define: �€�Intriso di profondo amore materno e perciò consigliato ai minori�€�. El texto es un extraordinario monólogo de Franca Rame que afronta temas delicados e íntimos (desde su primera experiencia sexual pasando por el embarazo, el aborto, la menstruación hasta el orgasmo) con un irresistible efecto de contraste entre comentarios cómicos y grotescos, pero también con gran delicadeza y pudor.
Franca siempre terminaba la representación de esta obra con un delicioso monólogo en grammelot titulado �€�La favola dei tre desideri�€�, un fableau antiguo medieval de origen provenzal sobre la importancia de la ternura también en el sexo. En el último año de las representaciones sintió la necesidad de hablar de su trágica experiencia de 1973, para vencer aquel silencio que era la primera condena que la mujer sufría, infligiéndosela a sí misma.
�€�Una donna �€"explica Franca- ha paura a denunciare d�€�essere stata stuprata perché non si sente protetta né dalla giusizia, né dalla società, e a volte nemmeno dalla famiglia. Anzi, spesso è sottoposta a una seconda violenza da parte di poliziotti, giudici e avvocati. Solo con un grande impegno sociale, educando i nostri figli al rispetto per gli altri, nella casa, nelle scuole, per la strada si potrà cambiare la testa della gente.�€�
Por esto, Franca decidió sustituir �€�La favola dei tre desideri�€� con el monólogo �€�Lo stupro�€�, del año 1975 y reelaborado en el 1980. Por su valor moral y civil, además de teatral, he elegido este monólogo como texto representativo.

Antonia Pozzi (1912 - 1938)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Wed, 15 Apr 2009 17:45:12 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Antonia Pozzi nace un 13 de Febrero de 1912 en el seno de una familia acomodada, culta y refinada: su padre, Roberto Pozzi, renombrado abogado en Milán y su madre de origen nobiliario, la condesa Lina; hija del conde Antonio Cavagna Sangiuliani di Gualdana y de Maria Gramignola (dueños de amplias propiedades). Este contexto privado, rico en estímulos intelectuales, fermento de una cultura de ascendencia ilustrada-romántica, será clave en la formación de Antonia; con una madre educada en un buen colegio, el "Collegio Bianconi" de Monza, que domina bien varios idiomas (el francés y el inglés), con un vivo interés por la lectura (especialmente por los autores extranjeros), que sabe tocar el piano y se apasiona por la música clásica y las artes en general; con un abuelo materno cultísimo ("il nonno Antonio"), reconocido historiador (apreciado también por Pavese) y amante del arte en general, dotado de cualidades pictóricas propias y ducho en el dibujo y la técnica de la acuarela; con una abuela, "la nonna Maria"(nieta a su vez del famoso Tommaso Grossi) de aguda y gran sensibilidad con la que Antonia desde su infancia establecerá una estrecha relación de entrañable afecto y profunda complicidad vital; de ascendencia paterna, la abuela Rosa, dedicada al magisterio, al igual que la hija de ésta, su tía Ida (hermana del padre), también maestra, compañera en muchos de sus viajes ...cierran este círculo de claras influencias intelectuales que cimentarán un fértil sustrato de motivación cognitiva, avidez cultural y de educación y permeabilidad de la sensibilidad artística que delineará el perfil peculiar de nuestra autora.

Antonia empieza su primera experiencia escolar en 1917. Los documentos no certifican de una forma clara si estos primeros años transcurren en una escuela religiosa (posiblemente "la scuola delle Suore Marcelline") o bien viene preparada de forma privada.

Lo que sí es cierto, es que en 1922 no habiendo aún cumplido los 11 años, está matriculada en el instituto "Liceo-ginnasio Manzoni", donde obtendrá el título en 1930 para proseguir con sus estudios universitarios en la "Statale" de Milán.

Estos años de instituto marcarán para siempre la vida de Antonia en un triple aspecto: por una parte, se forjarán estrechas y profundas relaciones de amistad, en particular con Lucia Bozzi y Elvira Gandini (a las que considerará "hermanas elegidas") y por otra, descubrirá una doble pasión: la poesía; refugio íntimo y ejercicio estético al que se entregará con asiduidad, y el sentimiento del amor; en su doble vertiente de exaltación y dolor más profundo por su imposibilidad de cumplimiento.

En 1927, cursando el primer grado de Bachillerato, se sentirá fuertemente atraída por su profesor de latín y griego, Antonio Maria Cervi, de quien admira su hondo sentido ético, su cultura excepcional y su consagración plena a la enseñanza. La vinculación de intereses afines será cada vez más clara y manifiesta: el ansia de saber, el amor por el arte y la poesía, por la belleza en general que une a ambos, trocará en Antonia la admiración, por un sentimiento profundo de amor, de sesgo trágico, obstaculizado de forma explícita por su padre en 1933, que provocó la renuncia definitiva a esta "vita sognata" como después la escritora plasmaría en sus poesías homónimas donde la convergencia entre deseo y realidad quedará para siempre truncada y la poesía será entonces la única forma de vida posible.

Este amor indecible y real (certificado por la mayoría de los críticos), y que la familia tratará a posteriori, después de su muerte, de manipular y reducir a una mera relación platónica, gravará su espíritu con una huella indeleble en la conciencia compartida por ambos del desgarro de una plenitud afectiva y un destino común arrancados sin más, bajo una obstinación paterna sin aparente sustento lógico; y la frustración consiguiente. Una de sus mayores biógrafas de los últimos tiempos, Alessandra Cenni, en su libro In riva alla vita. Storia di Antonia Pozzi poetessa (Rizzoli) llega incluso a aventurar la hipótesis de un posible aborto obligado, fruto de esa relación pasional (tesis sin embargo desmentida por todos los testimonios cercanos y por su otra biógrafa Graziella Bernabò) y quizás, de un primer intento de suicidio tras la humillación y el rechazo de que fue objeto Antonio Maria Cervi por parte de su padre en un momento de confidencialidad en que declararía su deseo expreso de casarse con ella.

A partir de aquí, tanto para el profesor, herido profundamente en su orgullo y dignidad, siendo una figura relevante en el ámbito intelectual de la época (había publicado ensayos sobre la estética del neoplatonismo y sobre la historiografía crítica de Friedrich Nietzsche) como para Antonia, que intentará colmar este vacío volcándose e ilusionándose con otros proyectos y amores; la fisura a la larga será terrible, pero en un primer momento esta separación será vivida con la calma y la certeza de que este amor permanecería indemne a través del tiempo y el espacio, dada su naturaleza, que ambos creían indestructible como apunta Alessandra Cenni en la Introducción a la obra de la autora Parole.

En 1930 Antonia inicia sus estudios universitarios en la Facultad de Filosofía y Letras, donde halla profesores de gran talla y toma contacto con todo un grupo de intelectuales coetáneos a ella, en cuya nómina rezan los siguientes: Vittorio Sereni (que llegará a convertirse en una de sus amistades más importantes), Enzo Paci, Dino Formaggio, Remo Cantoni, Ottavia y Celia Abate, Giancarlo Vigorelli, Luigi Rognoni, Giulio Preti, Guido Morselli, Daria Menicanti, Maria Adalgisa Denti y Giovanni Maria Bertin. Entre sus profesores tienen especial interés para ella, las clases del germanista Vincenzo Errante y sobre todo el Curso de Estética impartido por Antonio Banfi, considerado el docente universitario más abierto y moderno de su época.

Con él aprende un nuevo método de investigación basado en una racionalidad cargada de moralidad filosófica, cimentada en la sustancia profunda de la ilustración lombarda y que enfrentaba la crisis abriendo una perspectiva de salvación a través de un principio crítico vital en que la palabra se configura en "síntesis orgánica de conciencia", donde la experiencia vital viene recogida y significada (principio claro y manifiesto en su poesía). Con él, además, elaborará la tesis sobre la formación literaria de Flaubert, obteniendo matrícula de honor el 19 de Noviembre de 1935.

Durante todos estos años de Instituto y Universidad lleva una vida muy normal en consonancia con su rango alto-burgués y culto; y con su edad, combinando su amor por la montaña, cultivado desde 1918 en Pasturo (pequeño pueblecito de la Grigna) donde la familia posee una villa y transcurre muchos de sus periodos vacacionales, con la motivación de sus grandes viajes que empezarán a partir de 1931. En este mismo año por tanto, iniciará su periplo trasladándose precisamente a Inglaterra para aprender bien el inglés de manera oficial, instada también por el padre para alejarla de Antonio Maria Cervi.

En 1934 realiza un crucero visitando Sicilia, Grecia y África mediterránea que la pondrá en contacto de una forma vital con esas culturas tan estudiadas y apreciadas por su profesor amado, descubriendo un mundo aún no condicionado por la civilización europea, con una fusión perfecta entre humanidad y sentido primitivo intacto.

Entre 1935 y 1937 se halla en Austria y Alemania para profundizar en sus conocimientos de lengua y literatura germánicas; interés que el profesor Vincenzo Errante había promovido en ella durante el período universitario y que la llevará a traducir en italiano algunos capítulos del "Lampioon", de M. Hausmann. En todo este tiempo, además, se ha convertido en una experta en fotografía, dominando bien la técnica, pero sobre todo llevada por el impulso de querer captar la esencialidad del momento efímero eternizado en imágenes de objetos, personas y naturaleza que desprenden un sentimiento oculto y misterioso. Se crean así sus albumes que constituyen auténticas páginas de "poesía en imágenes".

Pero en general, todo este discurrir normalizado de acciones es simplemente aparente ya que dentro de sí la escritora continúa viviendo un auténtico drama existencial no concluso y que ninguna ocupación consigue mitigar: ni la docencia en el ámbito profesional en el "Instituto Tecnico Schiaparelli" iniciada en el 37 y retomada en el 38, ni en el ámbito filantrópico y humano, el compromiso social en pro de los pobres, en conjunción con su amiga Lucia, ni siquiera sus propios proyectos intelectuales como la ideación de una novela sobre la historia de la Lombardia a partir de la segunda mitad del Ochocientos, ni la poesía o la fotografía, auténticos espacios de vocación artística.

La carencia de una fe sólida, a pesar de tener un espíritu profundamente religioso, el vacío existencial provocado por la no culminación de su historia de amor y la implicación en las circunstancias históricas concretas, parecen ser según la opinión de los críticos, las causas determinantes de su trágico final, ya que muere suicidándose el 3 de Diciembre de 1938.

Su perfil psicológico viene marcado fundamentalmente por una hiperestesia singular, desbordante, por una empatía que la hace conectarse a todo el universo lacerado y sensible; a los sectores más desfavorecidos, haciendo suyo su propio sufrimiento, y a la vez, ser capaz de sentir el gozo de la vida en una efusión sin límites. Así en la Introducción a la obra de la autora Parole, Alessandra Cenni la definirá precisamente como "una inadattabile alla vita per eccesso di vita", arrojada a ella como desafío intelectual a través de un generoso gesto existencial. Por otra parte, la gran italianista Maria Corti que la conoció directamente en la Universidad destaca además de ese rasgo ya remarcado de su "hipersensibilidad", otros que delinean y completan su personalidad, como su rareza, originalidad, su "dulce angustia creativa", su carácter fuerte y su gran inteligencia filosófica, comparando su espíritu con esas plantas de montaña que surgen al borde de los precipicios.

Ese anhelo vital, esa curiosidad inteligente y esa emoción que lo bello, lo trágico y lo humilde suscitan en su espíritu, la llevarán también a amar la naturaleza, esa tierra lombarda con sus plantas y sus ríos, sobre todo esos paisajes alpinos; esas montañas concretas de Pasturo, a los pies de la Grigna, que en su contemplación y contacto vivencial: escaladas, paseos ...restituirán la armonía quebrada de la autora y propiciarán el reencuentro consigo misma, traduciéndose también en vibrante poesía o en magníficas páginas en prosa donde rezuma el esplendor de la narración y de las imágenes.

En Antonia Pozzi se concilian los términos "eros" y "tánatos" con ese colofón vital que quiere ser el último arranque de autenticidad, en esa reivindicación final de su propia esencia, reflejada también en su obra. Su suicidio (como si se tratase de un héroe romántico marcado por una fatalidad inapelable) fue un último grito de libertad que quiso ser silenciado por su familia, por su padre en concreto. Como nos dirá Maria Corti, Antonia fue presa inocente de la paranoica censura paterna en su vida y en su obra, vinculada a éste afectivamente desde su adolescencia por la actitud distante de la madre al estar más volcada en los compromisos sociales. Seguramente la exigencia de la perfección para complacer el espíritu autoritario de su progenitor y el cerrado ambiente religioso familiar desencadenarían la crisis irreversible, mal que ella misma definió como "disperazione mortale" en su nota de despedida a sus padres, y que la conduciría a la muerte voluntariamente por obra de los barbitúricos; circunstancia escandalosa que querrá ser negada por su familia, atribuyéndola oficialmente a una "neumonía", así como también su testamento destruido por el padre y la consiguiente manipulación por su parte de su obra: sus poesías escritas en cuadernos y aún inéditas en ese momento sobre las que intervendrá cancelando parte de su historia íntima (su historia de amor con Cervi que será falsamente descrita como una relación platónica); y en cuestiones formales, guiado por su gusto escolástico, amante de la poesía tradicional.

No podemos por otra parte, eludir el contexto social como coadyuvante en la resolución fatal de su decisión final: en este período de entre-guerras Europa se ve asolada por un ambiente de inquietud y angustia existencial, y ni siquiera Italia salvaguardada en principio por los límites de un gobierno autárquico pudo sustraerse a esa tensión palpable de que se estaba forjando algo oscuro y abatía las conciencias con un denso velo de incomprensibilidad ante los acontecimientos históricos que estaban ocurriendo, provocando un sentido de confusión y extrañeza con respecto a los valores humanos de la cultura occidental. Esto se refleja desde luego en la poesía, que trata de convertirse en una especie de barrera, de defensa y reducto de cultura, que se yergue sobre este paisaje ruinoso pero que también ve amenazada su supervivencia. Antonia Pozzi se encuentra por tanto, entre los pocos que son capaces de contemplar cara a cara el lado más terrible e inquietante de la realidad y trasciende a su poesía en esa conexión empática con el sufrimiento ajeno, en ese estar presente en el momento histórico que vive percibiendo todo lo exterior a pesar de su subjetividad, creando una "herida insanable" en su espíritu como nos dirá Tiziano Salari hablando de "sus diarios" y que todo el peso de la cultura refinada que la envuelve y la sostiene no podrá curar.

Otros críticos y el mismo Tiziano Salari aseguran que el contexto social y cultural tampoco contribuirá a su reconocimiento intelectual y pleno como poeta, más bien entraría en conflicto, en primer lugar, por el hecho de ser mujer y en segundo lugar, por la vivencia misma de su pasión poética (prejuicios que aún perduran y observamos en las antologías e historias literarias del siglo XX); camino, el de la dignificación literaria que podría haber sido un acicate que soslayase en un momento dado la certeza de conducir un destino en un mundo privado de sentido.

- Concepto de "Poesía"

La clave profunda que cifra la poesía de Antonia Pozzi está constituida por esa vinculación estrecha a la vida y por esa transferencia esencial e inmediata al espacio autorreferencial de la literatura. Y así ella misma declarará su necesidad sustancial para vivir: "vivo della poesia como le vene vivono del sangue". En esta frase-manifiesto está expreso el primer valor que cumple la poesía por tanto: su obligatoriedad, su entrega vocacional al Arte; es en definitiva un alimento básico para el espíritu y por lo tanto tiene un valor sacro. Como consecuencia de éste surge un segundo valor: las palabras brotan del alma y expresan la autenticidad de la existencia tanto interna como externa a ella; valor autoconfesional (cauce de la propia identidad) y extra-confesional.

Pozzi concibe clásicamente la poesía con una función catártica (tercer valor): liberación del dolor a través de la plasmación artística, como así lo pone de manifiesto explícitamente en sus cartas (Lettere): "la poesía ha questo compito sublime: di prendere tutto il dolore che ci spumeggia e ci rimbalza nell�anima e di placarlo, di trasfigurarlo nella suprema calma dell�arte, così come sfociano i fiumi nella celeste vastità del mare".

Para la autora, la poesía debe tener también un valor ético y existencial (cuarto valor) como cauce profundo en la resolución de un problema vital, como vía de reflexión en la plasmación objetivada de escenas humanas.

La poesía de Pozzi se inclina hacia la purificación esencial de la palabra arrastrando la angustia de un dilema no resuelto entre Arte y Vida, que al final resultará insostenible. Los temas de sus poemas giran en torno a la inasibilidad de un punto de anclaje en que volcarse completamente, ya sea a través de la objetivación artística o la maternidad (aspiración también negada).

En cuanto a la forma, bajo la aparente simplicidad de medios expresivos, hay todo un despliegue de recursos disimulados que delatan la técnica y el dominio del oficio. Y así fiel a su potente espíritu crítico como nos dirá Alessandra Cenni en el análisis de su obra Parole, los datos incontrolables e irracionales empíricos son sometidos al tamiz de la inteligencia racional en una exploración lingüística que busca cada vez sistemas lingüísticos más complejos.

Palabra y poesía, se presentan para la autora a veces como dos realidades antitéticas, con un valor absoluto la segunda y la primera en su valor ambiguo y fluctuante. No sólo hay una lucha por encontrar la forma perfecta que refleje el contenido exacto sino que asumiendo una concepción romántica de la tradición literaria de la inaferrabilidad de la poesía, de la finitud y limitación de la palabra, se da una desconfianza patente no sólo en la palabra como cauce expresivo sino en la propia idea que se expresa. Así la poesía se siente a veces como algo huidizo, inasible, plasmado parcialmente en unos toques momentáneos, y circunstanciales; por lo tanto estas palabras tendrán sentido para la autora siempre que sean portadoras de verdad, que sean espejos de experiencias vitales o por otra parte, soportes ficticios de auténticas realidades imaginadas o soñadas. Y precisamente Luigi Scorano nos dirá en el estudio de las cartas de Pozzi Carte Inquiete que la palabra se hace más palabra poética en Pozzi en la medida que se distancia de la urgencia cotidiana y se sumerge en una dimensión no cronística.

Palabras, que en definitiva siguiendo la lección hermética se deslizan por la poesía "rotundas como piedras", envueltas en velos transparentes", reducidas al "mínimo peso", como escribió Montale, que transfieren solidez y sustancia a las imágenes liberando el ánimo oprimido y proyectando el sentimiento a las cosas transfiguradas en símbolo.

La lírica de Pozzi parte del crepuscularismo de Sergio Corazzini, para después seguir un camino de interiorización. No se abre ni inclina al hermetismo sino quizás sólo a través del reflejo y sugerimiento externo de la poesía coetánea a ésta, aunque sí es lícito destacar ciertas experiencias de Ungaretti. Busca por sí misma su propia vía agotando los residuos, los ecos y las contaminaciones inevitables. Técnicamente su poesía deriva del versolibrismo de principios de siglo. Montale en la primera edición a su obra, Parole habló de "una voz ligera, poco necesitada de reforzamientos (que) tiende a quemar las sílabas en el espacio blanco de la página".

Su peculiar inclinación a la realidad con ese "dominio y fascinación por la imagen" (con una originalidad suma en su configuración metafórica) confirmada también en su interés por la fotografía, la acercan a los poetas de la llamada "línea lombarda" que pretendían capturar la sustancia de las cosas para justificar el propio hecho de la contemplación a través de un consciente ejercicio crítico y de análisis de las razones existenciales.

El registro expresivo sigue por lo general una doble orientación encaminado a diferentes motivaciones temáticas. Montale había apuntado ya la conformación de una atmósfera "uniforme" de imagen, pero más que de una poesía monocorde, habría que hablar de un desarrollo lineal paratáctico salpicado con brillantes y originales hallazgos y brotes de estilo. Todo ello configura un código poético personal, propio, madurado en una red isotópica de símbolos que se pueden rastrear en su obra a los que se dota de un significado metafórico y nuclear diversificado después en las múltiples variaciones de las distintas asociaciones semánticas textuales.

Todo un bagaje de lecturas cimentan y respaldan su formación literaria: además de Rilke, Pound, Valéry y Eliot en lengua original y en traducciones, Antonia lee también a los maestros de la poesía italiana contemporánea: Ungaretti (L�Allegria sobre todo) por el dominio intelectual sobre la tendencia visionaria; Montale por el fuerte sentido ético de su existencialismo y también a Sinisgalli y Quasimodo. En cuanto a la narrativa, se apasiona por Flaubert, Kafka, Dostoievski, Mann y Joyce, interpretada en clave filosófica.

Según Mariano Roldán en su Traducción y Prólogo de Treinta Poemas sobre Antonia Pozzi, aduce que habría que encuadrar a la autora en una poesía de "tono virginal" de cariz extático, llena de premoniciones y esperas con una rapidez, patetismo, concisión y diarismo que lo evidencian, en la línea de una Emily Dickinson o una Katheleen Raine.

Históricamente, Antonia Pozzi forma parte conjuntamente con Gatto, Sinisgalli, Luzi, Parronchi y Sereni, de esa tercera generación de escritores del siglo XX (en correspondencia con la española de Hernández, Vivanco, Panero, Rosales o Muñoz Rojas) que Oreste Macri señala como continuadora de la constituida por Quasimodo, Betocchi y Montale (en coincidencia con la del 27 española) y sucesora a su vez de Rébora, Campana, Saba, Cardarelli y Ungaretti, cima de la lírica italiana de esta época; equivalente a Juan Ramón Jiménez en nuestra lírica.

Antonia Pozzi (1912 - 1938)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Mon, 23 Mar 2009 11:43:50 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Sylvia Plath (1932 - 1963)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Sat, 23 Jun 2007 10:12:07 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Inglés

Sylvia Plath nació el 27 de octubre de 1932 en Boston. Desde temprana edad siempre mostró tener gran habilidad con las palabras y con cinco años ya escribía poemas. A la edad de ocho años perdió a su padre enfermo de diabetes. Un año después publicó su primer poema en la sección infantil del periódico Boston Herald. Durante su infancia y adolescencia no paró de escribir y en 1953 trabajó como editora invitada en la revista Mademoiselle en Nueva York. El énfasis y el duro trabajo emocional durante ese mes en Nueva York junto con la desilusión de verse rechazada en un curso de verano en Harvard ocasionó que Sylvia perdiera concentración, no pudiera escribir y sufriera de insomnio. Un día, su madre descubrió cicatrices en sus piernas que ella misma se había hecho. Inmediatamente la llevó al psiquiatra que diagnosticó una fuerte depresión. Un mes después se encerró en un sótano de la casa y nadie pudo encontrarla hasta dos días después en un estado de semi coma. Este oscuro periodo de su vida aparece reflejado en su novela The Bell Jar que publicó, bajo el pseudónimo de Victoria Lucas, un mes antes de su muerte.
Después de disfrutar de una beca Fullbright, marchó a la Universidad de Cambridge en el Reino Unido, donde conoció al poeta Ted Huges del que se enamoró y con el que contrajo matrimonio en 1956. Poco después se trasladaron a vivir a Estados Unidos, donde Ted cosechó grandes éxitos por sus poemas mientras qye Sylvia se sentía frustrada por su escasa producción literaria. En 1959 volvieron al Reino Unido, donde tuvieron dos hijos, Frieda and Nicholas. Al año siguiente sus poemas más conocidos vieron la luz: Lady Lazarus, y Daddy.
Sylvia comenzó a sospechar que Ted le era infiel y estas sospechas se vieron confirmadas pronto y Ted abandonó a Sylvia por Assia Gutmann Wevil, esposa del poeta canadiense David Wevill, ambos amigos de Sylvia y Ted.
Sylvia soportó la separación de Ted dedicándose a la poesía con más tesón que nunca y en menos de un mes escribió 25 poemas, los mejores de su producción literaria. Trabajaba desde las cuatro de la madrugada hasta que los niños se despertaban, y al día escribía más de un poema. Su recopilación de poemas The Bell Jar se publicó en enero de 1963. Un mes después se trasladó a Londres con los niños y alquiló un apartamento en el que había vivido el escritor W.B. yeats, admirado por Sylvia. Ella pensaba que la mejor manera de acercarse a Ted era a través de sus poemas, y comenzó a planear una nueva novela, y escribió los poemas Brasilia, Childless Woman y Eavesdropper.
La mañana del 11 de febrero de 1963, Sylvia encerró a los niños en la habitación y les dejó pan y leche; ella se metió en la cocina, selló sus ventanas y puertas y abrió la llave del gas. Su cuerpo fue descubierto esa misma mañana.
Tras su muerte, Ted Hughes publicó otros de sus libros y en 1981, Collected Poems de Sylvia recibió el Premio Pulitzer.

Bianca Pitzorno (1942 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Sun, 15 Nov 2009 15:34:01 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Nació en Sassari (Cerdeña) en 1942, en el seno de una familia burguesa. Se le considera la autora italiana más importante de la Literatura Infantil y Juvenil (en adelante LIJ), sus libros se han traducido al francés, alemán, español, griego y japonés.
Durante años fue profesora de latín y griego en el Liceo Azuni de Sassari y después se trasladó a Milán donde se matriculó en la Scuola Superiore di Comunicazioni Sociali presso l�€�Università Católica para especializarse en cine y televisión; durante este período asiste como oyente a la Civica Scuola d�€�Arte Dramática del Piccolo Teatro di Milano.
Antes de dedicarse a la escritura se dedicó a la arqueología, al teatro y a los programas de televisión para niños.
1970 es un año decisivo para nuestra autora: es contratada por la RAI para realizar programas infantiles, gana un concurso en Zurigo de Edizioni Svizzere per la Gioventù y además publica su primer libro titulado Il grande raduno dei cow boys.
En el año 1977 decide abandonar todas las actividades extra-literarias y se dedica sólo a escribir. Es metódica en su trabajo de escritora: escribe cada día durante horas; aunque frecuentemente rompe todo lo que escribe por su insatisfacción ante los resultados.
Desde muy pequeña leía todo lo que llegaba a sus manos, pero confiesa haberse sentido especialmente interesada por obras infantiles como Bibi de Karin Michaelis; Emilio Salgari, Piccole donne, Piccole uomini (más que la anterior), Il libro della jungla de Kipling, la Iliade y también reconoce haber aprendido de memoria párrafos enteros de la Divina Commedia.
A los 18 años, y para fomentar el hábito de la lectura en su hermana diez años menor que ella, leía la colección �€�Martin Pescatore�€� de la editorial Vallecchi, sobre todo Pippi Calzelunghe de Astrid Lindaren y Mumin de Tove Jansson, lecturas con las que confiesa haber disfrutado muchísimo.
Se confiesa admiradora de Dino Buzzati que, aunque se ha considerado dentro de la historia de la literatura como un escritor para adultos, ha escrito La grande invasione degli orsi in Sicilia, un libro adecuado para niños, y también para mayores, preferible, en su opinión, a la trilogía Nostri antenati de Calvino, puesto que el lector de esta última necesita muchas más referencias culturales.
Bianca Pitzorno es una autora fecundísima, sus libros son breves novelas de corte surrealista y tono humorístico, que ejercen una fuerte crítica hacia la realidad. La mayor parte de su producción literaria está constituida por novelas de más de 200 páginas dirigidas a lectores cuya edad está comprendida entre los diez y los catorce años. Algunos de estos libros son auténticas novelas históricas ambientadas en el mundo antiguo detrás de la que se puede constatar una muy acertada documentación histórica. Otros se ambientan en un futuro más o menos cercano. La vida cotidiana, las relaciones entre las personas dentro de la familia, en la escuela, en el trabajo, constituyen su principal temática; también observa el choque generacional, o entre sexos. Es decir, sea cual sea la época histórica en la que ambienta sus relatos, nunca se sienten como algo lejano o fantástico: es evidente su contacto con la realidad de cada día, con personajes que podrían ser auténticos que tienen problemas similares a los nuestros. Lo fantástico y lo maravilloso irrumpen en el mundo cotidiano.
Ha escrito alguna novela autobiográfica inspirada en la Cerdeña de los años cincuenta.
Sus protagonistas femeninas en general tienen nombres muy buscados, conseguidos tras largas horas de investigación en los diferentes medios a su alcance. Sus protagonistas femeninas son niñas complejas, especiales, protagonistas activas que ponen en escena su deseo de venganza hacia los adultos y que revelan un profundo conocimiento del mundo infantil
Además es muy importante la vertiente ética de los personajes de sus novelas quienes cuentan con un gran sentido de la justicia y respeto a los demás.

Florencia Pinar (1470 - 1530)

violettecardaba@hotmail.com (Violeta Cárdaba) — Sun, 21 Jan 2007 14:04:00 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Español

Poetisa española, (n. 1470 - m. 1530). Fue coetánea de Teresa de Cartagena y de los Reyes Católicos, los datos sobre su vida no han podido ser esclarecidos. Se sabe que fue dama de la corte de Isabel la Católica y que fue la primera mujer que participó en los festivales o justas poéticas. Un ejemplo de estos espectáculos es el que se hizo en Valladolid en 1475, por otra parte muy cuidado y espectacular, para el festejo de la coronación de Isaberl I.

La poesía de Florencia Pinar habla principalmente del amor y del deseo. Dejando su huella femenina propia en el estilo, que tiende más a la metonimia que a la metáfora. Entre sus poemas, recopilados por Hernando del Castillo en El Cancionero General (1511), siete en total, los cuales se han conservado con su nombre, hecho muy raro para una autora del siglo XV. Destaca "Destas aves su nación", cuyo erotismo resultó escandaloso para su época.

Emma Perodi (1850 - 1918)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Sun, 19 Nov 2006 16:46:13 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiano

Hija de Federigo Perodi y de Adelaide Morelli Adimari, Emma Perodi nació en Cerreto Guidi (Florencia) en 1850. Su familia estaba formada por profesionales e intelectuales, lo que le permitió crecer rodeada por un contexto social y cultural muy elevado, además de ofrecerle la posibilidad de transcurrir una infancia serena caracterizada por el bienestar económico. Muy joven dejó su pueblo natal por motivos de estudios y trabajo y viajó antes a Florencia, Pisa y Berlín, y después a Roma y Palermo. Sus primeras experiencias literarias evidencian la maduración intelectual desarrollada en el ámbito de la vida cultural florentina. Colaboró asiduamente con la revista fundada por Ferdinando Martini �€�Giornale per Bambini�€�, que dirigió a partir de 1883 y que se convirtió en un ejemplo a seguir para las revistas que empezaron a aparecer sucesivamente.
En 1895 se estableció en Palermo, donde trabajó hasta su muerte con el editor Salvatore Biondo, que publicó todas las obras escritas por la autora durante los últimos veinte años de su vida. Escritora prolífica, escribió también obras para adultos como Il Cavalier Puccini (1877), Miserie (1888), Il Principe della Marsiliana (1891), aunque su orientación artística estuvo en todo momento dirigida hacia un público juvenil, hecho que resulta evidente si se observa su vastísima producción para la infancia y la adolescencia, que reúne obras como A veglia (1883), Cuoricino ben fatto (1886), Le fate d�€�oro (1892) Le novelle della nonna (1892), I briganti di Cerreto Guidi (1901), Il paradiso dei folletti (1911). Actualmente su producción es poco conocida y estudiada, y es recordada sobre todo por la que es considerada su obra maestra, Le novelle della nonna, una colección de cuentos fantásticos. Murió en Palermo en 1918.

Cristina Peri Rossi (1941 - )

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Wed, 10 Sep 2008 16:11:56 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: español

Cristina Peri Rossi nace en Montevideo, Uruguay, el 12 de noviembre de l941.
Su madre, maestra de origen italiano, la inicia en el amor por la literatura, la ciencia y la música, y la instruye en los ideales feministas de igualdad. Por esta razón, usa su segundo apellido en homenaje a su madre. Estudia música y biología, pero se licencia en Literatura Comparada. Siendo muy joven obtiene la cátedra en la Universidad de Montevideo que ejerce hasta que la expulsan y tiene que abandonar el país, por motivos políticos ante el golpe de estado militar, convertiéndose en una de las personalidades más importantes del exilio político uruguayo.
Comienza su carrera literaria en 1963 con la publicación de "Viviendo", su primer libro de cuentos. Obtiene los premios más importantes de Uruguay, pero su obra rápidamente es prohibida, así como la sola mención de su nombre en los medios de comunicación durante la dictadura militar que gobierna el país desde l973 hasta l985.
De este modo la autora se convierte en una figura muy representativa en los años 60, gracias a sus publicaciones literarias, marcadas por la rebeldía y la innovación, y actualmente está considerada como una de las escritoras más importantes en la lengua española, tanto por su obra narrativa como por su poesía.
En 1972, Peri Rossi se traslada a Barcelona, donde comienza su actividad contra la dictadura uruguaya. Escribe para la revista "Triunfo", pero nuevamente es perseguida, esta vez por la dictadura franquista, y tiene que exiliarse en París en l974.
Vuelve definitivamente a Barcelona a finales de ese mismo año y obtiene la nacionalidad española, sin perder la uruguaya. Desde entonces vive en España.
En 1994 recibe la Beca John Simon Guggenheim para la literatura de ficción.
Funda el Comité Español de Apoyo a los Presos Políticos Uruguayos en Barcelona, y dedica parte de su obra a denunciar la tortura y la persecución política, especialmente en "Indicios pánicos" y "La rebelión de los niños".
Ha sido profesora de literatura (ejerciendo en la Universidad de Berlín y en la Autónoma de Barcelona), y hoy es también traductora, periodista y conferenciante habitual de universidades españolas y extranjeras. Escribe artículos para varios diarios y revistas como "El País", "Diario 16", "La Vanguardia", "El Periódico de Barcelona", "El Mundo" y "Grandes firmas de Agencia Efe" y considera su actividad como una expresión de lucha contra las dictaduras, a favor del feminismo y de los derechos de los homosexuales.
Tras una primera fase, larga, dolorosa y totalizadora, en la que tarda casi diez años en hacer de su experiencia personal y comprometida una alegoría, cae en una nueva dictadura que ella denomina la del amor, de la que le salva la ironía y la ternura, la pasión por la palabra cercana y vibrante que nos remite a una continua exploración de los sentimientos y los hechos cotidianos.
Ella misma se reconoce en la definición de escritora de mentalidad renacentista, por su apertura a todas las disciplinas y a intereses muy variados. Por esto, su obra abarca todos los géneros desde la poesía, el relato, la novela o el ensayo hasta artículos (sólo parece faltar el teatro). Sin embargo, es la poesía el lugar donde encontramos el corazón de la producción literaria de Cristina. Ella misma sostiene que "la palabra poética recupera lo sagrado, su poder original, su valor primigenio. Ni los cuentos, aunque sean breves, tienen la conexión y la fuerza que conlleva la poesía, donde se concentra la máxima intensidad" (cit. en Peri Rossi, http://www.escritores.org/perirossi.htm).
Sin duda, también los premios confirman la intensidad de su obra poética, como la Medalla de Oro del Foreword Book of the Year, que recibe en 2002.
En 2005 trabaja en un programa de Catalunya Ràdio, "Una nit a la Terra", que se emite de una a tres de la madrugada, como colaboradora fija una vez a la semana. Durante dos años ella interviene en las tertulias hablando en castellano, aunque el resto de los tertulianos lo hacen en catalán. En 2007, con el cambio de horario del programa (a una franja con mayor audiencia) y el contrato para la nueva temporada, es despedida porque habla en castellano y no en catalán. La Dirección de la radio alega como causa la carta de Principios del 17 de julio, fruto del acuerdo político entre Esquerra Republicana, CIU y el tripartito que "recomienda la prioridad de invitados que hablen en catalán": se trata de cuestiones inexplicables, para una mujer internacionalista y cosmopolita como Peri Rossi.
Quienes conocen su lucha a favor de la democracia, su participación y defensa de todas las culturas, incluida la catalana, y recuerdan su premio ciudad de Barcelona, manifiestan el rechazo al despido y la solidaridad con la escritora. A la protesta se adhieren personalidades como Mario Vargas Llosa, Fernando Savater, Mario Benedetti, Ana María Matute o Carmen Posadas.
En la actualidad colabora como columnista con el diario "El Mundo".

La obra narrativa
Su primera obra está compuesta por tres relatos "Viviendo", "El baile" y "No sé qué". Los personajes de estos relatos son seres marginales, que no consiguen dar sentido y justificación a su existencia. Tanto Anabella, la solterona de "Viviendo", como Silvia, la peluquera pueblerina de "El baile", que se deslumbra por error, o Sonia, la opaca y lúcida protagonista de "No sé qué", padecen una congénita imposibilidad de actuar, de influir de algún modo en su propio destino. Sin embargo, Anabella, Silvia y Sonia tienen sendas oportunidades de enderezar sus respectivas y monocordes existencias: no se esfuerzan en aprovechar la ocasión cuando ésta llega. No son víctimas del azar, sino más bien víctimas de ellas mismas. Viven sin amor porque, conscientemente o no, han elegido la soledad.
Entre los dos primeros libros, "Viviendo" y "Los museos abandonados" hay dos textos de la autora, aislados pero significativos: el relato "Los amores" y el poema "Homenaje a los trabajadores uruguayos del 1 de mayo, aplastados por soldados y policías".
Como dice Mario Benedetti, "el primero lleva a una instancia de demencia la anquilosis temperamental, la resistencia al cambio, que ya aparecía en algunos personajes de Viviendo" (Benedetti, 1992). El segundo es una reacción estremecedora frente a aquellos sectores de la sociedad que se autoconvencen de una paz que no existe. Este poema otorga verdadero sentido a la simbología latente en los relatos anteriores y posteriores, ya que Peri Rossi es en poesía mucho más directa que en narrativa.
Sin embargo, también su narrativa se hace más sombría y visionaria, con "Los museos abandonados", en el que aparecen la muerte en las calles y la obcecación por el poder y, por esto, el mismo poder pierde sus máscaras. Peri Rossi transmite a través de su narración lo que no se puede decir en voz alta. Con "Los extraños objetos voladores" que se encuentra a mitad del cuento, y considerado el mejor por la autora, construye una atmósfera de creciente terror haciendo saltar literalmente de la silla al lector cuando llega al final del cuento.
En sus primeras obras, Cristina Peri Rossi explora el mundo de la infancia y la temática adulta de las pasiones y las relaciones personales. Después de "Indicios pánicos" en narrativa (1970) y "Evohé" (1971) en poesía, se marcha de Uruguay y se exilia en España, donde da a conocer el resto de su producción tanto narrativa como poética. El rasgo central de su escritura lo constituye la riqueza metafórica y la capacidad virtual de sugerir todo sin explicitar nada.
La importancia alcanzada por la autora se centra fundamentalmente en dos componentes de su escritura: la estructura de su lenguaje y la presencia de la pasión como sujeto de su poesía o como tema de su narración. Su lenguaje se caracteriza por una importante concentración de comparaciones y metáforas que evitan siempre las combinaciones convencionales: "(...) soy el navegante a la deriva impulsado por las olas y la brisa. Ancorado a ti como a un coral" (Solitario de amor: 89).
Su preocupación por construir un discurso rico en inesperadas tonalidades de sentido define su escritura, pero la introducción de la pasión como elemento dominante en el campo narrativo es gradual. Y hay libros claves en ese proceso: "La nave de los locos" (1984), "Una pasión prohibida" (1986), "Solitario de amor" (1988), "La última noche de Dostoievski" (1992, obra por la que le ofrecen un premio a cambio de algunas modificaciones para poderla vender mejor: naturalmente, ella rechaza el premio porque el libro expresa todo lo que ella quiere decir), y "Desastres íntimos".
"Desastres íntimos" se compone de nueve cuentos que tienen en común un fuerte elemento erótico. Se describe el deseo, como necesidad de otro cuerpo, y, a veces, sólo el deseo, en abstracto, con total ausencia del otro ser.
No se trata de pintar cuerpos ni mucho menos relaciones sexuales. El lector puede imaginar cualquier objeto de deseo, ya que se presencian todo tipo de combinaciones, parejas de hombres y mujeres, o sólo de hombres o sólo de mujeres, hasta el cuento de "El testigo" que presenta la inesperada relación de un muchacho con la amante de su madre, en presencia de ésta última.
El lenguaje que cuenta esa historia, rico en comparaciones y metáforas inéditas, logra una expresión tan intensa como la experiencia amorosa del muchacho.
"Desastres íntimos" configura una ruptura con el mundo convencional de la pasión. Como el postmodernismo, parece contribuir a una reformulación de la visión del mundo. Por su lenguaje y por su enfoque, es un libro de vanguardia.
"El libro de mis primos" es una novela despojada de anécdotas, rica en digresiones narrativas, que pasa libremente de la prosa al verso. La historia se dispersa en una proliferación de secuencias, que poseen valor en sí mismas, desplazando lo típicamente novelesco a segundo plano. La novela capta la progresiva desintegración de una familia patricia, condicionada por anticuadas convenciones y por el poder alienante que ejerce el pasado. Las mujeres están condenadas a repetir hábitos rutinarios como la limpieza de la casa y a ser veneradas sólo por sus poderes de fecundidad; los hombres se mantienen ajenos a obligaciones sociales. El resultado es la parálisis social.
Gracias a esta obra, Peri Rossi no sólo consigue el reconocimiento en Uruguay, sino también la amistad con Julio Cortázar.
Peri Rossi revela una aguda conciencia crítica de circunstancias sociales opresivas y, a la vez, una firme voluntad de renovación estética. Toda su producción puede concebirse como una empresa de liberación total, como una búsqueda de caminos desmitificadores, en pos de un nuevo lenguaje, una nueva ética y una nueva conciencia.
En cada uno de los libros de narrativa publicados antes de su exilio en 1972, "Viviendo", "Los museos abandonados", "El libro de mis primos" e "Indicios pánicos", se reitera la visión de un mundo en proceso de desintegración. Las líneas dominantes de su literatura están libremente enlazadas en un entrecruce espontáneo, en relatos que suscitan preguntas básicas acerca de la naturaleza misma de la narrativa actual.
La narrativa de Cristina Perri Rossi, con palabras de Hugo Verani, es "una confluencia de deseos y carencias, confrontados a prejuicios morales o ideológicos, que encuentran su libertad en la escritura, en el placer del texto. Sus libros se leen como una búsqueda de placer y de liberación de las ataduras que someten a la humanidad. El acto creativo y el erotismo se convierten en fuerzas liberadoras, en instrumentos de desmitificación de lo establecido y prescrito" (Verani, 1980: 1046).

La obra poética
La poesía es una manifestación de amor a la palabra y a su poder evocativo y este amor por la palabra se manifiesta, a su vez, a través del uso refinado de la lengua.
El lirismo, en el caso de Peri Rossi, se podría definir como una fusión de su compromiso con la lengua y con el ser humano. Es una mezcla de sentimientos y sueños líricos a los cuales sólo podemos aspirar. Su lírica expresa la ironía, el humor y la ternura que ella manifiesta a lo largo de toda su obra. Su magistral uso de imágenes y su capacidad para conmover con su lírica, se unen. Su prolífica trayectoria lírica demuestra su constante energía y pasión por lo vivido, por lo sentido, por lo añorado y sobre todo se basa en el caudal onírico de lo �im/posible� de vida efímera.
Desde una experiencia amorosa desbordante, hasta la desidentificación que ocurre ante el exilio, Peri Rossi logra verbalizar los más ocultos sentimientos del ser humano y al mismo tiempo, los va despojando de inhibiciones.
En este sentido, la vasta trayectoria lírica de la poetisa es extraordinaria, no sólo por la riqueza de su contenido, sino sobre todo por la relación que sigue existiendo entre su obra poética y el resto de su creación en los diversos géneros. Entre las más salientes obras líricas hay que destacar: "Evohé", "Poemas eróticos" (libro que, por su contenido de erotismo y de trasgresión, crea gran escándalo en su época), "Descripción de un naufragio", "Diáspora", "Lingüística general", "Europa después de la lluvia" (colección que nace de la invitación de la Deutscher Peremischer Austandient de Berlín) y "Babel Bárbara".
Con el poemario "Las musas inquietantes" la autora presenta una colección de cincuenta poemas que denotan su sensibilidad perceptiva y su conmovedora forma de expresión lírica.
Con "Estado de exilio" expresa la cruel escisión del exilio y transmite la soledad que produce la búsqueda de referentes familiares al individuo. El proceso generativo de nuevos puntos de referencia, y la añoranza ante las ausencias creadas por el exilio se van descubriendo en los versos. La poetisa presenta, en forma incisiva, tierna y regeneradora, la esencia misma de la nostalgia persistente y perecedera que se mantendrá siempre, a pesar del tiempo.

Caterina Percoto (1881 - 1887)

miriamspinelli@hotmail.com (Miriam Spinelli) — Fri, 14 Nov 2008 03:00:05 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: italiano/friulano

Caterina Percoto nació en Soleschiano (Manzano-Udine), en Friuli, la región del nordeste que linda con Eslovenia y Austria, el 12 de febrero en una familia de abogados, artistas y hombres de letras, única niña de los ochos hijos del conde Antonio Percoto y de Doña Teresa Zaina. Con la muerte de su padre la familia se trasladó a Udine y Caterina entró en el internado "Educandato di Santa Chiara". En este periodo se forjó en ella la aversión hacia la educación que las monjas impartían a las niñas, aversión que defendió a lo largo de su vida. De este periodo fue su primer amor que tanto la familia como las monjas desaprobaban a ser el joven de confesión judia, así que ella se vio obligada a truncar toda relación con él. Caterina, por la desepción, en el trascurso de su vida, se resignó a la soledad y a la educación de sus hermanos antes y luego a la de sus sobrinos. Años después, por razones económicas, la familia volvió al pueblo y Caterina dejó los estudios para dedicarse a los negocios familiares con la ayuda de Pietro Comelli, un cura que trabajaba en la finca y que pronto se convirtió en amigo sincero y en su guía espiritual. En el aislamiento del campo, la escritora se dedicó al estudio y a vivir en su entorno rural, codeándose con los campesinos. En 1839, don Comelli, envió secretamente a la "Favilla" de Trieste,el primer artículo de Caterina: un comentario de la traducción del escritor Maffei sobre algunos parrafos de la "Messiade" de Klopstock y así comenzó la relación de Caterina con Francesco Dall�Ongaro, editor de la revista. Dos años más tarde, se publicaron en la "Favilla" sus primeros cuentos que la llevaron a ser conocida en el mundo literario italiano. A raíz de eso, algunos años más tarde, empezó su amistad epistolar con Carlo Tenca, editor de la "Revista Europea" de Milán mientras que, al morir su hermano Costantino, tuvo que hacerse cargo de la educación de sus hijos. En 1848, en el marco de los levantamientos independentistas, sucedieron "Los hechos " de Jalmicco, (pequeño pueblo de la llanura friulana). Caterina se quedó horrorizada: después de una pequeña aparición en el primer número del "Giornale di Trieste", con un violento artículo "non una sillaba oltre il vero" (ni una sílaba más allá de la verdad), en la que hacía referencia a las atrocidades perpetradas por el ejercito imperial austriaco en Friuli, interrumpió su colaboración con los periódicos para dedicarse a una intensa actividad literaria y política; una elección que le otorgó un gra prestigio entre los literatos nacionalista. La muerte de la madre le dejó el legado de la impresa familiar mientras que Caterina estaba ya enferma y escribia cuentos para jovenes.Fue a Turín invitada por los Antonini y se paró en Milán donde encontró a Ippolito Nievo, Carlo Tenca y Tommaseo. En 1858 por interés de Tenca, de Tommaseo y sobretodo de Antonini, salió en la prestigiosa casa editora Le Monnier de Florencia la primera edición de los "Racconti" (Cuentos) con la presentación de Tommaseo. Cinco años más terde se publicó en Genova, con los hermanos Bottero, en el periódico "La donna e la famiglia", la nueva edición, en dos tomos. En el 1867 en Udine encontró a Garibaldi, al que le reprobó sus ideas anticlericales porque la fe de Caterina tenía en Dios y en la Iglesia los pilares que sustentaban su vida. El año siguiente rechazó la dirección del internado "Educandato di S. Chiara" (en la actualidad "Collegio Uccellis") y en 1871 el ministro de Instrucción Cesare Correnti la nombró inspectora de los internados del Veneto, pero el deambular por las distintas escuelas y conventos, fue fuente de amargas desilusiones para alguien que como ella creía en la pedagogía y renunció. En 1878 el editor Carrara de Milán publicó en su Biblioteca Recreativa "Ventisei racconti vecchi e nuovi" (veintiséis cuentos viejos y nuevos) de Caterina Percoto y cinco años más tarde, se imprimió la edición completa y definitiva con el titulo "Novelle popolari edite e inedite di Caterina Percoto "(Cuentos populares publicados y no publicados) (son 25 de los que 6 no habían sido aún publicados).
En 1885 Caterina estaba tan enferma que no pudo ni siquiera ir a Arta a encontrar al Carducci, hasta que el 15 de agosto de 1887 murió en S. Lorenzo di Soleschiano. La enterraron en Udine, al lado del también poeta friulano Zorutti. Caterina Percoto se incluye en aquella "Literatura de ambiente rústico" o "campestre" que teorizó en 1846 Cesare Correnti en un ensayo, como también el Carcano, el Nievo y el mismísimo Verga, al que la escritora escribió la presentación de su "Storia di una capinera". Las novelas y los cuentos del que en Italia se llamó "género rústico", se inspiraban en historias, personajes y ambientes rurales. En este movimiento se insertó la producción de Caterina Percoto, considerada por su apertura al dialecto y por una visión directa del mundo popular, una precursora del verismo, con el que tuvo también contactos personales a través de Luigi Capuana y del mismo Verga. Su "elección" rural se hallaba como una necesidad y su vocación literaria, encontraba en la representación del mundo campesino su temática más recurrente. En la campiña, Caterina trabajaba y eso la puso en contacto con los campesinos, con personas con las que ella, como condesa, no se hubiese relacionado nunca y tampoco con su pobreza, fruto de unas condiciones económicas de latifundio intolerables por una persona sensible. Será justo esta participación a los problemas diario de los pobres lo que la empujará más tarde a describir de manera atenta y con pasión su vida. Caterina veía el mundo bajo una mirada esquemática muy precisa: la vida es un valle de lagrimas, un lugar de sufrimiento: material para los pobres, espiritual sobre todo para los ricos y en el que tanto los unos como los otros existían y existirán siempre, sin ilusiones de cambios radicales. Los ricos designados para mandar, los pobres para obedecer y sufrir, a trabajar no para cambiar su propio estatus sino sólo para poder vivir de manera digna. El cometido de los ricos sería el de conseguir que el viaje de los pobres en este valle de lagrimas fuera menos doloroso, aliviando su inevitable miseria y los humildes tendrían que resignarse a su condición, sólo con el trabajo conseguirían su salvación, sin rebelarse huyendo (empezaba en esos años en Friuli la emigración hacia América, ampliamente contestada por los terratenientes, que se veían quitar a los mejores jornaleros). Su concepción de la vida era la del trabajo que todos, ricos y pobres tenían que desempeñar, como "tarea social" de manera que tanto los unos como los otros, construyeran armónicamente, complementariamente, una sociedad terrena activa y de progreso, en donde la misma pobreza se combatiría con la ocupación antes que con la ayuda en dinero. La Divina Providencia restablecería la justicia, premiando siempre a los infelices y castigando a los malvados bajo una concepción muy católica, fruto de una fe inquebrantable. Caterina declaró en más ocasiones poder escribir sólo de las experiencias que ella experimentaba trabajando en el mundo rural intentando desarrollar una economía colapsada, sin estrategias, abandonada a una producción de supervivencia. La observación directa de las condiciones de los campesinos era la fuente de su realismo que está caracterizado por la mirada atenta a los hechos reales que se desprende de sus cuentos, hasta convertirla en el nexo de unión de románticos y veristas. Toda la más valiosa producción de la condesa nacía de material autobiográfico, de una impresión directa y sincera de "cosas" reales, de un atento estudio que incluía una penetrante intuición psicológica. En los años antes de los levantamientos revolucionarios de 1848, las condiciones sociales y económicas del mundo rural empezaron a despertar interés y a la evolución de las técnicas de producción agrícola le siguieron unas iniciativas para mejorar los niveles de instrucción de las poblaciones de campesinos. Las intervenciones de letrados como Carlo Tenca y Cesare Correnti, animaban a los escritores italianos a dirigir sus esfuerzos creativos a ilustrar la vida y las condiciones del mundo rural, para exponer la realidad de sus dimensiones morales y materiales. Caterina anticipó las teorías de los intelectuales en facilitar una eficaz respuesta a la exigencia de una representación del pueblo encarnándolo en la sociedad friulana de la mitad del siglo, describiendo la inmovilidad jerárquica y económica de las clases sociales, desde los jornaleros hasta los terratenientes, precediendo también a Nievo. En su producción se encuentra una participación emotiva pero siempre aristocrática al mundo humilde. Le pusieron el apodo de "condesa campesina", por la representación del mundo arcaico de aquellas historias menores, a las que ella miraba con una comprensión inevitablemente aristocrática. Ella hizo del entorno rural de Soleschiano su mundo particular, su aislamiento en la campiña friulana, volcada en su familia, la llevó a mirar a su alrededor, a percibir los sentimientos ajenos, los de una clase social distinta a la suya pero que a la que ella consideraba que había que proteger y dirigir. Si a sus campesinos ya no les podía mandar, ella pretendía enseñarles a cuidar de los gusanos de seda o de los caballos. Empleó, como Manzoni, la temática del mundo de los pobres con un lenguaje simple y popular, dibujando personajes y paisajes de la realidad con un optimismo cristiano, al que se le unía los valores absolutos en los que creía: el estado y la religión, el trono y el altar, dos autoridades aceptadas como fundamento absoluto de un orden indiscutible. La temática del dolor es también muy amplia en su narrativa, debido a la pobreza de los campesinos, a una larga serie de desventuras y de enfermedades, soportadas con resignación y con confianza en la Divina Providencia. El centro y el símbolo de la vida miserable de los campesinos del Friuli como el de los campesinos de la Lombardía de Manzoni, era la "polenta" (harina de maíz cocida, usada como pan), que a menudo se les niega a sus personajes en los tiempos de carestía, como a los niños raquíticos, cadavéricos por el hambre en la ciudad de Osoppo sitiada por los austriacos en la "Donna di Osoppo". Hay que destacar para la autora de "Licôf" (fiesta de inauguración), de "Pane dei morti" (pan de los muertos), de "Un episodio dell�anno della fame" (un episodio del año del hambre), di "Prepoco", un papel de precursora en el desarrollo de temáticas, ámbitos y propósitos sociales, en los que sobresale el plan de educación de progreso moral y material, dirigido tanto a los humildes como a la burguesía agraria y a aquella parte de la nobleza que se dedicaba con espíritu nuevo a la gestión del patrimonio. En la descripción de los hechos del �48 en los cuentos - "L�incendio di Jalmicco", "La coltrice nuziale" (el aposento nupcial), "La donna di Osoppo", Caterina se hizo anti-austriaca. Su patriotismo consiguió que la aceptaran en los ambientes de la cultura oficial, con Tommaseo a la cabeza, pero ella se descubrió ante todo friulana con una producción de cuentos, leyendas, refranes y variaciones sobre ellos. El bilingüismo de Caterina tuvo un papel fundamental en su producción en la que alternó cuentos en lengua italiana con los de la lengua friulana. En sus cuentos italianos, el lenguaje es popular, en el sentido que le dio Manzoni y los románticos a los que les añade una tendencia dialectal, que subraya la gracia expresiva que se encuentra en el idioma nativo. Ella consigue dar aliento a los cuentos friulanos, porque en ellos el lenguaje fluye con la naturalidad del que lo habla cada día y con la mirada puesta en las fiestas y las tradiciones populares que determinan el ciclo de las estaciones y los pasajes obligados de cada uno: el nacimiento, el amor y la muerte. Lamentablemente, sus relatos friulanos pueden ser entendidos sólo por un limitado número de lectores ya que en ellos consigue pincelar perfectamente, con las palabras más ocurrentes de su idioma, los sentimientos que quiere expresar en la forma más liviana y al mismo tiempo más certera. Sus cuentos rebosan de frescura y de una cierta ingenuidad que los convierten en algo peculiar en el panorama literario de la época Su producción está considerada históricamente una de las manifestaciones más originales e interesantes de la poética romántica que abarca la literatura del ochocientos, comprendida entre el Romanticismo, la Scapigliatura y el Verismo.

Emilia Pardo Bazan (1851 - 1921)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Thu, 15 Mar 2007 13:47:12 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: español

Emilia Pardo Bazán nace el 16 de septiembre de 1851 en La Coruña, hija de una familia gallega noble y muy pudiente : el conde José Pardo Bazán y Amalia de la Rúa.
La fecundísima escritora (compuso cuarenta y una novelas, siete dramas, dos libros de cocina, más de quinientos ochenta cuentos y cientos de ensayos ) fue una mujer de amplísimas actividades.
A la edad de 9 años ya empezaba a mostrar un gran interés por la escritura. En la biblioteca paterna encontró acceso a una gran variedad de lecturas; declaró que sus libros preferidos entonces fueron Don Quijote, la Biblia y la Iliada. Leyó además La Conquista de México de Solís y Vidas paralelas de Plutarco. Los libros sobre la revolución francesa le fascinaban. A los doce años la familia decide quedarse en La Coruña durante los inviernos y allí estudia con instructores privados. Se sale del ritual de la educación femenina al negarse a tocar el piano y a tomar clases de música. Dedica todo su tiempo a la lectura.
Se estableció en Madrid en 1869, un año después de contraer matrimonio a los dieciséis años con José Quiroga. En 1873 la familia Pardo Bazán �€" también los recién casados- abandona temporalmente España. El viaje se prolonga por varios países de Europa, lo que despierta en Emilia la inquietud por los idiomas, con el deseo de leer a los grandes autores de cada país en su lengua original. Su inquietud intelectual va en aumento y , al regreso a España, entra en contacto con el krausismo a través de Francisco Giner de los Ríos . El influjo de los krausistas la empuja a la lectura de los místicos y de Kant, y éstos, a su vez,la conducen hasta Descartes , Santo Tomás, Aristóteles y Platón.
En 1876, año del nacimiento de su primer hijo, Jaime, se da a conocer como escritora al ganar el concurso convocado en Orense para celebrar el centenario de Feijoo. Son años en los que todavía no abandonado totalmente la poesía. En 1891 emprende una aventura periodística con Nuevo Teatro Crítico, revista fundada y escrita completamente por ella, que tanto en su título como en su planteamiento misceláneo, cultural en sentido amplio, y divulgativo quiere rendir homenaje a su admirado Feijoo, y ese mismo año funda y dirige en 1892 la Biblioteca de la mujer, que englobaría todo lo tocante al conocimiento científico, histórico y filosófico de la mujer en todos los tiempos. El fracaso de esta obra, su escasa venta, apoya la creencia de Pardo Bazán de que el peor mal que sufre la mujer de su época es la ignorancia y la falta de interés por aprender.
En muchos de sus ensayos se dedica a la cuestión feminista, demostrando su continua lucha por los derechos de la mujer en la sociedad española.
Mientras que en Europa surgían movimientos feministas, España ni siquiera se enteraba del tema. Pardo Bazán, sin embargo se emerge en ello. Una manera en que expresa sus sentimientos hacia este problema es a través de artículos y ensayos. Alguno de sus primeros artículos feministas se publicaron en inglés en la revista londinense Fortnightly Review y en España en la revista Nuevo Teatro Crítico. En este último escribió que era un error afirmar que el papel que le corresponde a una mujer en las funciones reproductivas determina las restantes funciones de su vida. Su mayor crítica consiste en que la sociedad ha proclamado los derechos del hombre pero no los de la mujer.
Sus escritores contemporáneos opinaban tanto a favor como en contra de su producción literaria. Algunos la envidiaban pues su fama se extendía por Europa. Pero a pesar de las dificultades Pardo Bazán llegó a ser una figura reconocida en la vida cultural, literaria y social. En 1908 comienza a utilizar el título de Condesa de Pardo Bazán, que le otorga Alfonso XIII en reconocimiento a su importancia en el mundo literario; desde 1910 era consejera de Instrucción Pública; socio de número de la Sociedad Matriense de Amigos del País desde 1912�€�Dos años después se el impondría la Banda de la Orden de María Luisa, y recibiría del Papa Benedicto XV la Cruz Pro Ecclesia et Pontifice�€�En 1916 el ministro de Instrucción Pública la nombra catedrática de Literatura Contemporánea de Lenguas Neolatinas en la Universidad Central.
El 12 de Mayo de 1921, una complicación con la diabetes que padecía le provoca la muerte.

Petronilla Paolini Massimi (1663 - 1726)

crisvalbi@hotmail.com (Cristina Valdivia Biedma) — Thu, 21 Feb 2008 08:34:24 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: Italiano

Petronilla Paolini Massimi supo hacer frente, con una magnífica modernidad, a unas circunstancias vitales nada favorables para una mujer. Con su precoz matrimonio con un familiar 30 años mayor que ella, sólo contaba con 10 años de edad, comienza una vida de esposa sumida en el sufrimiento y en el dolor; con una personalidad capaz de crecerse en la adversidad decidió separarse de su marido para internar en un convento. Allí, a pesar del sufrimiento por la separación de sus hijos, desempeñó un papel importante dentro de la sociedad al escribir una producción poética que se rebelaba contra el poder masculino; aboga por un feminismo que luchaba por la libertad y la dignidad de la mujer. Con una lírica dulce y ardiente donde refleja su existencia vital consigue introducirse en el círculo de la Accademia dell�€�Arcadia, transformándose en Fidalma Partenide. También es conocida como la Gloria de�€� Marsi. Muere en Roma en 1726.

Anna Maria Ortese (1914 - 1998)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Sun, 19 Nov 2006 16:45:19 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Hija de Oreste Ortese, empleado en una oficina financiera y de Beatrice Vaccà, mujer de condición social superior, Anna Maria Ortese, escritora y periodista italiana, nació en Roma en 1914. Transcurrió su infancia, caracterizada por la precariedad de la situación familiar y los continuos desplazamientos de un lugar a otro, entre Trípoli y Nápoles. Realizó sus estudios elementales en Trípoli y tras haber frecuentado un instituto de preparación para el trabajo estudió varios años de piano. Poco tiempo después murió uno de sus hermanos y ella sustituyó su vocación musical por la literaria. Abandonó los estudios, prefiriendo estudiar como autodidacta y aprendió el francés y el español. Empezó a escribir a la edad de diecisiete años y en 1937 hizo su exordio literario con la recopilación de relatos fantásticos Angelici Dolori, aunque ya a partir de 1935 había empezado a colaborar con la revista �€�Italia Letteraria�€�.
Su arte fue admirado por muchos de sus contemporáneos, como por ejemplo Massimo Bontempelli y Elio Vittorini, sobre todo por la profundidad de su escritura y la particular personalidad de una escritora que no se podía asimilar con ninguna influencia exacta. Sensible y atenta a la realidad, su gran capacidad de representar situaciones cotidianas la acercan a la corriente neorrealista desde el punto de vista del contenido, aunque el registro estilístico utilizado por la escritora la pone más cerca al realismo mágico presente en algunos autores hispanoamericanos de la época. En 1953 ganó el Premio Viareggio con Il mare non bagna Napoli, publicado en el mismo año, una colección de relatos que ofrecen un sutil y penetrante retrato de la ciudad napolitana en aquella época, a medio camino entre el cuento realista y la crónica. En 1965 publicó la novela L�€�iguana, una fábula misteriosa, caracterizada por la polémica moral y los matices fantásticos, seguida por Poveri e semplici (1967), con el cual obtuvo el Premio Strega en el mismo año, una historia amorosa ambientada en Milán que se entrelaza con la política, La luna sul muro (1968), L�alone grigio (1969), Il porto di Toledo (1975), Il cappello piumato (1979), Il cardillo addolorato (1993), Alonso e i visionari (1997), donde se reconoce plenamente su inconfundible estilo de visionaria y transfiguradora de la realidad.
Retraída e introvertida su vida fue caracterizada por el aislamiento y la soledad (nunca se casó y una vez llegó a decir que siempre había estado sola como un gato), la pobreza y la indigencia. Esta voluntad de quedarse apartada de los círculos literarios y de los ambientes culturales, ha contribuido a la escasa notoriedad de la que aún hoy en día goza la escritora, ya que, aunque, junto con Elsa Morante, es considerada una de las autoras más influyentes del panorama cultural italiano del siglo XX, la validez cultural de su producción literaria es poco conocida y poco estudiada por parte de la crítica contemporánea. Murió en Rapallo en 1998.

Virginia Olper Monis (1856 - 1919)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Thu, 24 May 2007 18:10:22 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana

Virginia Olper Monis (1856-1919), nació en Venecia, más exactamente en el histórico «Ghetto ebraico», la primera judería de Europa, el 21 de enero de 1856. Su padre era Silvio Olper, un comerciante veneciano hebreo de buena condición económica, el cual se dedicaba también a actividades editoriales; la madre de Virginia, Sofia, murió muy pronto, cuando los hijos eran pequeños. Los Olper eran una familia culta y de simpatie risorgimentali.
Poco se sabe de Virginia, sin embargo, gracias a la tradición hebráica que favorecía también la educación de las chicas, pudo disfrutar de una buena instrucción de marco humanístico, incluso puede que tuviese una preparación musical. A los veinte años sabemos que ya debía estar casada con Isidoro Monis (1845), un farmacéutico de San Giorgio al Tagliamento (localidad de la parte más oriental de la provincia de Venecia). El matrimonio vivió en Friuli, más tarde en Padua y, al final de su vida, en el mismo San Giorgio. Los Monis tuvieron dos hijas: Elisabetta Lia (1876) y Silvia (1880), autora de un posible retrato, el único que tenemos de Virginia.
Los años vividos en Padua fueron los más fecundos para la actividad literaria de Virginia: ella empezó a colaborar con varias revistas, diarios locales como «Il Veneto» e «Il Comune», pero también escribía para «La Donna», revista feminista fundada en Padua en 1868 por Gualberta Alaide Beccari (y dirigida por ésta misma hasta 1890), y en las más importantes revistas literarias de la época como «Natura ed Arte» del editor milanés Vallardi, la romana «Vita italiana» dirigida por De Gubernatis, en la cual escribía Grazia Deledda, la «Gazzetta letteraria» de Turín, «La Tavola rotonda» de Nápoles, donde a menudo publicaba D�€�Annunzio, «La Favilla» de Perugia y otras más. Entre sus escritos periodísticos más originales, vale la pena recordar las reseñas a las novelas de tres grandes autoras de la época: de Neera comentó Teresa (en «La Donna») y La vecchia casa (en «Natura ed Arte»), entró en el debate provocado por la novela Il marito de Bruno Sperani/Beatrice Speraz (en «La Tavola rotonda») y publicó (en el diario «L�€�Adriatico») un comentario al conocido y debatido libro Una donna de Sibilla Aleramo; a este respecto es interesante recordar que ya en 1899 Rina Faccio, que todavía no utilizaba su noto seudónimo, había dedicado a la escritora veneciana un medaglione en la revista «L�€�Italia femminile». Virginia Olper firmó también varios ensayos de tema social.
Parece que no fue autora de versos, pero fue en esa misma época patavina cuando Virginia Olper editó sus más importantes obras narrativas: los cuentos Racconti veneziani e novelle sentimentali (1893), Miutte. Bozzetto friulano (1898), La cieca (1904) y Derelitti (1906); los cuentos infantiles Gloria di sole y Storia di una bimba (1899); la novela Il raggio (1899). Escribió y sacó a la luz otros artículos: Guida pratica della massaia (1887), un escrito dedicado al padre In memoria di Silvio Olper (1899), Il movimento etico-sociale e l�€�Unione Morale (1899), La donna nella realtà (1908). Parece que también haya publicado descripciones de ilustres personajes de la literatura italiana como Gaspara Stampa y Dante Alighieri, y tenemos noticia incluso de un estreno teatral en el teatro Alfieri de Turín del drama Il figlio.
En 1907 los Monis se trasladaron a San Giorgio al Tagliamento, pueblo de origen de Isidoro, y por lo que se sabe, Virginia dejó las letras. Falleció el 13 de septiembre de 1919 en Venecia y fue sepultada en el cementerio hebreo del Lido de Venecia.
Virginia Olper Monis fue una figura interesante y realmente original. Aunque su producción no es copiosa, resulta novedoso su punto de vista con respecto a la condición de la mujer, por ejemplo afirma que la educación de la mujer es algo imprescindible, al mismo tiempo que ella defiende la oportunidad de una ley sobre el divorcio (Di volo sopra una seria questione. Carta a la signora Olimpia Saccati publicada en «La Missione della Donna» en 1879), durante una época en la que casi nadie sostenía esa cuestión.
Curiosos, en el panorama de la literatura italiana de la época, son también sus cuentos de insólita ambientación veneciana; son cuentos contemporáneos a las comedias de Gallina y de Selvatico que nos ofrecen un diferente punto de vista de la realidad de la pequeña burguesía de esa ciudad.

Eunice Odio (1919 - 1974)

susan.campos@uam.es (Susan Campos Fonseca) — Thu, 13 Mar 2008 19:29:25 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

Nació en la ciudad de San José, el 9 de octubre de 1919.
Curso estudios primarios en la escuela Delia U. De Guevara, los de enseñanza secundaria en el Colegio Superior de Señoritas, complementó sus estudios con extensas lecturas, principalmente en el campo de la poesía moderna. Su inquieta búsqueda de nuevos horizontes la llevó a viajar a Nicaragua, El Salvador, Honduras, Guatemala, Cuba y los Estados Unidos.
De regreso al país a principio de los 40 sus poemas son leídos en la radio, utilizando el seudónimo de "Catalina Mariel". De 1945 a 1947 publica poemas en el "Repertorio Americano"de Joaquín García Monge y en el periódico "La Tribuna". Además colaboró en el periódico "Mujer y Hogar".
En 1947 participa y gana en el concurso centroamericano de poesía 15 de septiembre, con el libro "Los elementos terrestres", el cual es publicado un año después. En ese mismo año viajó a Guatemala a recoger el premio, donde además de dar charlas, conferencias y demás, decidió quedarse a vivir allí.
En Guatemala trabajó en el ministerio de Educación, y después de una larga permanencia, en 1948 adquiere la nacionalidad guatemalteca. También escribió en revistas y periódicos de ese país, hasta que por problemas personales se ve obligada a salir del país y decide ir a vivir a México, donde vive hasta su muerte, con excepción de dos años y medio que vive en Estados Unidos.
En 1953 se le publica en Argentina el libro de poesía "Zona en territorio del alba", texto que fue seleccionado por Centroamérica para ser publicado en la colección "Brigadas Líricas".
En México trabaja en periodismo cultural, como crítica de arte, además realiza traducciones en inglés, escribe y publica cuentos, ensayos, reseñas y narraciones en periódicos especializados de arte y literatura. En 1962 se nacionaliza mexicana. En 1964 empieza a colaborar con la revista venezolana "Zona Franca".
En 1957, envía por correo "El tránsito de fuego", para participar en el Certamen de Cultura de El Salvador. Los encargados del concurso no retiraron el envío a tiempo, por consiguiente no fue considerado en la premiación. No obstante, por el mérito indiscutible del poema, se le concedió a su autora, fuera de concurso, el equivalente a la mitad del segundo premio y, lo que es más importante, su publicación.
En 1963 publica una serie de artículos donde se manifiesta en contra del comunismo y de Fidel Castro. Esto le trae el repudio de la izquierda mexicana, lo que constituye un obstáculo en su carrera periodística.
Para Eunice Odio la poesía fue durante toda su vida un elemento cotidiano y esencial. Muere en la ciudad de México el 23 de marzo de 1974.

Silvina Ocampo (1903 - 1994)

vale.vitale@yahoo.it (Valeria Vitale) — Mon, 08 Jan 2007 17:36:08 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Silvina Ocampo nació en Buenos Aires en 1903. Fué la menor de las seis hija de Manuel Silvino Ocampo y Ramona Aguirre.
En su juventud estudió dibujo en Paris con Giorgio de Chirico y mostró inclinación por la poesía, gracias a la marcada tradición cultural de su familia y a la trayectoria de su hermana Victoria Ocampo quien la vinculó al mundo literario.
Por conducto de Jorge Luis Borges con quien la unió una gran amistad, conoció a su marido, el escritor Adolfo Bioy Casares con quien se casó en 1940.
Tuvieron una única hija, Marta, en 1954.
Desde que publicó su primer libro "Viaje olvidado" en 1937, Silvina Ocampo ha escrito incesantemente. Dos veces ganadora del Premio Nacional de literatura argentina, innumerables otros premios han recompensado su amplio trabajo. Obtuvo el Premio Municipal por "Espacios métricos" (poesía) en 1954, el Segundo Premio Nacional de Poesía por "Los nombres" en 1953, el Premio Nacional de Poesía por "Lo amargo por dulce" en 1962 y el Premio del Club de los 13 por "Cornelia frente al espejo" en 1988.
Fue también traductora y ocasionalmente escritora para niños y dramaturga.
Entre 1974 y 1979 publicó cinco volúmenes de cuentos infantiles (El Tobogán, El Caballo Alado, Canto escolar, el Cofre volante y La naranja maravillosa).
Ha realizado traducciones del inglés y el francés. Borges prologó una antología de sus cuentos publicada en Francia en 1974, cuya introducción es de Italo Calvino. También ha sido traducida al inglés e italiano.
Silvina Ocampo se ha transformado en un mito de la literatura argentina.
La crítica en general le adjudica importancia a su obra sugerente y de cierta premeditada confusión en la que conviven sentimientos opuestos e inesperadas fracturas de las convenciones. Su temática es la literatura fantástica en la cual desliza la ironía y un humor negro eficaz con ribetes truculentos.
Borges le reconoce una virtud inquietante y que a él, particularmente, le causaba �€�un poco de aprensión: la clarividencia. Nos ve como si fuéramos de cristal, nos ve y nos perdona�€�. Un elogio temible.
Su humor, cándido a veces, corrosivo otras, pero siempre unido al pudor, acompaña a toda su ficción. Pudor que no es sino elegancia formal ubicado en las antípodas de la explicitez de hoy. Su amor por la literatura francesa e inglesa, la llevaron primero a la lectura ferviente, y más tarde a la traducción. Tradujo al español entre muchos otros, a Emily Dickinson, Andrew Marvell, Baudelaire, Verlaine Alexander Pope, y Pierre de Ronsard. La reedición de algunos de sus libros como "Los que aman, odias" en colaboración con Bioy Casaras, "Autobiografía de Irene" "Los días de la noche", "Informe del cielo y del infierno" o "Lo amargo por dulce" por citar algunos, indican el sostenido interés en Hispanoamérica por la obra de Ocampo.
Han sido innumerables los reportajes, entrevistas, ensayos y comentarios hechos sobre Silvina Ocampo y su obra. Baste recordar los de Borges, Calvino, Martinez Estrada, Pichon Rivière, Alejandra Pizarnik, Abelardo Castillo y Eloy Martinez entre otros. Murió en Buenos Aires en 1994.

Victoria Ocampo (1890 - 1979)

vale.vitale@yahoo.it (Valeria Vitale) — Sun, 25 Feb 2007 14:20:36 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

La ensayista y traductora Victoria Ocampo nació en Buenos Aires el 7 de abril de 1890, en el seno de una familia de la elite tradicional argentina. A los seis años, con su familia, realizó el primero de una serie interminable de viajes a Europa. Para liberarse de las rígidas reglas familiares, en 1912 se casó con Luis Bernardo de Estrada, pero al año siguiente conoció a Julián Martínez, con quien sostuvo una intensa relación sentimental. Sin embargo, para no romper con las convenciones sociales, continuó viviendo con su marido ocho años más. En 1924, la editorial Revista de Occidente, dirigida por Ortega y Gasset, publicó su primer ensayo, De Francesca a Beatrice, al que le siguió La laguna de los nenúfares (1926). Nuevamente en Europa y después de haber terminado su relación con Julián Martínez, conoció al Conde de Keyserling y a Drieu La Rochelle. En 1931 fundó la revista Sur y, dos años más tarde, la editorial del mismo nombre, en la cual publicó a autores argentinos y tradujo a importantes escritores extranjeros. En 1935, apareció el primer tomo de sus Testimonios (el décimo y último apareció en 1977). Al año siguiente, fue vicepresidenta del Congreso Internacional de los PEN Clubs. En los años cincuenta, delatada como opositora al peronismo, fue encarcelada en el Buen Pastor por veintiséis días. En 1956 presidió el Fondo Nacional de las Artes. Además de su constante trabajo como traductora, aparecieron sus libros Habla el algarrobo (1960), Tagore en las barrancas de San Isidro (1961), La bella y sus enamorados (1964), Diálogo con Borges y Diálogo con Mallea en 1969. En noviembre de 1970, en un artículo publicado en el diario La Nación, anunció el cierre de la revista Sur. Días después, la revista Confirmado le realizó esta breve entrevista, titulada �€�Victoria Ocampo. Fiesta y muerte ajenas�€�, que se publicó en la sección titulada �€�Opiniones�€�. La nota muestra a una impaciente y fastidiada Victoria Ocampo que, casi a su pesar, se somete al interrogatorio periodístico.

Recién en junio del año siguiente, después de diez meses, apareció el número 326/28 de Sur, dedicado a la mujer, en el cual se anunciaba como revista bianual. Sin embargo, se trataba del último número activo realizado en vida de Victoria, pues los demás números se dedicaron a reeditar antologías de trabajos ya publicados. En 1976 fue designada miembro de número de la Academia Argentina de Letras, cargo que por primera vez ocupó una mujer. Murió en San Isidro el 27 de enero de 1979. Durante ese año, comenzaron a publicarse los seis volúmenes de -su Autobiografía, que había comenzado a escribir en 1952.

Isotta Nogarola (1418 - 1466)

fantozzi02@hotmail.com (Carolina González Perancho) — Wed, 27 Jun 2007 15:42:26 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: Latín

Isotta Nogarola, autora y pensadora nacida en el año 1418, es un referente esencial dentro del círculo intelectual de la Verona de la primera mitad del siglo XV. Recibe en su infancia y juventud, junto a su hermana Ginevra, una completa educación, debido principalmente al aire renovador que imprime el Humanismo y que envuelve a Europa y en especial a Italia, y por supuesto, a un ambiente familiar idóneo que fomenta el estudio y cuya verdadera impulsora será la madre, Bianca Borromeo. Al contrario que su hermana, que abandona prematuramente los estudios para contraer matrimonio, Isotta dedicará toda su vida a la labor intelectual.
La pensadora veronesa comienza a ser conocida en 1435 a través de la relación epistolar que estableció con diversos intelectuales del momento, uso tan del gusto de la época en los círculos eruditos. Será precisamente la polémica correspondencia mantenida con el prestigioso humanista Guarino Veronese la que marque un antes y un después en la vida de la autora véneta. El rechazo, la humillación y la difamación a la que se verá sometida por el trato desdeñoso de la élite de doctos varones (entre ellos Veronese) y por parte también de las mujeres de la alta sociedad de Verona, la presionarán a abandonar sus aspiraciones de convertirse en miembro de la comunidad humanista. En efecto, su producción literaria se verá afectada por este hecho, pasando de los estudios propiamente humanísticos, de carácter clasicista, a temas esencialmente teológicos, único ámbito del saber permitido a las mujeres en aquel momento. No obstante, existen ciertos indicios documentados que nos demuestran que nunca abandonó completamente los estudios humanísticos. Como consecuencia de esta decisión, renunciará al matrimonio y se recluirá en su casa para consagrarse al estudio y la ascesis como�€�mujer pía�€�, como monja doméstica.
Esta etapa de la vida de Isotta Nogarola se caracteriza principalmente por dos hechos fundamentales, como son la coincidencia con su momento de mayor productividad literaria y su profunda amistad con el noble veneciano Ludovico Foscarini. Será una figura esencial para la vida de santidad de la autora véneta, ya que la exhortará a una vida de verdadera devoción cristiana. Foscarini también se convertirá en interlocutor del más célebre de los escritos de Nogarola, De pari aut impari Evae atque Adae Peccato (1451). Muere en su encierro de Verona en 1466.

Amalia Nizzoli (1806 - 1845)

jpichardocastellano@gmail.com (Jesús Pichardo Castellano) — Tue, 05 Jun 2007 11:04:17 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiana

Nació en torno a 1806 en Toscana. Se trasladó a Egipto con 13 años a casa de su tio Filiberto Marucchi, médico del gran contable del reino de Mehemed-Ali. Aprende a hablar árabe y se casa en 1826, con solo 14 años, con Giuseppe Nizzoli, canciller del consulado de Austria en Alejandría.
Publica en 1941 su único libro con el largo y pomposo título de "Memorie sull´Egitto e specialmente sui costumi delle donne orientali e sugli harem scritte durante il suo soggiorno in quel paese" (1819-1828), en el que cuenta su propia experiencia en Oriente.
Cuando las "Memorie sull´Egitto" salieron a la luz por medio de la imprenta Pirotta, en 1941, en Milán, el viaje a Oriente, y en especial a Egipto, estaba de moda.
En su viaje no existe la fuga, sino más bien la reconfirmación de todos los parámetros de civilizaciones europeas. Ella no viaja por elección propia, y se establece en Egipto durante años, por lo que su conocimiento de los lugares es familiar: son lugares donde ha vivido, que forman parte de su pasado y de su memoria.
Amalia Nizzoli consigue llevar a cabo una vida aventurera sin salirse de los típicos esquemas de familia tradicional. El viaje no rompe el círculo de la vida doméstica, ni está ligado a la búsqueda de una nueva identidad. Más bien se podría decir que el contacto con el modelo de feminidad islámica refuerza su identidad de mujer burguesa, católica y occidental.
Come sucede a menudo en otros textos escritos por mujeres, Amalia Nizzoli se presenta detrás de un sujeto "indigno", autorizada a hablar no por sí misma, sino como testimonio �€�informado sobre los hechos".
La imagen de sí que Amalia Nizzoli construye es la de una madre valerosa, que ha afrontado peligros por tierra y mar, y que siempre se ha mantenida en su papel de mujer de un hombre importante.
La mirada de Amalia contrasta con la de otros autores (hombres) precedentes y con la imagen que nuestra literatura transmite de Oriente. El subtítulo del libro (�€�specialmente sui costumi delle donne orientali�€�) anunciaba la fascinación del misterio y del exotismo de una tierra lejana, contada desde uno de sus ángulos más impenetrables: las mujeres orientales. Las mujeres en los harem era uno de los sujetos preferidos de la pintura romántica.
El harem, visto desde una perspectiva de mujer, ya no es el lugar de la seducción, sino el de las fatigas domésticas, el de la convivencia forzada y de la segregación. La narración de Amalia Nizzoli estropea la imagen de la mujer oriental acuñada por la mentalidad masculina. La imagen de la odalisca, desde siempre ligada a la idea de la sensualidad de la danza, se estropea en estas páginas, dejando poco espacio a la fantasía erótica.
Pensando en un público femenino, hace hincapié en la descripción de los vestidos y de las joyas, de los colores y de los tejidos, narra con detalle los interiores de las casas. No falta una especial atención a la vestimenta, al maquillaje, a los peinados, al color de las uñas, a las ceremonias de las mujeres orientales, como la del café y la de fumar pipa.
Amalia hace continuas comparaciones con las costumbres de las mujeres europeas, y sus juicios son fulminantes. En diversas ocasiones sostiene que las turcas llevan una vida monótona y aburrida, no hacen otra cosa que comer y sus conversaciones están llenas de cotilleos. Amalia Nizzoli, en sus juicios sobre las mujeres orientales habla como si los defectos atribuidos a las mujeres orientales no existieran en las mujeres europeas.
En el contraste de valores, al final, Amalia Nizzoli vuelve siempre a su identidad de mujer occidental. Al salir del harem escribe: �€�parece que he vuelto a nacer y a recuperar la libertad�€�

Florence Nightingale (1820 - 1910)

evadida@yahoo.es (Eva Dominguez Garcia) — Sat, 23 Jun 2007 10:11:51 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: inglés

Nació en una rica familia inglesa en la Villa Colombaia, Florencia, Italia.
Nightingale se entregó a la enfermería, lo cual mostraba una pasión pero también una rebelión contra el rol esperado para una mujer de su estatus, que debía convertirse en esposa y madre. En aquellos tiempos, la enfermería era una carrera de poca reputación, ocupada mayormente por las mujeres más pobres, que seguían a la armada. Cuando en 1845 Nightingale anunció su decisión de estudiar enfermeria, provocó gran enfado y preocupación en su familia, sobre todo en su madre.
Cuidó de gente pobre e indigente, siendo defensora de la mejora de los cuidados médicos en las enfermerías e implicándose activamente en la reforma de las leyes de los pobres.
En 1846 visitó Kaiserswerth, Alemania, y conoció a fondo el hospital establecido por Theodor Fliedner y dirigido por una orden de religiosas luteranas. Quedó profundamente impresionada por la calidad de los cuidados y por el grado de compromiso y la práctica de las religiosas.

Nightingale fue cortejada por el político y poeta Richard Monckton Milnes, pero lo rechazó convencida de que el matrimonio interferiría con su capacidad de seguir su llamada a la enfermería. Estando en Roma en 1847 conoció a Sidney Herbert, un político brillante y casado. Ambos se sintieron mutuamente atraidos y se hicieron íntimos amigos de por vida. Herbert le fue útil en su trabajo en Crimea y en el campo de la Enfermería, y ella fue una consejera clave en su carrera política.

Su carrera en Enfermería comenzó en 1851, cuando recibió formación en Alemania a pesar de las objecciones de su familia, preocupada por las implicaciones sociales de dicha actividad.
De 1853 a 1854 fue superintendente en el Instituto para el Cuidado de Mujeres Enfermas en Londres.

Su contribución más conocida fue durante la Guerra de Crimea, a donde fue en 1854 con una plantilla de 38 enfermeras voluntarias formadas por ella. Al llegar a las barracas del principal campamento británico en Scutari encontraron soldados heridos en pésimas condiciones higiénicas y nutricinales, cuidados por personal médico sobrecargado de trabajo. Nightingale y sus compatriotas comenzaron la limpieza a fondo del hospital y del equipo, reorganizando el cuidado de los pacientes. Las tasas de muertos no empezaron a reducirse hasta que los alcantarillados de las barracas se sanearon y se mejoró la ventilación. A partir de netonces Nightingale abogaría por la importancia fundamental de las condiciones sanitarias. Como consecuencia redujo las muertes en la armada durante los tiempos de paz y consiguió que se prestara atención al diseño sanitario de los hospitales.

Florence Nightingale regresó a Iglaterra como una heroína en Agosto de 1857, y según la BBC era la Victoriana más popular después de la Reina Victoria. Se trasladó de casa de sus padres al Hotel Burlington en Piccadilly. Padeció una fiebre aguda debido a una forma crónica de Brucelosis que contrajo durante la guerra de Crimea. Prohibió la entrada en su cuarto a su madre y hermana y raramente salía.
En respuesta a una invitación de la Reina Victoria Nightingale jugó un papel central en el establecimiento de la Comisión Real para la Salud de la Armada, que fue presidida por Sidney Herbert. Como mujer, Nightingale no podía optar a la Comisión Real, pero escribió un Informe de más de mil páginas para la Comisón, que incluía datos estadísticos detallados. Este informe llevó a una revisión a fondo de los cuidados medicos de la armada y al establecimineto de una Escuela Médica Militar y de un sistema completo de archivos médicos militares

En 1855 ya se dio reconocimiento a su trabajo en la guerra estableciéndose La Fundacion Nightingale para enfermeras en formación.
En 1859 tenía 45.000 libras a su disposición de la Fundación Nightingale para Crear la Escuela de Fromación Nightingale en el Hospital de St. Thomas, en Julio de 1860, que ahora se llama La Escuela de Enfermeras y Matronas Florence Nightingale y forma parte del
King´s College de Londres.
Nightingale escribió "Notas de Enfermería", publicada en 1860, un delgado libro de 136 páginas que sirvió como base del curriculum de la Escuela Nightingale y otras escuelas de enfermería establecidas. Notas de Enfermeria también se vendió bien al público general y se considera una introducción clásica a la Enfermeria. Nightingale dedicó el resto de su vida a establecer y promocionar la profesión de Enfermera y a organizarla en su forma moderna.

Su trabajo inspiró a las Enfermeras de la Guerra Civil Americana. El gobierno unionista le pidió consejo para organizar la medicina de campamento. Aunque sus ideas encontaban resistencia oficial, inspiraron al cuerpo de voluntarios de la Comisión Sanitaria de los Estados Unidos.

En 1869 ella y Elizabeth Blalckwell abrieron la Facultad Médica de Mujeres.

En 1870 fue tutora de Linda Richards, la primera enfermera cualificada de América y la capacitó para regresar a EEUU con una formación y conocimiento suficiente para establecer escuelas de enfermeria de calidad. Linda Richars llegó a ser una gran pionera de la enfermería en EUU y Japón.

Ya en 1882 las enfermeras Nightingale tenían una presencia creciente e influyente en la embrionaria profesión de enfermera. Algunas eran jefas de importantes hospitalels dentro y fuera de Inglaterra.

En 1883 le fue concedida la Real Cruz Roja por la Reina Victoria. En 1907 se convirtió en la primera mujer que obtuvo la Orden del Mérito. En 1908 se la reconoció como Ciudadana Honorífica de la Ciudad de Londres.

A partir de 1896 estuvo confinada en cama. Posiblemente padeció del Síndrome de Fatiga Crónica. Durante sus años de confinamiento en cama siguió trabajando en el campo de la planificación de hospitales y su trabajo se propagó rápidamente por Inglaterra y el mundo.

Murió el 13 de Agosto de 1910.

Florence Nightingale también hizo importantes contribuciones al desarrollo de la Estadística aplicada al ambito de la Salud Pública y los Cuidados Médicos y Enfermeros.

Igualmente contribuyó al movimiento feminista británico, como revelan algunos de sus escritos donde protesta contra la sobre-feminización de las mujeres hasta rayar la inutilidad, que era como Nightingale veía el estilo de vida de su madre y su hermana mayor, a pesar de su educación. Rechazaba sus vidas de comodidad irreflexiva y prefirió por el mundo de los servicios socialels. Sus escritos también reflejan su temor a que sus ideas fueran ineficaces.

Irène Némirovsky (1903 - 1942)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Fri, 02 May 2008 12:47:16 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: francés

Irène Némirovsky nació en Kiev el 11 de frebrero de 1093 en el seno de una familia judía acudalada. Irene creció en un ambiente burgués donde no faltó la institutriz francesa que se encargara de la educación de la niña. Fue así como Irene conoció y se desenvolvió, desde temprana edad, en francés.

En diciembre de 1918 la familia se vio obligada a escapar de Rusia como consecuencia de la Revolución. Tras permanecer un año en Finlandia, se instalaron en París en 1919, cuando Irène contaba con 16 años. Una vez en París, retomó sus estudios y pronto comenzó a publicar sus escritos en revistas. Se licenció en Letras en la Sorbona en 1926, el mismo año en que se casó con Michael Epsein. Fruto de este matrimonio fueron sus dos hijas: Denise (1929) y Élisabeth (1937).

En 1929, un sobre anónimo que contenía una novela manuscrita en francés titulada David Golder cayó en las manos de Bernard Grasset. El texto entusiasmó al editor. Deseoso de contactar con el autor, publicó un anuncio en un peródico solicitando la presencia de éste en la editorial. Así fue cómo Irène Némirovsky, a los 26 años, vio publicada su primera novela.

Un año después salió al mercado El baile, que sería llevada al cine por Danielle Darrieux.

A pesar de ser una escritora reconocida e integrada en la sociedad parisina, su origen judío hizo que le fuera denegada la nacionalidad francesa en 1938. Un año más tarde, ella y su familia se convirtieron al catolicismo. Pero esto no impidió que las leyes antisemitas promulgadas en 1940 privaran a Michele Epstein de su derecho a trabajar y a Irène de publicar. La situación era cada vez más difícil, por lo que el matrimonio, portando la estrella amarilla, se refugió en Issy-l�Évêque, donde habían mandado a sus hijas en 1939 junto a la familia de su niñera.

Irène, consciente de que corrían malos tiempos y de que el desenlace podría ser trágico, se dedica a escribir. Es en este periodo cuando escribe La vida de Chéjov, (una biografía sobre el autor ruso) y Las moscas de otoño. También inicia su obra póstuma Suite francesa, que no llegaría a terminar pues el 13 de julio de 1942 fue arrestada e internada en el campo de Pithiviers para, posteriormente, ser deportada a Auschwitz, donde murió en agosto de 1942.

Michel Epstein escribió al mariscal Pétain para pedirle que le dejaran ocupar el lugar de su esposa, pero la única respuesta que recibió fue su inmediato arresto. El 6 de noviembre de 1942 fue deportado a Auschwitz y ejecutado.

Tras la muerte de sus padres, las dos niñas se vieron obligadas a vivir escondidas durante la guerra, ayudadas por amigos de la familia. Con ellas siempre portaron una maleta que, además de algunos recuerdos de sus padres, contenía una serie de manuscritos confiados por su madre. Entre ellos se encontraba la novela inacabada Suite francesa, que había sido concebida como una obra en cinco partes de las que Irène sólo pudo acabar dos: Tempestad en junio y Dolce.

Tuvo que pasar tiempo hasta que Elisabeth se decidiera a mecanografiar el manuscrito y, al descubrir que se trataba de una novela inacabada, decidera entregarlo al Institut Mèmoire de lÈdition Contemporaine. La obra fue publicada en 2004 y con ella recibió, a título póstumo, el Premio Renaudot.

Ada Negri (1870 - 1945)

medeaporundia@yahoo.es (José Juan Burgos Roldán) — Tue, 26 Sep 2006 18:37:21 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana

Ada Negri, también conocida como la "Vergine Rossa", poetisa italiana de inicios del siglo XX, nació en el seno de una muy humilde familia en el año 1870 en Lodi. Debido a que sus padres tenían que trabajar, Ada Negri pasó una infancia muy solitaria, en la portería del palacio Cingia-Barni, donde trabajaba su abuela como portera. Negri se dedicaba simplemente a ver deambular las personas que entraban y salían del palacio, hasta que gracias al esfuerzo de su madre pudo comenzar a estudiar en la �€�Scuola Normale femmenile�€� de Lodi y pudo sacarse el diploma de maestra de enseñanza elemental, cuya profesión comenzó a ejercer en 1888 en la escuela elemental �€�Motta Visconti�€� de Pavía. Fue en esta época cuando comenzó a publicar sus primeras poesías y también comenzó a ejercer como periodista. Estas primeras poesías fueron recopiladas en la obra �€�Fatalitá�€�, publicada en 1892 a través de la editorial Treves. Su primera edición tiene un gran éxito y le proporciona a la escritora una cierta fama que hace le sea concedido, por el Ministro de la República Giuseppe Zanardelli, el título de �€�docenge ad honorem�€�, y así poder dar clases en los institutos de enseñanza superior, motivo por el cual se traslada a Milán, donde establece contacto con miembros del círculo socialista.

En 1894 gana el Premio "Milli" a la poesía, y es en este mismo año cuando publica su segunda colección de poesía �€�Tempeste�€�, con la cual empieza a involucrarse en una temática social muy revolucionaria escrita con un lenguaje muy moderado.

Tras haberse casado y haber sido madre, en 1904 publica �€�Maternitá�€� y �€�Dal profondo�€� en 1910, obras ambas de una gran introspección interior por parte de la poetisa.

Pocos años le duró el matrimonio, se separó en 1913, y tras irse a Suiza, donde lejos de su tierra natal escribió, colmada de una gran melancolía, �€�Esilio�€�, en 1914, y una colección de catorce relatos titulada �€�Le solitaire�€�, que nos narran su modesta visión del mundo, siempre vista desde su humilde origen. Tiene en Zúrich una tormentosa relación con otro hombre lo que la lleva a escribir la obra �€�Il libro di Mara�€�, publicada en 1919, libro bastante inusual por la época ultra conservadora y fuertemente católica de la sociedad italiana, a este último libro le sigue �€�Stella mattutina�€�, publicado en 1921, novela autobiográfica en la que recuerda su infancia, adolescencia y sus primeros años de juventud, esta novela tiene bastante éxito, incluso es traducida a varias lenguas. Escribe también �€�I canti dell�€�isola�€�, publicado en 1924, y otros obras más tanto poéticas como novelísticas.

En 1931 recibe el premio Mussolini a toda su carrera y en 1940 es nombrada miembro de la �€�Accademia Italiana�€�, lo cual hace que sea la primera mujer en la historia de Italia en serlo. Muere en Milán en 1945

Anna Neera Zuccari (1846 - 1918)

marihuANALOK@hotmail.com (Ana De Zayas-enriquez) — Tue, 26 Sep 2006 18:29:53 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Anna Radius Zuccari fue una escritora milanese que con el pseudónimo horaziano de Neera publicó ensayos y novelas. Nacida en Milán en 1846 pasó momentos felices en Caravaggio lugar donde vivían su sabuelos maternos y que son recordados y descritos en sus obras de forma entrañable.

Al morir su madre de forma prematura (ella tenía diez años) y al tener graves problemas financieros no pudo continuar con sus estudios; esto le obligó a vivir con dos tias, hermanas de su padre, que tuvieron un papel decisivo en la formación de su personalidad la cual maduró autónomamente y se destacó del resto de las mujeres comunes de su época.

Aunque escribió muchas novelas merece ser mencionada su correspondencia en la que encontramos cartas intercambiadas con los personjes más ilustres de su tiempo como Verga, Capuana o Marinetti.

También fue importante su libro de memorias "Una giovinezza del secolo XIX" , considerado un excepcional documento autobiográfico; lo empezó a escribir en 1917 a raíz de una enfermedad que la obligó a permanecer en cama. Nunca terminaría este libro, que quedó incompleto y que dejó de escribir solo unos días antes de morir en Milán en 1918.

Sus heroínas como Teresa, Lydia, Marta, Anna, fueron mujeres profundamente marcadas por las circunstancias de esa época: eran víctimas de los hombres y de su indiferencia y casi siempre estaban obligadas a vivir con alguien al que no amaban. Gracias a estos personajes, Neera, consigue expresar rasgos revolucionarios de los que emanan iquietudes de una sorprendente modernidad, como cuando Teresa, afronta por primera vez el tema del deseo femenino.

Las cualidades que caracterizan las obras de Neera son la participación emotiva, la lucidez de análisis y las introspecciones psicológicas.

Benedetto Croce, la alabó por su análisis de la condición femenina sorprendentemente moderna en muchos aspectos y por su gran humanidad.

Olympia Fulvia Morata (1526 - 1555)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Wed, 30 May 2007 01:06:48 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Latín y griego

Nace en Ferrara, hija de Fulvio Peregrino Morato, profesor universitario de Literatura, y tutor del hijo menor de Alfonso d�€�Este, duque de Ferrara.Desde niña manifestó un gran interés por el aprendizaje, asimilando del padre tanto el latín como el griego.
En 1540 se establece en la corte de Ferrrara como compañera de estudio de Ana de Francia, hija del duque Ercole di Ferrara. En 1543, el papa visita la ciudad, e instituye el tribunal de la inquisición.Muchas personas, cercanas a la madre de Ana,fueron procesadas. Olimpia dejó Italia, y en 1546 contrajo una enfermadad que la mantiene alejada de la corte. Regresó en 1548, año en que muere su padre. Con el matrimonio, y la consiguiente partida de Ana a Francia, Olimpia fue alejada de los Estensi.
En 1549, llega a Ferrara Andrew Grunther,un joven doctor,de quien Ollimpia se enamoró. Se casaron al año siguiente,bajo el rito protestante, y Olimpia escribe un imno en griego, para celebrar el evento. En abril del mismo año,Grunther, habiendo acabado su doctorado en medicina, regresa a Alemania, y pocos meses después regresa para llevarse a Olimpia. Los dos se establecieron en la ciudad natal de Grunther, y Olimpia retoma sus estudios. En aquel período escribe los Dialoghi di Teophila e Filotima, en los que expresa su melancolía hacia las personas que había dejado en Ferrara.En abril de 1553, la ciudad de Grunther fue asediada por algunas armadas de mercenarios alemanes, y permanece cercada durante nueve meses, en los que la escritora envió diversas cartas a sus amigos en Ferrara. Toda la vida de Olimpia Morata está documentada en sus múltiples cartas, que constituyen la parte más imponente de su obra.
Expugnada la ciudad , los habitantes sufrieron atroces torturas, Olimpia y Grunther consiguieron huir, pero pronto fueron apresados. Afortunadamente, el obispo que había ordenado el asedio de la ciudad envió una carta a sus soldados para que los liberasen . Una vez liberados , los dos buscaron refugioen diversas cortes alemanas, estableciendose finalmente en la corte de los Erbach.
La experiencia vivida durante el cautiverio había mellada la salud de la escritora, que ,en 1555, murió por una epidemia. Muchas de sus poesías y de sus cartas, se recuperaron después de su muerte.

Elsa Morante (1912 - 1985)

jpichardocastellano@gmail.com (Jesús Pichardo Castellano) — Tue, 26 Sep 2006 18:50:28 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiana

Nació en Roma el 18 de agosto de 1912. Cuando acabó el instituto, se fue de casa para vivir sola, pero la falta de medios la llevaron a abandonar la carrera de Letras. En los años treinta pudo mantenerse con la redacción de tesis de licenciatura y dando clases privadas de italiano y latín. Pronto colaboraró con revistas y periódicos, como el Corriere dei Piccoli. Entre 1939 y 1941 trabajó para Oggi. En 1936, en casa del pintor Capirossi, conoció a Alberto Moravia, con el que se casará en 1941. En ese mismo año publicó su primer libro, Il gioco segreto, una colección de ensayos. Vivió primero en Anacapri, y después en Roma. Durante las luchas entre el ejército alemán y la resistencia italiana, en 1943, permaneció escondida junto a Moravia, y ambos retomaron sus respectivas carreras literarias en 1948, cuando la autora publicó su primera novela, Menzogna e sortilegio, sobre una familia que se ha refugiado en el mundo de la fantasía (obra con la que obtuvo el premio Viareggio). En 1957 se publicó l´ Isola di Arturo, con el que ganó el premio Strega. Trata el tema de las relaciones que se crean en mundos imaginarios, en este caso los de un muchacho huérfano en una isla de su invención. En 1959, durante un viaje, conoció a Bill Morrow, joven pintor con el que mantendrá desde entonces una intensa amistad. En 1962 murió trágicamente Bill Morrow, dejando en la escritora un gran sentido de vacío, tanto que para quien la frecuenta aparece atormentada por la idea de la muerte y de la vejez. Tratará estos temas en las poesías de "Il mondo salvato dai ragazzini". En 1974 publicó La Storia, con el que obtuvo un enorme éxito de público. En 1973 comenzó a escribir su última novela, Aracoeli, que acabó en 1982, obteniendo con ella en 1984 el premio Médicis de literatura extranjera. Sus últimos años transcurren en cama, no pudiendo caminar. En 1983 intentará suicidarse pero será salvada en el último instante por una sirvienta. Muere de infarto en una clínica romana el 25 de noviembre de 1985. Escribió también numerosas narraciones breves, la mayor parte de ellas para niños, como las que se encuentran recopiladas en Lo scialle andaluso (1963).Su obra, centrada en los sueños y en las contradicciones del hombre, constituye una crítica del excesivo racionalismo europeo

Malika Mokeddem (1949 - )

glaa84@yahoo.es (María Ferrand) — Tue, 03 Jun 2008 18:12:00 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Francés

Malika Mokkeddem nació el 5 de octubre de 1949 en Kenadsa, un pequeño pueblo minero en el límite del desierto occidental de Argelia. Es la menor de diez hermanos en una familia analfabeta nómada recien sedentarizada. Creció escuchando las historias de su abuela beduina Zohra, y fue la única niña de su familia y del poblado que asistió a la escuela secundaria. Cursó la carrera de medicina en Orán y terminó estableciéndose en la ciudad francesa de Montpellier en 1979. Practicó su profesión hasta 1985, cuando decidió consagrarse a la literatura.

Los libros han sido para ella una sólida tabla de salvación. "Los libros me han hecho salir de todo eso, me han salvado de la desesperación. Cuando tenía doce años tenía mucho miedo a que mis padres me casasen. Y decía que si eso ocurría, me iría de casa aunque los animales del desierto me comieran. Los libros me permitían aprender a ser yo misma".

Para la autora la escritura es una trashumancia infinita, como la de sus antepasados por el desierto. Malika Mokeddem es a la vez tierna y feroz, tenaz y frágil, de un valor ejemplar que no se doblega ante las amenazas de los integristas. Por eso Malika Mokeddem es una heroína moderna.

Es una autora que encarna la voz del cambio y la libertad en Argelia desde el exilio. No hay censura ni amenaza capaz de sosegar la pluma de aquel cuya lucha por la integridad representa su alimento.

Giannina Milli Cassone (1825 - 1888)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:24:22 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiano

Giannina Milli nació en Teramo en el año 1825, de ingenio precoz y fácil memoria, improvisaba versos ya a los cinco años.
El rey de Nápoles quiso conocerla y se empeñó en hacerla estudiar en un colegio femenino. No fue aplicada con el estudio, leía muchísimo y recibía clases de canto. Más tarde se puso en manos del innovador improvisador Regaldi quien la animó a seguir con su aficción.
Diede su primera academia el 24 de junio del año 1847 y fue todo un éxito; desde entonces continuó improvisando en numerosas cuidades italianas.
Arrastrada por su amor patriótico, llevó siempre en su corazón la causa unitaria nacional, por ello sus versos fueron censurados y estuvo amenazada de cárcel. Después de la primera guerra de la independencia, tomó la decisón de recorrer toda Italia considerada ya la más grande poetisa improvisadora del país; fue recibida incluso por Manzoni en Milán en el año 1859.
Hacia 1865, a través de la joven americana F. A lexander que frecuentaba su lugar de reunión, conoció a Beatrice, la "poetisa pastora" que encontró en el Abetone.
Giannina estableció su residencia en Florencia donde vivía con su familia (madre, hermano y hermana) detrás de la iglesia de S. Lorenzo.
Su lugar de tertulia era un centro intelectual frecuentado por A. Vennucci, G. Giuliani, P. Villari. Fue amiga de la condesa Maffei quien la consideraba su hija predilecta y con quien mantuvo una larga correspondencia.
En el año 1860 le fue decretada una pensión anual por interés de algunos señores pertenecientes a varias ciudades italianas que aunaron un capital para ser asignado a la más merecedora entre las mujeres italianas; de ella tomó nombre y continuó siendo asignada a mujeres beneméritas en las letras.
En el año 1865 el ministro de instrucción pública la nombró inspectora en las escuelas públicas y elementares de Livorno, después de Nápoles y de la Puglia. En el año 1872 fue llamada a dirigir la escuela pública magistral en Roma.
Se hicieron ediciones diversas de sus Poesie estemporanee, publicadas en varias ciudades de Italia entre los años 1852-1867.
En el año 1876 contrajo matrimonio con Ferdinando Cassone y con él, proveedor de estudios, se trasladó a Caserta. Murió el 18 de octubre del año 1888 destrozada por el dolor de haber perdido en poco tiempo a su madre y a su esposo.

Fátima Mernissi (1940 - )

glaa84@yahoo.es (María Ferrand) — Sun, 20 Apr 2008 17:04:13 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Francés, inglés y árabe

Fátima Mernissi, escritora marroquí, es una de las voces más relevantes de la intelectualidad del mundo árabe y una autoridad mundial en estudios coránicos. Nació en 1940 en un harén de Fez. Pertenecía a una familia acomodada, dueña de grandes extensiones de tierra y fiel a las tradiciones. La pequeña Fátima creció en un mundo de niños y mujeres cuya frontera vigilaba celosamente un portero llamado Ahmed.

La infancia de Mernissi son recuerdos de un patio cuadrado rodeado de columnas de mármol y azulejos y con una fuente en el centro. Cuatro enormes salones se abrían a este espacio: el de su familia, el de la abuela paterna, el de sus tíos y sus siete primos y, por último, la sala donde los hombres comían, escuchaban las noticias en la radio, cerraban negocios y jugaban a las cartas. En el piso superior habitaban las tías divorciadas y viudas con sus hijos. Todas las ventanas se abrían al patio. Ninguna daba a la calle.

En esta amplia vivienda cerrada al exterior no había eunucos ni esclavos ni bellas mujeres reclinadas voluptuosamente: el harén imperial otomano que ha llegado a Occidente a través de la pintura y las películas desapareció en 1909. En su lugar quedó el harén doméstico como el que Fátima Mernissi vivió en su infancia y describió más tarde en "Sueños en el umbral. Memorias de una niña del harén" (1994), su única obra narrativa y una de las más aclamadas por la crítica internacional.

Hija y nieta de mujeres analfabetas, Fátima Mernissi habló sólo árabe hasta los veinte años. Decidida a traspasar, entre otras, la barrera del idioma, no sólo aprendió varias lenguas sino que casi nunca ha escrito en la propia. Hasta la guerra del golfo Pérsico, en 1991, escribió en francés. Desde entonces, con un sentido pragmático, lo hace en inglés.

Mernissi se licenció en ciencias políticas en Marruecos y prosiguió sus estudios con una beca en la Universidad de la Sorbona, en París. Más tarde obtuvo el doctorado en sociología en la Universidad de Brandeis (Estados Unidos) y, de vuelta a su país, pasó a ejercer de profesora en la Universidad de Mohamed V de Rabat y se dedicó a la investigación en el Centre Universitaire de la Recherche Scientifique de la capital marroquí. También en esa ciudad dirigía un Taller de Escritura.

Al regresar a Marruecos en los años setenta tras haber completado sus estudios en el extranjero, Mernissi se dio cuenta de que, más que convertirse en experta en su trabajo, lo que necesitaba primero era defender sus derechos a estar plenamente en ese trabajo, y para ello tuvo que volver a revisar los textos coránicos.

Tras un minucioso estudio de las diferentes versiones del Corán, Mernissi lanzó su más célebre afirmación: el profeta Mahoma había sido un hombre feminista y muy progresista para su época, y no fue él, sino otros hombres, quienes empezaron a considerar a las mujeres como personas de segunda clase. Escribió "El harén político" con estas teorías, enfureció al régimen y el libro se convirtió en el único libro prohibido en Marruecos (todavía hoy), aunque en otros países musulmanes, como en Siria, obtuvo gran éxito.

El velo y la elite masculina, publicado en 1987, fue otro de sus estudios censurados en Marruecos y en algunos países musulmanes. La socióloga marroquí fue también una de las primeras en decir públicamente que la educación de la mujer en los países en vías de desarrollo es el mejor anticonceptivo existente.

Suyo es uno de los primeros estudios realizados a principios de los años ochenta en el que se demostraba científicamente la correlación entre la alfabetización de la mujer y el índice de la natalidad. En Marruecos, por ejemplo, y tal como ella misma explica en su libro "Marruecos a través de sus mujeres", de cinco hijos en las mujeres no alfabetizadas se pasa a dos en las alfabetizadas. Sus investigaciones en este sentido han sido de gran utilidad para las comisiones especializadas de las Naciones Unidas.

En otro de sus libros traducidos en España, "El poder olvidado. Las mujeres ante un islam en cambio", recopiló una serie de artículos escritos en los años ochenta y principios de los noventa que intentaban responder, desde diferentes ángulos, a la pregunta que la obsesionaba por aquel entonces: ¿por qué los Estados árabes son tan hostiles a las mujeres? ¿Por qué no las pueden ver como fuerza motriz del progreso? "No comprendí el misterio de la hostilidad estatal hacia la mujer -afirmó en una ocasión - hasta que estalló la guerra del golfo Pérsico. Fue entonces cuando se vio claramente que no se trataba de una guerra contra la feminidad sino de una guerra contra la democracia".

Mernissi compagina sus múltiples actividades en Marruecos con su trabajo como escritora y las incontables invitaciones que recibe de todo el mundo para dar conferencias y presentar sus libros (toda su extensa obra ha sido traducida a varios idiomas y muchos de sus títulos son textos obligatorios en el ámbito universitario).
Su entusiasmo, como su risa, es una de sus características más destacadas. Tiene una extraña capacidad para tomárselo todo con imbatible ánimo, para convertir una derrota en un triunfo. Como, por ejemplo, el tema de su imagen. Fátima procura no salir en televisión y pocas veces se deja retratar en los periódicos y las revistas de manera que su rostro sea reconocible: acostumbra a ponerse un pañuelo o a taparse un ojo o la boca o alguna parte de la cara.
Sin duda, ésta es una medida de prudencia más que necesaria para los tiempos que corren. Pero Fátima se niega a admitir esa limitación de su libertad, el reconocimiento de la presión de los integristas musulmanes, y prefiere decir que le gusta mantener el anonimato para poder investigar mejor y no ser reconocida por la calle y que al retratarse así está construyendo un símbolo de la situación de la mujer árabe, que no es del todo libre para hablar, ver y ser, a la vez que convierte sus retratos en una parte más de su lucha y de su mensaje.

En septiembre de 2003 visitó Barcelona, donde, invitada por el ayuntamiento, leyó el pregón de las Fiestas de la Mercè, que tituló «El cowboy o Simbad. ¿Quién vencerá en la globalización?». Un mes más tarde, recibía en Oviedo el Premio Príncipe de Asturias de las Letras junto con la escritora estadounidense Susan Sontag. Para ella, el hecho de compartir el premio con Sontag era todo un símbolo de diálogo entre civilizaciones. Coincidiendo con la entrega del galardón, llegó a Oviedo una caravana cívica en la que participaron expresos políticos y artistas. Para la ocasión, Mernissi escribió el libro "Los Simbads marroquíes". Guía para turistas cívicos.

Su incansable activismo, el rigor extremo de sus estudios sobre el Corán y la originalidad de sus tesis feministas han convertido a Fátima Mernissi en una de las más importantes intelectuales del mundo árabe. Autora de obras de referencia como "Sexo, ideología e islam" (1975) o "Sultanas olvidadas" (1990), que han sido traducidas a una veintena de lenguas, a diferencia de la mayor parte de sus colegas de los países musulmanes, no vive en el exilio sino en Rabat.
Fátima Mernissi no se ha casado nunca y no tiene hijos, aunque a sus sesenta y ocho años, convertida en una intelectual de prestigio internacional, reconoce que por primera vez le gustaría frenar un poco su actividad inagotable y encontrar a alguien con quien compartir su vida. Es, sin duda, una mujer infatigable, a caballo entre Oriente y Occidente, entre la tradición y la modernidad.

Condesa De Merlin (maría De Las Mercedes Santa Cruz Y Montalvo) (1789 - 1852)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Mon, 19 Mar 2007 07:41:19 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Lengua Francesa

María de las Mercedes Beltrán Santa Cruz y Cárdenas Montalvo y O�€�Farrill (La Habana 1789 �€" París 1852) se considera hoy en día, junto con la Marquesa Beatriz de Jústiz y Zayas de Santa Ana (1733-1807), la primera escritora de Cuba.
Nacida en La Habana de familia aristócrata (los Santa Cruz eran condes de Santa Cruz de Mopox y de San Juan de Jaruco, los Montalvo de Macuriges y de Casa Montalvo; su padre fue proclamado «Grande de España» post-mortem), transcurrió en la isla su infancia, criada de manera muy libre y consentidora por «Mamita», la tia abuela paterna. En un segundo momento, la joven María fue internada en el convento de Santa Clara, institución en la cual sufrió una educación severa y donde pasó poco tiempo, pero suficiente para establecer buena amistad con una monja, Sor Inés, de la cual muchos años más tarde escribirá la biografía.
A los doce años María de las Mercedes se trasladó a Madrid (1802), allí, ya desde hace tiempo, vivía su madre, Teresa Montalvo, la cual era dama de honor de la reina doña María Luisa y que en la capital tenía un salón por el que transitaban políticos, escritores y artistas: aquí, al parecer, la joven María conoció entre otros a Moratín, Quintana y Goya. La adaptación a los hábitos europeos �€" más estrictos que los de la colonia �€" no debió de ser tan fácil, sin embargo, en España la joven Montalvo recibió una buena educación, la que se correspondía con su clase social, educación que para las mujeres de la buena sociedad comprendía también un serio estudio de la música y del canto.
Con la guerra la familia «se afrancesó», en consecuencia también de que el general O�€�Farrill, tío de doña Teresa y ministro de guerra de Fernando VII, apoyó decididamente a José Bonaparte. María por lo tanto vivió en el entorno de la corte napoleónica (Teresa Montalvo, se decía, era favorita del nuevo rey) y compartió la suerte de los invasores, así que en 1811 se casó con el general francés Antoine Christoph (1771-1839) al que pocos años antes (1809) se le había otorgado el título de Comte de Merlin. Tras la caída de la monarquía bonapartista, María de las Mercedes se marchó a París, era el 1812. En su nueva patria la Comtesse Madame de Merlin asistió, desde una posición privilegiada, a toda la parábola política francesa: de los últimos brillos del imperio de Napoleón, pasó a ser súbdita de los «legítimos» Luis XVIII y Carlos X, vivío el advento del Roi Bourgeois Luis Felipe, fue ciudadana de la segunda república y murió en París en 1852, a la vigilia de ese plebiscito que convirtió en emperador a Luis Napoléon.
La condesa de Merlin fue una brillante dama de aquella alta sociedad que actuaba con el fin de que la Ville Lumière fuera ese centro mundial de cultura que fue. Rossini, Meyerbeer, Musset, Listz, Chopin, Balzac, Orfila, María Malibrán, George Sand y muchos otros animaban las tertulias de su salón parisino. Sin duda fue una mujer inteligente y fascinante, tenía fama de muy buena cantante, y entre otros aspectos, no cabe duda de que un elemento más de su atractivo fue ese encanto exótico representado por su origen criollo, y efectivamente de ella misma escribiría en su primera autobiografía: «mi color de criolla, mis ojos negros y animados, mi pelo tan largo que costaba trabajo sujetarle, me daban cierto aspecto salvaje...», y a este próposito nos gusta imaginar que la amiga George Sand debió de pensar también en la hermosa condesa hispanocubana al describir las bellas criollas de la isla de Borbón de sus novelas.
Sin embargo, si hoy la recordamos es que, además de una excelente salonièrre, animadora cultural y anfitriona, la Condesa de Merlin fue escritora de éxito y, curiosamente, escritora de lengua francesa. Se dedicó prevalentemente al género biográfico y memorialístico en sus múltiples variantes: la autobiogafía, Mes douze premiéres années (1831) relato de su niñez, y Souvenirs et Mémoires (Souvenirs d�€�une Créole), donde remata ese tópico del «criollismo»; la biografía, Histoire de la Soeur Inés que recoge la vida de una monja del convento de Santa Clara de La Habana, y Le loisirs d�€�une femme du monde, editado en 1838 al mismo tiempo en París y Bruselas, e incluso traducido al inglés y al italiano, relato de la breve y desaventurada vida de la amiga y cantante española María García Malibrán; el género híbrido que es representado por el relato de viaje, La Havane, detallada narración en forma epistolar de un viaje que efectuó en 1840 a Cuba. Fue autora también de otras obras de menor importancia: Lola y María, Les Lionnes de París (1845), Le Duc d�€�Athénes. Todas estas obras se editaron en volumen, sin embargo la condesa solía publicar, con antelación, breves partes de sus obras en revistas.
El texto de Merlin que hoy en día llama más la atención de la crítica (se ha ocupado detenidamente de esta obra, en una óptima monografía Adriana Méndez Rodenas) y que hace que una escritora de lengua francesa sea reconocida como la madre de la literatura cubana, es La Havane. El libro, en tres tomos, concluido ya a finales de 1842, se publicó en francés en 1844 (París, Bruselas y al parecer en La Haye) y en el mismo año, en una versión considerablemente reducida y con el título Viage á La Habana, en Madrid en traducción española. La Havane es un relato de viaje en forma epsitolar: 36 cartas (sólo 10 en la española), dirigidas a parientes, amigos, conocidos, artistas, hombres de ciencia y personajes influyentes, que narran y describen a europeos ávidos de exotismo, los hábitos, los pueblos, las tradiciones y los colores del Nuevo Mundo o, mejor dicho, de los �€�Nuevos Mundos�€�, ya que algunas de estas cartas relatan la estancia en los Estados Unidos. La Havane es extremadamente interesante por las innumerables sugestiones y niveles de lectura que ofrece, es un viaje en el que ante todo la viuda Madame de Merlin redescubre a María de las Mercedes, es decir, un viaje en el que la autora «se debate entre el rol eurocéntrico de colonizador y el americano de colonizado» como escribe Regazzoni que también se ha ocupado detalladamente de esta autora. Animado es hoy el debate en torno a la comparación de las dos coevas y sensiblemente diferentes ediciones: la francesa pone de manifiesto una clara instancia política ilustrada y moderada, pero al mismo tiempo original y atrevida, por lo contrario la española (recién reeditada por Caballero Wangüemert), se califica sin duda de sentimental y costumbrista.
Al leer hoy las páginas de la Condesa de Merlin no podemos no compartir el juicio que dio de su arte, su compatriota Gertrudis Gómez de Avellaneda (1814-1873) al prologar Viage á La Habana: «el estilo de la señora Merlín es en lo general templado, fácil, elegante y gracioso. Se encuentra en sus escritos un juicio exacto y una admirable armonía de ideas».

Sophie Mereau Brentano (1770 - 1806)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sat, 06 Oct 2007 17:28:43 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: alemán

Sophie Friederike Mereau wurde am 27. März 1770 in Altenburg geboren. Für eine Frau des 18. Jahrhunderts hatte die aus einem bürgerlichen Haus stammende Sophie Schubart eine sehr gute Ausbildung, die sie dem Vater verdanken sollte. Obwohl sie gegenüber der Ehe große Vorbehalte empfand, heiratete sie 1793 aus ökonomischen Gründen den Jenaer Juraprofessor Friedrich Ernst Carl Mereau. Mit ihm hatte sie eine Tochter. Die Mereaus lebten in Jena, wo Sophie durch die reichhaltigen Kontakte ihres Ehemannes Friedrich Schiller kennen lernte. Schiller erkannte ihr Talent und förderte sie. Als das �€žWahrzeichen Jenas�€� angehimmelt und angedichtet, galt ihr Haus als geselliger und kultureller Mittelpunkt der Stadt. Alle wichtigen Persönlichkeiten der Zeit kannten und schätzten sie. Sie war Autorin von zwei Romanen: Das Blüthenalter der Empfindung (erschien 1794 anonym) sowie Amanda und Eduard. Ein Roman in Briefen (1803). Immer und immer wieder wird ein Thema variiert: die Feier der freien, glückhaften Liebe, jenseits des Käfigs der Ehe, die Frau, die nicht passiv erduldet, sondern selbsttätig ihr Schicksal ergreift und eine Genußmoral gepredigt. Natur- und Landschaftsgedichte machten die Mereau berühmt, in denen ihre Phantasie zu symbolisieren liebte und alles, was sich ihr darstellt, als Ausdruck von Ideen behandelt wurde: Des Lieblingsörtchens Wiedersehen (1796), Schwarzburg (1796), Die Landschaft (1797), Im Frühling (1798), Bergphantasie (1798), Der Garten von Wörlitz (1798). Ihr erstes veröffentlichtes Gedicht preiste die Ideale der französischen Revolution (Bei Frankreichs Feier, 1791). Freiheit, Harmonie, Liebe und Selbsttätigkeit waren ihre Schlüsselworte. Beruflich erfolgreich, war Sophie Mereau in ihrer Ehe nicht glücklich. Sie wollte die Ideale der Romantik leben, sehnte sich nach Liebe und Freiheit und prägte sich ein eigenes Wort für ihre ersehnte Existenzform: �€žSelbstbestandheit�€�. Sie hatte mehrere Affären, u. a. mit Friedrich Schlegel und Clemens Brentano. 1801 ließ sie sich im Herzogtum Sachsen-Weimar scheiden. Gemeinhin gilt dies als die erste Scheidung im Herzogtum. Gemeinsam mit ihrer Tochter baute sie sich ein neues Leben auf. Als sie jedoch von Clemens Brentano schwanger wurde, heiratete sie ihn im Jahr 1803. Clemens Brentano zuliebe wurde sie viermal schwanger. Daß die Frau selbst Geld verdienen müsse, um frei zu werden, hat Mereau frühzeitig erkannt und gearbeitet wie kaum eine: Sie übersetzte englische Prosa, Spanischen und Italienische Novellen (1804/06), Erzählungen des Boccaccio und seinen Liebesroman Fiammetta (1806, bis heute aufgelegt), aus dem Französischen u.a. die Persischen Briefe des Montesquieu (1801/02) und die Briefe der Ninon de Lenclos. Beiträge für Almanache und Taschenbücher entstanden, die sie zum Teil auch selber herausgab und die sich an Frauen wandten: Kalathiskos (1801/02), den Göttingen Musenalmanach für das Jahr 1803, die Bunte Reihe kleiner Schriften (1805). Die Beiträge enthielten auch ihre Erzählungen wie Marie (1798), Elise (1800) Einige kleine Gemälde (1801), oder Die Flucht nach der Hauptstadt (1806). Durch Clemens Brentanos Eifersucht und besitzergreifende Art fühlte sie sich zunehmend eingeschränkt. Einer Freundin schrieb Sophie, das Zusammenleben mit Clemens enthalte Himmel und Hölle, aber die Hölle sei vorherrschend. Sophie Brentano starb 1806 im Alter von 36 Jahren im Kindbett.

Concha Méndez (1898 - 1986)

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Mon, 22 Oct 2007 17:38:02 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: español

Nacida en Madrid el 27 de julio de 1898, Concha Méndez Cuesta fue la mayor de once hermanos. Su familia no era originariamente burguesa, pero adinerada. Por eso, los Méndez habían asimilado el estilo de vida típico de la clase media, incluida la actitud conservadora en la educación de los hijos. Concha recibió, en un colegio francés, una educación femenina y católica que no compartía, pero cuya influencia se observa en sus primeros versos. Los padres, aplacando cada anhelo por aprender y descubrir mundos, le prohibieron continuar los estudios, después de los más elementales, y educaron a la niña para que creciese como todas las mujeres católicas de la España de principios del siglo XX. Por eso, fue una joven inquieta, liberal, arriesgada, campeona de natación y gimnasta, al igual que su muy machista primer novio, Luis Buñuel, al que conoció veraneando en San Sebastián, a los diecinueve años. Además, se marchó de casa de sus padres a la aventura, cruzando océanos por el placer de conocer el mundo, por cambiar de aires y por buscar su verdadero lugar, donde pudiese no sufrir presiones sociales (en 1919 viajó a Londres, y, en 1929, a Buenos Aires y Montevideo), y en esto, su carácter era parecido al de su amiga de correrías, la rompedora Maruja Mallo, magnífica pintora de la que, desgraciadamente, sólo se han destacado sus barrabasadas juveniles y sus amoríos con Miguel Hernández, entre otros famosos de la época (también fueron sus novios Rafael Alberti y Pablo Neruda). Durante siete años Méndez y Buñuel fueron novios, hasta que ella se hartó de su insufrible carácter. Paradójicamente, fue a partir de la ruptura con Buñuel que comenzó para Concha su amistad con el grupo de jóvenes intelectuales del Madrid de los años veinte, gracias sobre todo a García Lorca, quien la introdujo en el grupo, y a Rafael Alberti y Luis Cernuda. Sin embargo, fueron sobre todo Alberti y Maruja Mallo quienes se convirtieron en dos figuras clave para el devenir de su creación literaria. Fueron años de actividad intelectual frenética: la mujer que había empezado a escribir poemas bajo la influencia de Lorca y de Alberti, después de haber roto su noviazgo con Buñuel, acabó convirtiéndose en una presencia fija en algunas de las tertulias más nombradas del Madrid vanguardista de esos años; su firma puede encontrarse en revistas como �€�La Gaceta Literaria�€�, �€�Hèlix�€� o �€�Parábola�€�, y algunos de los artistas plásticos de su entorno, como Gregorio Prieto o la misma Maruja Mallo, la retrataron. En 1926 publicó su primer libro, �€�Inquietudes�€�; dos años después, publicó �€�Surtidor�€�; y, en 1930, �€�Canciones de mar y tierra�€�. En estas obras, sobre todo, es evidente la huella de la amistad de Concha con Maruja Mallo, quien fue, para ella, una verdadera guía en su primer exilio.
Se trató de un exilio psicológico, interior: el medio social y familiar en el que se encontraba no la admitía tal como era y, por tanto, teniendo como única otra alternativa la adaptación, lo abandonó, ya que ella quería desarrollar una carrera como artista y ser admitida como intelectual. La presencia, en este primer exilio, de Maruja Mallo, una pintora a la que le gustaba romper con las reglas sociales y luchaba para la liberación de la mujer, le permitió a Concha comprender, por primera vez, sus verdaderas aspiraciones. Las dos juntas disfrutaron de una vida intelectual muy intensa y contribuyeron a enriquecerla y destruir la imagen de la mujer como esposa sumisa y madre abnegada. Méndez descubrió un Madrid diferente, con calles, cafés, clubes, lugares donde dar rienda suelta a sus deseos de vida cultural y emancipación. Sobre todo se dio cuenta de que la creación artística podía ser una posibilidad concreta y auténtica. Lo que a Concha le impresionó de Maruja, entonces, fue este estar siempre cargada de ganas de emancipación, su obstinada contrariedad por los convencionalismos y su carácter rebelde contra la educación burguesa de las chicas. Por otra parte, es suficiente considerar que mientras Méndez tenía que soportar un largo noviazgo formal con Buñuel siempre acompañada de carabina, Mallo era considerada por la sociedad del momento escandalosa por su promiscuidad, sólo tolerada en los hombres. Seguramente Mallo tuvo el mérito de la decisión de Concha de romper con su vida burguesa ociosa, porque despertó el lado más rebelde de ella. Y fue a partir de entonces que Méndez entró plenamente en el mundo literario. Sin embargo, este descubrimiento vital tuvo sus consecuencias, porque provocó el primer exilio en la vida de la poetisa. No se trató de un exilio voluntario: fue una forma de aislamiento social. Concha no tenía alternativas, desarrollar una carrera como artista conllevaba el abandono forzoso de un mundo que no la admitía como intelectual. Este exilio no fue físico, como puede ser el abandono de la patria, sino un traslado emocional: Méndez se excluyó de la ortodoxia burguesa y clasista, pero permaneciendo en el mismo ambiente en que ésta tenía lugar. Para Mallo y Méndez, éste fue un periodo apasionante: colaboraron en la creación de proyectos comunes, como el acto único �€�El ángel cartero�€�, obra de teatro infantil escrita por Concha y con los decorados de Maruja, y, sobre todo, se influenciaron en el nivel artístico, formando un verdadero tándem creativo. No sólo en la pintura de Maruja se encuentra la presencia de Concha, sino en la obra poética de Concha se refleja la huella de Maruja. Examinando, por ejemplo, el poema �€�Verbena�€� y comparándolo con la obra del mismo título de Mallo, podemos notar que, aunque con lenguajes personales distintos y en disciplinas artísticas diferentes, Mallo y Méndez representan de manera inequívoca el mismo espíritu frenético de la vanguardia y escenifican idéntica realidad. Las luces, los colores, los movimientos, los sonidos que Maruja Mallo destaca en su �€�Verbena�€� son los mismos que Concha Méndez evoca en la suya. Además de las verbenas, las dos recrearon también otros aspectos de la modernidad -que era el tema principal en la obra de ambas, en ese periodo-, como los coches y las locomotoras (emblemas del mito de la velocidad), las fábricas (banderas del progreso tecnológico), la metrópoli, el jazz y el deporte (el movimiento físico), y éste último con especial énfasis en la práctica que lleva acabo la mujer. Se trata de elementos típicos de las poéticas artísticas europeas de esos tiempos, heredados del Futurismo, que fue la primera de las vanguardias que llegaron a España. La adhesión de las dos a ese movimiento fue completa, porque del Futurismo compartían el deseo de destruir un pasado caduco y de exaltar el cambio, a través de sus elementos característicos: dinamismo, expresión continua de movimiento, simultaneidad y sucesión de sonidos e imágenes.
Podemos colocar entre 1929 y 1931 el segundo exilio de Méndez: se trata del viaje que realizó a Inglaterra y a Argentina, países que constituyeron un único exilio, porque formaban parte del mismo propósito de emanciparse desembarazándose de su asfixiante familia en búsqueda de nuevos lugares. Sin embrago, el viaje a Inglaterra no representó una desvinculación del mundo que había conocido. Méndez afianzó sus relaciones con el Madrid intelectual mediante una serie de cartas donde explicaba sus descubrimientos artísticos y las reflexiones que éstos le suscitaban. Además, entabló amistad con intelectuales relacionados con la cultura española que, como ella, residían en Inglaterra. Y además de eso, a través de artículos publicados en revistas como �€�La Gaceta Literaria�€�, su presencia en la vida cultural madrileña siguió plenamente activa a pesar de la distancia. Se trató de una experiencia muy positiva, aunque, poco tiempo después de su regreso a España, inició otra travesía, esta vez hacia Argentina, consciente de dar �€�un paso trascendental en la vida�€�. Sin duda, Buenos Aires acogía a muchas personalidades del mundo literario y artístico y Concha estableció los primeros contactos con Guillermo de Torre, escritor y crítico que dirigía la sección de letras del diario �€�La Nación�€�, periódico en el que ella empezó a publicar un poema cada semana. Sin embargo, la relación más importante fue la que estableció con la española Consuelo Berges, escritora y periodista, y más tarde reconocida traductora, quien le ofreció su amistad y su influencia en los círculos intelectuales y fue su pieza fundamental para su éxito en el continente americano. Consuelo era una mujer resuelta, enérgica y culta. Como Concha, también ella había renunciado a una vida de mujer tradicional para perseguir una carrera como escritora. Viajar era también una de sus pasiones y la llevó a cabo a la vez que se emancipó de su familia. Esta grande coincidencia provocó una conjunción de intereses que dio frutos en la obra de ambas. En la obra de Concha, los frutos de esta experiencia se vieron en �€�Canciones de mar y tierra�€�, del 1930. En el mismo periodo, Berges publicó �€�Escalas�€�, donde reunió ensayos sobre su experiencia por las tierras americanas y la historia de las mismas. Podemos considerar estos libros como paralelos, porque, aunque Concha y Consuelo proviniesen de ambientes diferentes, encontramos en ellos un mismo acercamiento temático. El interés por los viajes es la metáfora del ansia de libertad, entonces ambas querían expresar la misma problemática: el ser mujeres en un mundo de hombres. La prueba irrefutable de esta correspondencia es la inclusión de un prólogo de Consuelo Berges en �€�Canciones de mar y tierra�€�, al que correspondió otro escrito en verso de Méndez para �€�Escalas�€�. Como demuestra también el poema de �€�Canciones de mar y tierra�€�, que Concha le dedicó a Consuelo, las dos eran claramente almas afines. Con la proclamación de la República en España, el 14 de abril de 1931, las dos amigas decidieron regresar a su país y celebrar allí la instauración del nuevo sistema de gobierno. Eran los años del esplendor surrealista, del que Berges no escapó. La espontaneidad, el rechazo de las reglas establecidas y la tendencia a mirar el mundo desde perspectivas insólitas -todas características peculiares de Consuelo- forman parte integrante tanto de la persona como de la obra surrealista, la más moderna de las vanguardias durante el periodo argentino de las dos españolas. Sin embargo, los distintos destinos al regresar a España impusieron un distanciamiento físico entre las dos. En un primer tiempo, la relación cultivada en Argentina perduró y las dos se mantuvieron en contacto. Pero, con la subida al poder de Franco, todo cambió, y, siendo imposible oponerse abiertamente a este cambio, a ambas no les quedó otra solución que afrontar un nuevo exilio. Para Consuelo fue un exilio interior; para Concha será un exilio físico.
La vuelta a España, para Concha, representó un momento de cambios en su vida personal y en su actividad política. En 1931, García Lorca le presentó, en la granja El Henar, al poeta e impresor malagueño Manuel Altolaguirre. Concha y Manuel se casaron el 5 de junio del año siguiente -siendo testigos García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Jorge Guillén y Cernuda- y crearon la imprenta �€�La Verónica�€� en una habitación del hotel Aragón, donde editaron la revista �€�Héroe�€�, que contó con la colaboración de Jiménez, Miguel de Unamuno, Pedro Salinas y Guillén. Vivieron de 1933 a 1935 en Londres, donde el primer año murió su primer hijo, y nació su hija Paloma en el último. Junto con su marido, activo impresor, contribuyó a la difusión de la obra del grupo del 27, editando colecciones de poesías y revistas como �€�Poesía�€�, y �€�Caballo verde para la poesía�€� (dirigida con Pablo Neruda). Fueron años intensos, desde un punto de vista literario, para Méndez que también se dedicó al teatro infantil. Se trata de textos la mayoría todavía hoy inéditos, pero que demuestran la amplitud de sus intereses, que abrazaron no sólo la poesía, sino también el teatro y el cine. No obstante la actividad dramática, Concha, en esos años, no abandonó la escritura en verso. De hecho, en ese periodo publicó �€�Vida a vida�€� (1932), con la que introdujo en su producción poética nuevos temas y nuevas formas, y �€�Niño y sombras�€� (1936), donde expresó todo el dolor que padeció la poeta al haber perdido el niño que esperaban ella y su marido, cuando estuvieron en Londres, entre el 1933 y 1935. De todas formas, fue en esta ciudad que Concha dio a luz a su hija Paloma y fundó con Manuel una nueva revista que tenía que hacer de puente entre la cultura inglesa y la española: �€�1616�€�, cuyo título se refería al año de la muerte de Shakespeare y Cervantes. Regresados a España en 1935, dentro del clima de fuerte tensión que precedió la Guerra Civil, los dos tomaron partido por la República. Sin embargo, estallada la guerra, vivir en el Madrid asediado por las bombas empezó a entrañar demasiados peligros para ellos. Por eso, la única solución que quedó fue buscar refugio en otros países. Y fue así que Concha volvió a la experiencia del exilio.
Se trata del último exilio, el exilio político, motivado por el cambio de régimen, después de la Guerra Civil. Fue un exilio �€�fragmentario�€�, con distintas etapas, en el cual la escritora, siempre acompañada por su hija Paloma, residió en Inglaterra, Bélgica y Francia, hasta que decidió adentrarse hasta Barcelona para reunirse con su marido, quien había permanecido en España todo ese tiempo. Sin embargo, el avance de las tropas de Franco obligó a Concha a regresar otra vez a Francia, sin su marido. Éste, una vez llegado a Francia, en medio de la confusión y desesperación, se metió en un campo de concentración. Después de haberse reunido en París, ambos pasaron los primeros meses como exiliados en casa del poeta francés Paul Eluard. Fue desde allí que, con su esposo e hija, Concha emigró primero a Cuba y después a México. Desembarcados en Cuba, los dos se encontraron con otros intelectuales exiliados, entre los cuales la filósofa española María Zambrano, quien será su compañera-de-exilio. La amistad que nació entre la filósofa y Méndez se reveló muy importante: María siempre estuvo con Concha para aconsejarla en sus trabajos y apoyarla en las circunstancias más adversas, formando una tertulia con ella y con otras mujeres, entre las cuales la poeta y narradora Lydia Cebrera. Zambrano, educada por los padres con ideas progresistas, una vez estallada la guerra, como Méndez, había colaborado de manera activa en la defensa de la República. Ante el triunfo de las tropas franquistas, María había cruzado la frontera francesa en compañía de su madre y de su hermana, iniciándose así en el largo camino del exilio, del cual no volvió hasta el año 1984. Aunque se hubiesen conocido en Madrid, fue en La Habana, ya en el exilio y con la dura experiencia de la guerra a sus espaldas, que Concha y María consolidaron su amistad y, en los cuatro años que coincidieron en Cuba, esta relación se extendió más allá del plano personal. El gran sentido ético y humano y la entereza moral que Concha demostraba con sus compatriotas en tiempos calamitosos también para ella, constituía para Zambrano una necesidad irrenunciable para el intelectual. La admiración de Zambrano hacia su amiga se tradujo, a lo largo de sus exilios, en una confidencia mutua que, en el caso de Méndez, fue decisiva para su obra posterior, que, aun sin abandonar su carácter surrealista, se hizo más profunda, reflexiva y filosófica. Lo vemos muy bien en texto teatral de Méndez �€�El solitario�€�. El acontecimiento se desarrolla en un faro, que es el lugar rodeado por el mar, de donde el protagonista (un Farero), encerrado, no puede salir. Es evidente la referencia que Concha hace a su experiencia personal. El faro es la metáfora de Cuba: rodeada por el mar, la isla es un lugar de donde la poetisa no puede salir para regresar a su país. Por consiguiente, el Farero representa la misma autora, con su carga de melancolía. Al mismo tiempo, el faro, que ilumina la oscuridad que lo rodea, también representa un lugar de salvación. Constituye un refugio desde el cual se puede esperar la llegada de un tiempo mejor. También aquí, resulta evidente la referencia a lo que Cuba representaba, en esos años, para Méndez: el lugar donde esperar un tiempo nuevo. Y el faro es también un lugar alto, elevado, que permite una vista global de lo que nos rodea: por eso representa la ocasión para ver los acontecimientos de España desde una perspectiva diferente, mejor porque más lejos. Es la mirada del intelectual: por eso, el faro representa también un lugar de conocimiento. El Farero persigue un Amor. Es un Amor lejos, que parece vivir en el recuerdo y en la nostalgia de un pasado al parecer irrecuperable. Este Amor es la metáfora de España: no la que es rehén de los franquistas, sino la que corresponde a los recuerdos de Concha, la libre. El Farero, quien refleja en su condición la de exiliado, progresivamente va tomando conciencia de quién es, dónde está y hacia dónde va. Y es ésta la condición que se manifiesta en muchos escritos de Zambrano sobre los exiliados republicanos, como su segundo libro, �€�Los intelectuales en el drama de España�€�, donde trata de explicar la esencia del pueblo español y hace una clara referencia a esta búsqueda de la identidad, el �€�nacimiento de la conciencia�€�. No es casual, entonces, que el prólogo del segundo acto de �€�El solitario�€� lo haya escrito María Zambrano: las dos, como le pasó a Concha con Consuelo Berges, se influenciaron recíprocamente hasta concebir juntas la misma creación literaria.
Cuando, en 1944, tuvo que establecerse en México, Méndez publicó �€�Villancicos de Navidad�€� y �€�Sombras y sueños�€�. Sin embargo, fue aquí donde ella y su marido se divorciaron, porque Manuel abandonó a Concha por la cubana María Luisa Gómez Mena, junto a la que poco después falleció en España en un accidente de automóvil, cuando volvían del Festival de cine de San Sebastián de 1952. Méndez, desde este momento, volvió a las mismas causas que la llevaron a su primer exilio: ser mujer con inquietudes intelectuales en una sociedad sexista que la marginaba. A partir de entonces su tercer exilio se desdobló y, al ya iniciado exilio político, se le sumó un exilio social que la sumergió en un desánimo que podrá percibirse en una obra poética que le sirve de desahogo. En esta ocasión la marginación de los círculos literarios será por parte de sus propios compañeros intelectuales, aunque es cierto que Méndez siempre contará con el apoyo de una parte de esta intelectualidad exiliada en México. Por consiguiente, su voz poética se hizo más introspectiva y encontró en la escritura un refugio donde expresar la irremediabilidad de su nuevo doble exilio. Aquí se expresó de forma madura la especificidad femenina de su obra de exiliada. El pesimismo de Méndez, derivado de su condición, encontró forma completa de expresión gracias a los consejos de María Zambrano: el encuentro entre las dos, evidentemente, no fue sólo un encuentro de mentes, sino también una solidaridad de corazones.
Concha dejó de publicar de 1944 a 1979, aunque una �€�Antología poética�€� se editó en México el año 1976. En 1979 apareció �€�Vida o río�€�. Aunque viajó a Madrid en el año 1966, permaneció en México hasta su fallecimiento en diciembre de 1986. En 1991 se publicaron sus �€�Memorias habladas, memorias armadas�€�, trascripción de unas cintas que había ido grabando para su nieta, Paloma Ulacia Altolaguirre, quien efectivamente armó el material de la memoria viva que Concha iba desgranando oralmente en su casa de Coyoacán, donde por cierto murió, el 5 de noviembre de 1963, Luis Cernuda, fiel amigo suyo que se instaló en su casa y se quedó a vivir con ella. Desgraciadamente, aún está por estudiar el teatro de Concha Méndez. Su obra poética, en cambio, está recogida en �€�Poemas 1926-1986�€�, edición preparada por el marido de su nieta Paloma, el profesor James Valender.

Chiara Matraini (1515 - 1604)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Wed, 04 Apr 2007 15:16:05 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Chiara Matraini nació en el barrio de S. Maria Forisportam, en Luca, el 4 de junio de 1515. Su padre fue Benedetto Matrini y su madre Agata Serantoni. Un año después de su nacimiento murió su padre y ella pasó a estar bajo la tutela de su tío Rodolfo. El 30 de junio de 1530, con sólo quince años, el tío de Chiara la prometió con el joven Vincenzo Cantarini y además le ofreció 300 ducados como dote. El matrimonio se celebró el mismo año. Chiara estuvo siempre muy unida a su familia y no renunció nunca, ni siquiera de casada, a su nombre.
Entre los años 1530 y 31 se desató la revuelta de los �€�Straccioni�€�, una revuelta que tuvo lugar en Luca, con el fin de que las familias carentes de ascendencias nobles pudiesen acceder a cargos públicos. Entre los cabecillas se encontraban algunos miembros de la familia Matraini (Rodolfo, Messer Luiso, Lorenzo, Filippo, Ludovico). En la represión de la revuelta los Matraini, entre otros, se vieron obligados a exiliar. Pero desgraciadamente no existen documentos que nos aporten más información sobre la familia Matraini y las relaciones entre sus miembros. La represión, violenta y cruel, dejó profundas huellas en la poesía de la escritora.
El 1 de marzo de 1533 en S. Giovanni bautizaron a su primer hijo con el nombre de Federigo. Y nueve años más tarde se quedó viuda.
Una anónima biografía, del siglo XVI, del célebre Gherardo Sergiusti cuenta la atormentada vida matrimonial de Elisabetta Sergiusti, una de las hijas de Gherardo. Es la historia de la infidelidad conyugal de Bartolomeo Graziani, marido de Elisabetta, víctima, esta última, por ello de vejaciones y abusos. A interponerse entre los dos esposos fue Chiara Matraini.

Essendo stato emancipato da Luca Graziani il ditto Fantastico, che Bartolomeo havea nome, si ritiró in una Casa assegnatali dal Padre a S. Maria Corteorlandinghi, e ivi vivendo circa all�€�anno 1547, si incominciò a innamorare di una disonesta Donna de�€� Matraini che faceva la Poetessa... [...]

La narración no proporciona un buen retrato de la poetisa describiéndola incluso, más adelante, como una prostituta de bajo rango. Se subraya también el estado de absoluto ofuscamiento mental de Graziani, y se retrata como una víctima.
Se trata de una descripción novelística, coloreada, llena de vivacidad y dramatizada por su autor. Sin embargo buena parte es verdad. La poetisa se vio implicada en un escándalo público por este episodio, que naturalmente ella vivió desde una óptica completamente diferente. Esto hizo que no se sintiese bien en Lucca y naciese en ella una relación amor-odio con la ciudad, como se lee en la carta VI: [�€�] perché a Lucca non vi torno volentieri, né mai volentieri vi stei. Muchos puntos concretos de esta historia los podemos encontrar reflejados en las Rime de la autora.
En el año 1547 Chiara se encontraba en plena historia de amor con Bartolomeo Graziani. Y es a partir de este momento cuando nacieron las relaciones culturales y mundanas que mantuvo con la juventud culta de Lucca y de Pisa además de numerosos escritores que le ayudaron a publicar sus obras. Pero antes del 1555 la historia de amor llegó a su fin: Graziani fue asesinado.
Presumiblemente hacia el año 1560, Chiara encontró quien sería su segundo gran amor, Cesare Coccapani, noble de Chipre que ejercía de �€�auditore di Rota�€� por aquel entonces en Lucca. Mantuvo con él un intercambio epistolar (una copia manuscrita está conservada en la Biblioteca Governativa di Lucca). El epistolario no está fechado pero, muchos elementos externos e internos, ayudan a situarlo entre 1560 y 1562. De Coccapani sólo se tienen noticias hasta el 1594.
En los años entre 1560 y 1565 Chiara vivió en Génova y es aquí desde donde mantuvo una causa judiciaria con el hijo; su primo y el mismo Coccapani le dieron una mano a solucionarla. Se trataba de la dote de la poetisa, que Federigo, a pesar de su gran riqueza no quiso devolver a la madre. En Génova Matraini hizo amistad con los Centurioni, sobre todo con Bettina Centurioni con quien mantuvo una fluida correspondencia, y posiblemente con algún miembro de la familia Doria.
Desde el año 1566 hasta 1575 se perdió completamente el rastro de la poetisa y a juzgar de los pocos documentos que han llegado hasta nosotros de los ambientes luqueses, es muy probable que Chiara estuviese fuera de Lucca o se encerrase en un silencio total.
El año 1576 marcó el inicio de una nueva época en la vida de la escritora. Olvidados los escándalos, comenzó a reconstruir su imagen. Hizo construir una capilla y un altar en la iglesia de Santa Maria Forisportam, en Lucca, e hizo pintar al fresco un retrato suyo como �€�Sibilla cumana�€� al pintor Alessandro Ardenti. El cuadro que tenía que ser colocado cerca del altar, al lado de la sepultura, se encuentra actualmente en el Museo di Villa Guinigi. En el mismo año redactó el primero de sus cuatro testamentos, donde, entre otras cosas, le encargó al pintor Francesco Cellini terminar su retrato.
El 9 de marzo del año 1584 el notario Taddeo Giorgi redactó el que sería el segundo testamento de Chiara. En marzo de 1604 el notario Orazio Pagnini redactó el tercero, superado por un cuarto y último documento testamentario estipulado en agosto del mismo año por Basilio Bondacca.
Chiara Matraini con ya más de 90 años, gravemente enferma, muere poco después.

Sus obras
En el año 1555 se publicó su primer libro, Rime e prose, en Luca. Se trata de la edición más completa y rica de las rimas de la poetisa. Sus rimas nos ofrecen un ejemplo de lúcida confluencia de motivos literarios y de documentos esencialmente privados. Nuestra poetisa, en el cuadro de la lírica del siglo XVI se integra en la acepción estilística en la que también se integra Gaspara Stampa con la contemplación de motivos biográficos.
Un año después sale una segunda edición publicada por Dolce y sale también una traducción del A Demonicus, una presunta obra de Isocrate. Estos años fueron los más vivaces de su vida literaria gracias también a su amistad con Lodovico Domenichi que incluyó algunas de sus poesías en la antología Rime dei signori napoletani ed altri.
El núcleo temático principal está constituido por las vicisitudes de una relación amorosa que, alejándose de los tópoi mediados por el cancionero petrarquesco, concluye con el asesinato del amado. Es muy probable que el protagonista sea Bartolomeo Graziani. Se deduce de la narración de hechos muy concretos y el uso de un lenguaje a menudo pasional.
En el año 1581 se publican las Meditazioni spirituali. Y en 1586 salen las Considerazioni sui sette salmi penitenziali.
Cuatro años más tarde, en 1890, Chiara Matraini escribe Vita della Vergine, su mejor obra de carácter religioso, que además fue reeditada muchas veces durante el Seicento.
En el 1595 Chiara vuelve a la poesía y a la escritura �€�laica�€� con Le lettere della signora Chiara Matraini e la prima e seconda parte delle sue rime publicadas por Busdraghi.
Dos años más tarde Moretti publica la edición veneciana de Le lettere della signora Chiara Matraini e prima e seconda parte delle rime. Esta obra fue una verdadera síntesis de las inusuales experiencias de su vida.
Algunas de las cartas publicadas de Chiara, en especial la correspondencia entre ella y Cesare Coccapani no nacieron para ser publicadas sino que pertenecen a la esfera privada y, como siempre en estos casos, presentan una vasta gama de tonalidades y prospectivas; disquisiciones filosóficas, referencias al mundo de la literatura y a la vida cuotidiana. En estos textos podemos encontrar al lado de la poetisa, personaje público que tiene que cuidar su fama, la mujer llena de temores y preocupaciones de cada día. El problema que en estas cartas se impone como el más urgente es la disputa con su hijo por razones económicas. La mujer, al defender sus derechos ante las exigencias del hijo, habla con una fuerza que testimonia la energía de su personalidad, casi viril, y se siente preparada para combatir por su propia victoria, ya sea por una reafirmación de principio de sus propios derechos ya sea por la obtención de una cierta independencia económica, base indispensable para la autonomía de vida. En estas cartas mujer y poetisa tienen una misma voz.
En la obra de Chiara Matraini se mezclan elementos que pertenecen a la costumbre literaria con otros más personales, como es la insistencia en la falta de libertad y la constricción entre las paredes domésticas en ocupaciones banales, que impiden a la mujer desarrollar sus dotes intelectuales: �€�essendo tenute sempre rinchiuse e ocupate in bassi esercizi�€�
En el 1604 Chiara Matraini entrega al editor su última obra en orden de aparición, aunque seguramente fue compuesta muchos años antes: los Dialoghi spirituali publicados, esta vez en Florencia, por Fioravante Prati.

Paola Masino (1908 - 1989)

martina.dethlefs@gmx.net (Martina Dethlefs) — Wed, 02 May 2007 18:44:26 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Paola Masino, quando viene menzionata nei testi di storia letteraria, appare spesso soltanto come la compagna di Massimo Bontempelli oppure come colei che si è occupata del suo archivio dopo la sua morte. Non viene presentata mai come scrittrice o giornalista quale è stata. Ne esce fuori una rappresentazione in cui mancano punti fondamentali della sua biografia ed è invece inquadrata in una tipica immagine femminile che lei stessa ha criticato durante tutto il suo percorso creativo: l�€�immagine tradizionale delle donne nella società borghese dei primi decenni del Novecento. E così è quasi dimenticata la sua opera letteraria che non merita certo di restare nascosta dietro a quella di Bontempelli. Anzi, Paola Masino può essere considerata senza dubbio una delle protagoniste fra le scrittrici italiane degli anni �€�30 e �€�40 dello scorso secolo.

Paola Masino nasce a Pisa il 20 maggio 1908 come seconda figlia di una famiglia borghese che già prima della sua nascita si è trapiantata a Roma. Cresce nel quartiere Caprera in un ambiente familiare molto affettuoso. Importante per il suo sviluppo personale è l�€�influenza esercitata dai suoi genitori, soprattutto da suo padre. La madre, di famiglia aristocratica, nutre la fantasia infantile di Paola, di cui si trovano tracce nell�€�aspetto fiabesco-allegorico delle sue opere. Da suo padre invece riceve la passione per i grandi della letteratura occidentale: fu lui a riconoscere e promuovere la vocazione precoce di sua figlia per la letteratura. Così, sotto la sua guida, Paola, già a nove anni, comincia a leggere scrittori come Shakespeare, Tolstoj e Dostojevski, interessandosi allo stesso tempo dei testi sacri occidentali nonché orientali.

A sedici anni scrive il suo primo dramma intitolato "Le tre Marie" (rimasto inedito) che lei riesce ad esporre a Luigi Pirandello. Questi, dopo averla ascoltato con una certa curiosità, le dice, come racconta la stessa Masino: �€�Sei coraggiosa. Se tu avessi saputo scrivere quello che mi hai raccontato saresti un genio.�€� (Masino, 1995). Qualche anno più tardi si incontreranno di nuovo a Parigi, dove inizierà un�€�amicizia tanto lunga quanto profonda che durerà fino alla morte di Pirandello nel 1936.

Nel marzo del 1927 Paola conosce Massimo Bontempelli (1878-1960), che già allora era uno scrittore famoso, sposato ma separato dalla moglie e di trent�€�anni più vecchio di lei. Comincia un rapporto tanto emotivo quanto lavorativo che determinerà decisamente il futuro di Paola. Poiché il loro legame è considerato uno scandalo dalle persone che li circondono, decidono di scrivere insieme il dramma "Il naufragio del Titanic" (inedito), per potersi vedere senza il sospetto degli altri.

Nel 1929, appena compiuta la maggiore età, Paola decide di trasferirsi a Parigi dove comincia a lavorare sia al "Bureau International de Coopération Intellectuelle" sia per "L�€�Europe Nouvelle" - una decisione coraggiosa vista l�€�incompresione dei genitori. Ma, decenni più tardi, lei stessa ancora commenta questa scelta in modo positivo:

�€�Quando me ne andai [...] c�€�era una saggezza che nasceva della scelta più ardua che ero stata chiamata a fare in così giovane età. Abbandonare la casa paterna dove tutto era stato innocenza e reciproco affetto, per una vita irregolare, con un uomo sposato, contro la volontà e il giudizio di tutti, in una incomprensione ostile, nutrita solo da una fede cieca nel �€�nostro�€� amore. Non mi sono sbagliata. Non potevo sbagliare.�€� (Masino, 1995)

Negli anni di Parigi, Paola fa conoscenza dei protagonisti della scena intellettuale contemporanea. Insieme a Bontempelli si muove dentro la �€�colonia�€� italiana, conoscendo Savinio, De Pisis, Chirico, ritrova Pirandello che la riconosce subito, e ha contatti anche con scrittori di altre nazionalità come Ilja Ehrenburg, Ramón Gómez de la Serna o Valéry. Con la vicinanza e l�€�influenza degli altri autori il suo stile personale comincia a maturare. Paola inizia e finisce, in pochi mesi, il suo primo romanzo "Monte Ignoso". Dopo il ritorno della coppia in Italia nel 1931 vengono pubblicati, a breve distanza l�€�uno dall�€�altro, prima una raccolta in volume di racconti, in parte già apparsi in rivista, intitolata "Decadenza della morte" presso la casa editrice romana Stock, e "Monte Ignoso" presso Bompiani. Soprattutto "Monte Ignoso" ha grande successo e vince la medaglia d�€�oro del premio Viareggio.

Negli anni successivi Paola e Massimo si dividono fra Milano, Roma e Firenze e compiono frequenti viaggi all�€�estero. Già nel 1933 Paola finisce il suo secondo romanzo intitolato "Periferia", un romanzo pieno di invenzioni fantastiche che come il precedente viene pubblicato presso Bompiani. Nonostante abbia molto successo e vinca il secondo premio del Viareggio, suscita molte polemiche pubbliche. Da allora il regime fascista terrà la scrittrice sotto osservazione. Anche Bontempelli comincia a distanziarsi dal regime, finché, nel 1938, viene sospeso da ogni attività pubblica. Poiché a Bontempelli viene imposto il confino a Venezia, fino al 1943 Paola si vede forzata a dimorare lontano dalla sua famiglia e ad assumere le funzioni della massaia nella casa veneziana. Anche se le piace essere circondata dagli amici intellettuali che frequentano la loro casa, si sente �€�intrappolata�€� nel suo ruolo nuovo e non trova il tempo sufficiente per il suo lavoro letterario. Tuttavia, nel 1940 riesce a finire il suo terzo romanzo "Nascita e morte della massaia", senza dubbio la sua opera principale, che a causa della censura sarà pubblicato in volume solo nel 1945, in pieno neorealismo. Nel 1941 esce una nuova raccolta di racconti "Racconto grosso e altri" che in grande parte già aveva scritto e pubblicato su diverse riviste negli anni precedenti. Durante gli anni della guerra continua il suo lavoro narrativo e scrive racconti che escono su riviste e giornali. In questo periodo riprende anche la sua attività poetica, già iniziata nella giovinezza.

A partire dal 1943 Paola e Massimo, dopo la loro fuga da Venezia, sono di nuovo a Roma dove devono vivere nascosti a causa della condanna a morte per Bontempelli e all�€�esilio per Paola. Le esperienze della guerra insieme alla morte dell�€�amato padre influiranno decisivamente sul lavoro creativo di Paola negli anni seguenti, in cui scriverà racconti e poemi che escono su riviste del dopoguerra. In questi anni Paola aumenta la sua attività giornalistica collaborando con riviste e giornali come con il settimanale "Spazio", dove tiene due rubriche dedicate a questioni politiche e sociali. Vuole contribuire alla �€�ricostruzione morale e civile del paese [...], ma non si sottrae al compito di formare la �€�donna nuova�€�, battendosi per il diritto di voto, il divorzio e ribadendo instancabilmente il dovere dei genitori di garantire la stessa educazione ai figli e alle figlie�€� (Bernadini Napoletano 2001). Nonostante il lavoro di pubblicista, nel 1947 esce una raccolta di liriche intitolata "Poesie", presso Bompiani, che sarà l�€�ultimo volume pubblicato dalla stessa scrittice e che conclude il suo percorso letterario.

Negli anni �€�50 Paola intensifica il suo lavoro giornalistico e realizza alcuni interventi radiofonici. Nella seconda metà del decennio comincia a scrivere dei libretti d�€�opera. Esempi della sua nuova attività sono "Vivì" scritta nel 1957, in collaborazione con Missiroli, o "Luisella" (1969) dal racconto omonimo di Thomas Mann, entrambi per la musica di Franco Mannino.

Nel 1960 muore Bontempelli e lei rimane �€�disoccupata nel mondo�€� (Masino 1995). Da allora in poi ridurrà anche le sue attività giornalistiche per poter occuparsi pienamente dell�€�archivio del suo compagno e collabora con Mondadori per rendere possibile la riedizione dei testi di Bontempelli. Continua il suo lavoro come librettista e traduce in italiano opere di scrittori francesi come Balzac o Stendhal. Dopo il suo poema "Ninna nanna", che esce nel 1966 sul periodico La Battana, non pubblicherà più opere letterarie. Durante gli ultimi anni della sua vita la sua �€�vena creativa�€� sembra esaurita, tanto che lei dirà �€�impossibile scrivere, impossibilie leggere�€� e non riconoscerà più la Paola degli anni precedenti: �€�Di questa Paola non so e non vedo nulla.�€� (Masino, 1995).

Paola Masino muore a Roma il 27 luglio 1989.

Carmen Martín Gaite (1925 - 2000)

mercedes_bergamo@yahoo.it (Maria Mercedes Gonzalez De Sande) — Tue, 30 Jan 2007 10:18:48 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Carmen Martín Gaite, una de las figuras más importantes y representativas de la narrativa femenina española, nació en Salamanca el 8 de diciembre de 1925 y allí se licenció en Filosofía y Letras, recibiendo el Premio Extraordinario de fin de carrera.
En 1950 se trasladó a Madrid, donde su amigo Ignacio Aldecoa, conocido durante su etapa universitaria en Salamanca, la introdujo en su círculo literario, en el que conoció a escritores de la talla de Alfonso Sastre, Josefina Rodríguez, Medardo Fraile, Juan Benet, Jesús Fernández Santos y Rafael Sánchez Ferlosio, que se convertirá en su marido por un breve período de tiempo y será el padre de su única hija, Marta, fallecida antes que la madre, marcando los últimos años de la vida y la obra de la escritora.
Junto con estos jóvenes y otros no mencionados, reunidos en torno a la �€�Revista Española�€� y admiradores del realismo italiano mediosecular, formará la conocida Generación del 55, Generación del medio siglo, o Generación de la Posguerra, caracterizada por la preferencia del género de novela realista en la que se mezclan el análisis introspectivo con la crítica social, comprometida con los desvalidos y con la fiel exposición de la problemática de la sociedad que les circundaba. En el caso de Carmen Martín Gaite, sus obras han destacado también por la especial atención que prestan a los problemas e inquietudes de la mujer, atención que será siempre muy admirada y analizada por numerosos estudiosos de todo el mundo, así como por la crítica feminista, que en un principio no la había acogido con buenos ojos por su �€�extraña�€� manera de defender a la mujer desde su diversidad con respecto al sexo masculino y no desde la igualdad, por la que tanto estaban luchando las pioneras feministas.
En 1972, tras una larga pausa universitaria, concluirá sus estudios de doctorado con la tesis Lenguaje y estilo amorosos en los textos del siglo XVIII español, dirigida por Alonso Zamora Vicente, y con la que obtendrá el Premio Extraordinario de Doctorado. Dicho trabajo será posteriormente publicado por la editorial Anagrama en forma de ensayo con el título Usos amorosos del XVIII en España.
Aunque, como ella misma afirma, inició la práctica de la escritura a muy temprana edad y ya durante su época universitaria había colaborado en varias revistas como �€�Trabajos y Días�€�, en Salamanca, donde publicará sus primeros poemas, y �€�Revista Española�€�, en Madrid, en la que, en 1953, aparecerá su primer cuento: Un día de libertad, su trayectoria literaria propiamente dicha comenzará en 1954 con su obra El Balneario, con la que obtuvo el Premio Café Gijón, a la que le seguirán otras de renombre como El cuarto de atrás, Entre visillos, Retahílas o Nubosidad variable, así como una larga serie de cuentos para todas las edades como Caperucita en Manhattan y La reina de las nieves.
Además de escribir novelas y cuentos, dará cierto espacio a las composiciones poéticas, que recitará, incluso, en actos públicos, y que serán recogidas, fundamentalmente, en los volúmenes A rachas, publicado en 1976, y Después de todo: poesía a rachas, publicado en 1993; asimismo escribe dos obras de teatro: el monólogo A palo seco, en 1957, y La hermana pequeña, en 1959, ambas puestas en escena en diferentes ocasiones y teatros de España; y preparará algunos guiones de cine y televisión, entre los que destacan los de las series televisivas Santa Teresa de Jesús, en 1982, y Celia, en 1989, basada en los cuentos de la escritora Elena Fortún.
Destaca por haber sido la primera mujer ganadora del Premio Nacional de Literatura con su obra El cuarto de atrás, en 1978, y por los innumerables galardones y reconocimientos que recibirá durante toda su carrera, tanto en España como en ámbito internacional, entre ellos el Premio Nadal, el Café Gijón, el Príncipe de Asturias y el Premio Nacional de las Letras por el conjunto de su obra.
Su prolífera actividad también se extiende en el ámbito periodístico, pues colaboró en diversos periódicos de renombre como �€�Diario 16�€�, �€�ABC�€�, y �€�Blanco y Negro�€�, entre otros. Asimismo, escribió diversos libros de ensayo y de investigación histórica, que obtuvieron un gran éxito de crítica y de público, preparó un buen número de ediciones críticas de autores españoles y extranjeros, y tradujo a importantes autores italianos, como Natalia Ginzburg, Ignazio Silone, Italo Svevo y Primo Levi, franceses, como Flaubert, a las prestigiosas inglesas Virginia Woolf y Emily Brontë, y a otros como William Carlos Williams, Fernando Pesoa y Eça de Queiroz, contribuyendo a la difusión de éstos y de sus culturas en España.
Intervino, además, en diversos jurados literarios y realizó un gran número de conferencias, seminarios y cursos en diferentes instituciones de España y del extranjero.
Pese a las varias tentativas de la Real Academia para que entrara a formar parte de dicha institución, precisamente por su intensa actividad y los muchos reconocimientos por parte de la crítica con los que la escritora salmantina contaba, ésta siempre declinó tal ofrecimiento, a pesar de su gran pasión por las letras.
En cuanto a su proyección internacional, cabe señalar que ha sido una de las escritoras españolas contemporáneas más estudiadas y leídas en el mundo, especialmente en Estados Unidos, Alemania, Italia y Francia, lugares donde la obra y la figura de Martín Gaite han sido siempre acogidas con gran expectación. Muchas son las traducciones que de sus obras se han hecho, así como numerosos estudios críticos, reseñas, apariciones en revistas especializadas, e, incluso, tesis y trabajos de fin de carrera. Fruto de esta acogida internacional fueron sus frecuentes viajes por muchos países del mundo para presentar sus obras, dar conferencias o seminarios, conceder entrevistas..., y en todos ellos cultivó un gran número de amistades.
Por lo que se refiere a las temáticas recurrentes en sus obras destacan la soledad y la incomunicación en las que el ser humano está sumido y la consiguiente búsqueda de un interlocutor ideal que colme el individualismo; la incomprensión y la indiferencia como motores de la vida familiar y, a raíz de ella, del resto de las relaciones sociales; las desigualdades e injusticias sociales, sobre todo hacia la condición femenina; el reflejo de las más variadas pasiones humanas; la falta de valores; el debate entre la realidad y el sueño, entre el realismo y la fantasía, entre el espacio y el tiempo; la importancia de la memoria, del regreso espiritual a las vivencias pasadas en busca de la propia identidad; el recurso a la literatura, a la intertextualidad, para expresar las experiencias narradas; la capacidad para hacer trascender en múltiples interpretaciones una situación inicial aparentemente banal; la reconstrucción de la realidad a través de diferentes puntos de vista, y el recurso a la técnica de la fragmentariedad.
Relevante es, asimismo, su interés por mostrar realidades y vivencias en las que cualquier lector pudiera identificarse, lo cual se refleja de manera fehaciente en la expresión de sus obras. La habilidad de la escritora por lo que al lenguaje se refiere consiste en saber emplear todos los recursos lingüísticos y estilísticos necesarios para dar vida a sus novelas con plena naturalidad, como si nos estuviera hablando y como si sus personajes hablaran entre sí, a la vez que comunican con el lector. Y es, precisamente, esta habilidad inimitable, ese mundo lleno de vida plasmado a través de la palabra, junto con su temática realista, con los que el lector se siente identificado, la que ha hecho de Carmen Martín Gaite una de las escritoras españolas mejor acogidas por el público y por la crítica en España y en el extranjero.
Carmen Martín Gaite falleció en Madrid el 23 de julio de 2000, a la edad de 74 años, a causa de un cáncer diagnosticado pocos meses antes, concluyendo así su prolífera y, en muchos aspectos, inimitable trayectoria literaria, dejando un valioso legado que hace de ella una de las escritoras más importantes y representativas del siglo XX español.

PREMIOS Y GALARDONES
Premio �€�Café Gijón�€� en 1954 por su novela El balneario.
Premio �€�Nadal�€� en 1957 por su novela Entre visillos.
Finalista del Premio �€�Biblioteca Breve�€� en 1963 por su obra �€�Ritmo lento�€�
Premio �€�Nacional de Literatura�€� en 1978 por su novela El cuarto de atrás
Premio �€�Nacional de literatura infantil y juvenil�€� en 1984.
Premio �€�Anagrama�€� en 1987 por su obra �Usos amorosos de la postguerra española�
Libro de Oro de los libreros españoles, en 1987, por su ensayo �Usos amorosos de la postguerra española�
Premio �€�Príncipe de Asturias de las Letras Españolas�€�, en 1988, en reconocimiento al conjunto de su obra.
Premio �€�Acebo de Honor�€�, en 1988, en reconocimiento a su obra
Premio �€�Castilla y León de las Letras�€�, en 1992, por el conjunto de su obra
Finalista del Premio �€�Nacional de Narrativa�€�, en 1992, por su novela Nubosidad variable
Premio �€�Nacional de las Letras�€�, en 1994, en reconocimiento a su trayectoria literaria y por su obra La Reina de las Nieves
Premio �€�Miguel Delibes�€�, en 1994
Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes, en 1997
Finalista del Premio �€�Fastenrath�€�, en 1997, por su novela Lo raro es vivir
Pluma de Plata del Círculo de la Escritura, en 1999
Premio de traducción �€�Ángel Crespo�€�, de la Associació Collegial d�Escriptors de Catalunya, en el año 2000, por la traducción de la obra de Charlotte Brontë: Jane Eyre
Medalla de Oro de la Villa de Madrid, en el año 2000

Biagia Marniti (1921 - )

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sun, 28 Jun 2009 18:32:21 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Biagia Marniti nace en Ruvo di Puglia en 1.921. Su auténtico nombre es Biagia Masulli y eligió este pseudónimo como ha explicado en distintas ocasiones, para subrayar su pertenencia a la árida tierra del Sur. Uniendo la primera sílaba de su apellido con la evocación de un material rocoso propio de la zona, mezcla de arcilla y cal; la "marna" (marga), fundió en un vocablo significativo su esencia individual vinculada al reclamo de su tierra, la Puglia.

En 1.938 se traslada a Roma con sus padres para poder iniciar sus estudios universitarios en la Facoltà di Lettere "La Sapienza". Son años como contará después la escritora, de reclusión voluntaria y concentración en su formación, en compañía de alguna amiga que otra, y muy consciente del sacrificio que habían hecho sus progenitores.

Roma significará para la autora desde un primer momento un lugar positivo, de apertura y de encuentros culturales y humanos. No sentirá en absoluto esa opresión alienante presente en otros escritores marcados con el estigma del exilio, ni con el síntoma de desarraigo de su tierra, sino que la integrará a sus propias raices y será la ciudad elegida para vivir, ya para siempre, salvo los años transcurridos en Sassari y en Pisa por su profesión de bibliotecaria.

Esta urbe cosmopolita, Roma, ciudad manifiestamente amada por Biagia como símbolo de vida, de contacto con el mundo, de la que incluso apreciará el ruido del tráfico como metáfora de conexión con la existencia, le irá abriendo poco a poco sus puertas, poniéndola en relación con muchas figuras y personalidades del panorama intelectual que irán desplegando su carrera como escritora.

El primero que se interesó por sus poemas fue un publicista, Roberto Bartolozzi, relacionado con amistades indirectas cercanas a su entorno familiar. Le impresionó la frescura que emanaba de sus versos y la búsqueda de la esencialidad, ofreciéndole su colaboración para publicarlos en la revista septimanal Quadrivio, en 1.942. Bartolozzi representará el primer contacto con el mundo cultural romano y el trampolín de lanzamiento al mundo literario contemporáneo hasta ese momento desconocido para la autora.

El nexo con la revista Quadrivio le permitirá descubrir a un crítico - escritor como Luigi Diemoz, al genial músico Bruno Barilli y a Cardarelli. Conocerá también al escritor Nino Savarese, al crítico de arte Enrico Maselli en un encuentro casual cuando estaba terminando la escritora su tesis en Arqueología y al escultor Aurelio De Felice. Pero ningún encuentro será tan crucial ni tendrá tanta resonancia como el de Ungaretti.

Biagia, que había leído ya a Ungaretti y conocía su profunda formación intelectual y humana, se matriculará recién obtenida su licenciatura en un curso de perfeccionamiento impartido por él en 1.943, siendo (para él) su primer año de docencia en la Universidad de Roma y aprovechando la oportunidad de la creación de la cátedra instituida por primera vez en la Universidad italiana de Literatura Moderna y Contemporánea. La autora disfrutará de todo este fermento activo de experiencia cultural que se destila en la Facultad de Letras e impregna toda la ciudad bajo el pulso de un adalid de tamaña importancia y el protagonismo de la palabra poética que se irradia con su fuerza y naturaleza misteriosa. Llevada así de un gran entusiasmo y admiración, y sobreponiéndose a su timidez, un día sin pensarlo, lo abordará en el pasillo de la Facultad y le mostrará todas sus poesías publicadas en Quadrivio. A partir de aquí surgirá un vínculo espiritual de estimación y amistad mutua que repercutirá en la reafirmación de Biagia como talento literario. Le brindará las puertas de su casa, ofreciéndole la posibilidad de asistir a las tertulias literarias allí habidas para ponerla en contacto con lo más vivo de la intelectualidad del momento: Luigi Siroli, Tanino Chiurazzi (galerista), Leone Piccioni, Sancho Penna, Ornella Sobrero o el gran Pier Paolo Pasolini. Un hito especial lo constituye la fecha del 18 de marzo de 1.948 en que la escritora es presentada a Giuseppe De Robertis a través de una nota escrita donde Ungaretti expresa su juicio de valor sobre ella, hablando de una poesía, escrita "con vero dono". La trascendencia del hecho está no tanto en los frutos de este encuentro que no fueron los esperados, sino en lo explícito del mensaje de Ungaretti como carta de presentación ya definitiva para la autora con el consiguiente reconocimiento de su valía y el respaldo cierto en el panorama literario hasta el punto que llegará a escribir el Prefacio de una de sus obras: Più forte è la vita.

Los años 43, 44 y 45 son años difíciles en que se siente la huella de la guerra. El 4 de Junio de 1.944 con la llegada de los aliados a Roma, surgirán nuevos periódicos y revistas, en un primer momento controlados por los americanos. Una revista en especial, Mercurio, fundada en septiembre de 1944 da el cariz del nuevo sentir intelectual, dirigida por Alba de Céspedes, antifascista; una revista que conjugaba la política, el arte y la ciencia, y se impregnaba del espíritu de la Resistencia. Un contexto histórico así dejará constancia en el arte y la cultura de la época que dará cabida a la representación del ambiente social, a la dimensión civil y a la diversidad de aspiraciones de todos los grupos, en especial del proletariado. La escritora se sentirá en sintonía con este concepto de cultura no consolatorio de las heridas sino de una cultura activa, implicativa, que proteja de los sufrimientos y los elimine.

Al final de la guerra, Roma saldrá fortalecida, convertida en una ciudad - símbolo, rica de iniciativas, de fermentos culturales y de energía; una ciudad nueva donde continuaba desarrollándose la actividad literaria de los artistas y escritores anteriores: Bruno Barilli, Vincenzo Cardarelli... con nuevas figuras que se añadían como Alfredo Zennaro, Blasi, Nicola Ciarletta, Marcello Pagliero, etc. Un conjunto de intelectuales de distintas tendencias: anárquicos, comunistas, socialistas, individualistas y liberales, donde se unirá ya la vena política a la creativa como sello indiscutible de una vivencia histórica insoslayable en que el compromiso se alzaba como la única respuesta. Biagia frecuentará estos ambientes y se nutrirá de la corriente "civil" más patente a medida que avanza en su discurrir literario.

En 1.947 realiza un viaje de la "jeunesse" a Praga y prolongará su estancia ayudando como peón altruistamente en esa ciudad, destruida por la guerra (prueba de compromiso vital y fidelidad a sus convicciones personales). Y cuatro años después, en 1.951 (tras la publicación de sus primeros versos, cuentos, reseñas y traducciones en distintas revistas), iniciará su auténtico debut con su libro de poemas "Nero amore rosso amore", que tuvo una acogida notable y unánime por parte de la crítica, potenciada más tarde por la reseña que el crítico literario de gran prestigio de la revista "Il Mondo", Arnaldo Bocelli hará de él en sus páginas; figura que se convertirá después en un referente importante en la vida de la escritora, surgiendo un vínculo de estrecha amistad.

Publicará después Città, creatura viva (1.956) y así una cascada ascendente de títulos irán haciendo su aparición paulatinamente confirmando las cualidades literarias de la autora, ya consagrada de una manera rotunda a través de Più forte è la vita (1.957). Después de ésta vendrían: Giorni del mondo (1.967), Il cerchio e la parola (1.979), La ballata del mare e altre poesie (1.984), Sono terra che uomo ha scavato (1.985), a cargo de Antonio Iurilli, Un suono cosmico (1.988) a cargo de Arrigo Bugiani, Il gomitolo di cera (1.990) con Introducción de Giorgio Petrocchi, Piccola sfera (1.992) y Racconto d´amore (1.994). En este mismo año se hizo una adaptación escenográfica en combinación con textos de C. Michelstaedter y de F. Vagni precisamente por el mismo Vagni, con el título de La sponda e il mare, comentada musicalmente por Antonio Amendola.

En 1.995 saldrá una antología poética con poesías recientes, Davamesc, con Introducción de T. Debenedetti, y en 1.998 La donna senza volto con tirada numerada por parte de Fabrizio Mugnaini.

La última antología L´azzurra distanza con Introducción de Tommaso Debenedetti fue publicada en Roma por Empiria (2.000).

En estos últimos años ha combinado su actividad laboral de gran prestigio como Inspectora Central en la sede del Ministerio para los bienes Culturales y Ambientales, con la de crítica y ensayista. En este ámbito ha hecho una gran contribución a los estudios sobre la Scuola romana dell´800, con especial atención a las figuras de Domenico Gnoli-Orsini y Vittoria Aganoor. En colaboración con Eurialo De Michelis preparó la edición de Arnaldo Bocelli Letteratura del Novecento, serie I y II (1.977-80) con Laura Picchiotti Il Carteggio Bocelli. Inventario (1.988), obra que despertó un interés inusitado. Y Maestri ed amici (1.994), compendio de recuerdos autobiográficos.

Es socia de la "Arcadia", y en su haber cuenta con distintos premios literarios. Recientemente le ha sido otorgado el Premio Circe Sabaudia 2.001 "Una vita per la poesía".

Perfil psicológico y concepto poético

Biagia Marniti ha sido una mujer independiente y emprendedora, vinculada a la familia, oculta en parte tras un velo de introversión, timidez y una mirada críptica (rasgos más acentuados en su juventud). Ella misma nos refiere que el propio Ungaretti la definió como una muchacha "nera", no por sus cabellos sino por esa forma de ser y mostrarse; cerrada, obstinada y orgullosa.

Y este sello de una individualidad tan "sui generis" se transfiere a su poesía que no puede ser canonizable bajo los presupuestos de orientaciones, tendencias o escuelas de una cultura oficial.

Hay desde luego, un contexto generacional de coetáneos que se relacionarán en mayor o menor medida con la escritora: el crítico y musicólogo Erasmo Valente, el profesor de literatura española conocido internacionalmente Mario Di Pinto, el también poeta Acrocca, el ilustre sinólogo Lionello Lanciotti, Armando Buratti, Renzo Vespignani y otros tantos jóvenes de talento; pero como declarará ella misma en alguna de sus muchas intervenciones en prensa, no era consciente de si compartían o no la misma experiencia inicial.

Por otra parte, como nos dirá Luigi Scorrano en la Introducción a la obra de la escritora en su libro Implacabili Indovinelli (Lecce, 2.003), esa voz que traduce una experiencia solitaria, es sólo aparente y está llena de otras voces, de reclamos en los que se capta su significado desde la distancia. La individualidad es por tanto una decisión voluntaria en que se cifra su originalidad, desmarcada de la oficialidad.

No es por tanto tampoco su poesía, un reducto de egoísmo acendrado, un refugio de un "yo" parapetado por mil barreras, sino que hay un impulso de querer traspasar la propia subjetividad, una sensación positiva y valiente fundamentada en la solidaridad y en la conciencia dolorosa del progreso que va uniformando la vida social hacia la disolución de un sentir religioso que se vuelve laico; un laicismo que la autora considera que ni siquiera tiene un valor sacro en un sentido humano y por ello, condiciona la existencia a un discurrir vital sin perspectivas, esperanzas, valores y utopías, aniquilado por la incógnita de la violencia que se alza sin tregua ni razón.

La poesía de Biagia tiende como consecuencia a un diálogo continuo aunque difícil con los demás y con la ciudad que la circunda. Esta vena social está estrechamente unida al aluvión de circunstancias históricas trascendentes que la han rodeado calando en su experiencia personal: la Segunda Guerra Mundial, el nacismo, el estalinismo, y las crisis ideológicas económicas y sociales correspondientes, fenómenos que han generado un clima de malestar y desasosiego impregnando la cotidianeidad. Hechos imposibles de soslayar para la sensibilidad de un poeta.

Su poesía revela un discurso esencial, una inquieta exploración del sentir y del comportamiento humano, y una fidelidad al compromiso de decir, que carga su palabra poética de significado. No es la suya, adscribible al catálogo lírico oficial, sino que se distingue y se aleja para no dejarse atrapar por la obediencia a un canon preestablecido, vinculándose a un proyecto que fluye del propio contacto directo y natural con la vida, de un diálogo continuo con el mundo, como nos dirá Luigi Scorrano en la Introducción a una de las antologías de la autora Implacabili Indovinelli.

Del Hermetismo ha tomado la "esencialidad expresiva", como ella misma explicará a Andrea Guastella, recogido en Il respiro della vita. Invito alla lettura di Biagia Marniti (Roma, 2.001). Esta consiste en la tensión de resolver el subjetivismo primigenio en aperturas hacia un realismo objetivo que se impregna de la vida cotidiana, incluso socialmente localizada (el pueblo llano, el proletariado, etc.) para apuntar hacia un significado que trasciende la contingencia y la propia subjetividad.

El lenguaje capaz de contener este objetivo es riguroso y selectivo, pero no rebuscado aristocráticamente ni tampoco sustraido al espacio del registro común, ya que de otro modo se rompería el diálogo con los demás y con las cosas. Caproni en "La Fiera Letteraria" (5 de Enero de 1.958) habló de la capacidad de Marniti de entrar en comunicación con el prójimo representando su singular aventura en un paisaje identificable con la generalidad de los seres humanos que sufren una experiencia de vida similar.

Las circunstancias históricas y el sentir individual están ya en equilibrio desde las primeras pruebas poéticas de Marniti. Los temas de su imaginario revelan ese carácter dialógico de su obra: el dolor, la amargura, la soledad, pero también el amor, la alegría, la fe; la angustia de vislumbrar y reconocer el mal, el miedo a la muerte pero también la fuerza en la creencia del rescate del destino humano a pesar de todo; el gozo de la tierra, de la pertenencia concreta, y de una felicidad mayor que lo engloba todo: la fe en la poesía, liberadora de los temores y opresiones. Tiene un gran significado que la última antología se cierre con una declaración de amor incondicional por la poesía misma:

" ... certo mi sento strana, fuori fase,
appartengo a me stessa
ma non posso lasciarti, poesia"

(Implacabili Indovinelli)

Lucrezia Marinelli (1571 - 1653)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Wed, 30 May 2007 01:08:44 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Italiano

Nace en Venecia en 1571, su padre Giovanni Marinelli era filosofo y médico,mientras que de su madre a penas existen referencias .De la vida de Lucrezia Marinelli la información que nos ha llegado es muy fragmentaria; se sabe que recibió una amplia educación humanística estimulada por el estudio de Aristóteles y los grandes poetas y escritores. Se casó ya a edad avanzada con Girolamo Vacca, que probablemente murió antes que ella.
Lucrezia Marinella fue una de las escritoras más prolíficas de su época y una de las pocas en afrontar el género épico.Su producción literaria estará dominada por temas espirituales : vidas e historias de santos y, mientras que su lírica se basará en temas mitológicos en los que se dejará influir por Tasso. Fue la autora de una obra imponente : el tratado La nobiltà et eccellenza delle donne, co� difetti, e mancamenti de gli uomini (1600), en respuesta a la difamación escrita por Giovanni Passi en la obra �€�I donneschi diffetti�€�, en la que enumeró las razones de la superioridad de las mujeres sobre los hombres. Escribe el poema épico L�Enrico (1635), que habla del dogo Enrico Dandolo y de la gloriosa empresa de la IV Cruzada, que le ha dado fama a través de los siglos . Siguiendo la tradición del género épico,incluye diversas historias de mujeres en su obra directa o indirectamente involucradas en la acción principal. Estos personajes femeninos se pueden dividir en dos grupos: los tradicionales que representan roles generalmente asignados a mujeres, y uno innovador que delinea figuras femeninas distintas de los estereotipos creados por la imaginación del poeta.
Muchos de sus escritos son de contenido religioso,quizás por la oleada de misticismo que invadió Venecia, entre el 1560 y el 1630 . Dedicó una particular atención a la Virgen María, sobre cuya vida Lucrecia escribe L�imperatrice dell�universo. De esta escritora se encuentran otros escritos como Amore innamorato ed impazzato (1598), Arcadia felice (1605), y De� gesti heroici e della vita meravigliosa della serafica Santa Caterina da Siena (1624),su única obra escrita enteramente en prosa.
Muere a la edad de 82 años en Venecia.

Ana María Matute (1926 - )

terlopsan@yahoo.es (Teresa López Sánchez) — Thu, 19 Jun 2008 07:14:35 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Aunque nació en Barcelona, en el seno de una familia de la burguesía catalana, se trasladó a vivir a Castilla León a pesar de que acudía a un colegio religioso en Madrid.
La infancia de Ana María Matute estuvo marcada por grandes acontecimientos que determinaron su forma de ver el mundo y entender la literatura. Buscando la inocencia de una infancia que no pudo disfrutar, sus obras son el puro reflejo del mundo a través de los ojos del niño.
A los cinco años, tras haber estado a punto de morir por una infección de riñón, escribió su primer relato ilustrado por ella misma. A los ocho, y después de padecer otra enfermedad grave, se traslada a vivir a Mansilla de la Sierra (Logroño) con sus abuelos. Tras estos acontecimientos, que ya de por sí aceleran la infancia de cualquier niño, a los diez años, Ana María vivió el estallido de la Guerra Civil Española. Esta experiencia fue la que, sin duda, marcó su carrera y estilo literario. Así, sus primeras obras narran el conflicto y la violencia desde los ojos de la niñez y la adolescencia comenzando con un gran lirismo hasta llegar a un gran realismo. Esta evolución desde el lirismo al realismo se entiende perfectamente si tenemos en cuenta que su primera obra, Pequeño teatro, fue escrita por Ana María a la edad de diecisiete años (aunque no se publicara hasta once años después).
Como ya hemos dicho, el grueso de la obra de Ana María Matute describe el mundo desde los ojos del niño y adolescente (sobre todo del niño y adolescente de la España de posguerra). Esta descripción no infantil, sino desde lo infantil, configura un universo literario completamente imaginativo, lírico, sensorial, emocional y delicado. Pero, a la vez, por tratar de los problemas del mundo, su obra supone una denuncia social. Denuncia social y mensaje poético son, por tanto, las calves de su obra.
La actividad literaria de Ana María Matute ha sido ininterrumpida y su calidad se ha visto más que reconocida. Ejemplo de su de ello son los premios y nominaciones que acumula en su historial: finalista del Premio Nadal en 1949 por Luciérnagas (obra que finalmente nunca fue publicada), ganadora de los premios Café Gijón (1952), Premio Planeta (1954), Premio de la Crítica (1958), Premio Nacional de Literatura y Miguel de Cervantes (1959), Premio Nadal (1959), Premio Fastenrath (1963), Premio Lazarillo (1965) y Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil (1984). Ha sido profesora de las Universidades de Oklahoma, Indiana y Virginia, siendo considerara la mejor novelista de la postguerra española. Es miembro honorario de la Hispanic Society of America y sus obras han sido traducidas a más de 23 idiomas. Por toda su trayectoria estuvo nominada en 1976 al Premio Nobel de Literatura y en 1966, cuando publicó su obra Olvidado Rey Gudú, ingresó en la Real Academia Española ocupando el sillón de la letra "K", convirtiéndose en la tercera mujer que ingresaba en esta institución a lo largo de sus tres siglos de historia. Tanto en Guadalajara como en Getafe hay centros de enseñanza que llevan su nombre: C. P. Ana María Matute (Getafe) e I. E. S. Ana María Matute (Guadalajara). Y a esto hay que sumarle la existencia de un premio literario con su nombre.
La mayoría de sus obras infantiles están dedicadas a su hijo Juan Pablo, fruto del matrimonio con el escritor Ramón Eugenio de Goicochea del que se separó en 1963.

Maria - Mercè Marçal Serra (1952 - 1998)

finallorca@yahoo.es (Fina Llorca) — Mon, 09 Jun 2008 20:53:58 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: catalán

Maria-Mercè Marçal, nacida en Barcelona, pasó su infancia en un ambiente rural del que procedían sus padres, en Ivars d�Urgell (Lleida). Se traslada a Barcelona para inscribirse en Filosofía y Letras. Fue allí y en los años de facultad en donde toma contacto con un ambiente de inquietudes nacionalistas y literarias al mismo tiempo, y en donde afianzará su elección de la lengua catalana como única lengua de creación y desarrollará su voluntad de actuar y significarse en los ámbitos cultural y político.

Marçal, ya licenciada en Clásicas, empieza su tarea como profesora de lengua y literatura catalanas en un instituto de Enseñanza Media, milita en un partido de inspiración nacionalista y encuentra en el feminismo un ámbito de lucha y de pensamiento en el que lo público y lo privado pueden articularse, y en el cual preguntarse por el mundo desde su propia condición de mujer.

Su primer poemario publicado, Cau de llunes (1973-1976), se presenta avalado por un prestigioso premio, el Carles Riba, que lleva el nombre del poeta catalán emblema del exilio y de la resistencia en la palabra.

En el segundo poemario, Bruixa de dol (1979), empieza a consolidar una voz poética personal y muestra ya su saber hacer poético. La autora opta por mantener las composiciones de origen popular, escritas en estrofas tradicionales, respecto a las que declara una filiación lorquiana, y prueba, al mismo tiempo, la lírica culta, en impecables sonetos en los que despliega una imaginería compleja y articulada, y una gran riqueza léxica.

Marçal se plantea, desde sus inicios, de una manera especialmente consciente e intensa, el problema de la tradición. Notando la escasez y la invisibilidad de una tradición contemporánea de autoría femenina en la que inserir su propia obra, inicia una tarea de investigación que prolongará a lo largo de toda su vida en su obra y en proyectos colectivos entre los que destaca la fundación de las escritoras del PEN catalán y la manifestación Cartografías del Deseo.

Si en los dos primeros poemarios de Marçal los temas predominantes son el amor y la amistad, la búsqueda de la identidad en relación a la identidad del otro /a, ligados estos elementos al descubrimiento de la soledad, el tercer poemario, Sal oberta (1982), a la vez que continúa indagando sobre el amor, se adentra en la poetización de experiencias consideradas como exclusivamente femeninas: el embarazo, visto como aceptación del azar y de la vida; el parto y los primeros tiempos de relación con la criatura por nacer. "Sal oberta" poetiza su propia experiencia de la maternidad asumida como proyecto global y en solitario.

El cuarto poemario, Terra de mai, por avatares editoriales, fue incorporado en un quinto libro, La germana, l�estrangera. En él se reúnen 15 sextinas. A la innovación formal se suma y se enlaza el reto de cantar, desde una voz poética femenina, la pasión amorosa entre dos mujeres. Ningún elemento léxico o morfosintàctico revela este hecho, pero en cambio es bien visible la voluntad de sexuar la experiencia amorosa en las imágenes de la poesía. La germana, l�estrangera, comprende también una serie de poemas dedicadas a la hija ya nacida y a los primeros ensayos de asunción de nuevos papeles en la relación madre-hija, nuevas identidades. Un tercer grupo de poemas cantan el abandono amoroso desde el punto de vista de la abandonada por un tú ya inequívocamente femenino. A mayor razón, la separación de la amante del cuerpo de la amada, es vista como el parto doloroso desde la vivencia de la criatura.

En este quinto poemario, aunque encuentran algunos sonetos y alguna canción popular, se ensayan estrofas de origen oriental, como el haikú y la tanka, más adecuadas seguramente al proceso de progresiva desnudez y esencialización de la poesía de Marçal. La densidad de pensamiento, siempre presente como un elemento importante en la poesía de esta autora, irá progresivamente prescindiendo del artificio de la brillantez de las imágenes y los recursos retóricos.

Cuando, en 1989, se publica la entonces obra completa de la autora, recogida bajo el explícito título Llengua abolida, se incluye en ella un poemario que quedará inédito de manera independiente hasta muchos años después, Desglaç. En un primer apartado se elabora, a raíz de la muerte del padre real, la muerte del Padre simbólico, partiendo del largo poema Daddy, de la norteamericana Sylvia Plath. Un segundo apartado, "Contraban de llum" continúa la exploración del amor entre mujeres, ya no en un tono triunfal y cósmico, de plenitud eròtica, como era el tono de Terra de mai, sinó de indagación contradictoria en la vivencia propia y en su representación social.

La obra de Marçal, interrumpida por la muerte un 5 de julio de 1998, tiene una continuidad póstuma en la publicación de algunos poemas dispersos y otros inéditos en el volumen Raó del cos (2000), preparado por Lluïsa Julià. En este pequeño poemario se incluyen poemas sobre la enfermedad y la muerte, y sobre la filiación femenina y la relación con la madre, simbólica y real. La resignificación de la pasión muerte y resurrección de Cristo es aquí resignificada desde un cuerpo y un pensamiento de mujer.

Su única novela, publicada en 1994, La passió segons Renée Vivien, es una biografía novelada de la poeta americana de expresión francesa, cantora, después de Safo, de los amores femeninos. Es también una expresión en prosa de la poética de Marçal, una base de datos de su pensamiento, elaborado de manera más sintética en la poesía, una inmersión en las dudas profundas sobre la capacidad del lenguaje poético de expresar el cuerpo y la pasión vital a través de la literatura. Todo ello, a través de una variedad de voces que hablan en tonos bien distintos y desde diferentes puntos de vista, de la poeta ausente, hasta tejer acerca de ella un tapiz variopinto y poliédrico sobre la gran desconocida que es para cualquier yo, el / la otro /a, a través del cual, y sólo así, nos es dado conocernos o aproximarnos al conocimiento de nosotros mismos.

Tradujo además a Yourcenar y Colette al catalán y, en colaboración con Monika Zgustova, a las poetas rusas Akhmátova y Tsvietáieva.

Una fundación que lleva su nombre y presidida por su hija, Heura Marçal, se ocupa de la difusión de su legado y de alentar estudios sobre su obra.

Faustina Maratti Zappi (1680 - 1745)

glaa84@yahoo.es (María Ferrand) — Sun, 20 Apr 2008 17:03:44 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: Italiano

Faustina nació en Roma en torno a 1680, hija natural del pintor Carlo Maratti, que la legitimó en 1698. En 1700, Maratti, tras enviudar, se casó con la madre de Faustina, Francesca Gommi (o Gomma). Desde su juventud, Faustina se interesó por la literatura, la música, y quizás también por la pintura, pero de esta última actividad no existen documentos. Fue retratada por su padre en un cuadro alegórico, que algunos han considerado que era en realidad un autorretrato.
Frecuentó los círculos artísticos y literarios de Roma, con los que entró en contacto a través de su padre. El acontecimiento más significativo de su juventud fue el intento de rapto por parte del joven duque Giangiorgio Sforza Cesarini, que la había conocido en la villa de los Marattini en Genzano, cerca de Roma, donde la familia pasaba el verano. Se conocían desde 1697 porque la casa de los Maratti estaba situado al lado del palacio de los Sforza Cesarini. Ofendido por un supuesto rechazo por parte de Faustina, Giangiorgio intentó usar la fuerza. La mañana del 29 de Mayo de 1703, cuando Faustina salió de su casa en Roma hacia las Quattro Fontane, acompañada por su madre y varias sirvientes para ir a misa, el duque ordenó a un esbirro que la capturara y se la llevara a la carroza donde esperaba el duque. Pero Faustina consiguió liberarse a base de arañazos y mordiscos y escapó hacia un convento cercano. Giangiorgio la persiguió y le suplicó que se fuera con él. Rechazado de nuevo, la hirió en la cara con su espada. En ese momento, llegó la madre de Faustina con ayuda y el duque y sus hombres huyeron. Temiendo la pena capital, huyó a Nápoles, por lo que fue juzgado en ausencia. Carlo Maratti acudió a Clemente XI a pedir justicia y los esbirros del duque fueron condenados, A pesar de ello, Faustina fue calumniada por los Sforza. Estas calumnias la persiguieron durante toda su vida.
El poeta Alessandro Guidi animó a Faustina a cultivar la poesía. En 1704 se convirtió en miembro de la Arcadia con el seudónimo de Aglauro Cidonia. Fue admirada por la belleza y fuerza de sus versos. En la Arcadia conoció al abogado y poeta Giambattista Felice Zappi, con quien se casó en 1705. Tuvieron un matrimonio tranquilo y su felicidad sólo se vio quebrada por la muerte de su tercer hijo Rinaldo en 1711. Esta muerte es evocada en alguno de los sonetos de la escritora.
Los Zappi tenían una lujosa casa en Roma donde no faltaba una completa biblioteca y una amplia galeria de cuadros. En su salón se reunían los mejores escritores del la época, entre los que se encontraban Crescimbeni, Guidi, Martello, Manfredi y Fanotti. Estos fueron los años más fructíferos de la actividad poética de Faustina.
En 1719, la muerte de su marido cambió radicalmente la situación, seguida de la muerte de Cesarini, que reconocía en su testamento haber tenido un hijo ilegítimo, de nombre Francisco, con una mujer "de gran calidad". Este hijo ilegítimo, aprovechando su situación, y conocedor de la historia del rapto, intentó convencer a Faustina para que reconociera ser su madre, a lo que ésta se negó. Entonces él empezó un procedimiento judicial en el que ella se defendió con energía. Faustina envió al Pontífice Clemente XII un alegato proclamando su inocencia y en 1743, tras 15 años de proceso, realizó un juramento solemne en Campidoglio tras haberse confesado ante un alto funcionario de la Curia romana en presencia de 14 testigos. En 1744 se dictó sentencia de inocencia. Según el testimonio del pintor Tommaso Chiari, Francisco era hijo de otra Faustina, una dama al servicio de la familia Sforza Cesarini.
A consecuencia de todo este proceso, Faustina, después de enviudar, empezó a llevar una vida cada vez más retirada, realizando largas estancias en Imola, ciudad natal de su esposo. Siempre fue admirada y cortejada por sus amigos literatos, pero entre 1720 y 1729 prefirió la compañía de Vincenzo Parravicini, un abad más joven que ella. En 1730 se casó su hija Livia de 24 años. Los últimos años de su vida sufrió "agotamiento nervioso". Murió en Roma el 20 de Enero de 1745, nueve días después de la boda de su hijo Luigi, nacido en 1707.

Dacia Maraini (1936 - )

patricia3198@gmail.com (Patricia Mª López Pizarro) — Tue, 26 Sep 2006 18:26:36 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Dacia Maraini nació en la toscana Fiesole, cerca de Florencia, en 1936. Era hija de Topazia Alliata, una aristócrata siciliana, y de Fosco Maraini, un conocido etnólogo que había escrito varios libros sobre el Tibet y Japón. Precisamente es a Japón donde la familia se trasladó y residió entre 1938 y 1947, lejos de la Italia fascista, que no del fascismo: la alianza nipona con Italia y Alemania, y el desafecto del matrimonio Maraini a la República de Saló los condujo junto a sus hijas en 1943 a un campo de concentración, que no abandonarían hasta el final de la guerra.
En 1946 la famila retornó a Sicilia, a Valguarnera de Bagheria, donde las niñas comienzaron sus estudios. Poco tiempo después, Fosco Maraini se trasladó a Roma, permaneciendo Topazia con sus hijas en la isla. Allí estuvo Dacia hasta cumplir los dieciocho años, fecha en que se trasladó a Roma con su padre, para continuar sus estudios y empezar a realizar pequeños trabajos de secretaria o periodista.
Tres años después, Dacia forma parte del grupo fundador de �€�Tempo di Letteratura�€�, una revista literaria editada por Tullio Pironti en Nápoles. También por entonces aparecieron las primeras colaboraciones de la joven en otras revistas similares, como �€�Nuovi Argomenti�€� y �€�Mondo�€�.
En 1962 publicó su primera novela en la editorial "Lerici", titulada "La vacanza". Unos años antes se había casado Lucio Pozzi, pintor milanés del cual se separa después de cuatro años de vida en común. Con �€�L�€�età del malessere�€�, publicada en 1963, obtuvo su primer gran reconocimiento, el premio Formentor, que otorga el Congreso Internacional de Editores.
Nanni Balestrini le pidió para la editorial Feltrinelli sus poesías, que se publicaron en 1966 bajo el titulo "Crudeltà all�aria aperta". Un año después apareció su tercera novela, �€�A memoria�€�.
Dacia Maraini empezó por entonces a interesarse por el teatro, y junto con otros escritores creó el �€�Teatro del Porcospino�€�, para representar sólo obras de origen italiano. Es el tiempo en el que conoció a Alberto Moravia, a quien estuvo unida hasta los años setenta.
En el 68 publicó "Mio marito", editado por Bompiani. El libro sobre teatro "Ricatto a teatro e altre commedie" sería publicado dos años mas tarde por Einaudi.
Fundó junto Lù Leone, Francesca Pansa, Mariola Boggio y otras, el Teatro della Maddalena, dirigido sólo por mujeres. En 1978 se estrenó "Dialogo di una prostituta con un cliente", texto que fue traducido y representado en ciudades como París, Bruselas, Londres... en total en doce paises diferentes. La novela "Memorie di una ladra" sería publicada en 1972, y en en 1973, "Donna in guerra", traducida a seis idiomas. De principios de los setenta es el texto "Maria Stuarda", representado en quince paises, y aún hoy se sigue representando. "Storia di Piera", de 1980, será la fuente en la cual se inspirará Marco Ferreri para la creación de su pelicula del mismo título.
En 1984 publicó la novela "Il treno per Helsinki", editada por Einaudi y traducida a cinco lenguas. "Isolina", editada por Mondadori en 1985, recibió el premio Fregene. Otro premio, el Supercampiello, se lo llevó en 1990 con "Lunga vita di Marianna Ucria" editado por Rizzoli. Meses después recibe el premio"Miglior libro dell�anno, Marotta, Napoli". Le siguen los premios: Quadrivio (Rovigo), Apollo (Salerno), "Reggio Calabria".
En 1991 realizó un recopilatorio de poesia titulado "Viaggiando con passo di volpe", editado por Rizzoli y premiado con el "Città di Penne". También en este año publicó en Bompiani la obra "Veronica, meritrice e scrittora", que recibió el premio "Fondi La Pastora" .
En 1993, salió a la luz el libro "Bagheria" que tuvo una rápida y buena acogida por los lectores. Le siguen "Cercando Emma" y "Voci". Una de sus más conocidas incursiones en el ensayo es "Un clandestino a bordo", escrito en 1996 en torno al tema de la maternidad y el aborto.
"Dolce per sé" se publicó en 1997, y ya va por su undécima edición. En 1998, siempre editado por Rizzoli, apareció "E tu chi eri?" un libro-entrevista sobre su infancia; y " Se amando troppo", un recopilatorio de poesia escrita entre 1966 y 1998.
En 1999 publicó "Buio", una recopilación de historias trágicas, basadas en hechos reales, y que indagan sobre "el lado oscuro" de la conciencia, sobre la soledad incolmable y sobre el dolor de las mujeres y los niños víctimas de una ordinaria locura. Traducido a tres idiomas, con este libro ganó el premio Strega y el Città di Bari.
En 2000 publicó, también en Rizzoli, "Amata scrittura", " Fare teatro 1966-2000" y "La nave per Kobe". En 2003 apareció el libro "Piera e gli assassini", escrito en colaboración con Piera degli Esposti.

Maruja Mallo (1902 - 1995)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Fri, 19 Oct 2007 18:04:22 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: español

Su nombre es Ana María Manuela Josefa Gómez y González pero todo el mundo la conoce como Maruja Mallo. Nace en Viveiro, Lugo, el 5 de enero del año 1902. Pertenece a una familia numerosa, encabezada por el matrimonio de Justo Gómez Mallo y María del Pilar González siendo ella es la cuarta de catorce hermanos. Comienza sus estudios en Avilés porque su padre, funcionario del Cuerpo de Aduanas, es trasladado a dicho lugar. Sus primeros estudios los cursa en la Escuela de Artes y Oficios y empieza a copiar las ilustraciones que aparecen en las revistas de la época. En Asturias expone alguno de sus primeros cuadros y en 1922, a los 20 años, se traslada a Madrid con su hermano, el escultor Cristino Mallo. �€�En calidad de alumna oficial becada por la Excelentísima Diputación de Lugo�€� se inscribe en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudia hasta el 1926, además de asistir a las clases a la Academia Libre de Julio Moisés.
En dicha academia, a través de su otro hermano, Justo, conoce a Salvador Dalí que la introduce en su grupo de amigos formado por jóvenes poetas y artistas, algunos de los cuales pertenecerán a la generación del 27, como Federico García Lorca, Rafael Alberti, Luis Buñuel, María Zambrano y Concha Méndez entre otros.
En estos años Maruja crea su propio leguaje artístico, atenta a los ecos de las diferentes vanguardias que empiezan a llegar a España (futurismo, surrealismo, cine) y al arte popular.
En estos años forma parte del triángulo amistoso formado por María Zambrano y la poeta Concha Méndez con las que comparte afinidades intelectuales, inquietudes estéticas y vitales. Pero comparte especial complicidad con Concha con la que vagabundea por el Madrid de los años 30 de noche y acompañadas por hombres. Las dos amigas son las primeras jóvenes en inaugurar el �€�sinsombrerismo�€�, eliminando de sus atuendos el uso del sombrero y recorriendo las calles de Madrid con la cabeza descubierta escandalizando a los transeúntes. Además de las tertulias de la Residencia, Mallo frecuenta asiduamente las de los domingos en casa de María Zambrano, siendo ella la única mujer, la del café Pombo coordinadas por Gómez de la Serna, la tertulia de Arbiz, el director de la Filarmónica de Madrid donde revolucionan a los componentes más viejos, sólo por el hecho de que dos jóvenes de buena familia salieran solas a la calle. También van al Alkázar, donde entonces se baila el charlestón, o se reúnen en el Ritz, en el Cristal Palace, en el Club del Rector, en el Florida o en las tabernas de Tetuán y Curtidores y los cafés-cantantes de la calle Jardines; a Maruja le atrae lo popular, callejero y mundano. Son los años en que Maruja revoluciona con su personalidad a quien la conoce. Una mujer que, muchos años antes de que empezara la lucha femenina por la igualdad ya la había ganado viviendo como artista.
En los años 1927-28 forma parte de la denominada Primera Escuela de Vallecas con Alberto Sánchez, Benjamín Palencia y Luis Castellanos, entre otros. Y en este mismo año se publica el texto de Franz Roh con la serie de sus Verbenas y Estampas divididas en populares, de máquinas y maquiníes, deportivas y cinemáticas.
En 1927 aborda temas recurrentes a la modernidad, pinta por ejemplo Elementos de deporte, La ciclista o Mujer de la cabra, este último durante su estancia en Canarias.
Melchor Fernández Almagro queda asombrado por su talento cuando ve sus Verbenas y Estampas y no duda en hablarle a José Ortega y Gasset de sus obras; éste le ofrece los salones de la Revista de Occidente para que presente su primera exposición, en la primavera de 1928 (primera y única exposición que realizó esta revista). Exhibe diez óleos que representan poblados llenos de sol, toreros y manolas, estampas coloreadas de maquinarias, deportes con mujeres atléticas y cine. La exposición es todo un éxito y gracias a ésta Ortega la introduce en su selecto círculo. Se convierte así en una de las protagonistas de España. Por aquel entonces su obra seguía la línea de la nueva objetividad o realismo mágico. Algunos califican su pintura como perturbadora y colorista y no ven lo cargada que está de ironía.
Durante esta década trabaja para numerosas publicaciones literarias como �€�La gaceta literaria�€�, �€�El almanaque literario�€� o la �€�Revista de Occidente�€� y realiza portadas para numerosos libros.
A finales de 1928 pasa por una etapa de inflexión y acercamiento al surrealismo fruto de su relación personal con Alberto Sánchez y Benjamín Palencia, con quien recorrerá los paisajes desoladores y duros de las afueras de Madrid, las zonas donde termina el urbano y empieza el rural. Este tipo de paisajes dan lugar a la serie �€�Cloacas y Campanarios�€�. La pintura de esta etapa es desgarradora y tremendista, actitud que suaviza con el paso del tiempo.
En el año 1930 ilustró con Dalí y Ángeles Santos artículos para El Robinson.
Conoce a Rafael Alberti en el año 1925, poco después de que éste recibiese el Premio Nacional de Literatura por �€�Marinero en tierra�€�. Se enamoran y colaboran artísticamente hasta el año 1931; Maruja crea los decorados del drama �€�Santa Casilda�€�, deja testimonios en los libros �€�Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos�€� y en �€�Sermones y moradas�€�.
Poco después viaja a París, acompañada por su padre, con una pensión de la Junta de Ampliación de Estudios, su primera exposición se realiza en la Galería Pierre Loeb y su obra causa sorpresa entre los surrealistas. En la ciudad francesa conoce a André Breton y Paul Éluard quienes le proporcionan unos buenos contactos como René Magritte, Max Ernst, Joan Miró, Giorgio de Chirico, Jean Cassou, Picasso o Louis Aragon.
Cuando vuelve a España, a finales de 1932, participa activamente en la Sociedad de Artistas Ibéricos. Por aquellos años ya es conocida en los ambientes intelectuales y el gobierno francés le compra uno de sus cuadros para exponerlo en el Museo Nacional de Arte Moderno. Su vuelta le supuso un nuevo giro en su estilo, su pintura cambió radicalmente y alcanzó la maestría, tanto que el mismo Breton le compra en este año el cuadro titulado �€�Espantapájaros�€�, obra llena de espectros que hoy es considerada una de las grandes obras del surrealismo y que pertenece a la serie �€�Cloacas y Campanarios�€�. De esta época son sus cuadros �€�Espantapeces�€� de 1929, �€�Antro de fósiles�€� de 1931 y �€�Espantapájaros�€� de 1930, entre otros.
Estudia matemáticas y geometría para aplicarlas a sus lienzos y cerámicas, afirma su interés por la creación de un lenguaje universal basado en los principios de la geometría que tiene su correspondencia con los principios constructivos de Torres-García. De aquí sus nuevas series �€�Arquitectura minerales�€�, inspiradas en piedras, y �€�Arquitecturas vegetales�€�, llenas de frutas extrañas.
En esta época combina su trabajo artístico, realiza viñetas para la Revista de Occidente y otras revistas, con una intensa actividad de compromiso con la República.
Ejerce como profesora de Dibujo en el Instituto de Arévalo y en la Escuela de Cerámica de Madrid, para la que diseña una serie de platos que se destruyen durante la guerra.
También en febrero de 1935 entra en contacto con el poeta Miguel Hernández en casa de Pablo Neruda. Juntos pensaron el drama �€�Los hijos de la piedra�€� y se aprecia la influencia de Mallo en numerosas composiciones y 18 de los 30 poemas de �€�Imagen de tu huella�€�.
A partir del 1936 empieza su etapa constructiva y en mayo de ese mismo año tiene lugar su tercera exposición individual organizada por ADLAN en el Centro de Estudios e Información de la Construcción en la Carrera de San Jerónimo de Madrid con la serie de 16 cuadros de �€�Cloacas y Campanarios�€�, la serie de 12 obras de �€�Arquitecturas minerales y vegetales�€� y 16 dibujos de Construcciones rurales que publica en 1949 la Librería Clan con un prólogo de Jean Cassou. La exposición la preside su obra Sorpresa del trigo, obra con la que empieza su etapa muralista y revolucionaria que prosigue en el exilio. Ésta es la última obra que Maruja pinta en España antes de su exilio, la pinta en 1936 y está inspirada en los trigales de la estepa castellana: �€�el trigo es el símbolo pánico del mundo�€�, escribe la pintora.
En este año también funda en Madrid el salón �€�Amigos de las Artes Nuevas�€�, que se inaugura con Picasso. Realiza, en el 1935, los figurines y decorados de la ópera bufa del músico Rodolfo Halffter, el espectáculo �€�Clavileño�€� en el Auditorio de la Residencia de Estudiantes de Madrid.
Cuando empieza la guerra civil ella se encuentra en Galicia con las Misiones Pedagógicas y allí permanecerá unos meses antes de bajar a Portugal y viajar a Argentina. Con la invitación a dar una conferencia en Buenos Aires llega su oportunidad de viajar fuera de España, gracias a su amiga Gabriela Mistral, embajadora de Chile en Portugal, se embarca en la aventura del exilio.
En el año 1939 publica su primer libro �€�Lo popular en la plástica española a través de mi obra�€� y empieza a pintar especialmente retratos de mujeres, su estilo es precursor del arte pop estadounidense.
En Buenos Aires produce Canto de espigas y los viajes a Chile y costa del Pacífico encadenan su etapa marina. La Serie Marina son armonías lunares, en colores plata y gris. La influencia del sol daría lugar a la Serie Terrestre, armonías solares, en ocres y dorados. En la serie de Cabezas y Máscaras, la pintora se inspira directamente en cultos afro-americanos como por ejemplo el Vudú.
Entre 1945-1957, Maruja Mallo tiene un periodo oscuro; sus apariciones públicas y sus exposiciones también son más raras, pero de este periodo se puede destacar su viaje a la isla de Pascua en compañía de Neruda. Parece ser que esta estancia influyó en el esoterismo que caracterizó su obra posterior.
Viaja a Uruguay, Bolivia, Brasil y Nueva York donde conoce a Warhol.
En 1964 regresa a España y cierra un capítulo de su vida. Pero aquellos que fueron sus contemporáneos o bien están muertos o siguen en el destierro. Se instala primero en el hotel Palace y después en un apartamento de la calle Claudio Coello y pinta viñetas para la Revista de Occidente.
En el año 1979 empieza su última etapa pictórica con Los Moradores del vacío, obras pintadas durante los años setenta, y una serie de ocho litografías, homenaje a la Revista de Occidente. Ya tiene 77 años, pero conserva su vitalidad de siempre.
Su obra es cada vez más valorada por los críticos y galeristas, especialmente por la crítica española más joven, que ven en ella la encarnación de una vanguardia oculta por el franquismo. Con la muerte de Franco llega su reconocimiento y su culminación con la Medalla de Oro de Bellas Artes en 1982, una exposición antológica que le dedica en 1993 el Centro Gallego de Arte Contemporánea y el Premio de Artes Plásticas de Madrid.
Muere en Madrid el 6 de febrero de 1995 con 93 años en la residencia de ancianos Menéndez Pidal de Madrid.

Marisa Madieri (1938 - 1996)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sat, 10 Jan 2009 11:47:58 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Marisa Madieri nació en Fiume en 1938 siendo todavía esta ciudad italiana. Tras la Segunda Guerra Mundial, la Yugoslavia de Tito recuperó tierras perdidas, y anexionó otras en las que vivían italianos como, Istria y Fiume (actualmente Rijeka, en Croacia). Llegado un determinado momento se les obligó a sus habitantes a tomar una decisión sobre su nacionalidad: seguir siendo italianos o adquirir la impronta de su nueva identidad como "yugoslavos". La mayoría decidió seguir siendo "italianos" emigrando a Italia y sufriendo por ello las consecuencias de una acogida fría por parte de sus propios compatriotas, y además, una serie de penalidades y arideces que constituyeron una especie de duro exilio en su propio país.

Marisa vive en primera persona esta clave encrucijada histórica y se ve forzada a huir con su familia hacia Trieste, junto con otros 300.000 italianos. Por segunda vez, sentirá la escritora la sensación de desarraigo, arribada a una ciudad lacerada y marcada por las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial: dividida en dos zonas y entregada a la administración provisional de las Naciones Unidas. Cuando en 1954 Trieste tornará a la soberanía italiana, buena parte de su zona de influencia, era ya yugoslava.

Por otra parte y en un sentido positivo la experiencia vivencial de la autora en Trieste (ciudad donde estudió, se formó y pasó toda su vida); ciudad neutra y de frontera, con ecos de un grandioso pasado habsbúrgico, cosmopolita y de idiosincrasia múltiple, le supuso un enriquecimiento profundo en contacto con una diversidad cultural extensa; raíces distintas: croatas, italianas, eslovenas, germánicas; confluencia de lenguas diferentes; espiritualidad expresada a través de religiones varias: católica, serbo-ortodoxa, judía, evangelista, greco-ortodoxa, ... unicidad y pluralidad conviviendo en un difícil equilibrio; heterocosmos que después descubrirá también como definidor de su propia identidad individual. Y así, al trasladar a sus escritos su propia historia personal y la de su familia, redescubre las raíces en parte "eslavas", y "húngaras" de su familia; y el hecho de no ser exclusivamente italiana le hace adquirir un sentimiento de especial cercanía y afecto, de complementariedad en relación con el mundo eslavo, e incluso en una proyección más amplia, "centroeuropeo". Y prueba de ello, es que años más tarde reemprenderá el aprendizaje del croata, iniciado en los años de infancia en las escuelas de Fiume.

Trabajó en un primer momento en las Assicurazioni Generali. Fue después profesora de inglés y una mujer comprometida con la sociedad de su tiempo. Publicó diversos trabajos sobre la liberación de la mujer, el aborto y la pobreza, colaborando en muchas causas en defensa de la vida.

El rasgo que quizás mejor la defina como persona, sea ese sentido de universalidad humana; ese sentido de conciliación de lo heterogéneo como producto de esa conciencia de una identidad múltiple y que salta también a sus páginas como escritora en ese desfile de personajes próximos y extraños a la vez, pero henchidos de humanidad a pesar de la circunstancia histórica que les ha tocado vivir.

Su obra breve pero intensa, además de sus inestimables cualidades literarias está connotada de múltiples valores sociales y existenciales. La crítica ha tildado su estilo de diáfano y transparente, con una rotundidad y verticalidad que sondea los más mínimos resquicios de una realidad poliédrica, haciendo suyo el lema nietzscheano "somos profundos; volvamos, pues, a ser claros"; profundidad además que se desliza con una delicadeza suma en el tratamiento de los mínimos detalles o en el de presentar el lado más cruento de la existencia humana con esa tensión que crea el latido del "non detto", de sugerir más que de decir, soslayando la carga pesada de los hechos más explícitos.

La muerte segó la vida de esta escritora tardía pero intensa en 1996, víctima de un tumor con el que había convivido hacía ya años y que condicionaría también el propio concepto ontológico de la vida y de la muerte. Su pérdida dejó un hondo desconsuelo en su marido, el también escritor Claudio Magris, que se sumió en una depresión de 5 largos años, tal era la unión y reciprocidad tanto en el ámbito humano y de amor conyugal, como en el literario y artístico en que compartían gustos, afinidades y consejos.

Alessandra Macinghi Strozzi (1406 - 1471)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Wed, 30 May 2007 01:15:49 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: Italiano

Nacida en Florencia en una familia de comerciantes, desciende, por parte materna, de la noble familia de los Alberti. A los dieciseis años se casa con Matteo di Simone Strozzi, comerciante y hombre de letras, que pertenecía a una familia noble florentina, los Strozzi. En 1434 se le acusa de oponerse a los Medici y es condenado al exilio, y Alessandra lo siguió , con sus ocho hijos. Al año siguiente el marido y tres de sus hijos murieron, dejando a la joven viuda sola a cargo de una familia tan numerosa. Para poder pagar las deudas se vió obligada a vender y alquilar gran parte de sus propiedades, y a entrar en el comercio de algunos bienes , avituallamiento y alimentos.
Pero la vida de Alessandra no había terminado de ponerla a prueba, conforme sus hijos iban creciendo y llegaban a la adolescencia tenían que marchar al exilio por herencia paterna.. Además, una ley florentina del 1458 alargó el período de exilio de cinco a veinticinco años.
Desde aquel momento inició la misión de su vida : acabar con el exilio que se había impuesto a su familia . Utilizó a sus conocidos : amigos de familia, embajadores, sñores locales de Florencia, Nápoles y Milán. Trató de casar a sus hijos con mujeres florentinas y buscó maridos adecuados para sus hijas.
Cuando por fin, en 1466, el exilio fue revocado, dos de sus hijos aún en vida regresaron a Florencia, y pudieron recuperar una porción de relieve en la vida social de la ciudad. Así ,gracias a los inmensos esfuerzoa de su madre, por mantener las relaciones de la familia Strozzi con el resto de los señores italianos, los hijos de Alessandra consiguieron congraciarse con Lucrezia Tornabuoni y su hijo Lorenzo il Magnifico.
A esta mujer excepcional le corresponde también el mérito de ser la autora de la primera colección epistolar en italiano escrita por una mujer.

Alessandra Macinghi (1407 - 1471)

marihuANALOK@hotmail.com (Ana De Zayas-enriquez) — Tue, 29 May 2007 10:36:58 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Toscano

Alessandra Macinghi nació en Florencia en 1407 y en 1422 se casó con Matteo Strozzi. Su tranquila vida se vio cambiada cuando de forma inesperada exiliaron a su marido a Pesaro ya que era adversario de los Medici. Al quedarse viuda y con siete hijos, vuelve a Florencia y se ocupa de administrar el patrimonio familiar. Cuando en 1458 también sus hijos varones son exiliados de la ciudad, consigue tener a su familia unida a través de una intensa correspondencia epistolar. Murió en Florencia en 1471.

Dulce María Loynaz (1902 - 1997)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Fri, 01 Oct 2010 09:10:54 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

María Mercedes Loynaz Muñoz o Dulce María Loynaz nace en la Habana el 10 de Diciembre de 1.902. Su padre era general del Ejército Libertador de Cuba, Enrique Loynaz del Castillo, que compuso el famoso Himno Invasor, y su madre atraída siempre por actividades artísticas como el canto, la pintura y el piano que practicaba con pasión pero como aficionada, fomentarían en Dulce un amor profundo por la poesía. Gozó por tanto de una educación privilegiada al igual que su hermano, el también conocido poeta Enrique Loynaz Muñoz, a cargo de tutores privados selectos hasta llegar a la Universidad de La Habana donde se doctoró en Derecho Civil en 1.927, profesión que ejerció sin satisfacerle por completo hasta 1.961, vinculada siempre al ámbito familiar.
Pero ya desde 1.919 han ido apareciendo publicadas algunas de sus primeras poesías: �€�Invierno de almas�€� y �€�Vesperal�€� en el periódico La Nación, que da inicio a su auténtica carrera vocacional: la literatura, que con el tiempo irá desplazando a otras actividades menos significativas. A partir de los años 20 se incrementará su producción con Versos (1.920

Dulce María Loynaz (1902 - 1997)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sun, 03 Oct 2010 12:14:21 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español

Amparo López Del Baño (1800 - 1891)

argatea@hotmail.com (M.ª Jesús Soler Arteaga) — Sat, 06 Jan 2007 17:44:10 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Español

Los datos conocidos sobre esta autora son muy escasos, su imagen y su obra pasaron desapercibidas para sus contemporáneos y para la historia de la literatura. Tal vez influyó en ello que la relación que esta autora mantuvo con los a círculos literarios, especialmente con la escuela sevillana fuera de amistad, puesto que durante su vida Amparo López del Baño y Alfaya no se presentó a concursos, no participó con sus poemas en los periódicos y no dio su obra a las prensas sino después de su muerte. Pese a que afamados autores la animaron a ello, entre los que destacan Martínez de la Rosa, Quintana, Ayala, Zorrilla y Alarcón .
Nacida en el primer tercio del siglo XIX, Amparo sabía que sus poemas no serían comprendidos por sus contemporáneos, no solo por la censura a la que la sometería sociedad de su tiempo por ser �€�poetisa�€�, sino también y mucho más probablemente porque sabía que la expresión sincera y abierta de sus sentimientos amorosos no se encontraba dentro de las estrictas formas que la sociedad marcaba para una mujer.
Adelantarse a su tiempo tendría un coste mayor del que ella podía o quería pagar y por ello se censuró y no permitió que su obra viera la luz hasta después de su muerte. La publicación se la dejó encargada a D. Santiago López Moreno que 1892 se ocupó de la preparación del volumen y del prólogo en él daba noticia de la autora y trataba de explicar el motivo por el que no quiso que los poemas en los que exponía los deseos de su alma estuvieran al alcance del público:

Difícilmente puede pintarse con más sencillez, con más verdad, con más vivos colores lo que hace falta a una mujer amante, que no ha realizado nunca su amor en este mundo; ¡un alma! Pero como por aquí no andan las almas sin la envoltura corporal quien pedía un alma pedía también un cuerpo, y como es sabido que en el amor no impera la ley de los semejantes siendo cosa notoria que la oposición de los contrarios produce la armonía, bien se refleja en tan sentido lamento el vacío insustituible del amor humano que en su alma sentía (1892: 10).

Estas palabras del prologuista se unen a las de Amantina Cobos de Villalobos cuando indica que fue una mujer de talento extraordinario muy culta con conocimientos de historia, astronomía, filosofía y ciencias morales que hablaba inglés, francés, alemán e italiano y que se trató de un espíritu que encarnó en época distinta a la suya y por tanto la sociedad no pudo aprovecharse de su aportación:

Si hubiese nacido en los siglos XVI o XVII, su malogrado amor la habría llevado al claustro, y allí en mística poesía, se hubiese evaporado el dulce fuego de su alma; perteneciendo a época más actual, brillaría en las altas esferas de la literatura, ahogando su dolor entre los aplausos de sus admiradores y el torbellino de la vida moderna.
Pero nació a principios del siglo XIX, en ocasión poco propicia para explayar su espíritu con filosofías un tanto panteistas, que hubiera escandalizado oír de labios femeninos... (Cobos, 1917: 64).

La vida de esta autora permaneció en el olvido hasta 1917, fecha en la que Amantina Cobos preparó este volumen acerca de sevillanas ilustres prologado por D. Santiago Montoto que se refirió brevemente a algunas de ellas. Concretamente de la autora de Poesías (1892) decía: �€�Amparo del Baño, ignorada en vida y glorificada en muerte, aquejada del mal de la duda, ese gusano roedor que se halla en el fondo de todo conocimiento humano�€� (Cobos, 1892: 10). En las páginas dedicadas a su semblanza Amantina decía que los datos biográficos acerca de la poeta los había recibido gracias a la bondad de una ilustre dama y de un insigne literato, cuyos nombres no menciona, aunque sí hace referencia al hecho de que sus poemas amorosos no son una recreación literaria sino que obedecen a un hecho real. Amparo vivió una pasión real y correspondida, pero desgraciadamente él murió y ella se retiró a su casa de San Juan de Aznalfarache donde se dedicó a escribir.

Leonor López De Córdoba (1362 - 1430)

jfelixbellido@yahoo.es (Juan Félix Bellido Bello) — Fri, 13 Oct 2006 03:32:29 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Castellano

Contrariamente a lo que dice la Crónica de Juan II, Leonor López de Córdoba, no nació en Córdoba sino en Calatayud y, precisamente, en casa del rey Pedro I de Castilla, como afirma ella misma en su obra. Entroncada, pues, con la realeza, fueron sus madrinas las hijas de éste. En la corte real vivió su madre y en la corte real vivió ella misma. Su nacimiento se fecha en el año 1362 o comienzos de 1363. Era hija del Maestre de Calatrava y Alcántara, Martín López de Córdoba. Descendía éste de la casa de Aguilar y era sobrino de don Juan Manuel. La madre de Leonor, Sancha Carrillo, era sobrina de Alfonso XI de Castilla, padre de Pedro I.
A pesar de este emparentamiento de la familia Carrillo con la casa real, a consecuencia de los abusos perpetrados por el monarca, ésta se pasó al bando de los Trastámara. A los siete años �€"edad prevista para el noviazgo en las Siete Partidas de Alfonso X el Sabio�€" su padre la promete en matrimonio. A los doce se daría por hecho el matrimonio con el prometido: Ruy Gutiérrez de Hinestrosa. Es hijo del camarero y canciller del monarca y mayordomo mayor de la reina, y de María de Haro, señora de Haro y de los Cameros. Circunstancias todas ellas que determinarán los acontecimientos que van a sucederse en su vida. Con su prometido va a vivir al Alcázar de Carmona donde se ha hecho fuerte su padre con los partidarios del asesinado rey Don Pedro I. Esta circunstancia determinará el futuro de Leonor de manera dramática.
Como decíamos, Pedro I es asesinado en Montiel (1369) y subirá al trono de Castilla Enrique de Trastámara. A raíz de este luctuoso hecho, como relatan tanto las Crónicas como las Memorias, su padre, el Maestre, con los partidarios del rey asesinado, se harán fuertes precisamente en Carmona, quizás entendiendo que aún no estaba todo perdido o por salvar el tesoro real y a los descendientes de Pedro I. Enrique II, tras meses de asedio pactará con ellos la rendición para después incumplir los acuerdos y decapitar al padre de Leonor. Ésta, junto con su prometido, sus hermanos y sus cuñados, será encarcelada en las Atarazanas sevillanas por orden del rey.
La infancia de Leonor López de Córdoba está marcada por la tragedia. Su padrees condenado y muere decapitado en la Plaza de San Francisco, de Sevilla. Su adolescencia y su juventud no van a ser menos dramáticas: el rey confisca sus bienes y los de su esposo. Ella tiene a la sazón poco más de ocho años. Encerrada en las Atarazanas sevillanas, pasará encarcelada ocho años, junto con los demás miembros de su familia, sobreviviendo sólo ella y su esposo a las enfermedades y a las penalidades del encierro. Son tiempos oscuros para el reino, que vive una tras otra las epidemias de peste más terribles de su historia. Libre ya, tras la muerte de Enrique III en 1379, pero despojada de todos sus bienes, a este período no ciertamente fácil, le sigue un período de calamidades que Leonor soporta con fortaleza, y cuya narración va a ser uno de los capítulos centrales de su autobiografía.
Tras la liberación, su marido reclama derechos y posesiones sin éxito, según relata ella misma. Pero parece que nadie está dispuesto a devolverle nada. Su marido vuelve entonces con Leonor, después de siete años fuera, a Córdoba, donde ella vive en casa de su tía
Comienza así un itinerario vital, magistralmente narrado por ella misma, y una paulatina consolidación del maltrecho patrimonio familiar. De todo ello se va a ocupar en su relato. Acabará este período �€" que en las Memorias se cierra con la muerte de su hijo Juan Fernández de Henestrosa, a causa de la pestilencia reinante�€", volviéndose a sus casas de Córdoba. Allí escribe sus Memorias y tras conseguir diferentes favores reales, obtiene la amistad y cercanía de la reina y posteriormente ir a vivir a la Corte, convirtiéndose en valida de Catalina de Lancaster, una de las nietas de Pedro I, hija de una de las Infantas �€"Constanza- con las que se había criado. Arranca aquí una etapa de vida en la corte en la que va a ejercer su influencia y va a conocer todos los entresijos de las intrigas palaciegas y de la política castellana del momento, terminando por ser víctima de ésta. En 1412, cuando Leonor tenía ya cincuenta años, cambia su suerte, pues la reina acaba por alejarla de su lado.
En la corte, junto a la reina Catalina de Lancaster, Leonor va a desempeñar un cometido de suma importancia. Su poder se convierte en blanco de los ataques del propio corregente don Fernando de Antequera. La situación se hace muy tensa, llena de intrigas. Los tiempos no estaban como para consentir tamaña influencia femenina en la política de Castilla y el momento histórico (no podemos olvidar que estamos a comienzos del siglo XV) no va a permitir un mayor desarrollo de su influencia y de su actividad junto a la reina Catalina de Lancaster en su calidad de consejera y amiga. En consecuencia, la historia acabará con que el trabajo del Infante por desproveer de su círculo más cercano a la reina, va a afianzarse y a triunfar. Y una de las consecuencias de esta acción política será que aquel amor declarado de la reina Catalina hacia Leonor, terminará rompiéndose. Pasa de un profundo y ostensible amor a una visceral animadversión.
Los acontecimientos políticos del momento en torno a Catalina y en torno a Leonor, así como las actuaciones de algunos nobles y del propio Don Fernando, crean una serie de situaciones que van a ir produciendo que la reina despache de la corte a Leonor López de Córdoba con la seria amenaza de que si volvía �€�la mandaría quemar�€�.
Así es como en aquel período tempestuoso de la historia de Castilla, Leonor López, vejada y desposeída de su influencia y de la amistad de Catalina, vuelve a Córdoba. El favor de la reina se ha alejado para siempre. En Córdoba vivirá el resto de su vida y allí morirá 1420 y será enterrada, en la capilla que ella misma hace construir en 1409 para enterramiento de su padre, en la Iglesia de San Pablo, entonces convento de Predicadores. Allí se encuentran aún sus restos.

María De La O Lejárraga (1874 - 1974)

marina.bianchi@unibg.it (Marina Bianchi) — Wed, 13 Dec 2006 07:30:09 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Castellano

María de la O Lejárraga (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874 �€" Buenos Aires, 1974) adoptó y conservó durante toda su vida los apellidos del marido, Gregorio Martínez Sierra. Además de los apellidos, guardó siempre en su corazón cierta dependencia �€�moral�€� del él. La mayoría de sus obras, como han señalado muchos estudiosos de la autora, llevan el nombre del esposo y en algunas aparecen los dos. María sólo firmó unas traducciones, los volúmenes de prosa �€�Cuentos breves�€� (1899), �€�La mujer ante la República�€� (1931), �€�Una mujer por caminos de España�€� (1952), �€�Viaje de una gota de agua�€� (1954), �€�Gregorio y yo (medio siglo de colaboración)�€� (1953), y la colección de obras teatrales �€�Fiesta en el Olimpo�€� (1960).
María Lejárraga vivió una vida intensa. Nació en San Millán de la Cogolla el 28 de diciembre de 1874, en una familia culta. Estudió en la Escuela Normal y luego empezó a trabajar como maestra en un barrio obrero de Madrid, en el que conoció la pobreza a través de los cuentos de sus alumnos. En 1897 se enamoró de Gregorio, un amigo de sus hermanos a quien conocía desde hacía años, y que compartía con ella el interés por la literatura y sobre todo por el teatro. Ya antes de casarse, los dos emprendieron una relación que dio como resultado la publicación de obras compuestas en común: �€�El poema del trabajo�€� (1898), �€�Diálogos fantásticos�€� (1899), �€�Cuentos breves�€� (1899), �€�Flores de escarcha�€� (1900) y �€�Almas ausentes�€� (1900). Tras la boda, en noviembre de 1900, María y Gregorio vivieron años felices, escribiendo prosa y teatro, y frecuentando los ambientes literarios y artísticos europeos. En 1905 María pidió una beca para estudiar psicología en París, porque su marido padecía de tuberculosis y los médicos le habían aconsejado que buscase un clima más cálido que el de Madrid. A la estancia francesa siguió una temporada de viajes por Europa, antes de que la pareja volviera a España para ocuparse de la carrera teatral.
En 1907 Gregorio conoció a Catalina Bercena, una actriz cubana con la que formó su compañía teatral en 1915 y que logró conquistarlo. El escritor mantuvo la apariencia de un matrimonio normal hasta 1922, año en que nació su hija con la actriz; Lejárraga parecía aceptar la situación, a pesar de su sufrimiento. María fue víctima de la traición y del abandono de un marido siete años más joven que ella, pero siguió escribiendo comedias y ensayos que él firmaba y representaba con su nombre. Lejárraga empezó a dedicarse al movimiento feminista y participó en las asociaciones femeninas que promocionaban la educación de la mujer. En 1925 la compañía teatral de Martínez Sierra emprendió una gira por Europa y América. María dependía del dinero que Gregorio le enviaba de manera irregular a cambio de sus comedias.
Durante la ausencia del marido, la escritora se dedicó al activismo feminista: participó en el Lyceum Club entre 1926 y 1936, y fundó la Asociación Femenina de Educación Cívica en 1931. El mismo año se acercó a las ideas progresistas y entró a militar en las filas del Partido Socialista Obrero Español, lo que luego la llevó a ser víctima de la represión del franquismo y del nazismo, que la obligaron al exilio. Al estallar la Guerra Civil, María fue enviada a Suiza, pero al caer la República tuvo que irse. Se fue a Niza, donde tenía una casita para pasar el invierno. Gregorio, tras una breve estancia en España, se había ido a Buenos Aires y enviaba dinero de modo irregular, hasta que murió de cáncer abdominal en 1947.
La muerte del marido coincidió con una temporada de silencio de la escritora, debida a las cataratas que no le permitían ver. En 1948 María emprendió otra vez su labor creativa, y tuvo que empezar a usar su nombre y establecer su autoría de las obras anteriores, para cobrar los derechos de autor. Además de la pérdida de Gregorio, tuvo que enfrentarse a la derrota de la España republicana, que era para ella el final de un ambicioso proyecto, la desaparición de una comunidad política con la que se había ilusionado y la pérdida del hogar al que no podía volver. Por supuesto, su visión del mundo se había vuelto más amarga, y las obras de la segunda mitad del siglo reflejan su espíritu herido.
En 1950, María vendió la casa de Niza para irse a Nueva York y luego a Hollywood, donde fracasaron los intentos de que aceptaran sus cuentos y comedias. Se fue entonces a Méjico, y al final a Buenos Aires, donde vivió los últimos veinticuatro años de su vida, escribiendo libros, traduciendo comedias, y trabajando para periódicos, revistas y emisoras de radio. La producción literaria de los años en Buenos Aires incluye �€�Fiesta en el Olimpo y otras diversiones menos olímpicas�€�, el único volumen de teatro firmado por María y redactado libremente, sin la influencia del marido. La escritora murió en esa misma ciudad, el 28 de junio de 1974.

Gabrielle-Émilie Le Tonnelier De Breteuil (1706 - 1749)

elviragarcialarcon@gmail.com (Elvira García Alarcón) — Sat, 06 Jan 2007 14:42:27 -0200

Periodo literario: Ilustracion | Lengua en la que escribe: francés

Marquesa de Châtelet
El 17 de diciembre de 1706 nació Madame de Chatêlet, en Saint-Jean-en-Greve, Francia, durante el reinado de Luis XIV. Desde su infancia tuvo el deseo de saber e hizo todos los esfuerzos para conseguirlo.
Frecuentaba la corte y a la reina en particular, pero después de las veladas mundanas, no descuidaba jamás sumergirse en los estudios científicos de los que era una apasionada. Uno de sus amantes, el duque de Richelieu, la animó a emprender estudios superiores de física y matemáticas que completó con los mejores maestros, entre los que figuraban Pierre Louis de Maupertuis y Alexis Claude Clairaut, académicos newtonianos y estudiosos de Leibniz. Se decía que, disfrazada de hombre, participaba en las reuniones de científicos que se celebraban en los cafés parisinos en los que no estaban admitidas las mujeres.
En sociedad se pedía un dominio de las emociones y una frialdad que, ciertamente, la marquesa no parecía tener; pasional o imprudente, hacía que se hablase de ella, de sus ligeras correrías, de sus amores incontenidos. Parecía ser el modelo femenino de la conducta libertina.
En 1733, después de ocho años de matrimonio y aburrimiento conyugal con Florent Claude, marqués de Châtelet-Lamon, con quien había tenido una hija y dos hijos, inició una relación con Voltaire que la indujo a abandonar a aquél y la vida de la corte. Fue una relación madura basada en las afinidades de gustos y de trabajo. Mme. du Châtelet busca, dice, la seguridad de Voltaire. Busca, a la vez, el cumplimiento de sus deseos amorosos, mostrando este sentimiento como una profunda pasión que la impulsa. En el centro de su discurso está la idea de la felicidad, tal como ella la vislumbra: "el placer de pasar todos los momentos de mi vida con la persona que amo". Lo contrario, la negación del amor, es la infelicidad. Con estos argumentos, se autoriza y se impulsa: "no creo haber nacido para ser infeliz". Se estableció con Voltaire en Cirey, en el ducado de Lorena, y convivió con él durante casi quince años. Ambos transportaron a la casa de Cirey millares de volúmenes de sus bibliotecas e instalaron allí un verdadero laboratorio.
Cuando contaba 43 años de edad, y en plena traducción de los Principia, la marquesa quedó embarazada del marqués de Saint-Lambert. Según su propio testimonio, tuvo que trabajar intensamente para concluir la traducción. Falleció de fiebre puerperal a los pocos días de haber dado a luz una niña. La traducción de Émilie de Chatêlet sigue siendo la única versión francesa del libro de Newton.

Marie Le Jars De Gournay (1565 - 1645)

jddgm2002@yahoo.es (Juan De Dios García Martínez) — Thu, 25 Jan 2007 08:33:04 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: Francés

Marie Le Jars nace en Paris el 6 de Octubre de 1565. Su padre, Guillaume Le Jars, tesorero real, fallece en 1578 cuando la joven Marie apenas tiene 13 años, siendo esta la mayor de seis hermanos. Desde entonces, su madre, Jeanne de Hacqueville, desatiende las manifiestas inquietudes intelectuales de su hija, formándola para la economía doméstica y la crianza dentro del más estricto �€�código femenino�€� de la época. Sin embargo, este destino no contentaba a Marie, razón por la cual, se inicia en el aprendizaje del griego y del latín de forma totalmente autodidacta a través de la comparación de textos clásicos con sus traducciones.
Alternando lecturas clásicas con los textos de su época es como a la edad de dieciocho años, Marie descubre la primera edición de los Ensayos de Michel de Montaigne, profesando desde ese momento una profunda admiración por su compatriota.
En 1586 la familia se traslada a Gournay, al señorio que su padre compró antes de morir, pero dos años más tarde, en 1588, durante una breve estancia de Marie en París, esta hace llegar a Montaigne una carta en la que le traslada su deseo de conocerle. El encuentro se produce un día más tarde y desde entonces se inicia una de las relaciones más fructíferas y ambigüas que ha conocido la historia del pensamiento. Montaigne no dudó en llamarla su �€�fille d�€�alliance�€� (en los Essais, livre II, chapitre XVII, �€�De la presumption�€�), denotando una admiración que explicará el gran intercambio intelectual que se producirá en los años posteriores al encuentro. Montaigne no duda en trasladarse largas temporadas a la mansión de Gournay-sur-Aronde donde discuten sobre su obra. Fruto de estos encuentros, Marie de Gournay escribe en 1594 su primera gran obra, Le Proumenoir de Monsieur de Montaigne. Tras la muerte de Montaigne en 1592, su familia encomienda a Marie la revisión de los Ensayos comenzando así su labor como editora. De este trabajo nace el prólogo a la edición de 1595 y las posteriores ediciones de la obra en 1598 y 1641.
En 1599 se traslada a París y comienza a frecuentar los círculos intelectuales de la época de la mano de Henri Louis Habert de Montmor y Juste Lipse, que la presentan como una �€�mujer leída�€�. A pesar de las dificultades de una mujer de la época para recibir el reconocimiento y la estima en el plano del pensamiento, Marie de Gournay conecta con altas esferas de la sociedad y de la política parisiense consiguiendo así la protección y el mecenazgo de personajes de la talla histórica de la Reina Margarita, Enrique IV, María de Médicis, Luis XII, la marquesa de Guercheville o el mismísimo Richelieu, quien ofrece a Marie una pequeña pensión real que le permite el privilegio de poder editar sus propias obras. En esas condiciones emerge la obra de Marie de Gournay, su preclaro saber feminista. Escribe Égalité entre les hommes et les femmes (Igualdad entre hombres y mujeres) en 1622 y Grief des dames (Agravio de las mujeres) en 1626. Su extensa y diversa obra, que abarca temas como la educación, la política o el análisis comparado de textos queda recogida en sus dos compilaciones magnas, L�€�ombre de la Damoiselle de Gournay, de 1626 y Les Advis, ou les Presens de la Demoiselle de Gournay de 1534.
El 13 de julio de 1645, Marie muere a la edad de 79 años. Aún hoy, por un pequeño donativo el visitante puede leer en el folleto informativo de la iglesia de Saint-Eustache de Paris: �€��€�y aquí fueron enterrados Marie Jars de Gournay, hija adoptiva de Montaigne, al escritor Voiture, el gramático Vaugelas, Furetière, (conocido por sus relaciones con la academia), el payaso Dominique el Arlequín, Bensérade, Scaramouche y el máximo dramaturgo del siglo XVIII, Marivaux.�€�

Carolina Lattanzi (1771 - 1818)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Wed, 01 Apr 2009 05:59:28 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: italiano

Carolina Arienti nace en Florencia en 1771. Contrae matrimonio con Guisseppe Lantanzi en Mantua, ciudad en la que viven durante el periodo Jacobino. En mayo de 1797 ingresa en la Accademia de Pubblica Istruzione como miembro sin derecho a voto. Es precisamente en el teatro de la Academia donde lee su discurso titulado "Schiavitú delle donne" (1797) en el que denuncia la opresión a la que han estado, y están, sometidas las mujeres a lo largo de la historia. La autora saca a la luz los aspectos más escandalosos: una educación dirigida a convertir a la mujer en objeto de placer; el injusto régimen patrimonial y hereditario que favorece al hombre; la prática del matrimonio concertado y la dote; el ingreso forzoso de jovenes en conventos...En definitiva, arremete contra todas las prácticas que favorecen la discriminción de la mujer y defiende la igualdad de género porque, según sus palabras: " le donne possono, se lo vogliono, innalzarsi ad opere maschili".

En 1804 funda en Milán el primer semanario italiano dirigido al público femenino: el"Corriere delle dame", del que es también directora y, en gran medida, articulista. Esta publicación aparece los sábados y está dedicada a "la literatura, el teatro y la moda de Francia e Italia". Sus páginas contienen frecuentes críticas musicales que, a pesar de no estar firmadas, son atribuidas a Carolina Lanttanzi, quien las escribió con la intención de ofrecer al público un comentario imparcial de los acontecimientos musicales de la época, cosa que, en su opinión, no hacían los otros semanarios de la ciudad. El "Corriere delle dame" tuvo gran éxito y se siguió publicando sin interrupción hasta 1875, más de medio siglo después de la muerte de su fundadora.

Ilse Langner (1899 - 1987)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Mon, 05 May 2008 16:08:56 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Alemán

Ilse Langner wurde in Breslau am 21.5.1899 als Tochter eines Oberstudiendirektors geboren. Schon mit 14 Jahren veröffentlichte sie ihren ersten Gedichtband. 1929 heiratete sie W. Siebert. Sie starb 1987.
Das Werk Ilse Langners ist vielseitig in seinen Merkmalen: Neue Sachlichkeit, Surrealismus, modern gesehene Behandlung antiker Motive bilden die Stufen der Entwicklung in surrealen Bühnendichtung kluge Distanz, im antiken Vorwurf sehr deutlich Zeitbezogenheit zu erkennen sind. Ihr gelingen in der schmalen lyrischen Produktion nur wenige Durchbrüche, dagegen einige Bühnenstücke, die bis heute Beachtung verdienen. 1929 erschien ihr erstes Drama �Frau Emma kämpft im Hinterland�, ein Antikriegsstück, durch das sie bekannt wurde. Es wurde am Berliner Theater unter den Linden uraufgeführt. Ihren größten Erfolg hatte sie mit dem Drama �€šDie Heilige aus USA�€�, das die Biographie der Gründerin der Christian Science-Bewegung, Mary Baker-Eddy, behandelt. Die Uraufführung durch Max Reinhardt 1931 am Theater am Kurfürstendamm brachte ihr weite Beachtung. Vor allem aber kommt der Prosa starke Bedeutung zu. Der China-Roman �€šDie purpurne Stadt�€� (1937) ist ein kluger Beitrag über das Verhältnis des Weissen zum Fernen Osten. Ihr gelungenster Roman ist �€šSonntagsausflug nach Chartres�€� (1956), wo die Bindung zu Frankreich besonders stark scheint.
Aus weltbürgerlich empfundener Sorge um den Menschen unserer Zeit, vor allem um die Frau, kämpft Ilse Langner in ihren sozial-kritisch geprägten Werken gegen Nationalhass und Vorurteile. Gerade in ihrem Pazifismus hofft sie auf die Lebensstärke der Frau.

Gina Lagorio (1922 - 2005)

estelag@unex.es (Estela González De Sande) — Wed, 17 Jan 2007 15:44:00 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Luigina Bernocco es el nombre de bautismo de la piamontesa Gina Lagorio, nacida en Bra, en la provincia de Cuneo, en 1922, hija única de un productor y vendedor de vino y de una ama de casa originarios de Cherasco.

Muy pronto la familia se traslada a Savona, ciudad donde trascurrirá la infancia y la adolescencia de la escritora; sin embargo, siempre recordará su tierra natal, visitada en todos los periodos vacacionales.

Acabada la enseñanza secundaria en Savona, se traslada a Turín para cursar sus estudios de Lengua y Literatura inglesa en la Universidad. Allí se licencia con una Tesis sobre la influencia de la poesía sepulcral inglesa en Italia.

De regreso a Savona trabaja como profesora de lengua e historia italianas en el Istituto Tecnico Commerciale. Durante estos años conoce a Emilio Lagorio, natural de Savona y partícipe de la Resistencia antifascista en la ciudad. Con él se casará y tendrá dos hijas: Simonetta y Silvia.

En 1964, afectado por un cáncer, muere Emilio Lagorio, un hecho muy trágico y doloroso del que dejará constancia en su obra Aprossimato per difetto, dedicada a la memoria del marido.

Después de veinte años en el Istituto Tecnico y tras varios éxitos como narradora y ensayista, la escritora decide dedicarse en exclusiva a la literatura y para ello abandona Savona en 1974 y se instala en Milán. Allí colaborará con diferentes periódicos y editoriales, estrechando su amistad con el editor Livio Garzanti, con el que se casará en segundas nupcias y cuya casa editorial publicará gran parte de su obra.

Paralela a la actividad literaria se desarrolla su carrera política. Siempre fiel a sus ideales comunistas, en 1987 se presenta como diputada de la Izquierda Independiente del PCI al Parlamento italiano. Saldrá elegida y ejercerá como diputada toda la legislatura, desde 1987 hasta 1992.

Durante su andadura parlamentaria defenderá a ultranza la igualdad entre sexos, las libertades y la paz, posicionándose en contra de cualquier guerra, pero en especial la de Kosovo y la del Golfo.

En 2003 le diagnostican el ictus cerebral que, tras dos años de sufrimiento, acabará con su vida, el 17 de julio de 2005.

El funeral se celebra en la Basílica de Santa Maria della Passione en Milán. A éste acuden representantes de la cultura italiana, entre ellos, su marido, Livio Garzanti.

Barbara Köhler (1959 - )

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Sun, 02 Mar 2008 10:08:42 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Alemán

Barbara Köhler wuchs im sächsischen Penig auf und besuchte in Plauen die Oberschule, an der sie auch ihr Abitur ablegte. Danach ließ sie sich zur Facharbeiterin für textile Flächenherstellung ausbilden, arbeitete dann aber in Karl-Marx-Stadt als Altenpflegerin und als Beleuchterin am städtischen Theater.

Zwischen 1985 und 1988 absolvierte sie ein Literaturstudium am Literaturinstitut Johannes R. Becher. Zu dieser Zeit lebte sie auf dem Kaßberg. Erste Werke Köhlers erschienen in Zeitschriften, zwei Jahre war sie anschließend am Bezirksliteraturzentrum Karl-Marx-Stadt wissenschaftlich aktiv.

Nach der Wiedervereinigung wurde Köhler arbeitslos und versuchte sich deshalb als freie Autorin. Sie veröffentlichte ihren ersten Gedichtband �Deutsches Roulette� 1991, schrieb für diverse Zeitungen und verfasste Essays sowie Katalogbeiträge zur bildenden Kunst. Im Jahre 1994 zog sie nach Duisburg, wo sie noch heute lebt.

Für ihre Arbeiten wurde sie mehrfach ausgezeichnet, erstmals 1990 mit dem Literaturförderpreis der Jürgen-Ponto-Stiftung, später u. a. mit dem Förderpreis zum Else-Lasker-Schüler-Dramatikerpreis (1994), dem Clemens-Brentano-Preis (1996), dem Literaturpreis des Ruhrgebietes (1999), dem Förderpreis zum Lessing-Preis des Freistaates Sachsen (2001) und dem Samuel-Bogumil-Linde-Preis (2003). 1995 wählte man sie zur Rheinsberger Stadtschreiberin, 1997 zum �€žwriter in residence�€� an der University of Warwick.

Sheila Kitzinger (1929 - )

evadida@yahoo.es (Eva Dominguez Garcia) — Sat, 23 Jun 2007 10:11:01 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: ingles

Nació el 29 de Marzo de 1929 en Taunton, Somerset (Reino Unido).
Estudió antropología social en las Facultades de Ruskin y St. Hugh en Oxford, y después se dedicó a la investigación y la enseñanza en la Universidad de Edimburgo.
Autora de "Pare a tu manera: Elegir un parto en casa o en un Centro de Partos", es una de las más francas e influyentes defensoras, a nivel mundial, de la libertad de elección de las mujeres en el embarazo, parto y maternidad.
Su investigación acerca del parto y de los cuidados maternales abarca culturas tan variopintas como la Caribeña, Norteamericana, Europea, sudafricana, Neozelandesa y Japonesa. Da clases y dirige seminarios y talleres para matronas en universidades y hospitales universitarios de todo el mundo, y es la principal defensora del parto en casa y del parto en el agua, a los que ha dedicado años de extensa investigación.
Es catedrática honoraria de la Thames Valley University, Inglaterra, donde imparte clases para matronas y sobre la antropología social del parto. En Estados Unidos, es miembro de la Asociación Internacional de Educación para el Parto, la Asociacion Internacional de Expertons en Lactancia, la Red Internacional para el Conocimiento de las Cesáreas, y es directora de la escuela de matronas de Seattle.

Es antropóloga especializada en el embarazo, parto y los cuidados de bebés y niños pequeños. Aunque da clases a matronas ella nunca ha sido una matrona. Promueve que las mujeres tengan la información que necesitan para tomar decisiones sobre sus partos. Cree fuertemente que todas las mujeres que no están en situación de alto riegso deberían tener la opción de beneficiarse de un parto en casa.

Es autora de 24 libros (y madre de cinco hijas). Sus libros cubren temas como las experiencias de las mujeres de los cuidados prenatales, los planes de parto, la inducción del parto, las epidurales, la episiotomía, los cuidados hospitalarios en el parto, las experiencias de los niños presentes en los partos y el estrés postraumático tras el parto. También ha escrito numerosos artículos en revistas científicas y desde 1958 ha estado desarrollando su propio modelo psicosexual del nacimiento.

Marie Luise Kaschnitz (1901 - 1974)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Thu, 21 Feb 2008 08:32:53 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: alemán

Sie wuchs als Tochter eines Offiziers (von Holzing-Berstett) in Potsdam und Berlin auf. Nach dem Lyzeumbesuch wurde sie Buchhändlerin in Weimar, dann in München und schließlich in Rom. Hier lernte sie auch ihren künftigen Mann kennen, der als Archäologe tätig war. Nach der Heirat 1925 lebte sie als Frau des Guido v. Kaschnitz-Weinberg dort, wo er lehrte, nämlich in Königsberg 1932-1937, dann in Marburg 1937-1941, dann in Frankfurt und Rom, 1953-1958. Nach dem Tode ihres Mannes lebte sie in Frankfurt, wo sie 1960 Vorlesungen über Poetik halten konnte. Sie begleitete ihren Mann auf den verschiedenen Studienreisen durch Griechenland, den Orient und durch Nordafrika. Die Begegnung mit der Antike wurde wesentlich für ihr literarisches Schaffen (vgl. »Griechische Mythen«, 1941, »Die Umgebung von Rom«, 1960, u. a.!). - Autobiographisch war der erste Roman »Liebe beginnt«, der 1933 veröffentlicht wurde. Das Schicksal eines Mädchens in der Pubertät wurde 1937 in »Elissa« dargestellt. Diese Werke sind heute ziemlich vergessen. 1945 begann - unter dem Eindruck des Endes des zweiten Weltkrieges - mit der Essaysammlung »Menschen und Dinge« der eigentliche Durchbruch. Diese zwölf Essays erschienen 1946 und erregten wegen ihrer Eindringlichkeit großes Aufsehen. 1947 erschienen mit noch größerer Wirkung zwei Lyrikbände »Gedichte« und »Totentanz und Gedichte«. Gleichnishaft und klar werden tiefe Eindrücke aus dem Krieg wiedergegeben. Sie wagte es, die Schrecken, aber auch die Hoffnung in einer Zeit aufklingen zu lassen, wo man nur vergessen wollte. Damit wird auch das religiös gestimmte »Dennoch« geschenkt. Einen Höhepunkt auf dieser Linie war das Requiem »Rückkehr nach Frankfurt« (1947). Wesentlich für die Ausdruckskraft der Dichterin wurde die Prosasprache: Essays und kürzere Geschichten verweisen eindringlich auf hintergründige, menschliche Schicksale. Zu erinnern sei an die Betrachtungen »Engelsbrücke« (1955) und an die Sammlung mit einundzwanzig Erzählungen »Lange Schatten« (1960). Der Tod des Mannes konnte nur bewältigt werden durch die Vergegenwärtigung des Leidens: »Dein Schweigen - meine Stimme« von 1962 ist bis heute ein oft gelesener Lyrikband. Dabei wird das Leiden der gesamten Kreatur mit einbezogen - eine biblische Grundeinsicht. Die Gegenwart wurde aber nie ausgeklammert, sondern hintergründig durchleuchtet, wie es in der äußeren Form eines Tagebuches in »Tage, Tage, Jahre« (1968) besonders klar zum Ausdruck kommt. Hinter persönlichen Notierungen erscheinen weltpolitische Bezüge. Zeitkritisches vermengt sich wohlgezielt mit persönlichen Erinnerungen. Derartige stilistische Meisterleistungen wurden vorbereitet mit der Durchdringung einer kürzeren Lebensepoche der Dichterin wie in den »Aufzeichnungen«, »Wohin denn ich« (1963). Die Synthese von sparsamen Ausdrucksmitteln in der Prosa mit der Analyse menschlichen Seins und Zusammenlebens zeigt sich besonders eindringlich in der »Beschreibung eines Dorfes« (1966). Von hier wird eine Brücke geschlagen zu den Spätaufzeichnungen (zum Teil Nachlaßpapiere) »Orte und Menschen«, ein Werk, das mit authentischer Anordnung der Aufzeichnungen posthum 1986 herausgegeben wurde. In den späteren Gedichten »Kein Zauberspruch« (Sammlung von 1962-1972) dient verdichtete Sprache zur Anklage gegen die Bedrohung der Menschheit durch Technisierung und Vermassung (vgl. das gegenwärtige Los im »Spital« - im gleichnamigen Gedicht). Hineingewobene christlich-religiöse Elemente spiegeln das Suchen und Hoffen der Dichterin wider, was auch besonders in den Hörspielen zum Ausdruck kommt (vgl. »Der Zöllner Matthäus«, 1956). Sie erhielt zahlreiche Ehrungen. 1955 bekam sie den Georg-Büchner-Preis, 1957 den Immermann-Preis. Mit der Friedensklasse des Ordens Pour le Mérite wurde sie 1967, mit der Ehrendoktorwürde der Philosophischen Fakultät der Universität Frankfurt 1968 ausgezeichnet. 1970 bekam sie den Hebel-Preis. Die Autorin war Mitglied des PEN, der Akademie der Wissenschaften und der Literatur in Mainz, der Bayerischen Akademie der Schönen Künste wie der Deutschen Akademie für Sprache und Dichtung. 1960 hatte sie auch die Professur für Poetik an der Universität Frankfurt inne. Sie starb im Oktober 1974.

Sarah Kane (1971 - 1999)

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Wed, 26 Dec 2007 00:59:00 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: inglés

Sarah Kane nace en Essex el 3 de febrero de 1971 y muere, se suicida, en Londres el 20 de febrero de 1999, a solo veintiocho años. Escritora de teatro, sus obras tratan sin hipocresías temas de amor, de crueldad, de dolor y de tortura, y se caracterizan por una intensidad poética creciente, por una impetuosa afirmación del amor en todas sus formas y por el uso de un simbolismo mordaz y violento, tan potente que contradice y fragmenta la narración, en el intento de hacernos probar la experiencia de una vida lacerada desde sus raíces.
Los padres de Sarah son periodistas y devotos evangelistas. El padre es jefe de redacción del �€�Daily Mirror�€� (uno de los más importantes tabloid ingleses) en el área oriental, mientras la madre se despide para cuidar de Sarah y de su hermano. Sarah es inteligente, le gusta estudiar, es forofa del Manchester United y contesta abiertamente la religión hasta la total pérdida de la fe. De adolescente forma parte de un grupo de teatro local, haciendo de directora de obras de Cechov y Shakespeare, saltando horas de clases para poder ser la asistente a la dirección en una producción del SOHO Polytechnic. Después de sus estudios va a la Universidad de Bristol, donde se licencia con matricula de honor en Teatro, y con la intención de convertirse en actriz. En poco tiempo se hace popular entre los estudiantes, animando la vida social y lúdica del ateneo, y viviendo con satisfacción su propia homosexualidad. Pero, a pesar del talento de actriz y directora, algo lentamente la lleva a la escritura. Este algo es la necesidad de expresar completamente su yo, sobre todo en una fase delicada de su propia vida, en la que Sarah empieza también a caer en una fuerte depresión de manía, enfermedad que la atormentará el resto de su vida.
Debuta en el año 1994, con �€�Sick�€�, una trilogía de monólogos representados por vez primera en Edimburgo. Los argumentos de los tres monólogos son la violación, la bulimia y la sexualidad. De Bristol se muda a la Universidad de Birmingham para asistir al curso de dramaturgia de David Edgar, que en realidad no le gusta, pero que hace para no disgustara a su madre. Mientras escribe �€�Blasted�€�. El texto trata de Ian, un periodista de mediana edad al que parece que le queda poco tiempo de vida e invita a Cate, una chica retrasada con la que tenía una relación desde hacía algún tiempo, en su habitación de hotel para que lo consuele en sus últimas horas. Desde el principio su relación se manifiesta como de amor-odio: él querría hacer el amor con ella, pero ella lo rechaza. Sin embargo en esta relación hay continuos altibajos: Ian a veces es muy cruel y racista y otras veces es dulce y sensible, aunque siempre es cínico y está decepcionado; Cate, en cambio, es una chica muy ingenua pero también muy atenta y, al mismo tiempo, determinada cuando se trata de rechazar a Ian, aunque, de algún modo, lo ame. En uno de sus momentos de crueldad, Ian humilla y aterroriza a Cate, hasta que irrumpe un Soldado armado que transforma el lugar en un campo de batalla bosnio. En ausencia de Cate el Soldado aprovecha para violar al periodista. El final está caracterizado por defecaciones y canibalismo.
En esta obra, Sarah se la toma con el sensacionalismo de los medios de comunicación, aunque nunca logrará quitarse de encima su excitante curiosidad. �€�Blasted�€� empieza como una aventura de amor en un hotel de Leeds y termina con una escena de masacre y atrocidad en Bosnia. Es decir, la violencia que entra en nuestros hogares con el telediario es la misma que ejercemos y sufrimos cada día, en la vida cotidiana, en los sentimientos, en el sexo. El horror que producen los otros y el que producimos nosotros es el mismo.
�€�Blasted�€� se representa la noche del espectáculo de fin de curso, Mel Kenyon ve la obra, llama a Sarah para que vaya a Londres y se convierte en su manager. El 12 de enero de 1995 la obra debuta en Londres en el Royal Court Theatre Upstairs bajo la dirección de James Macdonald, en el ámbito de la política de apoyo a la joven dramaturgia inglesa que seguía dicho teatro, suscitando escándalo, acusaciones morales de obscenidad y polémicas de extraordinaria violencia, y convirtiéndose en una verdadera piedra miliar en el teatro inglés. En especial, el periodista del �€�Daily Mail�€� Jack Tinker (nombre que la autora dará después a un personaje particularmente desagradable en �€�Cleansed�€�), enfurecido, escribe una crítica furiosa, destinada a permanecer en los anales de la prensa inglesa, en la que describe �€�Blasted�€� como �€�una desagradable feria de la asquerosidad�€�. Escribe: �€�Sin duda alguien se preguntará si el dinero no hubiese sido mejor gastarlo en unas sesiones de terapia de rehabilitación�€�. Los paralelismos, descritos en la obra, entre Gran Bretaña y Bosnia y las escenas de violaciones, canibalismo y brutalidad contenidos en el texto provocan, de este modo, el mayor escándalo teatral en Londres desde la escena de la petrificación del niño en la obra �€�Saved�€� de Edward Bond. Sarah adora el trabajo de Bond y él en persona, además de Harold Pinter, defiende públicamente la obra y el talento de su joven autora, con críticas entusiastas. Escribe: �€�La humanidad de Blasted mi ha conmovido. Lo siento por aquellos que están demasiado ocupados o tan perdidos que no son capaces de ver su humanidad. Y como escritor de teatro estoy conmovido de la habilidad y de la autoridad de una escritora tan joven. [�€�] este es el texto más importante en escena en Londres, hoy.�€� Entre los autores preferidos de Kane no encontramos sólo a Bond: en su obra se siente la influencia artística de autores como Samuel Beckett, Howard Brenton o Georg Büchner (de quien dirigirá �€�Woyzeck�€�). Kane y Caryl Churchill, se admiran y se influencian mutuamente.
Mientras tanto, las crisis depresivas no abandonan a la joven autora, pero, mientras la impetuosa autodenuncia de nuestra solidaria y culpable impotencia, puesta en escena con �€�Blasted�€�, es representada en todo el mundo, ella continua trabajando en teatro, tanto que se convierte, durante un periodo, en la �€�writer-in-residence�€� del Royal Court Theatre. Sin quererlo, con �€�Blasted�€�, Sarah acaba de abrir el camino a una joven generación de dramaturgos, conquistando un público nuevo, crecido en la era Thatcher, que ha descubierto de estar en sintonía con su mima carga de indignación, rechazo y rabia. Y todo esto, a sólo veintitrés años.
En el mismo año, 1995, Sarah firma su único video, el guión de �€�Skin�€�, dirigido por Vincent O�€�Connell y producido por British Screen y Channel 4, que se retransmitirá en el Channel 4 el 17 de junio de 1997. Se trata de un corto de once minutos que narra una historia cruel y, al mismo tiempo, hilarante de de �€�educación�€�, en la que se muestra, también en los más profundos matices, el hacerse y el deshacerse una personalidad en relación a las influencias externas. El protagonista se llama Billy, es un naziskin que pasa el día pegando a negros y borrachos. Él (casi por contrapaso) se convierte en el esclavo de Marcia, una �€�domina�€� caribeña que cambiará para siempre su modo de ver la realidad. El tono de la historia, que también tiene aspectos duros, es muy ligero y narra una historia de testaruda idiotez e iluminación que no (hace alusión) se refiere exclusivamente (a) con las afueras londinenses, sino que podría tener carácter universal.
El 15 de mayo de 1996 debuta �€�Phaedra�€�s Love�€�, una verdadera declaración de estilo y manifiesto poético, que dirige la misma Sarah en el Gate Theatre de Londres. Se trata de una reescritura moderna y radical del mito de Fedra, derivado non sólo de la tragedia de Euripide sino también de la de Séneca, mucho más violenta y atroz. El texto nace dentro de un proyecto de reescritura mitológica promovido por el Gate y representa la historia en clave pop, con una ambientación contemporánea rica de referencias malignas y crueles a las crónicas sensacionalista de la casa real inglesa. Sin embargo, la intención no es la de hacer una sátira: Sarah sólo quiere dar un escenario plausible a la historia, explicar que ese drama �€"incluso siendo clásico- habla también de nosotros. Hipólito es un joven gordo e impertinente, presa de un �€�soleen�€� insuperable, que practica sexo por aburrimiento, está perennemente sucio y pasa todo su tiempo viendo la televisión, masturbándose delante de ella y comiendo patatas fritas. La elección de referirse sobre todo a Seneca no es casual; además de estar muy en sintonía con el teatro de Kane, el autor latino es una referencia constante de todo el teatro isabelino. Sarah no es una extraña excepción en el panorama teatral inglés, está constantemente en línea con al tradición y las referencias son muchas: por ejemplo, Ian en �€�Blasted�€� es cegado, como Gloucester en �€�King Lear�€�; a Carl en �€�Cleansed�€� le cortan la lengua y después las manos como a Lavinia en �€�Titus Andronicus�€�.
También para el Gate Theatre, Sarah firma la dirección del �€�Woyzeck�€� de George Büchner, incluido en un festival dedicado al dramaturgo alemán que en el 1800 impuso un clamoroso giro a la dramaturgia con sólo tres obras antes de morir jovencísimo, a veintitrés años. Durante estos meses, Sarah viaja por Europa con gran éxito de �€�Blasted�€� y, en el 1997, va a Italia, al Teatro della Limonada di Sesto Florentino, para el primer estreno italiano de la obra, dirigida por Barbara Nativi para el Laboratorio Nove, dentro del Festival Intercity.
En el 1998 Sarah escribe otros dos textos brutales y sin piedad.
El 30 de abril estrena en el Royal Court Theatre Downstairs de Londres, dirigido todavía por James Macdonald, �€�Cleansed�€�, texto dedicado �€�a los pacientes y al personal de ES3�€� (la división del hospital psiquiátrico en el que la autora es más de una vez internada), que proyecta en un campus universitario sudamericano un verdadero campo de concentración dominado por el doctor Tinker. Tinker es un �€�mad doctor�€�, un término medio entre Mengele y Frankenstein, que atormenta, tortura y usa los cuerpos de las personas para su placer personal, con una vasta gama de elección: desde la masturbación en frente de un �€�peep-show�€�, a las mutilaciones de miembros y órganos de los desafortunados invitados-prisioneros de la institución. El texto tiene numerosas y diferentes representaciones y en algunas de ellas recita la misma Sarah, en el papel de Grace.
La realidad, para Sarah Kene, es un conjunto compacto de agresión y amenaza por parte de una minoría de verdugos (torturadores) crueles y sin escrúpulos contra una mayoría de víctimas débiles e indefensas. Y todas las víctimas tienen por lo menos una �€�diversidad�€�: la minusvalía, la homosexualidad, la excesiva ingenuidad. Y todas tienen problemas con el habla: Cate en �€�Blasted�€� tartamudea, a Carl en �€�Cleansed�€� se le priva del uso de la lengua y muchas son las situaciones en las que los débiles son obligados al silencio y al mutismo, en los textos de Sarah. No obstante, en ellos encontramos una humanidad y una ternura que se exprimen de todos modos; el afecto se manifiesta, a través de los débiles, también en un mundo que los margina y, por esto, se va destruyendo.
Inmediatamente después del estreno de �€�Cleansed�€� le sigue el de �€�Crave�€�, que se representa el 13 de agosto. Sarah firma el texto, dedicado a Mark Ravenhill, con el pseudónimo de Marie Kelveldon (Sarah creció en Kelveldon Hatch) �€"de este modo la crítica podrá considerarla como una obra aparte y no como el último trabajo de una autora que hace que sus personajes se succionen los ojos uno al otro y cocinen a la parrilla sus genitales-, que dirigirá Vicky Featherstone en el Traverse Theatre de Edimburgo. En esta obra, cuatro personajes, identificados exclusivamente por una letra (A, B, C, M) y unidos entre ellos por relaciones de una profundidad tal que sólo se podrá comprender después de una profunda interpretación del texto, entrelazando sus historias, una vez más de violencias sexuales, identidades trastornadas, angustias y soledad. �€�Crave�€� es una obra altamente intertextual, que muestra una nueva imagen de Sarah Kane, a través de la cual sus primeros textos son reinterpretados por la crítica, revelando personajes complejos que viven un verdadero dolor, tanto psicológico como físico.
Gracias al carácter abierto de la conjugación de los verbos y de la declinación de los adjetivos de la lengua inglesa, el texto se presenta ambiguo también en la elección de los personajes. De este modo en cada representación los personajes pueden tener género diferente y esta posibilidad, añadida a la no identificación directa entre género e identidad sexual, aumenta el grado de ambigüedad de la obra.
Sarah �€"que recita, en algunas representaciones del texto, la parte de C- la considera su obra de desesperación, mientras define sus obras anteriores como �€�positivas�€�: �€�Blasted�€� sobre la esperanza, �€�Phaedra�€�s Love�€� sobre la fe y �€�Cleansed�€� sobre el amor. Y se sorprende del hecho que la crítica y su público interpreten las tres primeras obras como �€�depresivas�€� y la última como una señal de esperanza, cuando para ella es exactamente el contrario.
Esta imagen, erróneamente serena, que se atribuye a �€�Crave�€�, unida al hecho que, en público, Sarah se presenta alegre y sonriente, contrasta con la realidad: la depresión dominaba completamente a Sarah. Después de �€�Crave�€�, en el enero de 1999, la joven escritora se interna voluntariamente en el Maudsley Hospital en Londres, mientras todos celebran el triunfo crítico de su obra, comparada incluso con Eliot. Pero la depresión ya ha llegada a niveles insostenibles, niveles que Sarah vuelca en 4:48 Psychosis�€�, un texto en el un personaje no identificado (ni siquiera desde un punto de vista numérico), encerrado en un hospital por depresión, confiesa toda su sed de vida y de amor al mismo tiempo que su deseo de suicidarse. Sin personajes explícitos o indicaciones de escena, este texto tiene un aspecto insólito para ser destinado a la representación. Por este motivo la puesta en escena puede variar mucho dependiendo de las producciones. El título de la obra se refiere a la hora exacta de la noche en la que los enfermos de depresión obtienen una visión clara y lúcida de sus sentimientos, mientras a los observadores externos les parece que sufran una psicosis intensa. Los problemas psíquicos son el hilo conductor del texto, y éstos son exasperados hasta el punto de encontrar autodestrucción física como única salida, es decir el suicidio. La obra nos muestra que pasa por la mente de una persona cuando se derrumban las barreras que separan la realidad de la imaginación, la vida real del sueño, ellos mismos de los demás.
Sarah Kane posee un extraordinario humor macabro que prevalece sobre todas las obras. También �€�4:48 Psychosis�€� contiene momentos alegres y divertidos. Quizás se puede definir esta obra una galería de conversaciones, a veces en forma de monólogo, otras de diálogo, pensados y escritos para el teatro por una figura femenina profundamente desesperada y al mismo tiempo siempre dispuesta a afrontar irónicamente la desesperación y sus innumerables aspectos.
Al terminar este texto, Sarah (como el personaje de la obra) intenta suicidarse, ingiriendo ciento cincuenta pastillas antidepresivas y cincuenta somníferos, pero la encuentran a tiempo y es llevada rápidamente al King�€�s Collage Hospital. Tres días después de ser internada, por falta de personal, permanece sola tres horas, después de las cuales la encuentran ahorcada en el baño con los cordones de sus zapatos. Es el 20 de febrero de 1999. Sarah acababa de cumplir 28 años.
�€�4:48 Psychosis�€� se representa por primera vez más o menos un año y medio después: el 23 de junio del 2000 en el Royal Court�€�s Jerwood Theatre Upstairs, una vez más bajo la dirección de James Macdonald. En el año 2001 el Royal Court Theatre, que había estrenado todas las primeras representaciones de las obras de Kane excepto una, dedica una entera temporada a sus obras.
Hoy Sarah Kane es considerada una importante protagonista del teatro británico, además de una de las figuras clave del así llamado �€�in-yer-face theatre�€�.
Los críticos son unánimes a la hora de elogiar aquella muchacha que antes habían intentado destruir con sus críticas porque a ellos les recordaba a �€�la peor de la clase�€�. Su influencia en las futuras generaciones de escritores está todavía hoy por estudiar, pero es visible en las obras de Debbie Tucker Green y Joanna Lauren, en �€�Far Away�€� de Caryl Churchill (2000) y en textos de Letizia Russo, Sonia Antinori y Federica Fracassi en Italia. Traducidas en Bélgica, Dinamarca, Francia, Alemania, Holanda, Portugal, España, Grecia, Polonia e Italia, las obras de Sarah Kane se encuentran hoy en día entre las más representadas en toda Europa.
A esta �€�born again Christian�€� que había perdido la fe, el teatro le había servido para hacer pública y compartir su propio sufrimiento moral: había transformado aquel dolor en una acción política, pero no podía curarlo. Hablaba continuamente de suicidio, y los amigos, para minimizar (desdramatizar), bromeaban sobre él. �€�Escribo la verdad y esto me mata�€�, dice uno de los personajes de �€�Crave�€�. Pero quizás en realidad quien lo decía era la propia Sarah Kane.

Zoé Jiménez Corretjer (1963 - )

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Sat, 17 Nov 2007 15:29:59 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

Zoé Jiménez Corretjer es una de las poetisas más representativas de su país, perteneciente a la Generación del Ochenta. Se trata de un grupo de escritores que se ha formado en un mismo ambiente, es decir la Universidad de Puerto Rico. Es un grupo algo heterogéneo pero que comparte unas características literarias, unos temas y un estilo muy propios que los definen como generación por unos rasgos literarios peculiares y diferentes de las anteriores y suiguientes tendencias. Con respecto a la Generación del Setenta, se diversifican por menor tensión política aunque la crítica social siempre está presente, pero expresada a través de un lenguaje fuertemente irónico; estos poetas y escritores se caracterizan por un lenguaje surrealizante y atrevido, sutilmente cínico. Desde el punto de vista formal, presentan un lirismo particular, que tiende a evadir las formas métricas y privilegia el verso libre.
Zoé, nacida en San Juan Puerto Rico, pertenece a una familia de intelectuales y académicos, cuenta entre ellos al poeta y periodista Luis Lloréns Torres, de gusto modernista, y al escritor Juan Antonio Corretjer, figuras relevantes no sólo de la literatura puertorriqueña sino de la hispanoamericana. Jiménez Corretjer ha vivido alternativamente en Puerto Rico, donde reside en la actualidad, y en España (Sevilla y Madrid) con largas estancias también en Estados Unidos. Cursó sus estudios de filología española e hispanoamericana en la Universidad de Puerto Rico, estudió también en la Universidad Complutense de Madrid y frecuentó el Ateneo de Madrid; se doctoró en Pennsylvania, en la Temple University de Philadelphia, especializándose en el fantástico, con particular atención en la escritura de mujeres del siglo XX en la literatura española e hispanoamericana. Zoé Jiménez ha publicado varios libros de ensayos: El fantástico femenino en España y América (2001) y La mano que escribe: Literatura, Arte y Pensamiento (2007) aunque destaca por su actividad creativa. Su primera colección poética data de 1985, y fue editada en Madrid bajo el título Las menos cuarto; siguieron Crónicas Interplanetarias (1991), Poemanarraciones (1992), las narraciones de Cuentos de una bruja (2000), y los recién salidos Antigua vía, Cánticos del lago y Sala de espera, publicados los tres en 2007. Su obra ha aparecido en varias revistas literarias y ha sido también antologada, tanto que figura en las prestigiosas Antología de Poesía Latinoamericana del Siglo XXI a cargo de Julio Ortega (1997) y en Antología de poesía Puertorriqueña de Rubén Moreira, entre otras. En el 1986 fue galardonada con la Primera Medalla de Poesía Francisco Matos Paoli que otorga la Universidad de Puerto Rico.
Ha trabajado también como guionista para la televisión de su país (TUTV Canal 6), en programas de cultura.
En la actualidad es catedrática en la facultad de Humanidades en la Universidad de Puerto Rico en Humacao y es directora del Cuaderno Internacional de estudios Humaníticos y Literatura (CIEHL).

Teresa De Jesús (1515 - 1582)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Sat, 17 Nov 2007 19:49:48 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Español

Teresa Sánchez de Cepeda y Ahumada nació, quinta de doce hijos (pero tercera de los diez nacidos de su madre), en Ávila el 28 de marzo de 1515 del toledano Don Alonso Sánchez de Cepeda y de su segunda esposa, Doña Beatriz de Ahumada, descendiente de una familia de cristianos viejos, natural de Olmedo.
Como denunciaba el nombre que los Sánchez pronto trataron de ocultar utilizando los apellidos hidalgos heredados a través de buenos matrimonios (Cepeda era el de la madre de Alonso, doña Inés de Cepeda, oriunda de Tordesillas, y Ahumada el de su esposa), los orígenes toledanos de Teresa eran de ascendencia conversa. En efecto �€" como han puesto de manifiesto los descubrimientos de Alonso Cortés, que en 1946 sacó a la luz los legajos del pleito de hidalguía de la familia Cepeda conservados en la Chancillería de Valladolid �€" el abuelo paterno de Teresa, Don Juan Sánchez, era un mercader de Toledo que fue acusado, en 1485, de judaizar. Por esta razón él y sus hijos, aún pequeños, sufrieron la condena por herejía y apostasía y para reconciliarse tuvieron que llevar en procesión durante siete viernes un sambenito, objeto que luego se dejaba colgado en la iglesia parroquial, signo evidente de infamia. Con motivo de esta condena, Juan se trasladó a Ávila en 1493 donde siguió con sus negocios dedicándose al comercio y a recaudar tasas e impuestos. Gracias a la buena situación económica creada por Don Juan, y tras la necesidad de amparar la seguridad familiar a través de la honra, en el año 1500 los Sánchez compraron en Ciudad Real una ejecutoría de hidalguía, es decir, un certificado que probara su pertenencia a la pequeña nobleza y consecuentemente a los cristianos viejos. En Ávila la familia Sánchez adoptó el estilo de vida hidalgo, por esta razón Alonso vivía de las rentas sin ocuparse de los negocios, ostentando un muy buen nivel de vida y demostrando una vigorosa devoción cristiana y una fe exigente según la cual iba educando a los hijos. En 1505, se había casado con Doña Catalina del Peso, con la que había tenido dos hijos, María y Juan, y al quedarse viudo, Alonso decidió desposarse otra vez y en 1509 contrajo nupcias con la prima de tercer grado de su difunta esposa, la quinceañera Beatriz de Ahumada, de la cual tuvo otros diez hijos, de entre los que se encontraba Teresa.
De la infancia de Teresa se transmite el fervor de las prácticas religiosas, así como la anécdota de su deseo de ir, a imitación de los santos mártires de los que le leían la vida, a «tierra de moros» para morir ella misma mártir junto con su hermanito Rodrigo. La breve aventura de la huida fue interrumpida cuando el tío Francisco, que los había encontrado fuera de la muralla, los llevó a casa. Otro aspecto del que nos habla la misma Teresa, era la afición suya y de su madre por la lectura, a escondidas del padre, de las novelas de caballería tan de moda en esa época. La adolescencia de Teresa estuvo marcada por el desplazamiento consecuente de la dolorosa pérdida de su madre Doña Beatriz que falleció en 1528, y su posterior ingreso en 1531 en el convento agustino de Santa María de Gracia de Ávila, en donde el padre esperaba recibiera una educación conveniente. Al año siguiente Teresa enfermó y tuvo que salir del internado; en esta ocasión pasó una temporada en Castellanos de la Cañada, donde vivía su recién casada hermana María, y en Hortigosa, en casa de un anciano tío suyo, muy devoto, Don Pedro de Cepeda, el cual le proporcionó lecturas de argumento espiritual, de entre las que se encontraban las epístolas de San Jerónimo. Sin duda fue ésta una experiencia importante para Teresa ya que fue entre 1533-1534 cuando manifestó su vocación religiosa, opción a la que Don Alonso se opuso rotundamente. La imposibilidad de que el padre mudara de propósito convenció a Teresa de la necesidad de huir de casa, así, aunque se le partía el corazón, el 2 de noviembre de 1535 se escapó al convento carmelita de la Encarnación de Ávila donde ya vivía Juana Suárez, una amiga suya; desde allí escribió a su padre que por fin consintió su decisión. Un año después, el 2 de noviembre de 1536, Teresa recibió el hábito de carmelita en ese mismo convento y al año siguiente, el 3 de noviembre, profesó.
En 1538, a los veinticuatro años, enfermó otra vez y de forma grave y crónica, tanto que el padre decidió sacarla del monasterio. Salió con su amiga Juana Suárez para ir a Becedas donde vivía una curandera; antes se detuvo nuevamente un tiempo en Castellanos de la Cañada y en Hortigosa, donde el tío Pedro le dio a leer el Tercer abecedario de Francisco de Osuna. Las curas en Becedas fueron inútiles e incluso peores y en julio de 1539 la familia decidió llevarla de regreso a Ávila. Durante cuatro días Teresa estuvo prácticamente muerta y si no se la enterró fue sólo porque Don Alonso rechazaba decididamente la idea de la muerte; su hija en efecto estaba viva y al final se despertó delirando e incapaz de moverse. La recuperación completa tardó años y la Santa atribuyó el favor a San José que a partir de ese momento se convertiría en su patrono y por él siempre manifestó una especial devoción. Con la enfermedad empezó también para la monja Teresa una fuerte y larga crisis espiritual que, con con altibajos, duró alrededor de 18 años. En 1543 murió su padre Don Alonso al que asistió durante la agonía; tres años después falleció en Quito su hermano Antonio que, como los otros, se había ido a las Indias buscando fortuna a consecuencia de la crítica situación financiera de la familia. Durante esta dolorosa etapa de su vida, tuvo esporádicas manifestaciones místicas, y su crisis espiritual terminó tras una personal experiencia profunda de Dios delante de un «Cristo muy llagado» (1554) y que ella misma definió de «conversión», en ésta desempeñó un papel importante la lectura de las Confesiones de San Agustín. A partir de ese momento empezó una nueva fase espiritual, que si no estuvo exenta de dudas y amarguras, sin embargo se caracterizó por copiosos favores espirituales y una mayor percepción de la presencia de Dios. En esa época Teresa trató con personas más profundas en la vida espiritual, con un «caballero santo» y con el clérigo Gaspar Daza, a los que presentó una relación escrita de su experiencia mística que fue juzgada por ellos como obra del demonio, de forma que, al verla tan desolada, la pusieron en contacto con el jesuita Diego de Cetina (los jesuitas habían fundado Su Compañía en Ávila en 1551). En esos días encontró a San Francisco Borja que transitaba por Ávila. Por un estado de salud precario y por causa también de la incomprensión de su experiencia espiritual, Teresa enfermó otra vez y se le mandó que fuera a casa de Doña Guiomar de Ulloa en Aldea del Palo, al mismo tiempo que su cura espiritual le fue encargada a otro jesuita, el padre Juan de Prádanos; en casa de Doña Guiomar, el día de Pentecostés de 1556, acaeció en su alma lo que ella llamó su «segunda conversión». Más tarde se le asignó a un nuevo confesor, también jesuita, el joven p. Baltasar Álvarez. En esta época volvió a tener visiones y fue duramente combatida por si eran tentaciones del demonio. En agosto de 1560 estando en Ávila se encontró con San Pedro de Alcántara, el cual gran ayuda le dio en su vida espiritual. Después de haber tenido una visión espeluznante del infierno hizo propósito de guardar la regla carmelita con mejor perfección. De aquí le nace el deseo de fundar con unas hermanas un nuevo convento según la regla primitiva, al igual que había hecho Pedro de Alcántara (los y las carmelitas vivían según la regla mitigada concedida por el papa un siglo antes). En esa idea de fundar un convento primitivo encontró el favor y el apoyo de Doña Guiomar.
A partir del año siguiente Teresa recibe a otro nuevo confesor, Gaspar de Salazar, jesuita; en ella se va reconfortando y tomando forma la idea de una nueva fundación, todo estaba casi a punto de realizarse, pero una carta del padre provincial le ordenó que fuese a Toledo para vivir una temporada en casa de la recién viuda Doña Luisa de la Cerda y consolarla. En esos días Teresa volvió a encontrarse de nuevo con Pedro de Alcántara y con un nuevo confesor, el padre García de Toledo, el cual le mandó escribir una relación sobre su experiencia religiosa y mística, en fin el Libro de su vida, escrito que se ve concluido en junio de 1562. En ese mismo año, entre protestas de vecinos y de las monjas de la Encarnación, surgió en Ávila la primera fundación el día 24 de agosto: el convento de San José, convento fundado por breve del papa y con jurisdicción del obispo. Aquí en este lugar Teresa vivió cinco años de paz, dedicada a la nueva vida reformada según la primitiva regla carmelita, en ese tiempo compuso el Camino y el libro de las Meditaciones.
En el año 1567 llegó de Portugal a Castilla, fray Giovan Battista Rubeo de Ravenna, general de la Orden del Carmen y el 12 de abril presidía en Ávila el capítulo de la orden de la provincia de Castilla. En esa ocasión Teresa de Jesús buscó protección para su obra reformadora, que el padre Rubeo aprobó y amparó, y también le otorgó patentes para fundar más conventos y hasta la licencia de fundar conventos de frailes en Castilla. La Madre empezó así su largo recorrido por Castilla fundando conventos reformados, por lo que surgieron las comunidades reformadas de Medina del Campo en 1567, Malagón en 1568, Valladolid en 1568, Toledo 1569 y tras conocer a Juan de Yepes, futuro San Juan de la Cruz, y a Mariano Azzaro y Juan Narduch, consiguió fundar en Duruelo el primer convento masculino el 28 de noviembre de 1568.
La fama de santidad que se iba difundiendo y el prestigio por la nueva obra �€" protegida por el rey Felipe II �€" hicieron de Teresa un personaje reconocido, tanto que la poderosa y caprichosa princesa de Éboli la invitó, o mejor dicho, la obligó a fundar en sus tierras, en Pastrana. La Santa tuvo que ceder al capricho de la noble dama, pero esta relación llevó muchos problemas a la comunidad de carmelitas. En efecto, unos años después, al quedarse viuda, la princesa de Éboli tomó el hábito de descalza en Pastrana, pero su presencia turbaba tanto la vida conventual que Teresa tomó la decisión en secreto de trasladar la comunidad a Segovia donde abrió una nueva fundación en 1574; la princesa denunció a la Santa al tribunal de la Inquisición. Mientras tanto Teresa continuó con su labor incansable de fundadora: la comunidad de Salamanca surgió en 1570, aquí alrededor de 1573 empezó a escribir las Fundaciones; el convento de Alba de Tormes fue fundado en 1571; ese mismo año también fue nombrada priora de Medina pero enseguida la mandaron de priora a La Encarnación, su antiguo convento de Ávila, en donde fue acogida con gran hostilidad, aunque en breve consiguió solucionar los problemas y poner en paz a las monjas las cuales temían que les impusiera la reforma. Años después, terminado su mandato en la Encarnación, rechazó una segunda elección. En 1575 fundó en Beas, aquí conoció al joven carmelita padre Gracián de la Madre de Dios, que venía de Sevilla para ir a Madrid donde le había convocado el nuncio. Beas estaba en la jurisdicción civil de Castilla pero en la eclesiástica de Andalucía, por lo tanto, por deber obediencia al p. Gracián, la madre Teresa tuvo que ir a Sevilla para fundar en ese mismo 1575, aunque no estuviera de acuerdo con esta decisión. Esta fundación de Sevilla le creó muchos problemas, ya que en esa provincia el conflicto con los Calzados era exasperado. En la ciudad que era puerto de comercio con las Indias, Teresa se reencontró con sus hermanos que venían de América, Pedro de Ahumada y Lorenzo con sus tres hijos.
En 1576 dejó Sevilla para ir a Toledo donde escribió Visita de descalzas, Fundaciones y el Vejamen, y empezó la composición de las Moradas; tras la muerte del nuncio Ormaneto se marchó a Ávila para quedarse en el convento de San José bajo la obediencia de la Orden. Fue ése un momento muy difícil para la andariega y su reforma: Gracián fue traicionado y calumniado, Juan de la Cruz resultaba desaparecido (estaba secuestrado por los Calzados), el licenciado Padilla, su defensor, tenía problemas con el tribunal de la Inquisición; el nuevo nuncio Filippo Sega se mostraba hostil y decidido a acabar con todos ellos; Rubeo, que en el pasado había sido benévolo con la reforma teresiana, acababa de morir. Teresa estaba cada vez más enferma y fatigada, tras caer de una escalera se rompió el brazo izquierdo, y empezó a ir con báculo asistida por la hermana Ana de San Bartolomé. A pesar de todo eso tenía fuerzas para nuevas fundaciones: Caravaca, Villanueva de la Jara y Palencia en 1580 y finalmente Soria y Burgos en 1581, y al mismo tiempo, poco a poco se iban redactando las Constituciones definitivas y por fin el capítulo de Alcalá eligió como provincial al padre Gracián.
Al ir de Soria a Ávila, ya muy enferma fue convocada a Alba por la duquesa, aquí Teresa de Ávila expiró el día de San Francisco de Asís, en torno a las nueve de la tarde del jueves 4 de octubre de 1582 (15 de octubre en el nuevo calendario gregoriano que se iba cambiando en esa época) entre los brazos de la beata Ana de San Bartolomé.
Fue proclamada beata el 24 de abril de 1614 por el papa Paulo V; el 16 de noviembre de 1617 las Cortes españolas la declararon Patrona de España, título confirmado por Urbano VIII en 1627. El 12 de marzo de 1622 fue canonizada Santa de la Iglesia universal junto con San Isidoro, San Filippo Neri, San Ignacio de Loyola y San Francisco Xavier. El papa Paolo VI en 1965 con breve Lumen Hispaniae la consagró Patrona de los Escritores católicos de España y el 27 de septiembre de 1970 la proclamó Doctor Ecclesiae, segunda mujer después de Santa Catalina de Siena, y primera carmelita antes que Santa Teresa del Niño Jesús.

Elfriede Jelinek (1946 - )

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Tue, 29 Jan 2008 13:17:59 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: alemán

Elfriede Jelinek wird 1946 in Mürzzuschlag/Steiermark geboren. Ihre Mutter Olga stammt aus dem Wiener Großbürgertum und erhält die Familie längere Zeit durch ihre Tätigkeit als Buchhalterin. Ihr Vater Friedrich Jelinek war Chemiker und jüdisch-tschechischer Abstammung. Sein �€žkriegsdienlicher�€� Beruf bewahrte ihn vor Verfolgung unter dem NS-Regime. Friedrich Jelinek erkrankt während der 50er Jahre psychisch; Er stirbt 1969 in einer psychiatrischen Klinik in völliger geistiger Umnachtung. Um Jelineks Erziehung kümmert sich die Mutter. Jelinek kommt in einen katholischen Kindergarten und danach in eine Klosterschule, die sie als äußerst restriktiv empfindet (Essay �€žIn die Schule gehen ist wie in den Tod gehen�€�). Ihr auffälliger Bewegungsdrang bringt sie auf Anraten der Nonnen in die Kinderpsychiatrie, auf die heilpädagogische Abteilung der Kinderklinik der Wiener Universität, obwohl ihr Verhalten aus medizinischer Sicht im Bereich der Norm bleibt. Abgesehen davon plant die Mutter die Karriere ihrer Tochter als musikalisches Wunderkind, und Jelinek erhält bereits in der Volksschule Klavier-, Gitarre-, Flöten-, Geigen- und Bratschenunterricht. Mit 13 wird sie ins Konservatorium der Stadt Wien aufgenommen und studiert dort Orgel, Klavier, Blockflöte und später auch Komposition. Parallel dazu absolviert sie die Mittelschulausbildung am Wirtschaftskundlichen Realgymnasium Wien. In der Tradition der Wiener Gruppe führt Jelinek für sich die Kleinschreibung ein. Nach der Matura erfolgt der erste psychische Zusammenbruch; sie belegt jedoch für einige Semester Kunstgeschichte und Theaterwissenschaft an der Universität Wien, bis sie 1967 das Studium durch Angstzustände gezwungen abbricht und ein Jahr lang zu Hause in völliger Isolation verbringt. Während dieser Zeit beginnt sie zu schreiben; ihre ersten Gedichte werden in Zeitschriften und kleinen Verlagen gedruckt. Im gleichen Jahr erscheint ihr Gedichtband "Lisas Schatten". Der erste Roman "bukolit" (1968) bleibt allerdings bis 1979 unveröffentlicht. Nach dem Tod ihres Vaters beginnt sie sich zu erholen; sie engagiert sich im Umfeld der 68er-Bewegung und lebt für einige Monate in einer linken Wohngemeinschaft. Maßgeblich für ihr weiteres literarisches Schaffen ist in dieser Zeit die Auseinandersetzung mit den Theorien von Roland Barthes, welche sie in dem Essay "die endlose unschuldigkeit" verarbeitet. 1972 lebt sie mit Gert Loschütz in Berlin, kehrt im Jahr darauf aber wieder nach Wien zurück. 1974 tritt sie der KP�- bei und engagiert sich beim Wahlkampf sowie bei Kulturveranstaltungen, wie z. B. im Rahmen der AutorInnenlesungen unter dem Titel "Linkes Wort" beim Volksstimmefest. Im selben Jahr heiratet sie Gottfried Hüngsberg. Dieser schreibt zu dieser Zeit Filmmusik für Rainer Werner Fassbinder, ist jedoch seit Mitte der 70er als Informatiker in München tätig. Seit der Heirat lebt Elfriede Jelinek abwechselnd in Wien und München. Der literarische Durchbruch gelingt ihr 1975 mit dem Roman "Die Liebhaberinnen", der marxistisch-feministischen Karikatur eines Heimatromans. Vor allem in den 70ern entstehen zahlreiche Hörspiele; Anfang der 80er erscheinen "die Ausgesperrten" als Hörspiel, Roman und schließlich auch als Film mit Paulus Manker. Der erste große Skandal um Jelinek wird 1983 durch die Uraufführung von "Burgtheater" heraufbeschworen. Das Drama setzt sich mit der mangelhaften NS-Vergangenheitsbewältigung in �-sterreich auseinander, mit der Vergangenheit der Schauspielerin Paula Wessely im Mittelpunkt. In der öffentlichen Wahrnehmung erscheint der Text jedoch reduziert auf persönliche Anspielungen auf damalige prominente Mitläufer/innen. Jelineks Ruf als Nestbeschmutzerin beginnt sich zu festigen. Im gleichen Jahr erscheint der Roman "Die Klavierspielerin". Das Roma ist eine zynische Abrechnung mit der systematischen Zerstörung weiblicher Sexualität durch gesellschaftliche und private Zwänge. Das nächste aufsehenerregende und das bestverkaufte Werk ist "Lust". Hier zeigt die Autorin die Frau als Objekt in einer von Männern dominierten Gesellschaft, entlarvt sie Sexualität als brutalen Geschlechterkampf, aus dem die Verliererinnen immer Frauen hervorgehen. 1991 tritt Jelinek, mit den beiden Vorsitzenden Susanne Sohn und Walter Silbermayer, wieder aus der KP�- aus. Gleichzeitig steht sie bis heute in kooperativem Zusammenhang bspw. mit der plural-marxistischen Wissenschaftszeitschrift �€žDas Argument�€�. Nachdem das Theaterstück "Raststätte" eine ähnliche Rezeption wie "Lust" erfährt und nach persönlichen Angriffen auf die Autorin auf Wahlplakaten der Wiener FP�- 1995 gibt Jelinek ihren Rückzug aus der österreichischen �-ffentlichkeit bekannt und erlässt ein Aufführungsverbot ihrer Stücke für die Staatstheater. Die Rückkehr ans Burgtheater dauert ganze sechs Stunden: 1998 inszeniert Einar Schleef "Ein Sportstück". Das zweite Aufführungsverbot folgt jedoch 2000 bei der schwarz-blauen Regierungsbildung in �-sterreich. Andere Texte Jelineks nehmen konkret auf die aktuelle Tagespolitik Bezug; bei einer regierungskritischen Kundgebung wird "Das Lebewohl. Ein Haider-Monolog" verlesen. Die im selben Jahr entstandene Textmontage "Ich liebe �-sterreich" kritisiert den Umgang mit Asylwerbern. Nach dem Theaterboykott kommt 2003 das Werk am Akademietheater des Burgtheaters in der Regie von Nicolas Stemann zur Uraufführung. Die Inszenierung wird zum Berliner Theatertreffen eingeladen und gewinnt den Mülheimer Dramatikerpreis. Ebenfalls 2003 inszeniert Christoph Schlingensief am Burgtheater "Bambiland". Im selben Jahr hat Olga Neuwirths Musiktheater �€žLost Highway�€� Premiere; das Libretto stammt von Elfriede Jelinek. 2004 wird in Wien das Elfriede Jelinek-Forschungszentrum gegründet, eine Dokumentations-, Informations- und Kommunikationsstelle zur Autorin, die ihren Sitz am Institut für Germanistik der Universität Wien hat. 2005 findet im Wiener Burgtheater die Uraufführung von "Babel" statt, einer monumentalen Meditation über den Irakkrieg und den Folterskandal in Abu Ghraib, wieder in der Regie von Nicolas Stemann, der im Herbst 2006 auch das neueste und vorerst letzte Stück Jelineks Ulrike Maria Stuart inszenieren wird. Im Frühjahr 2007 veröffentlicht sie auf ihrer Website nacheinander die ersten Kapitel ihres �€žPrivatromans�€� "Neid". In einem Interview mit dem �Magazin littéraire� (2007) aus Anlass der wegen ihrer Drastik umstrittenen französischen Übersetzung von "Die Kinder der Toten" wiederholt Jelinek die Liste ihrer großen Themen: eine bedrückende Kindheit, ihre Polemik gegen �€žNatur�€� und �€žUnschuld�€�, ihren Hass auf das verdrängte Nazi-Erbe des Landes. Sie meint, ein großer Teil der Literatur �-sterreichs kreise um das �€žschwarze Loch�€� Hitler.

Adelina Gurrea Monasterio (1896 - 1971)

balvarez@ateneo.edu (Beatriz Álvarez Tardío) — Wed, 04 Apr 2007 16:21:32 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español

La luz primera(1)

Maria Adelaida Gurrea Monasterio, conocida como Adelina, nació el 27 de septiembre de 1896 en la hacienda de su familia, en la población La Carlota, en Negros Occidental, en la región de Visayas de Filipinas. Su familia era propietaria de grandes extensiones dedicadas a la explotación de la caña de azúcar, el producto principal de esta zona de Filipinas. El ambiente de las plantaciones y su naturaleza tropical marcaron su infancia.
La lengua materna de Adelina Gurrea fue el español, idioma en el que comenzó a escribir desde su adolescencia. Sin embargo, al comenzar sus estudios su educación fue en inglés, lengua que ya se había instaurado como medio de instrucción; así lo describe ella misma: "Pero ni siquiera en Manila tuve ocasión de rodearme de un ambiente cultural en castellano, porque al año de llegar allí me metieron interna en un colegio de monjas (...) que llevaban el plan educativo norteamericano enseñando todas las asignaturas en inglés". También hablaba el visaya, que había aprendido con los criados y con los hijos de los obreros, los que fueran sus compañeros de juegos infantiles.
A los 11 años preparó un par de obritas para representar en el colegio y a los 15 recibía su primer premio en el concurso de cuentos de la revista "El Bufón". En su juventud se encargó de dirigir la "Sección Femenina y Literaria" de los sabatinos del periódico La Vanguardia de Manila. Con este trabajo, que hizo durante tres años, contribuyó de forma decisiva a las letras filipinas en español, pues se encargaba de seleccionar los textos que aparecían en la misma.
En 1921 se trasladó a España, donde vivió de forma continuada hasta su fallecimiento, aunque siempre mantuvo su nacionalidad filipina. Se desplazó toda la familia, su madre y hermanos, excepto el mayor, Ricardo, que ya casado se quedó en Filipinas. Probablemente su madre deseaba este regreso a España y se vieran obligados a acompañarla, como parece indicar ella misma en el prólogo a un ensayo sobre José Rizal de 1966. Adelina siempre vivió con su madre y cuidó de ella.
En un principio Adelina Gurrea seguiría colaborando desde España con La Vanguardia y con otros periódicos manileños como El Mercantil y El Excelsior. Según sus notas durante la guerra civil española Adelina actuó de corresponsal del diario bilingüe Tiempo/Times de la ciudad de Ilo-Ilo, publicando bajo el seudónimo "Juan de Castilla" .
Su interés y su preocupación por Filipinas la llevaron a participar en la fundación de la Asociación España-Filipinas en 1934 en Madrid. Más adelante en 1950 fundaría el Círculo Hispano-Filipino también en Madrid. Sabemos a través de sus notas que trabajó como secretaria de la Escuela Plurilingüe de Madrid y fue Tesorera del Lyceum Club Femenino de Madrid. También pertenecía a la Asociación de Escritores y Artistas de Madrid y coleccionaba libros sobre Filipinas.
Nunca dejó de sentirse filipina ni de añorar la tierra donde creció, a la que dedicó la mayor parte de sus escritos. El regreso definitivo a Filipinas fue un viaje que retrasó una y otra vez desde que marchara siendo joven. Realizó algunas visitas a Filipinas, acudiendo también a su tierra visaya de La Carlota. Estuvo durante un largo periodo de tiempo en 1958 tras el fallecimiento de su madre, y en otra ocasión cuando se le otorgó el reconocimiento de la Academia Filipina en 1966.
Encontrándose ya en avanzada edad concedió a la publicación de sus poemas de juventud (En agraz, 1968). Pocos años después fallecía en Madrid, el 29 de abril de 1971.

________________
(1) Tomado de un verso de la autora de su poema "La patria".

Ana Guillot (1953 - )

briorquina@hotmail.com (Brigidina Gentile) — Sun, 09 May 2010 10:52:58 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: castillano

Ana Guillot nace en Buenos Aires, pero vive desde su infancia en las afueras, a unos veinte kilómetros de la misma. Hija única y lectora empedernida. La Universidad de Letras oficializa la avidez, le da título, acrecienta la mirada analítica, el estudio incansable, la vocación de investigar. A partir de ese momento la docente y la escritora comienzan a disputarse espacios, o a danzar en armonía. Fue docente secundaria (profesora de Lengua y de Literatura, y coordinadora general de área correspondiente en el Colegio Santo Tomás de Aquino, dependiente de la Universidad Católica Argentina), y universitaria (asistente en la cátedra de Didáctica y Pedagogía de la dicha Universidad). Coordinó el Taller de la Siesta (en colaboración), y co-condujo el programa radial Dos Palabras, y los ciclos de poesía Las hermanas de Casandra (en Telefónica Argentina y en la Casa de la Poesía) y Tohu-bohu (en el que se presentaron numerosos poetas y escritores del ámbito nacional y del exterior). Coordina actualmente el Taller Tangerina, con diferentes modalidades: grupos de lectura y reflexión y/o escritura, clases individuales, asesoramiento a escritores en el armado y corrección de sus textos (existen más de cien publicaciones entre antologías y libros individuales de ella y de sus alumnos). También dicta seminarios de Literatura, de Mitología y/o de crecimiento personal en su país y en el exterior.
Como docente ha publicado (en colaboración con Mercedes Aguirre Saravia) El taller de escritura en el ámbito escolar (1987), y ¿Querés que te cuente el cuento? (1989). Fue una de las primeras en implementar el sistema de talleres de escritura en las escuelas; y, por lo tanto, formadora de docentes en dicha modalidad.
Como poeta ha publicado: Curva de mujer (1994), Abrir las puertas (para ir a jugar) (1997), Mientras duerme el inocente (1999), Los posibles espacios (2004), y La orilla familiar (Botella al mar, 2008; versión bilingüe castellano-catalán; libro presentado en: Buenos Aires, Madrid, Valladolid, Pontevedra, Barcelona y Roma, 2009). De este último fueron seleccionados y traducidos al italiano veinte poemas, en una publicación bilingüe La orilla familiar/ La soglia familiare, a cardo de la editora Giuliana Lucchini y el grupo Le Melegrane. Integra diversas antologías, y colabora con publicaciones del país y del exterior. Ha sido invitada a participar de la Semana de la poesía en Barcelona (2004); del Festival internacional de Rosario (2005); del Festival de Poesía de Zamora (Méjico, 2006), del Encuentro auspiciado por la Casa del Poeta Peruano (Perú, 2006), de Las dos orillas (Uruguay, 2008), del Encuentro Internacional de El Círculo, de Rosario (2008), de Junín (2006, 2008 y 2009), del II Encuentro Internacional de Poetas O Grove (Pontevedra, 2010); nuevamente, de Zamora (2010), Valdivia (2010), y el Festival Internacional de La Habana (2010).
Su obra ha sido publicada parcialmente en España, Venezuela, Chile, Uruguay, Méjico, Austria, Estados Unidos, Italia, Nicaragua, Perú y Puerto Rico; y traducida al inglés, catalán, árabe, alemán, italiano y portugués.
Ha sido integrante en los encuentros internacionales: Kafka-Borges (2007), Jorge Luis Borges (2008), Hacia el bicentenario: veinte años de mujeres en las letras (2009); del Foro Internacional organizado por la Fundación Mempo Giardinelli (Resistencia, Chaco; 2009). Y de numerosos ciclos en su país y en el exterior; entre estos últimos: El ovillo de Ariadna (Madrid, 2009), Los Viernes del Sarmiento (Valladolid, 2009), Brumario Poético (Pontevedra, 2009), Original (Barcelona, 2009), y Le Melegrane (Roma, 2009; con entrevista del profesor Edoardo Balletta de la Universidad de Bologna). Acaba de recibir una mención en el Certamen internacional de poesía �€�Patagonia: sur del mundo�€�. Su primera novela Chacana está inédita. Trabaja en una versión novelada de las voces de las mujeres de la guerra de Troya (Clitemnestra, Electra, Ifigenia, Casandra, Andrómaca, Hécuba, Helena, entre otras), y en un nuevo libro de poemas. Está en preparación la edición (marzo del 2010) del libro de crecimiento espiritual La lección de las diosas, junto a las terapeutas Silvia Salinas y Rosanna Spinzo (Buenos Aires, editorial Del Nuevo Extremo), que saldrá en edición conjunta entre Argentina, Méjico y España.

Amalia Guglielminetti (1881 - 1941)

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Wed, 10 Sep 2008 16:12:14 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Los comienzos y Gozzano
Amalia Guglielminetti nace en Turín el 4 de abril de 1881 y morirá en la misma ciudad el 4 de diciembre de 1941. Pertenece a una familia de industriales acomodados.
Amalia tiene dos hermanas, Emma y Erminia, y un hermano, Ernesto, que nace de Pietro Guglielminetti y de Felicita Lavezzato. El bisabuelo Pietro Guglielminetti se traslada de Cravanzana sobre 1858 a Turín, donde funda una pequeña industria de materiales de madera: es precisamente él, proveedor del Ejército del Reino de Piamonte, el inventor, hacia 1860, de la cantimplora, entonces de madera. Las primeras cantimploras de aluminio aparecen a partir de 1912. Amalia en 1941 escribe un artículo "Come nacque la borraccia" en la rivista "La lettura", para recordar a su familia y para polemizar contra los "plutocrati" ingleses, cuyo ejército "veniva a rifornirsi di fiaschette militari nel cantiere di quegli onesti industriali torinesi che si chiamavano i Fratelli Guglielminetti" (Guglielminetti, 1941).
El padre de Amalia muere cinco años después de nacer ella. A su muerte, en 1886, la familia se traslada a la ciudad del abuelo Lorenzo "vecchio parsimonioso industriale, rigido clericale e severo custode del focolare domestico" (Benso, 1944) que la hace estudiar en el instituto religioso para muchachas de las Fedeli Compagne di Gesù. La vida de la familia se redujo, por un lado a la figura patriarcal y autoritaria del abuelo, y por otro, a la falta de la figura materna, totalmente ajena a la educación de sus hijos, sobre todo a la de Amalia.
En 1901 empieza a colaborar con la "Gazzetta del Popolo", publicando poesías en el suplemento dominical, parte de las cuales se publicarán en el volumen "Voci di giovinezza", editado en 1903. Se trata de un volumen de carácter "carducciano", en el que aparecen algunas composiciones filo-dinásticas, como la dedicada a la realización de un monumento al duque d�Aosta, Amadeo de Saboya, o la oda conmemorativa por el nacimiento de la princesa Yolanda de Saboya. Son versos algunas veces escolásticos y torpes por lo que no dejan una gran huella en el panorama literario de Turín (estos versos de "Sogni e ricami" se encuentran en "Voci di giovinezza"):

Chi d�Aracne e Penelope a la scuola
vuol ch�io m�edùchi e non de� Vati al canto
poco è saggio, ché spirto giovanile
schiavo non è d�umil opra [...]

Sin embargo, "Voci di Giovinezza", publicada con dieciocho años y dedicada a su padre, crea una cierta confusión en la sociedad bienpensante de Turín, a causa de alguna toma de posición política que no es bien vista por la buena sociedad de la misma ciudad, burguesa y monárquica. La poetisa conmemora, en la colección, el "giglio sabaudo", pero lo presenta con el riesgo de que pueda ser manchado con la sangre de "un giorno di spasmo e d�orror". Es una evidente referencia a los alborotos de Milán (1898) y a la durísima represión realizada por el general Fiorenzo Bava Beccaris, con la aprobación del Rey.
Además, in nuce, se deja entrever la Amalia Guglielminetti capaz de expresar sus propias pasiones con una libertad generalmente prohibida a las mujeres de la época. Como en "Sogni e ricami", soneto que permite a Amalia expresar el propósito de sustraerse de sus propias obligaciones femeninas, para dedicarse totalmente a la poesía.
Completamente diferente es la acogida que recibe la siguiente colección de poesías. "Le vergini folli" (1907) representa los recuerdos de la infancia de la poetisa, de la época de la escuela religiosa, reflejando y, al mismo tiempo, adulterando la educación recibida. Al contrario de la colección anterior, ésta la consagra como poetisa de relieve, y llama la atención del joven poeta Guido Gozzano, conocido por primera vez en 1906 en la sala de los periódicos de la Sociedad de Cultura de Turín.
Como testimonio del éxito de la segunda colección, sólo hay que recordar que su manuscrito, presentado al profesor Arturo Graf, fue públicamente definido como "collana preziosissima" de versos "belli e nuovi" (Pitigrilli, 1919: 12). Una vez publicada, Graf, en una nota a Amalia escribe que "la sua ispirazione è viva, schietta, delicata quanto più si possa dire, e l�arte la seconda a meraviglia. Quelle sue figure di fanciulle e donne son cose di tutta gentilezza, e molti sonetti son di squisita fattura. E il tutto par che le venga così spontaneo!" (Guglielminetti, 2007: 202)
Por otra parte, Dino Mantovani, crítico literario de "La Stampa", ve en Amalia una mezcla entre Gaspara Stampa y Saffo.
Mientras, Amalia empieza a tener una relación cada vez más íntima con Gozzano. Él le envía su "Via del rifugio" y ella le responde con una copia de sus "Vergini folli", comentando que, en aquella obra, no había "ancora assaporato le squisitezze dell�arte, solo ho sfiorato l�essenza, l�anima della sua poesia: un�anima un poco amara, un poco inferma." (Gozzano, 1951: 27).
Gozzano responde el 5 de junio de 1907, rifiriéndose a la opinión de Mantovani: "I suoi sonetti, tecnicamente euritmici, disinvolti nell�atteggiamento, nobilissimi nella rima ricca [...] sono superiori a quelli di Gaspara Stampa [...] il lettore ha l�impressione di essere per qualche istante ammesso in un giardino claustrale: [...] Ella conduce il lettore attraverso i gironi di quell�inferno luminoso che si chiama verginità" (Gozzano, 1951: 29).

En la colección, el poeta se da cuenta, antes de nada, de la presencia de una especie de itinerario guiado en la intimidad secreta de la virginidad claustral, inquieta e insatisfecha, que se puede recorrer de figura en figura y, en segundo lugar, determina -el infierno luminoso es el Purgatorio- raíces dantescas en la redacción de los sonetos, redimensionando el petrarquismo de Amalia y destacando el inevitable estilo de D�Annunzio de los versos.
De hecho la relación entre los dos, inicialmente impulsada por una recíproca admiración, se transformará en amor y poco después en una especie de "fraternidad espiritual".
De sus "Lettere d�amore", escritas entre 1907 y 1910, es posible reconstruir una imagen fiel del clima no sólo literario, sino cultural en general de aquellos años: la Belle Époque de la burguesía de los tiempos de Humberto I, entre debates amorosos, boas de plumas de avestruz y sombreros con velete.
Si la belleza de ella había sido unánimemente reconocida por Gozzano y por los asistentes a los salones literarios, el hecho de que la mujer escribiese (y aún por encima bien) no lo soportaba nadie.

La poetisa, en su diario, cuenta la escena del encuentro en la Sociedad de Cultura. Esa noche Gozzano la llama por teléfono a casa. Éste es el comienzo de su atormentada y pasional historia. Cuando su historia termina, Amalia, convertida en una hermana del arte, continuará a dialogar y a compararse con él en la literatura y en la vida.

Los críticos y los escritores reaccionan expresando sus propios prejuicios hacia una escritora mujer, pero la anécdota en Amalia suscita más diversión que rabia.
En 1908, la poetisa viaja a Roma para asistir al Congresso Femminile Nazionale, pero la desilusiona y llega a definir a las asistentes un "consesso di gente sprovvista d�ogni grazia di gesti e d�ogni eleganza di spirito" (Gozzano, 1908). Se trata de "donne d�ogni età e d�ogni presenza, ma tutte così poco accoglienti, così poco fraterne, così intimamente sconosciute e ostili quasi l�una all�altra da destare in me un senso sordo di antipatia sdegnosa per tutto ciò che sa di riunione femminile" (Gozzano, 1908).

A causa de estas declaraciones fue tachada de antifeminista durante muchos años. Pero en realidad es evidente que la crítica de la poetisa a las congresistas es el hecho de tener poco espíritu corporativo, poca solidariedad femenina. Además poco a poco Amalia aclarará que no es para nada antifeminista.
En 1909, se edita el tercer poemario, "Le seduzioni", con la que la poetisa construye su fama de mujer perversa y sensual, que se mueve libremente entre amor lésbico y amor conyugal, sin sacrificar su propia figura o poner en discusión lo que es. Éste es el poemario que mejor define a Guglielminetti, y que sintetiza su naturaleza como "colei che va da sola".

En el mismo año muere su hermana Emma, lo que le inspira la composición de otro volumen de poesías que verá la luz en 1934, dentro del poemario "I serpenti di Medusa".
La naturaleza de la poesía de la escritora, unida a su aspecto inusual, con el pelo largo y moreno y vestida siempre al último grito parisino, la convierten en una figura estridente en el panorama cultural de Turín. Además la naturaleza solitaria de Amalia Guglielminetti, hace de ella un personaje completamente anticonformista. De esto deriva, en gran parte, la atmósfera negativa que se crea alrededor de ella (cfr. Guglielminetti, 2003).

Pitigrilli y el progresivo aislamiento
"Se non fossi uno studente, risponderei Amalia Guglielminetti. Ma poiché lo sono dico: Dante Alighieri".
Con estas palabras, Dino Segre, conocido con el pseudónimo de Pitigrilli, en 1913 responde al titular de la cátedra de Literatura Italiana ante la pregunta ¿quién es el mejor poeta italiano de todos los tiempos? Guglielminetti era conocida, por aquellos años, también por su salón, lugar de encuentro de la Turín culta (Pitigrilli, 2004).
Cuando llega a los oídos de Amalia la excéntrica respuesta del estudiante, Amalia invita a Pitigrilli a tomar el té. Lo bautizarán con el nombre de "efebo biondo" por su aspecto y "frate Piti" por su jesuítica erudición. Con apenas veinte años, Dino se enamora de la escritora emancipada, que le abre las puertas al periodismo y corresponderá a su amor sólo en 1918 (cuando él ya tiene veinticinco), dando vida a una relación turbulenta, que entristecerá a Amalia y que terminará con un pleito en los Tribunales.
Ambas personalidades son extremamente fuertes y provocativas. A mediados de octubre de 1918, Pitigrilli va a Roma con Amalia, donde el periodista Tullio Giordana, director del periódico liberal-democrático "L�Epoca", lo contrata con la intención de hacerle escribir artículos chispeantes, para hacer olvidar a los lectores, al menos por algunos momentos, los sufrimientos del conflicto mundial que acababa de terminar. Viajando a Istria como enviado, aunque detestaba el periodismo, llega a la ciudad de Fiume y se encuentra ante una ciudad llena de contrastes y contradicciones. Para burlarse de los nacionalistas, escribe un artículo ("Fiume, città asiatica") que provoca un gran escándalo e irritación. Secuestran "L�Epoca" y Pitigrilli se ve obligado a refugiarse en Suiza, desde donde sigue escribiendo para un periódico independiente.
En estos momentos Pitigrilli comienza a redactar la excitante biografía de su protectora Amalia, que se publica en 1919 en el séptimo número monográfico de la "Modernissima".
Hasta el momento todo funciona bien, pero en 1921 empiezan las discusiones, que llevan a Amalia a verlo cada vez menos. Pitigrilli está celoso, a pesar de sus numerosas aventuras con otras mujeres. Precisamente son los celos de él los que empiezan a debilitar a la pareja. A partir de este momento Dino aparecerá en la prensa no sólo por su celebridad como escritor, sino también por sus numerosas aventuras pasionales.
En 1923, Pitigrilli, convertido en el escritor más leído en Italia, intenta afrontar el género de la comedia teatral con Amalia. Se trata de un camino que ambos se ven obligados a interrumpir bruscamente, lo que hace que Pitigrilli se acerque una vez más al periodismo, que, desde 1922, con los comienzos de Mussolini, ha cambiado completamente.
Pitigrilli intenta realizar un proyecto que había pensado desde hacía tiempo: una revista sin intenciones morales: innovadora a nivel gráfico y con "le novelle dei massimi scrittori italiani". Pero en el primer número de la revista "Le Grandi firme", del 1 de julio de 1924, falta la firma de Guglielminetti. Pitigrilli, una vez alcanzada la fama necesaria, prescinde de esa intelectual incómoda que puede robarle la escena. Por consiguiente Amalia rompe cualquier tipo de relación con su "efebo biondo" desde ese mismo año.
Pitigrilli publica una segunda revista de teatro, "Il Dramma", mensual que obtiene muy buena crítica. El éxito de ambas revistas anima a Pitigrilli a publicar una tercera, cuya dirección se ocupa Anselmo Jona. El primer número de "Le Grande novelle" contiene un ataque feroz a Amalia quien responde un mes más tarde desde su nueva revista "Le seduzioni". Guglielminetti será una de las pocas mujeres italianas que lanzarán y dirigirán un periódico literario, que llama "Le Seduzioni" en honor a su poemario más famoso.
La discusión entre ambos no cesa y después de algunas vicisitudes desagradables el 11 de enero de 1928, Pitigrilli es arrestado por una denuncia de Amalia que posteriormente el Tribunal rechazará.
A pesar de las tortuosas situaciones que vive por la relación con Pitigrilli, Amalia no abandona su propia actividad literaria. Entre 1916 y 1925 publica algunos libros para niños: "Fiabe in versi" (1916); "La reginetta Chiomadoro" (1923); "Il ragno incantato" (1922) y "La carriera dei pupazzi" (1925). Pero algo inevitablemente había cambiado en su equilibrio interior. La turbulenta relación sentimental con Pitigrilli le causa un colapso nervioso e ingresa en el hospital psiquiátrico: experiencias, que marcarán para siempre el estilo de la poetisa, que desde ese momento se hará más duro.
En estos años, salen algunas colecciones de relatos cortos, y se representan varias comedias, que obtienen mucho público. Muchas de sus producciones empiezan a causarle problemas judiciales: en 1923, la colección de narraciones "Quando avevo un amante" le cuesta un juicio por ultraje al pudor; en 1925, la Lega della Pubblica Moralità considera la novela "La rivincita del maschio", inmoral y obscena.
Amalia Guglielminetti se aísla todavía más y empezará a espaciar sus producciones literarias. La última será la edición de "I serpenti di Medusa" de 1934 donde recoge muchas poesías del primer decenio del siglo XX. Morirá en 1941, con sesenta años y no cincuenta y tres como aparece en el testamento, por complicaciones debidas a un accidente que tuvo durante un raid aéreo.

Amalia Guglielminetti será recordada como una figura solitaria y atormentada por los cambios de humor y depresivos, pero a pesar de esto, por su estilo de vida y por su actividad literaria, demostrará ser, dentro del proceso de emancipación femenina de su tiempo, una de las figuras más importantes del panorama cultural italiano, como intelectuales de la categoría de Sibilla Aleramo o Carolina Invernizio.

El teatro
Amalia Guglielminetti escribió cinco textos de teatro y todas ellas se representaron con éxito: las comedias en tres actos de "Il baro dell�amore", de 1920, y "Il gingillo di lusso", de 1924, y las comedias en un acto "Nei e cicisbei", de 1920, y "Il ladro di gioielli", de 1924. Hay que añadir también el estreno teatral de Amalia: el poema trágico "L�amante ignoto", de 1911.
Se dice que existe un sexto texto, un texto que Amalia no había escrito pero que tenía en la mente: "Lo stato di grazia". El número de "Comoedia" (a. II, n. 8, 1920, p. 5) en el que se publicó "Nei e cicisbei" anuncia su inminente publicación, pero no hay más noticias de la época. Hoy las obras teatrales de Amalia Guglielminetti son casi imposibles de encontrar, sólo existen ediciones de la época.
En "L�amante ignoto", fuerte y original poema trágico en tres actos, a través de una forma brillante, "il brivido che va dalla nuca al piede" (Villani, 1915: 341) de "Le Seduzioni", es decir, el escalofrío insidioso, se convierte en el único latido de tres existencias que son áridas, incapaces de hacer sentir cualquier otra sensación. No es una perversión, sino una obsesión morbosa, un deleite refinado, decadente, que sobrepasa toda realidad vivida.
"L�amante ignoto" no es el fruto de una observación directa de la vida, sino de una ficción que responde a un particular gusto estético. Afirma Villani que "Quando ella potrà osservare la vita, ci rivelerà inconscia la parte più profonda dell�anima sua, quella che ora difende con fierezza sdegnosa. E ci darà un capolavoro: il suo ingegno e l�arte sua ne hanno la potenza e in lei ne sentiamo l�anelito" (Villani, 1915: 341-342).

Algunas escenas del poema las recita, en 1911, Lydia Borelli, en el salón "Donna" de Turín y entusiasma al auditorio. "L�amante ignoto" es considerada la obra que testimonia la separación, por parte de la autora, de pesadas influencias de la poesía de D�Annunzio.
Pero mucho más lejanas del estilo de D�Annunzio son las otras cuatro comedias que Amalia escribe y publica entre los años 1920 y 1924. Con estos textos Amalia abandona también la idea de una escritura escénica trágica, potente y poética, para cambiar el rumbo hacia un estilo que se orienta en la prosa, se hace más coloquial y vuelve a las huellas de D�Annunzio pero esta vez no para hacer referencia a ellas, sino, al contrario, para parodiar su estilo.
Estos son los años del género grottesco. Amalia escribe sus cuatro comedias en este contexto teatral. Entonces también ella pone en escena la mezquindad y vacuidad de la clase burguesa, a través de historias de traiciones y triángulos amorosos (es el caso, por ejemplo, de "Il baro dell�amore", personaje extremamente parecido a los de D�Annunzio por su esteticismo narcisista y burgués), en las que todos los personajes están caracterizados por una obtusa y estúpida obsesión por los moralismos hipócritas de una clase social cada vez menos vital y en crisis. Incluso cuando la ambientación no es contemporánea, como en "Nei e cicisbei", comedia ambientada en los salones nobles del siglo XVIII, la intención nunca es la de la reconstrucción histórica, sino la de una alegoría de la burguesía italiana, vacía y enamorada de sí misma como la nobleza del siglo XVIII.
Encontramos en las comedias de Amalia, probablemente la huella más auténtica de su relación con Gozzano. A pesar de la gran distancia estilística que separa a los dos autores, encontramos, en estas comedias, esa capacidad para utilizar una refinada ironía, como instrumento para juzgar la inconsistencia de los usos y costumbres de la burguesía italiana de los años 20. Una ironía que, unida al instrumento de lo grottesco, se convierte en instrumento de análisis y juicio mordaz y despiadado de una clase social que ha agotado su propio impulso vital y creativo, para recrearse en las comodidades de una condición social ya segura acorde con el vacío y patético esteticismo de D�Annunzio, sin ninguna ambición intelectual.
Cualquiera que sea el ámbito del que se ocupe, la de Amalia Guglielminetti emerge siempre como una figura incómoda, provocativa, anticonformista: una mujer que ha pagado a un precio muy caro la elección de ser independiente, en una época en la que una idea de este tipo chocaba contra todos los sistemas morales vigentes, tanto el católico como el burgués.

Isabelle Augusta Gregory (1852 - 1932)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Tue, 03 Apr 2007 02:08:10 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: INGLÉS

Isabelle Agusta Persse, más conocida como Lady Gregory nació en Galway, Irlanda, el 15 de marzo de 1852. Era la más pequeña de doce hermanos, hija de un rico propietario de tierras en Irlanda. Recibió toda la educación en casa lo que hizo que desarrollara un profundo interés por el folclore y las leyendas irlandesas gracias a su niñera que hablaba gaélico irlandés. A la edad de veintiocho años se casó con Sir W.H. Gregory, un viudo de sesenta y tres años, que había sido diputado por Galway y responsable de la gran hambruna que asoló esa zona en 1850. Se trasladaron a vivir a Londres y ella se vió rodeada de escritores de la talla de Browning, Tennyson y Henry James entre otros. Una vez muerto su esposo en 1892, ella decidió visitar las islas Aran y a raíz de esta visita empezó a estudiar gaélico irlandés.
En su vida escribió más de 40 obras de teatro, junto con un gran número de poemas y ensayos. Se dedicó también a recopilar cuentos y leyendas de Galway y a traducir al inglés obras escritas en gaélico.
En el año 1898 conoce a Yeats y a partir de entonces funda el Irish Literary Theatre y más tarde la compañía de teatro Abbey Theatre Company que dirigió junto a Yeats y J.M. Synge. Este momento marca el comienzo de lo que se ha llamado Irish Literary Revival, un movimiento literario basado en el teatro fundamentalmente y cuyos objetivos eran dar a conocer la cultura irlandesa y promover la identidad nacional.
Sus grandes habilidades organizativas y administrativas fueron cruciales para el desarrollo de la compañia de teatro, convirtiéndose de esta manera en una mecenas de la cultura irlandesa.
Escribió su primera obra al cumplir los 50 años y desde entonces no paró de crear obras de teatro, e incluso de actuar en ellas, en un dialecto anglo-irlandés que ella desarrolló llamado "Kiltartan" que refleja el habla del campesino irlandés. Su casa de Coole se convirtió en el centro de este movimiento literario.
Murió en mayo de 1932 a la edad de 80 años.

Lady Gregory (1859 - 1932)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Sun, 09 May 2010 10:53:46 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Inglés

IsabellaAugusta Persse nació en Roxborough, condado de Galway en Irlanda en 1859. Con 28 años se casó con Sir W.H. Gregory, un viudo de sesenta y tres años que gozaba de gran prestigio político a nivel internacional y nacional en Irlanda y que murió en 1892. A raíz del fallecimiento de su marido, Isabella viajó a las islas Aran y decidió aprender gaélico. En 1896 conoció al escritor B. Yeats con el que compartió este mismo interés y con el que fundó el teatro irlandés "Irish Literature Theatre", y más tarde el Abbey Theatre Company junto con el escritor J.M. Synge en 1904. Este momento marca el comienzo del movimiento literario Irish Literary Revival. Su prodigiosa mente le llevó a escribir obras de teatro, poemas, relatos y a traducir literatura con la intención de reforzar el sentimiento nacionalista irlandés a través de la literatura para todos los públicos y sectores de la sociedad irlandesa.
Su primera publicación "Poets and Dreamers" (1903) era un compendio de traducciones realizadas por ella de cuentos cortos y narraciones orales. El siguiente libro "Gods and Fighting Men" (1904) basado en la mitología irlandesa.
Su principal actividad se centraba en dirigir la compañía de teatro irlandesa y ayudar a Yeats con los diálogos de sus obras en los que reproducía el habla de los campesinos irlandeses. Así mismo Isabella escribió 19 obras de teatro y 7 traducciones de obras que se representaron en el Abbey Theatre entre 1904 y 1912.
Murió el 22 de mayo de 1932 en Coole Park, Galway.

Eladia González (1940 - )

lavander_jcm@yahoo.co.uk (Judith Castaneda-mayo) — Sat, 26 Dec 2009 16:03:22 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: Español

Mexicana nacida en La Habana en 1940, es escritora. Su primera novela, Quién como Dios, es una de las más conmovedoras y exitosas de los últimos tiempos, tan sólo en su primera edición alcanzó los veinticinco mil ejemplares en México y otro tanto en sus ediciones en España y Argentina, convirtiéndose en una de las novelas más leídas hasta nuestros días.

�€�Sólo los viejos sabemos lo que la vez pesa. Es como andar por la vida con otro cuerpo encaramado sobre los hombres�€�, oyó decir en una ocasión Soledad Ugarte cuando era joven. Mucho tiempo había pasado desde que se lo dijeron y aún recordaba la frase, pero no así a su dueño.

Su última novela biográfica �€�Las cartas de Ema Galán�€� presenta al lector de hoy el lenguaje y las costumbres del México de la segunda mitad del Siglo IXI, a través de la narración.
http://www.cidcli.com.mx/nuevo/htmlpages/autores/eladia.htm
Este 22 de diciembre presentó al lector de hoy el lenguaje y las costumbres del México de la segunda mitad del Siglo XIX, a través de la narración novela epistolar de su más reciente obra, "Las cartas de Ema Galán", es preocupación y objetivo de la autora mexicana Eladia González.
Durante una entrevista, la escritora señaló que "Las cartas de Ema Galán" es la tercera novela en su bibliografía personal. Hace 10 años dio a conocer su primera obra, "Quién como Dios", seguida de "Mi nombre es Eva". Tras una pausa en su quehacer literario, hoy, sorprende de nuevo.
Explicó que en la trama de su nuevo texto, una joven de la segunda mitad del Siglo XIX, Ema Galán, vive en San Miguel de Allende. "Pertenece a una familia criolla, conservadora, que viene de aquellos personajes que hicieron la Independencia años atrás", comentó la autora de modulada voz.
Ese personaje, agregó, tiene una prima, quien se enamora de un liberal de nombre Tiburcio Márquez, quien llegó al pueblo. "La familia no le permite la relación y huye con él. Emma Galán le escribe cartas a la prima que se fugó con el liberal, y ahí inicia una relación epistolar de gran importancia".
De profunda mirada azul, la autora descubre en su novela que a través de esas cartas, ingenuas y candorosas, se retrata la historia de México en esos momentos, siempre bajo la mirada de esa muchacha, quien le escribe a la prima que ya vive en la capital con su amor, el liberal Tiburcio Márquez.
"El amor termina con la muerte del joven. A él lo entierran bajo la escalera de la casa de la muchacha. La muerte se origina cuando él entra a la casa y lo confunden. El padre le dispara y lo mata, pues eran tiempos de revueltas en San Miguel y el papá pensó que se trataba de un peligro".

Gertrudis Gómez De Avellaneda De Arteaga (1814 - 1873)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sun, 09 May 2010 10:51:44 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: español

Gertrudis Gómez de Avellaneda de Arteaga representa en sí la fusión más clara entre literatura y vida como emblema del Romanticismo más acendrado; y sin embargo, a pesar de su formación neoclásica será reconocida en su época como una de las figuras clave de este movimiento en lengua castellana. Su obra es una síntesis de dualidades encontradas manifiestas en todos los géneros, que cultivó abundantemente: en su poesía, la experiencia amorosa se conjuga con la avidez religiosa y el escepticismo social; en su novela el exotismo de las costumbres caribeñas se arraiga a la visión peninsular, y en su teatro la eficacia de la tragedia clásica se mezcla con la rotundidad del drama romántico.

Su rebeldía en contra de los convencionalismos sociales que traspasa también a los personajes femeninos de sus obras la convierte en una mujer lúcida y adelantada a su tiempo, antecedente y símbolo del feminismo más moderno.

La crítica en general, se hace eco por testimonios de la época de dos cualidades que definirían la persona de �€�La Avellaneda�€�: su deslumbrante belleza y su carácter impetuoso; atributos que suscitarán por una parte, la admiración entre sus coetáneos y que le granjearán por otra, envidias y enemistades.

Así, su exultante vitalidad y su talento serán entendidos en términos de �€�travestización�€�, de �€�proyección viril del espíritu�€� en una encarnadura netamente femenina, como dirá de ella Zorrilla con palabras análogas en su libro Recuerdos del tiempo viejo: �€��€�los pensamientos varoniles de los vigorosos versos�€�revelaron algo viril y fuerte (�€�). Era una mujer; pero lo era sin duda por un error de la naturaleza�€� (Zorrilla, 1998: 431-32).

Gertrudis Gómez de Avellaneda nace el 23 de Marzo de 1814 en Cuba, en Puerto Príncipe (región de Camagüey), en el seno de una familia de descendencia noble española. Su padre, Manuel Gómez de Avellaneda, comandante de la marina española y encargado de las regiones centrales en Cuba y su madre, la criolla Francisca de Arteaga y Betancourt proporcionaron a Gertrudis o �€�Tula�€�, como era llamada en el ámbito familiar, un marco privilegiado para el estudio y la cultura. Su formación correrá por cuenta de tutores privados y mostrará desde pequeña un gran entusiasmo por la lectura, que la llevarán no sólo al disfrute y asimilación de conocimientos varios sino a activar su imaginación creando y representando comedias, escribiendo cuentos y poesías. Se entretendrá adjudicando los papeles de sus obras entre sus amigos, eligiendo ser siempre la protagonista.

A los nueve años, muere su padre, hecho que marcará su vida, volcándose a modo de catarsis aún más en la lectura, incentivando su pasión por ella para saciar su desazón íntima. A esta circunstancia se une el agravante de que su madre decide casarse de nuevo con un oficial español, Gaspar de Escalada con el que �€�Tula�€� no siente ninguna afinidad. La vida doméstica la aburre y su �€�desarraigo�€� emotivo la inclinan a actividades artísticas como la danza, la música y la pintura que practicó en su adolescencia, pero entre los grandes espectáculos sociales y literarios, será el teatro el que atrapará su atención por completo colmando todas sus expectativas. Esa apuesta incondicional por la cultura y el estudio provocará las burlas de sus parientes que la tildarán despectivamente de �€�Doctora y Atea�€�.

A los doce años, para solucionar sus problemas económicos, sus padres determinan casarla con un pariente lejano rico. Dos años después, se negaría a llevar a efecto este compromiso creando un grave conflicto familiar, al perderse la herencia de su abuelo. Este hecho la hará sufrir bastante llegando a contemplar incluso la posibilidad del suicidio. Así las cosas, se precipitó el regreso a España. Gertrudis y su familia se instalaron al principio en casa del padrastro, en La Coruña, ambiente que la autora estimó demasiado conservador para su desarrollo, optando por establecerse con su hermano en Cádiz y después en Sevilla, lugar propicio donde desplegará su carrera artística en un entorno cultural delimitado. Se dará a conocer en seguida (aunque era ya considerada una escritora de talento antes de su entrada en España) proponiendo sus primeros trabajos literarios y generando una gran admiración en torno a su persona. Bajo el seudónimo de �€�La Peregrina�€� publicará sus primeros versos en distintas revistas en 1839 y se pondrá en contacto con las figuras más destacadas del �€�mundillo�€� literario sevillano: Juan José Bueno, José Amador de los Ríos y Gabriel García Tassara. En este mismo año iniciará una relación con Ignacio de Cepeda que durará por carta hasta 1854, hecho clave reflejado en su Autobiografía y sus Cartas de amor (para su amado); índice interesante además de por su contenido emotivo, también por el elenco anotado de sus lecturas donde se aprecia el eclecticismo de su formación neoclásica que se suma a la influencia romántica: Walter Scott, Mme. Staël, Chateaubriand, Lord Byron, Corneille, Victor Hugo, Alberto Lista, Manuel José Quintana y José María Heredia.

En Junio de 1840, se estrenará su primera obra dramática Leoncia recibiendo una notable acogida por parte del público sevillano.

En el verano de ese mismo año se traslada con su hermano a Madrid, con motivo del fin de su relación con Cepeda y para recibir una herencia, por vía de sus tíos paternos. Madrid supondrá para la autora un horizonte fecundo de inspiración literaria, donde se expresará con fuerza y contundencia, y será dada a conocer en los círculos intelectuales más prestigiosos: Lista la acreditará con su carta de recomendación y Zorrilla la presentará en el Liceo. En general, en los círculos masculinos se elogiará su talento pero siempre entendido como una antítesis a su condición femenina. Valera se convertirá en uno de sus más fieles defensores. Su conciencia creativa y la determinación de su carácter suscitarán admiración y estima pero también envidias y suspicacias por parte de sus detractores.

En 1841 publicará el primer tomo de sus Poesías y su controvertida novela abolicionista Sab, que le dará el salto a la fama dentro del mundo latino. En 1842 colabora en distintos periódicos y dará a la luz su novela Dos mujeres, ejerciendo una crítica sobre los matrimonios de conveniencia, la hipocresía social y la precariedad de la situación femenina.

En 1844 aparece su novela Espatolino y será sobre todo un año crucial por el inicio de una relación amorosa con el poeta sevillano García Tassara, fruto de la cual, nacerá su hija Brenhilde un año después, que morirá al poco tiempo a consecuencia de una afección cerebral. Al desgarro emocional que supuso dicho hecho trágico sufrido por la autora hay que añadirle el abandono inmisericorde del poeta, que la deja rota de dolor en la cúspide de su carrera.
Se rehace milagrosamente y de nuevo en este mismo año, 1845, retoma su relación con su antiguo amor, Ignacio de Cepeda, que la abandona otra vez. Fundará la revista La Ilustración: Álbum de las damas dedicada a un público femenino. Colaborará ya de por vida en revistas de corte literario y femenino: El correo de la moda, Álbum literario español, El español, El laberinto, etc.

Su salón familiar se irá convirtiendo paulatinamente en uno de los focos culturales más importantes de la vida literaria de Madrid en esa época, frecuentado por intelectuales de la talla de Hartzenbusch, Zorrilla, Valera, Nicasio Gallego, Quintana, Pastor Díaz o el Duque de Rivas, entre otros.

En 1846, publicará su novela Guatimozín, el último emperador de Méjico y se casará con el poeta Pedro Sabater, gobernador de Madrid. La felicidad de nuevo le durará poco tiempo sesgada por el hecho trágico de la muerte de su esposo justamente en ese mismo año, tras un período de grave enfermedad. La conmoción profunda de dicho desenlace marcará un paréntesis en su vida de reajuste existencial decidiendo voluntariamente ingresar en un convento de Burdeos donde escribirá también un Devocionario que no se publicará hasta 1847.

Ya recuperada, regresará a Madrid y continuará escribiendo y publicando una ingente cantidad de obras de teatro, novelas y poesía. De 1849 es la representación de la tragedia bíblica Saúl con una óptima acogida por parte del público y la crítica. Vendrá después la edición de sus Poesías en 1850 y al año siguiente la publicación de sus dos novelas: Dolores y La montaña maldita: Tradición suiza.

En 1850 la escritora manifiesta su deseo de quererse consagrar sólo al teatro atraída por la calidez de los escenarios y por el desahogo económico que reportaba dicha actividad. Es una etapa prolífica en este ámbito creativo: en 1851 se publicará y escenificará Flavio Recaredo y en 1852 Glorias de España, La verdad vence apariencias, Errores del corazón, El donativo del diablo, La hija de las flores o todos están locos (que supondrá el mayor éxito entre todas ellas) y la loa El héroe de Bailén. En este mismo año recibe el impacto de la muerte de su hermana Pepita a lo que se suma la enfermedad grave de su madre.

La fecha de 1853 viene marcada por dos hechos fundamentales: la muerte de su amigo y protector Juan Nicasio Gallego y el rechazo de entrada a la RAE (Real Academia Española): el anhelo de la autora era cubrir precisamente esta baja de un puesto que quedaba vacante, pero a pesar de que contaba con el apoyo de prestigiosas personalidades, como el Duque de Rivas, Eugenio de Tapia o Quintana, su candidatura fue desestimada, sólo por el hecho de ser mujer; la admiración por la calidad de su obra y por su trayectoria profesional quedaban salvaguardados de un modo unánime, pero el antifeminismo de la época aún calaba en algunas Instituciones que se consideraban exclusivamente masculinas como la Academia.

La asimilación de este intento fallido, las críticas por parte de sus detractores como Manuel Cañete desde El Heraldo y el fin absoluto de su relación con Cepeda (se casa con la sevillana María de Córdoba) que todavía desde el 47 había continuado de una forma intermitente, la condujeron a una crisis existencial y religiosa que le hará tomar la decisión de recluirse de nuevo en un convento.

De 1854 es La Aventurera y de 1855 La sonámbula, Simpatía y antipatía, La hija del rey René y Oráculos de Talía, obras que se estrenan sin éxito, aunque poco a poco irá conquistando de nuevo el favor del público. Vuelve a casarse el 26 de Abril de ese mismo año con el coronel Domingo Verdugo (partidario del General O�€�Donnell que encabezaba el partido liberal), cónyuge con el que parece por fin encontrar una cierta estabilidad sentimental.

En 1858 escribirá sus dos últimas obras teatrales: Tres amores y Baltasar antes de marcharse de España y regresar a Cuba, por motivo de las secuelas y la enfermedad causadas a su esposo, tras un enfrentamiento en el estreno de esta penúltima obra por parte de un subordinado suyo, que nunca llegaría a asimilar bien el exilio impuesto por su superior.

Baltasar supondrá el broche de oro final con un éxito apoteósico dentro de la fulgurante carrera de la dramaturga. Y los homenajes y reconocimientos literarios se sucederán sin parar. En Cuba, tierra natal de ambos esposos será recibida entre agasajos y festejos. En 1860 será coronada por el Liceo de la Habana, y en 1861 por el de Matanzas. En 1862 dirigirá también en la Habana el Álbum Cubano de lo bueno y lo bello, escribiendo además la novela: El artista barquero o los cuatro cinco de Junio y distintas leyendas: El aura blanca y El cacique.

Este período de bonanza y de reconocimiento social y humano tendrán como contrapunto inicial, la muerte de su madre, ocurrida ya al comienzo de su estancia en Cuba en 1859 y la de su marido en 1863 como colofón final. La profunda aflicción fue mitigada en parte por la llegada de su hermano Manuel, que impidió que de nuevo ingresara en un convento. Viajarán juntos a New York, Londres y París, y a su retorno a España ubicándose en Sevilla, preparará sus Obras Completas que se publicarán en cinco volúmenes entre 1869

Gertrudis Gómez De Avellaneda (1814 - 1873)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sun, 03 Oct 2010 08:39:15 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: español

Emma Goldman (1869 - 1940)

joseantonio@perezrobleda.com (José A. Pérez-robleda) — Thu, 24 May 2007 18:12:20 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Ingles

Emma Goldman (27 de junio de 1869 �€" 14 de mayo de 1940). Fue una de las pioneras en la lucha por la emancipación de la mujer, al tiempo que una célebre anarquista, conocida por sus escritos y sus manifiestos radicales, libertarios y feministas, fue considerada una de las mujeres más peligrosas de EE.UU.

Enma Goldman nació en Kaunas, Lituania donde su familia, de ascencia judia, regentaba un pequeño hotel. En 1884, cuando contaba 16 años, Emigró a los Estados Unidos yendo de un matrimonio impuesto por su padre. Allí trabajó como obrera textil y se unió al movimiento socialista libertario. Animada por El ahorcamiento de cuatro anarquistas a consecuencia del motín de Haymarket. Unos años desupes Emma se había convertido en una revolucionaria anarquista. Por esta epoca Emma se casa y se separa, diez meses despues, con un inmigrante Ruso, de quien obtiene la ciudadania americana, que mantiene no divorciandose de el.

Las encarcelaciones de Emma:

1893 - es encarcelada en la penitenciaria de las islas Blackwell. Públicamente instigó a los obreros en paro a Demandez du travail, s�€�ils ne vous donnent pas de travail, demandez du pain, s�€�ils ne vous donent du pain ni du travail, prenez le pain (Pedid trabajo, si no os lo dan, pedid pan, y si no os dan ni pan ni trabajo, coged el pan).

1901 - fue encarcelada junto con 9 personas más por participar en el complot de asesinato contra el Presidente William McKinley. Uno de ellos, León Czolgosz le había disparado pocos días antes. Emma, le conoció semanas más tarde y se vio con él una sola vez, al ser arrestada dijo: "¿Tengo yo la culpa de que un loco haga una mala interpretación de mis palabras?"

1916 - El 11 de febrero de 1916 es detenida y encarcelada de nuevo por la distribución de un manifiesto en favor de la contracepción. Durante varios años, y cada vez que daba una conferencia, esperaba ser arrestada, por eso iba siempre pertrechada con un buen libro.

1917- es encarcelada por tercera vez, de nuevo junto con Alexander Berkman por conspirar contra la ley que obligaba al servicio militar en los Estados Unidos. Dos años despues expulsada de EE.UU.

Durante la audiencia en la que se trataba de su expulsión, J. Edgar Hoover, que era el presidente de la misma, calificó a Emma como una de las mujeres más peligrosas de América. dos años despues es deportada a Rusía donde residió con A. Bekman (1902 - 1922) De esta época datan sus escritos: Mon désenchatment en Russie (My Disillusionment in Russia) y Mon autre désenchantement en Russie (My Further Disilusionement in Russia).

Pronto descubre que el papel que deseaba para la mujer en una sociedad ideal y por venir no se daría en la russia comunisa, para Goldman, Lenin (1870-1924) y Trotsky (1877-1940), estaban obsesionados con el control de la maquinaria del estado, y la revolución rusa no era necesariamente la revolución bolchevique. Esta diferenciación, se torna fundamental para entender las eventuales críticas que la anarquista rusa le haría a los procesos que estaban sucediéndose en su país desde julio de 1917. Los bolcheviques, encontraron muy duro, a veces desprenderse, de la plataforma dejada por los Zares en lo que respecta a las relaciones de pareja, a las condiciones de género y a la discriminación de las minorías, como los homosexuales, a los que Lenin y los suyos persiguieron de una forma feroz. Cuando Goldman critica al estado soviético lo hace de forma integral, no por partes. Y esas críticas por ejemplo incluyen la condición de la mujer, de la familia, del matrimonio, del amor libre y de los niños.

Disconforme con el autoritarismo soviético, se instaló definitivamente en Canadá. En 1936, Goldman colaboró a sus 67 años, con el gobierno español republicano en Londres y Madrid durante la Guerra Civil española. Cabe destacar el vehemente artículo que escribió sobre el conocido anarquista español Buenaventura Durruti titulado Durruti is Dead, Yet Living.

Emma Goldman murió en Toronto en 1940 y está enterrada en Chicago, en el mismo cementerio donde estarían los mártires de la masacre de Haymarket de 1887. El gobierno De EE.UU. No consideró que el cadaver de Emma Goldman entrañase ya peligro alguno.

Zinaída Gippius (1869 - 1945)

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Wed, 18 Apr 2007 14:55:42 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: ruso

La persona:
Trágica y contradictoria fue la suerte de Zinaída Nikolaevna Gippius, poetisa y narradora rusa que nació en Belev, en Tula (Rusia central) en el año 1869, perteneció a la noble familia alemana de los Von Hippius, familia que llegó a Rusia en el siglo XVI, y murió en París en el año 1945.
Vivió en un periodo mágico de la poesía y de la literatura rusas entre finales del 1800 y principios del 1900 y, sin embargo, pasó de la fama al olvido total: después de haber dominado, junto a su marido Dmitrij Sergeevi? Merežkovskij (1865-1941), durante casi treinta años, la vida intelectual de la movida Petersburgo en los años transcurridos entre los dos siglos y murió, en la pobreza en la ciudad de París, olvidada por todos. Se trata sin duda de un destino que Zinaída compartió con muchos intelectuales de su generación, pero que, en ella, fue, de algún modo, agudizado: un abismo separa su satisfecha afirmación, según un biógrafo, de no poder ni siquiera ir al teatro �€" de lo famosa que era- y el completo aislamiento que vivió en los años de la emigración.
Durante su infancia y su adolescencia padeció de tuberculosis y fue obligada, cuando se murió el padre en el año 1881 de la misma enfermedad, a trasladarse en busca de un clima más templado a diferentes localidades en el sur del Impero Zarista con su madre y su hermana. Esto le impidió seguir los estudios de forma regular, a pesar de que su amor por la lectura la llevará a leer con avidez todos los clásicos rusos y sobre todo Dostoevskij, por quien mostrará una verdadera predilección.
En el año 1888, la joven, que estaba en los alrededores de Tiflis (Tbilisi) capital de la Georgia, conoció a Merežkovskij (1865-1941), en aquel tiempo joven y desconocido poeta, y, en el mismo año, aparecieron sus primeros versos en la revista de los simbolistas de Petersburgo «Severnij vestnik» («Mensajero del Norte»).
En al año 1889 se casó con Dmitrij y, con él, se mudó a Petersburgo, donde emprendió una actividad literaria muy vivaz. En poco tiempo su casa en Petersburgo se convirtió en lugar de reunión de los literatos y los artistas más vigorosos de la vida rusa de los principios del siglo XX, entre los cuales los principales exponentes de la intelligencija rusa. Los temas fundamentales de debate aludían los problemas más importantes del momento sobre todo los de carácter político, filosófico y religioso. De este grupo nació, en el año 1902, la revista simbolista «Novyj put» («El nuevo camino»), fundada con Merežkovskij y Dmitrij Filosofov -editor y pensador- que, publicada entre el año 1902 y el año 1904, llegó a ser el órgano oficial de este nuevo movimiento y marcó el comienzo de los famosos poetas rusos Aleksandr Blok y Andrej Belyj.
Simbolista y representante del Decadentismo, con el marido (escritor y filósofo) desempeñó un cargo central en la difusión del Modernismo ruso, como mujer que formuló, después del año 1900, teorías de una nueva conciencia religiosa que rechazaba las viejas normas dogmáticas e intentaba conciliar vida y religión: una actividad que la condujo a convertirse en exponente de relieve de la revolución teológica posterior al año 1905.
Entre 1899 y 1902, después de conocer y unirse al grupo de Sergej Djagilev, Zinaída publicó en la revista «Mir iskusstva» («El mundo del arte») sus primeros ensayos de crítica literaria de tono mordaz, usando el pseudónimo de Anton Krajnij (Anton el extremista).
Se convirtió en una revolucionaria convencida, escribió, en el año 1905, numerosos versos de tema político. Fue autora de seis libros de cuentos, novelas, trabajos teatrales, versos, ensayos de literatura, religión y política publicados en las revistas más de moda de Moscú y Petersburgo bajo diferentes pseudónimos, como, por ejemplo (además del de Anton Krajnij), el de Roman Arenskij y autora también de memorias literarias vivaces, penetrantes, con fragmentos despiadados. Pero, sobre todo, fue la autora de los lúcidos apuntes que constituyen sus Diarios de Petersburgo anotaciones tomadas durante los acontecimientos entre el 1914 y 1919, desde que estalló hasta que terminó la Primera Guerra Mundial, pasando a través de la revolución bolchevique; textos que por la sorprendente capacidad de análisis, la crudeza de juicio desde el punto de vista de contenido y los rasgos de poesía y de la eficacia del estilo, resultan una obra profética e impresionante.
Su poesía, definida a menudo �€�metafísica�€�, compuesta con la alternancia de satanismo y abandono místico, se vuelve auténtica donde, abandonados los tonos basados en la estética, reflexiona sobre el sentido de la �€�terrenidad�€� de la condición humana.
La autora también escribió brillantes ensayos sobre las nuevas tendencias literarias y las personalidades de su tiempo: recordemos Literaturnyj dnevnik (Diario literario), del 1908, publicado con el pseudónimo de Anton Krainij y Zhivye litsa (Rostros vivos), del año 1925.
En diciembre de 1919, Zinaída, ya tenaz e implacable adversaria del autoritarismo zarista, adoptó una actitud antibolchevique, habiendo reconocido también en los eventos revolucionarios el riesgo de derivas totalitarias, y abandonó el país huyendo a Polonia (a Varsovia), donde permaneció hasta el octubre de 1920. Aquí Zinaída, Merežkovskij y Filosofov vivieron colaborando con el periódico que pertenecía a la inmigración rusa «Svoboda» («Libertad»). Después se trasladaron a la ciudad de Wiesbaden, para después emigrar, los tres, a París, ciudad en la que ella vivirá, en absoluta pobreza, hasta su muerte, sobreviviendo cinco años al marido, de quien, a lo largo de los cincuenta y tres años de su compañerismo humano e intelectual, no se separó nunca. Pertenecen a este periodo algunas letras de Gippius y de su marido, intercambiadas con grandes intelectuales de la época como G. Adamovich, K. Balmont, A. Belyj, N. Berberova, A. Blok, I. Bunin, G. Ivanov, A. Remizov, V. Rozanov, M. Shaginian, F. Sologub, B. Zajtsev y otros. De estos años son también algunos manuscritos inéditos de la escritora como: El Infierno dantesco, transcripción de una conversación con P. Suvchinskij, un borrador del artículo en francés Le Possede y numerosas versiones de la película, escrita a cuatro manos con Merežkovskij, Boris Godunov.

El personaje:
Provocadora, altera (casi una especie de Oscar Wilde en femenino) siempre preparada a empuñar, según Andrej Belyj �€�el bisturí de su dialéctica�€�, Zinaída Gippius abandonó muy pronto los vestidos de la �€�Madonna decadente�€� para vestirse con los de �€�Satanesa�€�, de la �€�bruja�€�, de la figura sexualmente ambigua (o claramente bisexual), en torno a la que se multiplicaron voces y leyendas, todas alimentadas por ella misma. A propósito de sus tendencias sexuales, es importante Na beregu Ioniceskogo morja (A las orillas del Mar Ionio) obra centrada en un viaje que ella realizó a Sicilia, publicada a entregas en el 1899 en la revista «Mir iskusstva» («El mundo del arte»). Momento importante en la narración es el encuentro con la comunidad homosexual de Taormina y con el barón Wilhelm von Gloeden (1856-1931), famoso fotógrafo alemán, pionero en el desnudo masculino. En este texto, Zinaída describe este encuentro, muy importante para ella, porque le permitió pactar con sus deseos homosexuales. Paladina de una nueva religiosidad y de una nueva sexualidad, ambas basadas en la necesidad de liberarse de las viejas conversaciones y de los viejos esquematismos, sostuvo la necesidad de aligerar la religión de sus dogmatismos y la sexualidad de su dualismo masculino/femenino. Masculino y femenino se confundían en ella y la ambigüedad fue, durante toda su vida, su manera de ser, sin ninguna vergüenza. Amada, odiada, temida: sobre ella discrepan hasta los juicios estéticos. Percov la describe �€�alta, delgada�€� con largos cabellos dorados y ojos esmeralda de rusalka�€��€�, mientras Belvj nos proporciona una imagen despiadada: �€�un nudo de cabellos pelirrojos inflados�€� rostro pequeño y un poco irregular�€� ojos verdosos�€��€�.
De ella todo causó escándalo: su modo de participar en las noches literarias, en las que leía, como escribió Percov, �€�sus versos hampescos con palpable obstinación�€�, el maquillaje fuertemente marcado de colores encendidos, costumbres masculinas como usar monóculo, largos cigarrillos perfumados, ropas aparentemente oscuras y sombrías, listas para demostrar rayos de color rosa en cada mínimo movimiento, tanto que parecía, de lejos, estar desnuda. Pero todavía hay más, además de su ostentada bisexualidad, dio escándalo su relación, un trío, con Merežkovskij y Filosofov: una ambigua unión en la que compartían la vida intelectual, la visión espiritual, las vicisitudes (incluso la fuga de Rusia).
No era el escándalo el que atraía la intelligencija de Petersburgo a su apartamento de Litejnyj. Cuenta Belyj: �€�Aquí se formaban las ideas nuevas, florecían flores jamás florecidas. Pasaban meses, y aquellas ideas empezaban a embellecer las páginas de las revistas...�€�.

Sus obras
Cronología
Pertenecen a su producción literaria cinco antologías de poesías. La primera fue publicada en el 1904 con el título de Sobranie stichov: 1889-1903 (Antología de versos: 1889-1903); la segunda en el 1910 de título Sobrante Stichov: 1889-1903 (Antología de versos, libro 2); la tercera, Poslednie stichi 1914-1918 (�šltimos versos 1914-1918) en el 1921; la cuarta fue publicada en Berlín en el 1922 con el título Sticki: dnevnik (Versos: un diario) y la última antología, del sugestivo título Sijanuja (Resplandores) fue publicada en París en el 1938.
Además de los numerosos cuentos, famosa es la trilogía de novelas que tiene como tema central la Revolución de Octubre: Cortova kukla (El fantoche del diablo), Ocarovanie istiny (El encanto de la verdad) y Roman Zarevic (El zarevich Roman).
Entre la producción teatral se recuerdan dos dramas: Sviataja krov (La sangre sagrada), del 1900, y Zelenoe kol�€�co (El anillo verde), del 1916.

La poética:
La figura de Zinaída influenció muchísimo, al principio del siglo XX, a los intelectuales del Simbolismo ruso. Escribió muchos de sus versos y de sus cuentos utilizando nombres de héroes masculinos y su �€�afemenino�€�, sobresaliente por su modo de firmar con el pseudónimo de �€�Anton el extremista�€�, desencadenó entre los contemporáneos diferentes reacciones que iban desde la exaltación hasta la indignación.

a) La inspiración al imposible
La primera fase de la obra de Gippius está marcada por la inspiración del imposible (�€�Necesito lo que no hay en el mundo�€�), en la que la melancolía y el pesimismo son características de la generación �€�cansada�€� de los años noventa del siglo XIX. Zinaída hace de la búsqueda de la verdad una cuestión de vida o muerte y en esta continua búsqueda, que tiende a acercarse al absoluto, Zinaída considera el amor como una fuerza purificadora capaz de conducir a la inmortalidad.

b) La esperanza en la resurrección de Rusia
Cuando estalla la Primera Guerra Mundial Gippius está muy atenta a lo que sucede a su alrededor y se muestra particularmente sensible a todas las cuestiones políticas y sociales del momento.
Cuando se afirma el movimiento revolucionario bolchevique la escritora espera ardientemente la resurrección de Rusia y cuando estalla la Revolución de febrero está convencida, desde el principio, que de ella renacerá la libertad y la hermandad. Como muchos intelectuales de la época, también Zinaída quedará muy decepcionada. Escribió en este periodo versos cargados de melancolía que nacen del conocimiento adquirido por haber sufrido una grave perdida: �€�En la ciudad se ha acomodado el pecado / Lloro sumisamente, lloro por todos�€�.

c) La naturaleza ambivalente
Su poesía, que toca cada extremo e intenta abarcar todo confín, oscila entre los opuestos de la vida y de la muerte, exalta la fuerza y la debilidad, alaba la voluntad pero se doblega a la no voluntad en un modo poético siempre en movimiento que pasa del espíritu de rebelión individual y egocéntrico al fuerte sentimiento religioso. Su espíritu anticlerical es sofocado por la necesidad de la fe, su exaltar la muerte desemboca en el deseo de la vida demostrando, de este modo en la autora su ambivalente naturaleza de la que ella misma es consciente: �€�Esperaba el vuelo y la existencia / pero un gavilán muerto es mi alma�€�.

d) El uso del aforismo
En los versos de Gippius el pensamiento es formulado a través de aforismos con los que es capaz de expresar, con breves pero sorprendentes palabras, toda la complejidad de sus emociones.

Algunas obras:
La �€�bellísima Zinaída�€� es, ante todo �€�poeta�€� y poeta al masculino (hasta la forma gramatical empleada es ésta). Le son universalmente reconocidas profundidad de pensamiento y maestría formal, sobre todo en las composiciones más maduras. Sin embargo, a decretar su fama son, ante todo, sus versos, que lee con gran arrogancia en las noches literarias y que, desde el principio, dividen sus conocidos entre estimadores entusiastas y auténticos enemigos. Algunos de estos textos poéticos acaban pronto en boca de todos, como el célebre Yo necesito lo que no hay en el mundo, o el blasfemo Pero como Dios yo me amo a mí mismo.
Se forma en un ambiente particularmente propicio y estimulante, que cuenta, además de con el marido Merežkovskij, con muchos nombres prestigiosos de poetas y escritores, entre los cuales Valerij Brjusov, admirador de la poeta, que, a propósito de los versos de Hasta el final, escribe: �€�Su mayor valía es la de una concentración exclusiva, de una capacidad de decir mucho en muy pocas palabras�€�.
Escritora incómoda y de vanguardia, no siempre apreciada, pero nunca ignorada, Zinaída desencadenó discusiones y críticas entre intelectuales y escritores rusos de su época, como Valerij Brjusov (que le dedicó un ensayo), Vasilij Rozanov y Aleksandr Blok, que para ella encontraron apelativos como �€�maga�€� y �€�ninfa acuática�€�. Tamina Pachmuss, que hizo la introducción a una vieja edición de sus obras, definió la escritura de Gippius, como �€�eso que no es de este mundo�€�, probablemente por ese anhelo hacia la perfección de la humanidad y del mundo que la autora deseaba.

a) �€�Pasiones humanas�€�
Marietta Saginjan, en la biografía que, en 1912, escribe sobre la Gippius, coge todavía mejor la esencia de su obra: la unión entre intuición artística, pensamiento filosófico (presocrático), religión y búsqueda mística, de la que nace el sueño de volver a componer armoniosamente la dicotomía del individuo y la escisión del mundo.
Todos los motivos presentes en las narraciones contenidas en el volumen Pasiones humanas, en el que vínculos ambiguos y sexualidad indefinida se unen al suceder de las cosas que, como espirales, se pegan a los protagonistas. Zinaída, entre las poéticas descripciones de la naturaleza y de los ambientes, traza con ligereza diferentes personajes, con zonas de sombras y sentimientos contrastantes, algunos de los cuales destinados, o predestinados, a una muerte segura. Se siente una cierta vena al estilo de Dostoevskij, pero este estilo, muy subjetivo y libre, es independiente de cualquier modelo literario tradicional.
Ejemplo de ello es el bellísimo cuento de apertura, La cometa, y el siguiente, Los manzanos florecen, donde la autora afronta la relación madre-hijo de una forma audaz y terrible, en un clímax narrativo que, desde la fase idílico-simbiótica casi de inconsciente psicoanalítico, precipita hacia la ruina de los personajes. Vehemente es la descripción de la espera de la madre por parte del niño, y de su apego a los objetos, el monito y la jarra. �€�Había amado enseguida la jarra, la había colocado suavemente bajo mi almohada y ahora el pensamiento de poseerla me hacía feliz�€�
La incapacidad de afrontar la vida, el mal que se insinúa y corroe personas y cosas, la fragmentación de la personalidad hasta el aniquilamiento del individuo (temática expresada antes que Pirandello), todos los temas recurrentes de esta antología, se hacen todavía más evidentes en los intercambios epistolares de la narración Nacidos demasiado pronto. �€�Los decadentes con los que han llegado hasta el desdoblamiento y no han resistido, han cedido a la llamada de la desarmonía y morirán porque para ellos no hay regreso a la unidad�€�. En este contexto enfermo, ¿quién, si no Mefistófeles, puede ser el melifluo tentador que se insinúa entre las páginas de la historia de Ivan Ivanovic y el diablo?
El tema recurrente de estos cuentos es, en definitiva, la vida en el íntimo cotidiano identificada como punzante monotonía. Tedio sin fin, del cual los protagonistas no son capaces de sobresalir dejándose llevar en la vida por la fuerza de inercia a vías rectilíneas, sin encontrar la fuerza de girar. El hombre está obligado a una búsqueda afanosa y veleidosa de la felicidad y la única vía de escape es el mundo onírico, también éste contaminado por el mal de vivir, que como una metástasis maligna se irradia en todos los aspectos de la existencia. De este modo, en una serie de sequel del diálogo de Dostoevskij entre Ivan Karamazov y el demonio (que la Gippius arriesga manteniendo casi inalterados los nombres de los protagonistas) este último se muestra a medias entre una pesadilla y la realidad como un moderno hombre de negocios, confirmando que la fuerza del mal es la mediocridad humana.

b) �€�El eterno femenino�€�
Ejemplo clásico de los cuentos de Gippius son los tres cuentos en el volumen El eterno femenino (Los enamorados; La bestia; El eterno femenino). Convincentes, agudos, a veces irónicos, han sido acusados de ser �€�lacónicos�€� y de mostrar una �€�tendencia a la brevedad y el carácter fragmentario de la lengua�€�. En realidad, estas características, en vez de ser defectos, son virtudes de la prosa de Gippius, una prosa que elimina todo lo superfluo. Belyj hizo también otra, extravagante, crítica a Zinaída: en una recensión en Negro sobre blanco, escribió que �€�los temas que trata son demasiado serios, demasiado llenos de significado�€� y, poco después, afirma: �€�sus temas son demasiado amplios para cuentos o novelas�€�. También esto, más que un límite, es claramente una virtud de los cuentos de Gippius. En textos normalmente breves se encuentran temas profundos, eternos, en los que las protagonistas son mujeres. Mujeres bajadas a la vida real, guiadas por un instinto seguro, el de la búsqueda de sí mismas, de su propia emancipación y libertad, de la felicidad. Los enamorados es un cuento, aparentemente, muy simple: en realidad es valiosa la capacidad de la autora de mostrarnos toda la calidad ilusoria de los hechos y la ambigüedad de la realidad en la que el ser, el aparecer y el decir no corresponden en absoluto (intuición que anticipa muchos años a Pirandello). Y nunca se entiende si esta no coincidencia está determinada por elecciones cínicas o comportamientos no conscientes. En La bestia emergen prepotentemente temas de la gran literatura de Dostoevskij, especialmente en el discurso final de Aleksandr Michajlovi?. El tema central es el eterno problema ruso del sufrimiento y de la culpa. Para ser hombre, éste tiene que sufrir, matar a la bestia que se esconde dentro de él. Y, en el breve espacio temporal de una discusión entre un borracho y una prostituta, afloran muchas referencias: a los problemas sociales de su tiempo, al papel social de la mujer, a la condición de las prostitutas. Como una cortesana del Cinquecento italiano, Saša vive su profesión como una elección de independencia, lejos de los burdeles, tenaz en el querer elegir sus clientes. Pero, en la relación con ellos, emerge otra vez el tema de la ambigüedad de la realidad: con idéntica facilidad, Saša se enamora y después se libera de sus hombres. Entonces la mujer está en el centro de estos cuentos, con su derecho al amor y a la libertad de elección, puesta en frente del conflicto entre el instinto y las convenciones sociales de la Rusia de los primeros años del 1900. Su rechazo a la relación tradicional hombre / mujer, tanto en la vida como en el arte, le costarán la acusación de androginia y casi el olvido.

c) �€�Luna�€�
En este espléndido cuento, un amor totalmente abstracto, ideal, constituye el principal trámite hacia la divinidad. No casualmente, la castidad domina tanto en la vida de Elena, que había hecho voto de permanecer fiel a su marido infiel, como en la vida de la jovencísima Mary, y también al final, en la existencia de Val�€�cev, el protagonista, que no termina ninguna de las dos relaciones, en nombre del amor con la A mayúscula, el amor divino. Este amor está pintado dentro del espléndido marco de Venecia, la ciudad italiana más amada y decantada por los escritores rusos, de Puskin a Lermontov, hasta Turgenev y Pasternak, la ciudad de los enamorados y de los mil canales, donde la luna ama reflejarse.

d) �€�Diarios de Petersburgo�€�
Pesa todavía sobre los Diarios de Petersburgo el juicio de egocentrismo que dio en el 1921 Aleksandr Blok. En la no larguísima parábola del simbolismo ruso, treinta y cinco años en total, Blok y Gippius mantenían una relación conflictiva de amistad, hecho de proximidad de almas, pero también de irreparables incomprensiones. Y el periodo revolucionario, sobre todo el agitado 1917, hizo aumentar su separación. Ella, la protagonista indiscutible de la vida cultural de Petersburgo en las décadas entre los dos siglos, la fustigadora de las hipócritas convenciones burguesas con su matrimonio blanco con Dmitrij Merežkovskij, al que se unió en un segundo momento el joven Dmitrij Filosofov, la mujer convencida de la necesidad de un nacimiento a través de la religión que no había dudado en ir por Rusia en búsqueda de viejos creyentes, nunca pudo aceptar el golpe de estado de octubre de 1917, �€�el poder de las tinieblas�€�, como lo definió ella. De esta manera, desde las anotaciones del 28 de octubre, se la tomó con los intelectuales, culpables, según ella, de haber querido aliarse rápidamente con los ganadores, con la banal excusa de ocupar puestos para robárselos a los bolcheviques. Él, el poeta que había hecho un libro de su experiencia como redactor de la comisión extraordinaria instituida por el gobierno provisorio para indagar los crímenes cometidos por los últimos ministros zaristas, el hombre que vivía los acontecimientos como una dramática demostración del hecho que �€�todos tenían razón�€� una terrible razón�€�, advirtió en la intervención bolchevique el síntoma del triunfo de una �€�música�€�, de una �€�armonía�€�, seguramente no triunfal sino adherente a una agitación natural en toda Rusia. Y el 1918 está marcado por la polémica entre los dos: en enero Blok escribe Los doce y en seguida Gippius le replica con algunos versos en los que Cristo, protagonista del poema del amigo, tiene que buscar a sus �€�inocentes hijos extraviados�€� (Blok, pero también Andrej Belyj); en junio aparece la contrarréplica de Blok que, en versos dedicados a una �€�mujer loca y soberbia�€�, explica cómo en el huracán una voz individual no sea perceptible, también porque los acontecimientos no consideran, en su realización, la voluntad de quien participa. A esto se añade el juicio de �€�egocentrismo�€� referido a los Diarios: sinceros, brillantes, pero capaces de exprimir sólo una parte de la verdad, porque son impotentes ante la tarea de expresar un punto de vista general.
Estos Diarios de Petersburgo se introducen en el contexto de los ensayos que en caliente se propusieron buscar un punto de vista general de los eventos de octubre de 1917, como La inteligencia y la revolución del mismo Blok o El apocalipsis de nuestro tiempo de Vasilij Rozanov. Y como ensayos son considerados, no como mera fuente documentaria de primera mano. En esos meses cruciales los cónyuges Merežkovskij tuvieron la suerte de disfrutar de una posición muy privilegiada: su apartamento, en la esquina entre Sergievskaja y Potjomkinskaja se asomaba a los jardines del histórico edificio de Tauride, sede de la Duma desde 1906, y como consecuencia era lugar de descanso seguro para muchos protagonistas de los acontecimientos. Los dos dueños de la casa no tomaban partido en ninguno de los bandos: más allá de una simpatía por los socialistas revolucionarios y por Boris Savinkov, el ex terrorista convertido a la actividad literaria, su interés por la política era decididamente teórico, lo que les consentía contactos con hombres de todos los partidos.
No se pueden esperar revelaciones extraordinarias de estos Diarios: los hechos son conocidos y los mismos personajes no son descritos con particulares inéditos. El auténtico interés de estos textos, que empiezan en 1914 y se prolongan, con una segunda parte, hasta el 1919, está en el modo en el que muestran claramente el acumulo de los acontecimientos del verano de 1917, el realismo con el que ofrecen al lector el rápido configurarse de una situación que parece abierta a cualquier situación y en cambio, con el pasar de las acciones, se cierra cualquier posibilidad de escape casi hasta el triunfo inevitable del �€�Reino del Mal�€� representado por la victoria de los bolcheviques. Aleksandr Kerenskij se convierte en la figura central, personalidad notable del gobierno provisorio (ministro de la justicia, ministro de guerra, primer ministro), hombre presentado como �€�no muy inteligente�€� desde 1914, después ascendido a auténtico enigma en agosto de 1917 (�€�¿Él ya no es el mismo o somos nosotros que no hemos visto quién era él antes?�€�), para ser liquidado en el noviembre siguiente (�€�Es un héroe débil. Un traidor viril. Un revolucionario femenino. Un asesino delicado, ardiente, que tiene miedo de la sangre�€�). Su rechazo, en agosto, de adherirse al plan elaborado por el comandante del ejército, el general Lavr Kornilov, y por Savinkov, para asumir el poder y poner fin a la anarquía que reinaba en el país es presentado como el momento decisivo del cambio de los acontecimientos históricos. Prospectiva ante la que Kerenskij prefirió la alianza con los bolcheviques.
En las emocionantes páginas del 1917 de los Diarios de Petersburgo de Gippius también se lee la génesis del comportamiento político radical de todos los intelectuales que eligieron sucesivamente la emigración porque no querían aceptar la idea de una Rusia sin libertad (pero en los años del exilio en París, la misma Gippius se preguntaba sobre la utilidad de una libertad sin Rusia). En realidad, los Diarios testimonian el naufragio de las esperanzas de una entera generación, de la cual Merežkovskij y Gippius habían sido los personajes más carismáticos con su insensibilidad hacia la dimensión estética, con su absoluta fidelidad al pensamiento, con su convicción que la literatura pudiese ser usada como mero instrumento filosófico y por lo tanto emancipada de la esclavitud de la palabra. Una generación que había tenido la intención de regenerar la Rusia extenuada por Alejandro III usando, en el ámbito de las Sociedades religioso-filosóficas, todo lo que no había sido contaminado por la ortodoxia nacional-imperialista. La paradoja de Gippius consiste en el haber sido, más que otros, consciente de los términos de la crisis de finales del siglo pasado, de haber imaginado una posible solución y de haber sido derrotada por un acontecimiento, la revolución, mucho más potente, sin tener, hasta el último momento, conciencia del hecho de que no se trataba de un adversario de su nivel. Las páginas de 1917 de los Diarios narran esta lucha desigual: generosa, absurda y probablemente también un poco �€�egocéntrica�€�.

Natalia Ginzburg (1916 - 1991)

mercedes_bergamo@yahoo.it (Maria Mercedes Gonzalez De Sande) — Tue, 06 Feb 2007 08:51:46 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano

Novelista, ensayista, autora teatral, traductora, colaboradora asidua en numerosos periódicos y revistas (entre ellos el �€�Corriere della Sera�€� y �€�L�€�Unità�€�), poeta (aunque sus poesías tuvieron menos trascendencia que el resto de sus escritos), Natalia Ginzburg (cuyo nombre de soltera era Natalia Levi) perteneció a la generación de jóvenes intelectuales antifascistas, junto con su marido, Leone Ginzburg, y su buen amigo Cesare Pavese, entre otros, implicados activamente en la vida política y cultural de la Italia de entreguerras, llegando a ser una de las escritoras más representativas del siglo XX italiano. Nació en Palermo el 14 de julio de 1916, hija menor de Giuseppe Levi, biólogo y eminente profesor triestino, proveniente de una familia de banqueros de origen judío y de la lombarda Lidia Tanzi, perteneciente a una prestigiosa familia de la alta burguesía.
Su padre, un ilustre médico que por aquellos años enseñaba Anatomía Comparada en la Universidad de Palermo, decidió pronto trasladarse con su familia a Turín, ciudad que se convertiría desde 1919 en el lugar de residencia de la familia Levi, y donde el padre, además de continuar con su labor docente, asumiría el cargo de director del Instituto de Anatomía Humana. Intelectual de origen aristocrático y marcada ideología socialista, Giuseppe Levi, obcecado por su fe en el progreso y la ciencia, educó a sus hijos en un mundo bastante ajeno a la realidad, basado en férreas y obsesivas normas y costumbres que imponía a su familia. Tanto fue así, que Natalia Ginzburg y sus hermanos no pudieron asistir a la escuela pública por el temor de su padre a que contrajeran alguna enfermedad, instruyéndolos él mismo en casa.
Finalmente, en 1927, Natalia Ginzburg pudo abandonar el nido familiar para cursar los estudios superiores en el Instituto Clásico Vittorio Alfieri, y, años después, iniciar en la Facultad de Letras de la Universidad de Turín la carrera universitaria, que jamás terminaría por las trágicas circunstancias del momento histórico que le tocó vivir.
Entre los miembros de su familia, además de su padre, destacan otras figuras relevantes, como su abuelo, Carlo Tanzi, abogado socialista y buen amigo de Filippo Turati; su tío Silvio Tanzi, músico de renombre; el psiquiatra Eugenio Tanzi, tío de su madre; el estudioso y crítico teatral Cesare Levi, hermano de su padre, o Adriano Olivetti, amigo de familia y, posteriormente, esposo de su hermana. El rango social de los Levi dio la posibilidad a la joven Natalia de estar en contacto ya desde su infancia con algunas de las figuras más representativas del círculo cultural turinés y de la historia italiana en general. Numerosas fueron las personalidades que asiduamente acudían a casa de los Levi; entre ellas podemos destacar nombres como el de Anna Kuliscioff, Felice Casorati, Giancarlo Pajetta, Vittorio Foa, Carlo y Nello Rosselli, Luigi Salvatorelli, Niccolò Chiaromonte, Cesare Pavese, Felice Balbo, Giulio Einaudi, Leone Ginzburg..., muchos de ellos parte integrante del grupo antifascista �€�Giustizia e libertà�€�, que sería víctima de continuas persecuciones por parte del régimen.
El hecho de provenir de una familia culta y acomodada, que contaba con cierto prestigio social y que mantenía fuertes lazos de amistad con muchas de las figuras más representativas de la cultura italiana del momento, fundamentalmente de ideología antifascista, supuso que Natalia creciera en un ambiente culturalmente propicio para desarrollar sus aptitudes intelectuales, que pronto plasmaría en sus escritos.
Sin embargo, pese a reunir todas las condiciones para llevar una vida cómoda y sin excesivos problemas, la desdicha quiso que naciera en un período histórico de fuertes persecuciones y condenas a quienes, como ella, profesaban ideas socialistas y antifascistas o tenían ascendencia judía, lo cual marcó profundamente su vida y su obra. Desde muy joven, tuvo que sufrir, junto con su familia, continuas persecuciones y controles por parte de la policía e, incluso, el encarcelamiento, en diversas ocasiones, de su padre y de sus tres hermanos, acusados de antifascistas, lo cual provocó en la escritora un carácter evasivo e introvertido y una profunda sensación de marginación que la llevarían a refugiarse en la literatura como modo de evasión de la realidad que le había tocado vivir. Con estas premisas, ya desde su infancia, la escritora se entretenía componiendo cancioncillas o poemas que recitaba en casa (costumbre muy habitual entre los hermanos Levi, heredada de su madre), iniciando con ello una práctica de la escritura que culminará a los 17 años con el relato �€�Una assenza�€�, que publicaría muchos años después en su antología de obras completas. A los 18 años aparecerá su primer relato conocido, �€�I bambini�€�, publicado en la revista florentina �€�Solaria�€�, al que seguirán diferentes colaboraciones, entre los años �€�34 y �€�37, en algunas revistas importantes de la época, como la ya citada �€�Solaria�€�, �€�Il Lavoro�€� y �€�Letteratura�€�. Asimismo, en 1937, concluyó la traducción al italiano de �€�Du coté de chez Swann�€� (con el título: �€�Alla ricerca del tempo perduto�€�), de Marcel Proust, escritor cuya obra pudo conocer y apreciar desde su más tierna infancia gracias al ambiente familiar en que creció, ya que sus padres eran grandes admiradores de éste. El trabajo, publicado por la editorial Einaudi en 1946 como parte de la colección �€�Gli Struzzi�€�, sería una de las traducciones del prestigioso autor francés mejor valoradas por la crítica italiana.
A raíz de la introducción de las leyes raciales en Italia, y a consecuencia de su declarada ideología antifascista, todos los varones de la familia Levi serán arrestados en diferentes ocasiones y se verán obligados a refugiarse fuera de los confines italianos. Por aquel entonces, concretamente en 1938, la joven Natalia se casará con Leone Ginzburg, intelectual de origen soviético, amigo de su familia, escritor y profesor de Literatura Rusa y militante del grupo anti-fascista �€�Giustizia e Libertà�€�, que sufrirá la misma suerte que los Levi y será duramente perseguido por las autoridades y encarcelado en varias ocasiones.
Gracias a su marido, director editorial de la casa Einaudi, fundada en 1933 por su amigo Giulio y que ya por aquel entonces empezaba a publicar las obras de muchos de los escritores más representativos de la literatura italiana del siglo XX, la escritora pudo intensificar sus contactos con un vasto número de intelectuales, como Cesare Pavese, Felice Balbo o Franco Antonicelli, colaboradores habituales de la editora turinesa.
La intensa actividad antifascista de Leone Ginzburg provocó su arresto por parte de las fuerzas policiales del régimen en 1940, tras el cual, como condena por oposición al fascismo, sería confinado a Pizzoli, un pueblecito de los Abruzzos a pocos kilómetros de L�€�Aquila. Natalia, plenamente identificada con los ideales político-sociales de su marido, lo acompañará sin reparos junto con sus dos hijos, aún muy pequeños (un año y medio el mayor y pocos meses el segundo).
En Pizzoli, donde nacería su tercera hija, Alessandra, la escritora tuvo ocasión de contemplar la desoladora realidad que se presentaba fuera de las paredes de su hogar, en el que siempre estuvo tan protegida. Fruto de dicha experiencia y de su amargura por la situación en que se encontraba su país será su primera novela �€�La strada che va in città�€�, en la que refleja con impactante realismo la dura vida de una joven de pueblo y su familia. La novela fue publicada por la editorial Einaudi en 1942, bajo el pseudónimo de Alessandra Tornimparte (compuesto por el nombre de su hija y el de un pueblo cercano a Pizzoli), para cubrir su identidad judía y escapar así de la censura fascista. Posteriormente, en 1945, la misma editorial reeditará la novela cambiando el primer pseudónimo por el de Natalia Ginzburg, con el que a partir de entonces firmará todos sus escritos.
En verano de 1943, con la caída de Mussolini, ante el avance alemán y la inminente ocupación de las tropas, Leone abandona el confinamiento y, después de un breve período en Turín, se asienta en Roma, participando en diversas actividades editoriales clandestinas. Natalia Ginzburg, ayudada por los habitantes de Pizzoli, escapó a Roma con sus hijos, escondida en un camión, hasta que, el 1 de noviembre, pudo reunirse con su esposo. Desgraciadamente, sólo veinte días después, Leone cayó en manos de los nazis mientras se encontraba en la imprenta clandestina del periódico �€�L�€�Italia libera�€�, muriendo torturado en la cárcel de Regina Coeli en febrero de 1944, pocos meses antes de la llegada de los aliados a Roma, sin haber podido ver antes a su mujer y a sus hijos.
Pese a este hecho desolador, que la marcó profundamente, con tan solo 28 años, Natalia Ginzburg no abandonará su actividad literaria, sino que, más bien, la intensificará, como único modo de exteriorizar sus sentimientos, que habían quedado cubiertos tras el velo de su cada vez más explícita introversión y parquedad de palabras. Así, tras la muerte de su marido y después de un turbulento período de huidas de un lugar a otro (entre éstos, un convento de monjas ursulinas, que le dieron cobijo y protección por algún tiempo) hasta la llegada de la Liberación, en 1945 regresa a la casa de sus padres en Turín, donde retomará la colaboración con la editorial Einaudi -que acabará siendo una de las más prestigiosas de Italia- como parte integrante del comité de lectura y revisión de textos junto a sus amigos Cesare Pavese y Felice Balbi, entre otros, lo cual le dará la oportunidad de juzgar y tener entre sus manos obras de escritores que alcanzarán una considerable relevancia dentro del panorama literario italiano del siglo XX, como, por ejemplo, Italo Calvino, Elsa Morante o Primo Levi.
En 1947, publica con Einaudi la novela corta �€�È stato così�€�, con la que gana el premio �€�Tempo�€�. Asimismo, por aquellos años, iniciará sus colaboraciones con el periódico �€�Il Politecnico�€�, del que será la única colaboradora femenina, destinado a estudiantes y trabajadores, y dirigido por Elio Vittorini, a la vez que intensifica su amistad con Cesare Pavese, cuyo suicidio, en 1950, supondrá para la escritora otro duro golpe que marcará su personalidad y su obra. Sobre su amigo, escribirá un emotivo y conmovedor retrato (�€�Ritratto di un amico�€�, redactado en 1957 y publicado en la colección de ensayos �€�Le piccole virtù�€� en el año 1962), mezcla de ternura y de sobriedad, en el que se aprecia claramente el profundo dolor que esta pérdida supuso para ella.
En 1950 se casará en segundas nupcias con el escritor Gabriele Baldini, crítico y estudioso de Literatura Inglesa, materia de la que era profesor en la Universidad de Trieste y con él se trasladará nuevamente a Roma en 1952, convirtiendo esta ciudad en su lugar de residencia definitivo y de la que se ausentará sólo durante un breve período de tiempo, de 1960 a 1962, para residir en Londres, donde su marido fue nombrado director del Instituto Italiano de Cultura.
Estos años compartidos con su segundo marido serán para Natalia Ginzburg de intensa productividad literaria. En el mismo año de su matrimonio publica �€�Tutti i nostri ieri�€�, su proyecto literario más amplio y ambicioso, que tendrá un gran éxito de crítica. En el �€�57 escribe tres de sus novelas cortas: �€�Sagittario�€�, �€�Valentino�€�, por el que recibe el Premio Viareggio, y �€�La madre�€�, que serán recogidos en el volumen �€�Cinque romanzi brevi e altri racconti�€�, publicado por la editorial Einaudi en 1964.
Durante su estancia en Londres, Ginzburg tuvo ocasión de conocer a una de las escritoras inglesas más relevantes de la época y que más influirían en su manera de concebir la literatura, Ivy Compton-Burnett, cuyas novelas, cargadas de ásperos diálogos �€"pese a su aparente banalidad�€", reflejan la realidad, por cruda que ésta sea, a través del lamento reprimido de los personajes, generalmente miembros de la decadente burguesía convencional, con un lenguaje escueto, sin artificios ni sutilezas, en lo que casi podríamos considerar una crónica de la que la autora buscaba distanciarse. Buena muestra de este influjo son sus novelas �€�Le voci della sera�€�, escrita en 1961, precisamente durante su período londinense, y �€�Caro Michele�€�, novela epistolar publicada en 1973, alcanzando el cúlmen, indudablemente, en su novela autobiográfica �€�Lessico famigliare�€�, de 1963, distanciada crónica de su propia historia familiar, con la que ganará el Premio Strega y se consagrará como escritora finalmente reconocida por la crítica y el público italianos. Cabe destacar como uno de los aspectos más originales de esta obra el peculiar uso que Natalia Ginzburg hace del lenguaje, recurriendo a numerosos términos y expresiones de uso íntimo, familiar, empleados por los Levi para definir las más diversas realidades; un lenguaje ajeno y que excluye a quien esté fuera de dicho círculo, como una especie de código de sobreentendidos que refleja experiencias comunes que la escritora decide compartir con su público y, a su vez, al plasmarlos por escrito, hacerlos perdurar para siempre.
Asimismo, a la autora inglesa debe la actividad de dramaturga que iniciará a partir de 1964, aunque no se pueden obviar dentro de su pensamiento otros grandes escritores como Anton Chekov y Goldoni. Siguiendo las premisas promovidas también por Compton-Burnett de que el teatro ha de ser fundamentalmente palabra pues la palabra es la esencia de la literatura, en las obras teatrales de Ginzburg �€"así como en el resto de sus escritos�€" la palabra será, por tanto, frente a toda carga escénica, el medio básico de comunicación, el refugio con el que la escritora y los protagonistas de sus obras superan la soledad e instauran un diálogo consigo mismos y con todo aquel que quiera escucharlos.
En 1964, escribió su primera obra teatral, �€�Ti ho sposato per allegria�€�, a petición de la actriz Adriana Asti, que le propuso escribir una comedia en la que ella pudiera tener un papel representativo; proyecto que Natalia Ginzburg aceptó reticente y no sin pocas dudas al respecto.
El inesperado éxito de público y de crítica de esta primera comedia animará a la escritora a continuar con la práctica de la escritura teatral, realizando otras nueve comedias más, algunas de las cuales tuvieron tal acogida que fueron llevadas a escena incluso en otros países, como �€�La secretaria�€�, traducida por Carmen Martín Gaite y representada en España por la compañía de teatro Desatino el 13 de febrero de 1997.
Precisamente en este momento de esplendor y alta productividad para Natalia Ginzburg, que ya había alcanzado un merecido reconocimiento como escritora y una relativa estabilidad familiar, el destino volverá a jugarle una mala pasada con la inesperada muerte de su marido, aquejado de hepatitis viral, en 1969, con tan solo cuarenta y nueve años.
De nuevo, la melancólica y triste escritora se refugiará en la escritura, siendo los años �€�70 un período de intensa productividad literaria. Así, publicará las colecciones de ensayos �€�Mai devi domandarmi�€� (1973) y �€�Vita immaginaria�€� (1974), la novela �€�Caro Michele�€� (1973), el relato �€�Famiglia�€� (1977), y las colecciones de comedias teatrales �€�Ti ho sposato per allegria e altre commedie�€� (1970) y �€�Paese di mare e altre commedie�€� (1973), que tuvieron una espectacular acogida.
En los años �€�80, entre sus publicaciones destacarán el estudio histórico �€�La famiglia Manzoni�€� (1983) y la novela epistolar �€�La città e la casa�€� (1984); sin embargo, lo más relevante de la trayectoria ginzburgiana en este período será el regreso a la política de la escritora, que se presentará a diputada por un grupo de independientes del Partido Comunista Italiano, cargo que obtendrá durante dos mandatos, 1983 y 1987, con un arrasador porcentaje de votos.
Durante su actividad parlamentaria, que realizó con profunda convicción, animada por el sentido de justicia que siempre había defendido y convencida del importante papel que el escritor puede y ha de desempeñar en la sociedad, la escritora luchó intensamente por diversas causas humanitarias, desde la quizá más trivial reducción del coste del pan, hasta la asistencia a los niños palestinos, pasando por la persecución legal a los violadores o la reforma de las leyes de adopción.
El 8 de octubre de 1991 fallecerá en su casa de Roma, aquejada de un cáncer irreversible, no sin haber concluido, pocos días antes, su último trabajo: la traducción de �€�Une Vie�€� de Guy de Maupassant, que será publicada por la editorial Einaudi, en 1996.
Como podemos constatar, su nacimiento en un período conflictivo de la historia italiana y mundial hizo que Natalia Ginzburg creciera en la opresora atmósfera del fascismo y sufriera en primera persona las persecuciones de este régimen, ya por su origen judío a través de las leyes raciales, ya por su ideología claramente antifascista. Todo ello condicionó, evidentemente, su carácter y su escritura, presentándose como un ser frágil y melancólico, introvertida y celosa en la defensa de su intimidad, a veces aparentemente insegura e incapaz de comprender el mundo, algo que refleja fielmente en sus escritos, con cierto distanciamiento, como espectadora de una realidad imposible de cambiar, sin intervenir ni plantear soluciones, dado que lo sucedido es inmodificable, recuperable únicamente por medio de la memoria y de su plasmación a través de la palabra escrita.
Sus obras son un reflejo de las devastadoras consecuencias sociales e intelectuales provocadas por la guerra. Por este motivo, son frecuentes en sus textos temáticas como las desigualdades e injusticias sociales; la exposición de las más variadas pasiones humanas; la falta de valores; la soledad y la incomunicación en las que el ser humano está sumido; la preocupación por mostrar la cotidianidad humana, en especial de las mujeres en su ámbito familiar e íntimo; la incomprensión y la indiferencia como motores de la vida en el hogar y, a raíz de ella, del resto de las relaciones sociales; el debate entre la realidad y el sueño, entre el realismo y la fantasía, entre el espacio y el tiempo; la recuperación proustiana de la memoria y el sueño como forma de conocimiento interior, que da sentido a la propia existencia y reafirma la propia identidad; el recurso a la técnica de la fragmentariedad y la reconstrucción de la realidad narrada por medio de diferentes interpretaciones de la misma experiencia...; temáticas que siempre ubica en espacios comunes �€"muchas veces la casa familiar�€", y cuyos protagonistas son gente común, de manera que cualquier lector pueda reconocer un caso real.
Cabe señalar su ansia por reflejar la realidad del momento de la forma más verídica posible y desde la perspectiva de quien la ha sufrido, sobre todo desde el punto de vista de los más desvalidos, así como por transmitir tal inquietud de una manera clara y concisa, con un lenguaje sencillo, escueto, sin excesivos artificios, despojado de retóricas innecesarias, pero de gran profundidad y cargado de simbolismo; un lenguaje real �€"o, por lo menos, verídico�€", como la realidad misma y los personajes que presenta en sus escritos: tipologías y vivencias humanas totalmente verosímiles, propias del contexto histórico y social en que se desarrollan, y con las cuales se podrían identificar numerosas familias reales; vivencias que el lector presencia como podría presenciar la propia realidad, llegando incluso a identificarse con los personajes o a compadecerlos, como si de conocidos se tratara. Muestra de que las tipologías humanas presentadas pueden adaptarse perfectamente a cualquier cultura, sociedad y país afín son las diferentes adaptaciones cinematográficas y teatrales que de sus obras se han hecho en diferentes naciones, como en España o en Inglaterra.
Como clara crítica a la sociedad de la época, los protagonistas de sus escritos son, en su mayoría, personajes apáticos, que aceptan pasivamente la realidad que les circunda, resignados a su condición y a la monotonía, faltos de estímulos que les hagan reaccionar ante cualquier adversidad, que, sin embargo, prefieren soportar estoicamente como si nada les afectara, incapaces de transformar su destino y sumidos en la soledad e incomunicación, mientras se debaten entre la realidad y la ensoñación. Se trata, frecuentemente, de seres unidos por lazos afectivos o de parentesco, pero que, a pesar de ello, se comportan como extraños que no logran demostrar ni comunicar sus afectos, por lo cual viven sumidos en su propia soledad, insatisfechos con la situación que le ha tocado vivir, pero sin hacer nada por cambiarla.
Pero lo más destacado en Natalia Ginzburg es su condición de mujer intelectual �€"sobre todo en los primeros años de su trayectoria literaria-, casi pionera en una sociedad que aún no asimila en la mujer ciertos roles concedidos sólo a los hombres, entre ellos el de intelectual. Por este motivo, solidaria e identificada con la problemática que afectaba a la mujer de la época, en casi todas sus obras, a la hora de exponer los problemas humanos y sociales, predomina el tema de la mujer desvalida y su precaria condición en la Italia del momento, insistiendo en la desigualdad entre hombres y mujeres en una sociedad cuyo sistema binario presenta lo masculino, o positivo, en oposición con con lo femenino, y, por tanto, negativo. De este modo, la mayoría de los personajes protagonistas de las obras de Ginzburg son mujeres que podrían considerarse estereotipos de la Italia de primeros y mediados del siglo XX �€"aunque la imagen podría ser extensible a otros países�€", de las que intenta plasmar los más variados sentimientos e inquietudes, así como la problemática social que las circunda.Esto convierte la narrativa testimonial ginzburgiana en una especie de crónica de la mujer mediosecular, en la que, a través de personajes extraídos de la sociedad en que vivía, refleja el panorama italiano, y europeo, y, en especial, el de la dura situación de impotencia y limitación en que la mujer se hallaba sumida, ofreciendo, además, las diferentes formas que ésta tenía de reaccionar ante tales injusticias.
Por otra parte, en oposición a la figura femenina, la masculina, en la mayoría de los casos, se presenta, generalmente, como figura negativa y problemática, egoísta y falta de valores: hombres frecuentemente fracasados tanto a nivel familiar como laboral, incapaces de comunicar con su entorno, y que, precisamente por ello, a veces suscitan cierta ternura y compasión.
Con todas estas premisas, es fácil entender el porqué del éxito y la importancia dentro del panorama literario italiano de Natalia Ginzburg, la cual, refugiada en la escritura como único medio de desahogo para expresar con plena libertad sus inquietudes y su descontento ante la realidad que le tocó vivir, compensando así su carácter frágil e introvertido, hizo llegar su voz y compartió sus pasiones a través de sus textos, que quedarán indudablemente impresos en quienes se acerquen a su obra. Escritos que muestran la realidad la mayor parte de las veces con crudeza, y en cuyo desenlace no hay lugar para la esperanza, dejando en el lector cierta sensación de melancolía e impotencia, y llevándolo a reflexionar sobre las situaciones que presenta: experiencias que pasaron y quedarán en la memoria, sin posibilidad de modificación alguna, y que no habrían ocurrido si alguien hubiera podido hacer algo por cambiarlas... Como su historia misma y la de todos nosotros.

María De La Concepción Gimeno De Flaquer (1850 - 1919)

marina.bianchi@unibg.it (Marina Bianchi) — Thu, 24 May 2007 18:04:19 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: castellano

María de la Concepción Pilar Loreto Laura Rufina Gimeno y Gil nace en Alcañiz, en la provincia de Teruel, el 11 de diciembre de 1850. Estudia en Zaragoza, publicando su primer artículo �€�A los impugnadores del bello sexo�€� en 1869, en la revista "El trovador del Ebro". Con veinte años se va a Madrid, donde logra acceder a los círculos literarios y empieza a colaborar con "El Argos". En la tertulia de De la Torre, conoce a Carolina Coronado y a Juan Valera, colaborando con éste en la redacción de la revista "La mujer", en 1871. En 1972 funda en Barcelona "La ilustración de la mujer", cuyo propósito declarado es la defensa de su sexo. Los artículos remarcan constantemente la necesidad de una educación femenina que iguale la masculina.
Al mismo tiempo Concepción se dedica a escribir ensayos y novelas: en 1873 publica "Victorina o heroísmo del corazón", a la que siguen "El doctor alemán" en 1880, "La mujer española" en 1877, y "La mujer juzgada por una mujer" en 1882, colaborando además con "El correo de la moda" en los años de su estancia en Cataluña y luego hasta 1886. En 1879 se casa con el periodista Francisco de Paula Flaquer y Fraise, director de la revista cubana "La aurora" y de "El álbum ibero-americano" de Madrid.
Tras diversas estancias en Francia y Portugal, en 1883 el matrimonio se muda a México, donde Concepción funda y dirige "El álbum de la mujer". A través de la revista, innovadora en el contexto mexicano de la época, la escritora instruye a las lectoras y da a conocer en el país los nombres de muchos autores españoles y sus obras. Concepción actúa de intermediaria cultural entre España y América, esfuerzo que se ve premiado con el reconocimiento de los gobiernos de México y de Venezuela y con un homenaje del Centro Catalán de La Habana.
Tras siete años de estancia en México la periodista vuelve a Madrid y se hace cargo de la dirección de "El álbum ibero-americano". Gimeno sigue promocionando el intercambio cultural entre el viejo continente y el nuevo: ahora difunde en España las costumbres, la literatura y la historia mexicanas, conocidas y estudiadas en los años anteriores. Por supuesto, como para la revista fundada en Hispanoamérica, el propósito declarado es la educación del público femenino. Diversamente de lo que la crítica ha estado creyendo hasta ahora, Concepción no figurará como directora hasta el final de la publicación: su nombre aparecerá en la portada bajo esta definición sólo desde 1890 hasta 1892. A partir de enero del año siguiente la frase �€�Directora: Concepción Gimeno de Flaquer�€� desaparece, y desde del número del 22 de junio de 1900 hasta el final de la edición leemos: �€�Director: Francisco de Paula Flaquer�€�.
El mismo año de la vuelta a España se publica "Mujeres. Vidas paralelas", una recopilación de artículos ya aparecidos en las revistas y reunidos aquí en un ensayo. Concepción organiza además tertulias literarias, a las que asiste Juan Valera otra vez. Éste le ofrece la posibilidad de dar un ciclo de conferencias en el Ateneo Científico y Literario de Madrid, entre 1890 y 1903. Gimeno seguirá hablando frente al público de los problemas de las mujeres y de su papel en la sociedad y en la historia, tanto en España como en el extranjero, hasta 1908. Mientras tanto en 1906 se le otorga el cargo de Presidenta de la Unión Ibero-Americana.
En 1909 se publica la novela corta "Una Eva moderna", última obra de la autora. Dos años después, Concepción se va a Buenos Aires para un ciclo de conferencias. Tras un viaje por América Latina en 1917, Gimeno muere en Madrid, probablemente en 1919.

Elisabeth Gille (1937 - 1996)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Fri, 02 May 2008 18:43:30 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: francés

Elisabeth Gille nace en París en 1937. Es la segunda hija del matrimonio formado por Michel Epstein, ingeniero en física convertido en banquero y de la escritora de origen ucraniano Irène Némirovsky. Con el comienzo de la guerra, en 1939, la pareja decide alejar a Denise(1929) y su hermana Elisabeth de los bombardeos de la capital y las envían a casa de la madre de su institutriz,a Issy-l�Évêque, en Saône-et-Loire. Mientras tanto, el matrimonio permanece en París pero, la promulgación en 1940 del nuevas leyes antijudías, les obliga a abandonar la ciudad y , portando la estrella amarilla, se reunen con sus hijas. La conversión de la familia al catolicismo no impidió que su madre fuera deportada a Auschwitz, donde murió en 1942, ni que su padre fuera detenido y gaseado en ese mismo campo de concentración pocos meses después. La dos hermanas, huérfanas y perseguidas, se ven obligadas a vivir en la clandestinidad escondiéndose en casas de amigos de sus padres. Junto a ellas siempre portaron una maleta con los recuerdos familiares y el manuscrito de la que sería la novela póstuma de Irène Némirovsky: Suite Francaise, publicada en 2004.

Tras la guerra, en 1945, las dos hermanas regresan a París donde vivirán hasta la mayoría de edad bajo la tutela de Albin Michel, fundador de la famosa editorial que lleva su nombre.

Habiendo crecido en un ambiente literario, no es de extrañar que Elisabeth encuentre su vocación en las letras y se dedique, de forma profesional, a la traducción, la dirección editorial y, más tarde, a la escritura.

Con el nombre de Elisabeth Gille, traduce al francés a los más prestigiosos autores de ciencia ficción: J.G. Ballard, John Brunner, Michael Moorcock, Anne McCaffrey y Clifford D. Simak. También traduce a otros novelistas como Kate Millet, Peter Taylor, Alison Lurie y Mary Gordon.

Durante una década, de 1976 a 1986, Elisabeth Gille dirige la pretigiosa colección de ciencia ficción "Presénce du futur" de la editorial Denoël. En 1986 pasa a Flammarion, donde se convierte el la directora del departamento de literatura extranjera, puesto que abandona en 1989 para ocupar la dirección literaria de Éditions Julliard. Posteriormente, en 1992, será en Rivages donde desempeñará esta funciones. Es también en este año cuando Elisabeth Gille comienza su carrera como escritora con la publicación de Le Mirador: Mémoires rêvées, un libro donde recrea la vida de su madre.

En 1994 publica su segundo trabajo, Le Crabe sur la banquette arrière, novela autobiográfica donde, a modo de obra teatral, habla con ironía del cancer que ha padecido y donde aborda, de nuevo, el tema de la muerte.

En 1996,poco antes de su muerte, sale al mercado Un Paysage de cendres, libro en el que la autora revive su infancia durante la guerra a través de dos huérfanas judías que se refugian en un convento de Burdeos tras escapar, milagrosamente, del arresto masivo llevado a cabo por el régimen de Petain. Es en definitiva, un testimonio más de los aspectos más terribles de la historia del siglo XX.

Antonia Giannotti Pulci (1452 - 1502)

peppina@gmail.com (Giuseppina Aquino) — Sat, 23 Jun 2007 10:25:44 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Antonia Pulci nació a Florencia en 1452 hija de Francesco D�Antonio Tanini y Jacopa Di Torello. Antonia tenía cinco hermanas y un hermano, y otro hemanastro y hermana, niños naturales de su padre. Según Giuseppe Richa, en una breve biografía de Antonia incluida en su historia de la iglesia florentina, tres de las hermanas de Tanini se casaron en Florencia y otra en Pisa. Antonia en 1470 o 1471 se casó con Bernardo, hijo de Jacopo Pulci, una figura literaria conocida y que era un administrador importante de la universidad florentina. Una de las hermanas de Antonia ingresó en uno de los conventos locales. Esta fue una época en que la fortuna de su familia esufrió algunos reveses. Su hermano Luca cayó en bancarrota y murió en 1470, dejando a sus hermanos deshonra y dificultades. Antonia probablemente aportó a su matrimonio una dote de mil florines, que era una buena dote para la hija de un comerciante en esa época. Antes de 1483 Antonia escribió la Rappresentazione di Domitilla. En 1490 publicó varias obras, por lo menos tres o cuatro, en la famosa antología titulada: �€�Raccolta Miscomini�€�. El título �€�Antonia mujer de Bernardo Pulci�€� aparece como autora de tres de los juegos, del Rappresentazione di Domitilla (anticuado 1483), del Rappresentazione di Guglielma, y del Rappresentazione di San Francesco. Rappresentazione di Barlaam e Giosafat de Bernardo Pulci también se incluye en la antología, al igual que otro drama que fue escrito por Antonia, el figlio di Giacob de Rappresentazione di Giuseppe.
Antonia escribió otras obras incluyendo la del hijo Prodigo y otra sobre Saul y David. Una edición del Rapresentazioni del figliol prodigo fue publicada 1550. El drama titulado Pianto di David y La Distruzione di Saul conoce tres ediciones. Una publicada entre 1490 y 1500 y dos ediciones del siglo dieciseis, 1547 y 1559. Antonia y Bernardo no tuvieron hijos, y, cuando Bernardo murió en 1488, Antonia se retiró durante algunos años al convento dominicano de San Vincenzo, conocido como Annalena, y después a casa de su madre, que estaba cerca de la plaza Signoria. Fue entonces cuando empleó a un muchacho joven de la escuela de la catedral para enseñarle el latín. Se trataba de Francesco Dolciati, que tomó el nombre de Fra Antonio Dolciati.
Cuando Antonia recibió su dinero de la dote del la familia de los Pulci compró una casa y algunos edificios fuera de la puerta de San Gallo, donde se fundó una casa de los Augustinos llamada Santa Maria Della Misericordia en el 1502, año de su muerte. El convento que Antonia fundó duró solamente treinta años, después fue cerrado y las monjas se trasladaron al convento de San Clemente, situado en calle San Gallo al lado del monasterio de San Gallo y donde Antonia todavía tenía muchos amigos y parientes, incluyendo fra Antonio Dolciati.
Los dramas de Antonia fueron publicados repetidas veces en el siglo dieciseis (su renombre puede derivarse de la popularidad que tenían entre la monjas que utilizaban sus dramas como teatro del convento en el siglo XVI). La mayor parte de las ediciones del Domitilla, del San Francesco, y Guglielma, y los últimos dos juegos también han aparecido en antologías en los siglos diecinueve y veinte.

Veronica Gambara (1485 - 1550)

shaguiradiali@yahoo.es (Vanessa Fonte Cano) — Tue, 26 Sep 2006 18:46:31 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Italiano y latín

Veronica Gambara es una de las poetisas más admiradas del Renacimiento italiano. Nace el 30 de noviembre de 1485 en Pratalboine, en el seno de una familia noble de origen alemán y ahora trasladada a Brescia. Sus padres fueron el conde Gian Francesco Gambara y Alda Pia, de los príncipes de Carpi.
Recibió una refinada educación humanística, estudiando latín, griego, filosofía y teología y, desde muy joven(1504), se relacionó con Pietro Bembo a quien tuvo como maestro y con quien intercambió numerosos textos poéticos. En su poesía se reconoce la influencia de las formas de Petrarca y Bembo.

En 1506, a la edad de veinticuatro años, contrae matrimonio con Giberto X, señor de Corregio, a quien dedicó un gran número de sus poesías. Los siguientes años fueron años de feliz matrimonio y dio a luz a dos hijos, Hipólito y Girolamo. Durante estos años sigue dedicándole tiempo a sus actividades intelectuales y pasa algún tiempo en la corte de Mantua(1510).

En agosto de 1518 enviuda. Después de la muerte de su esposo, V.Gambara dedica un tiempo a recuperarse de tal pérdida y escribe numerosas rimas dedicadas a éste. Tras su fallecimiento vistió siempre de negro e hizo que se guardase también el luto en la corte. Una vez recuperada, retoma sus ocupaciones y se encarga del gobierno de Correggio con la ayuda de sus dos hijos. Verónica fue capaz de combinar sus deberes políticos y su actividad literaria y mantuvo correspondencia con muchos hombres ilustres de la época. De su corte formaron parte, entre otros personajes relevantes, Pietro Aretino, P. Bembo, L. Ariosto y en sus numerosos viajes conoció y estuvo en contacto con grandes personajes de su tiempo como el emperador Carlos V, los papas Clemente VII y Pablo III y mujeres como Vittoria Colonna, Caterina de�Medici o Isabella d�Este.

Sus contemporáneos no dudaron en apreciar su labor y esta admiración queda reflejada en obras como el Orlando Furioso de Ariosto donde la define como "cara ad Apollo e alle muse" ( querida por Apolo y por las musas).

En sus últimos años su salud se debilitó y sufrió importantes enfermedades y recaídas. Su último viaje fue a Mantua en 1549 y a su vuelta se le diagnosticó la enfermedad que la llevó a la muerte el 13 de junio de 1550 en Correggio. Fue sepultada en la iglesia de San Domenico junto a su esposo pero su monumento sepulcral fue destruído en 1557, en una batalla durante la guerra franco-española. Sus cenizas, que se trasladaron a la iglesia de San Giuseppe de Calasanzio, se perdieron años después.
Esto es lo que se podía leer en su epitafio:

"Qui sotto il tumulo la Signora giace di Correggio
Veronica Gambara il cui nome basta per la fama
Quella che ogni eroe onorò e ogni poeta cantò
Fra queste pietre sta
Gambara la stirpe, Veronica il nome, Brescia la patria
Erato la musa, per le nozze Signora di Correggio.
Questo tumulo
I figli Ippolito e Gerolamo
Signori di Correggio
Insigni per ricchezza di fortuna e di spirito
Alla gran donna
Verónica Gambara
Mestissimi posero"

("Aquí bajo el túmulo yace la señora de Correggio
Verónica Gambara cuyo nombre basta para la fama
Aquella a quien todo héroe honró y todo poeta cantó
Entre estas piedras está
La estirpe Gambara, Verónica el nombre, Brescia la Patria
Erato la musa, para las bodas Señora de Correggio.
Este túmulo
Los hijos Hipólito y Girolamo
Señores de Correggio
Insignes por riqueza de fortuna y de espíritu
A la gran mujer
Verónica Gambara
Muy melancólicos pusieron")

Beatriz Galindo (1465 - 1534)

tridurmed@telefonica.net (Trinidad Durán Medina) — Wed, 07 May 2008 16:22:10 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Castellano

Beatriz Galindo, llamada la Latina, es la humanista más conocida, y probablemente de las más importantes, entre el grupo de las llamadas "docta puellae", o "mujeres sabias de la corte de Isabel la Católica". Este grupo constituye un fenómeno tan brillante como breve, pues nacido, por un lado, bajo el impulso que el Humanismo y el Renacimiento dieron al estudio de la cultura y de las lenguas clásicas, y, por otro, de la actitud favorable a la educación de las mujeres mostrado por una reina que disponía de una biblioteca de más de 250 volúmenes y comenzó a estudiar la lengua latina con 30 años, sería prematuramente agostado por las ideas impuestas por la Contrarreforma.

Sin embargo, la biografía de la que fuera maestra de latín de la reina, fundadora de conventos y hospitales, amada y recordada por el pueblo de Madrid, a uno de cuyos distritos aún da nombre, ofrecía hasta hace poco, datos escasos y, a veces, contradictorios o al menos no suficientemente contrastados documentalmente. En los últimos años, investigaciones, llevadas a cabo, preferentemente por historiadoras, han arrojado algo más de luz sobre algunos aspectos de su vida, sobre todo, desde que entra al servicio de la reina, pues de sus primeros años y de su época de formación aún no pueden ofrecerse datos ciertos.

Nació Beatriz Galindo en 1465 (para otros en 1475) en Salamanca, la Nueva Atenas según Pedro M. de Anglería y "madre de todas las artes liberales y todas las virtudes", según el erudito italiano Lucio Marineo Sículo. Su padre fue un hidalgo de origen italiano, Juan López de Gricio, o Grizio -Beatriz tomaría el apellido de la madre, cuyo nombre no consta documentalmente, o de la abuela , como era usual en la época-, sin gran fortuna, pues será su hija la que después fundará mayorazgos. Tuvo, al menos, otro hermano, Gaspar de Grizio, que fue secretario de la reina Isabel.

Sobre su formación en la lengua latina no se pueden ofrecer datos documentales, aunque parece ser que por su gran inteligencia estuvo destinada en un principio a la vida monástica. Se ha apuntado que su primer maestro pudo ser un tío suyo, probablemente clérigo. También se ha escrito, aunque no ha podido demostrarse, que pudo recibir clases de Antonio de Nebrija en Salamanca. Como quiera que fuese, su pasión por el estudio fue temprana y la acompañaría toda su vida.

Algunos datos no contrastados sostienen que Beatriz Galindo impartió clases de latín en la Universidad de Salamanca. Quizás lo hizo como lectora invitada a alguna cátedra, como era usual hacer con personas doctas aunque no perteneciesen a la institución, pues no se ha encontrado documento alguno donde conste su nombramiento.

La fama de su extraordinaria preparación llegó hasta la reina Isabel que la llamó a la corte, quizás impulsada por Lucio Marineo Sículo, que pudo haberla conocido en Salamanca, para que le enseñara la lengua latina. Era el año 1480, o quizás 1481 y Fernández de Oviedo, cronista y notario de la Real Casa y, por tanto, contemporáneo suyo, lo refiere así en su obra Batallas y Quincuagenas:

"[...] Esa misma fue Beatriz Galindo, llamada La Latina. La cual fue una santa muger seyendo donzella natural de Salamanca hija de un hidalgo llamado (espacio en blanco) de Grizio, honesta y virtuosa, adornada de virtudes, informada la Reyna Catholica Doña Ysabel , de su persona e onestidad e que era gentil latina, aunque ya la Reyna era de hedad, la quiso tener a par de si en su Cámara porque enseñase a su Alteza la lengua latina."

La reina Isabel quiso, en efecto, completar una deficiente formación en latín para desarrollar sus actividades diplomáticas en igualdad de condiciones con su esposo, el rey Fernando, que sí había sido educado en el dominio del latín en la corte de su padre Juan II de Aragón. Beatriz, su maestra, tendría apenas 16 años y, si hemos de hacer caso de su retrato, era una joven de tez blanca y ojos oscuros y expresivos. La llamada de la reina cambió su destino monacal pues desde ese momento acompañaría a la reina, impartiendo sus clases en palacio o en la tienda real, según las necesidades de una corte de carácter itinerante que visitaba distintos reinos, a veces en situaciones de asedio o de guerra.

La decisión de la reina y su entrega al estudio de la lengua latina tuvo inmediato efecto en la corte, como puede observarse en la Epístola Exhortatoria a las Letras del protonotario Juan de Lucena al notario regio Fernando Álvarez Zapata:

"Lo que los Reyes fasen , bueno o malo, todos ensayamos de lo faser; si es bueno, por aplacer a nos mesmos; y si es malo, por aplacer a ellos. Jugaba el Rey, todos eran tahúres. Estudia la Reyna , somos agora estudiantes. Y si vos me confesais lo cierto, es cierto que su estudio es causa del vuestro; sea por agradarle, o sea porque os agrada o por envidia de los que han comenzado a seguirla."

Beatriz Galindo estuvo junto a la reina Isabel hasta su muerte en 1504 acompañándola incluso en el duro y largo viaje desde Medina del Campo hasta Granada, donde la soberana quiso ser enterrada. Fue también maestra de sus hijas Isabel, Juana , María y Catalina, que después llegaría a ser reina de Inglaterra. Pero además de ser su profesora de latín, la reina la mantuvo a su lado, quizás para llevar su correspondencia, como camarera mayor o incluso como consejera, según sostienen Marineo Sículo y otros contemporáneos, aunque Salazar y Castro no la incluye en su lista. De cualquier modo, los conocimientos que Beatriz Galindo tenía de las cuestiones de estado no pueden ponerse en duda, como refleja el hecho de que, ya muerta la reina, el rey Fernando se dirija a ella en una carta, cuya copia se conseva, para preguntarle dónde podía estar archivado cierto pleito entre un promotor fiscal y las villas de Lepe y Ayamonte:

"[...] porque podría ser que vos supiéredes razón dello e diereis aviso do se pudiese hallar."

También queda constancia, a este respecto, de la visita que, en noviembre de 1524, le hizo el emperador Carlos V en su camino hacia Madrid:

"[...] don Carlos en persona la visitó, recién venido de Flandes por estar muy impedida ya por su edad, ya por sus achaques, para consultar con ella negocios graves como persona que tanto avía comunicado con sus avuelos."

La reina, como una muestra más de su aprecio por su maestra se había ocupado de su matrimonio y casándola con un viudo, que le doblaba la edad y padre de seis hijos, Francisco Ramírez de Madrid, destacado capitán y secretario del Consejo del Rey, y apodado El Artillero por sus conocimientos y avances en la invención de proyectiles. La boda se celebró en 1495 y del matrimonio nacieron dos hijos, Fernán, apadrinado por el rey Fernando y Nufrio (Onofre). Muerto en batalla en la Serranía de Ronda en 1501, sus hazañas merecieron estos versos de Lope de Vega en La Jerusalén conquistada, en los que también se alude a su esposa Beatriz Galindo en términos muy elogiosos:

" Capitán General murió en Granada
a manos de los moros, cuya vida
honró a Madrid, pero la más honrada
patria, ¡cuán presto el sacrificio olvida!
Su querida Beatriz, su prenda amada,
por segunda Nicostrata tenida,
célebre vivirá de gente en gente,
en nombre de Latina eternamente."

Beatriz Galindo, que había visto aumentada su hacienda, gracias a las donaciones de la reina y a us propio trabajo, instituyó dos mayorazgos en 1504, en beneficio de sus dos hijos. En el documento, expedido por los reyes, escribe unas palabras inusuales en la época, que reflejan la conciencia de su propio valer y del origen de su patrimonio:

"[...] que los bienes que yo he e tengo los he avido de merçedes e donaciones de Sus Altezas, por mi industria, estudios y trabajos, quiero y es mi voluntad de hazer dos mayorazgos."

Beatriz Galindo tenía 36 años cuando enviudó y desde entonces alternó sus obligaciones junto a la reina con la fundación de los conventos de la Concepción Franciscana y de la Concepción Jerónima, en los que se impartían clases para mujeres sin recursos, así como del llamado Hospital de los Pobres, conocido después como hospital de La Latina. Se conserva abundante documentación relativa a estas fundaciones donde se pone de manifiesto la contribución de la reina a estas empresas, así como la prodigiosa capacidad de administración y organización de Beatriz Galindo, que se refleja hasta en los más pequeños detalles y que puede observarse en las estrictas y solidarias normas de sus estatutos, desde que sólo pudieran ser acogidos los pobres, o que no abandonaran la institución hasta tener un trabajo para no acabar en la mendicidad, hasta hacer trasladar un matadero cercano para evitar malos olores a sus acogidos.

Desde la muerte de la reina, se recluyó, en régimen de clausura mitigada, en el convento de la Concepción Jerónima y, después, en el de la Concepción Francisca, en los que vivió con gran austeridad, entregada a sus fundaciones benéficas y al estudio. Se le atribuyen, aparte del testamento, el estudio Notas y Comentarios sobre Aristóteles, dos cartas en latín y algunos poemas, notables y conocidos en su época, también en latín, pero excepto del primero, no ha quedado constancia textual alguna. En el inventario de la biblioteca de la reina hay una referencia sobre "un libro pequeño de pergamino, escripto de mano en latín"; como trataba de Aristóteles y era un manuscristo en latín, se ha apuntado que quizás pudiera tratarse del citado estudio de Beatriz Galindo sobre el filósofo griego que su autora habría regalado a la soberana.

En su testamento, redactado en noviembre de 1534, aparecen nuevas muestras de su austeridad en las instrucciones para su sepelio, y de su independencia en la toma de decisiones, que sus descendientes no debían criticar:

"[...] como a un pobre de los que mueren en el hospital y que no tañan campanas algunas al volar del monasterio o parroquia donde yo muriese y que no haya hachas, y que ninguno traiga luto por mí, y el oficio sea como cuando muere una religiosa. [...] Declaro que todo lo que he gastado en los edificios y dotaciones de los monasterios y hospital ha sido de algunas mercedes que la Reina Nuestra señora, doña Isabel que haya santa gloria, así para los dichos edificios y dotaciones, como para el gasto de mi persona y casa, del cual gasto yo me retruje todo lo que pude y viviendo pobre y estrechamente después que el Secretario, mi señor, murió y todo lo que había de gastar según lo que tenía y la honra en que estaba lo quise gastar en estas obras pías, y en otras más, más que en vivir honradamente como lo pudiera hacer. Y digo y declaro que con buena conciencia pudiera haber gastado mucho más en las dichas obras y lo he gastado en harta demasía con mis hijos. Así que mis nietos no tienen razón en quexarse de mí, antes me lo deben agradecer, porque confío en Nuestro señor les hará mucha merced en esta vida y en la otra [...]"

Tenía razón en recordar a sus hijos que había sido generosa con ellos y que disponía para sus fundaciones de lo conseguido por sí misma, puesto que tuvo que vivir el dolor de que su primogénito, Fernán, le pusiera un pleito por unas casas que consideraba que lesionaban su mayorazgo; la intervención del rey Fernando amenazando mediante real cédula con la ira regia si su ahijado persistía en su actitud, prueba una vez más la estrecha relación de la corona con la que había sido colaboradora de la reina.

Un año después, en noviembre de 1535, moría Beatriz Galindo en el convento de la Concepción Francisca, donde residió casi los diez últimos años de su vida, vigilando la educación que recibían las jóvenes acogidas en su colegio. Está enterrada, por su voluntad, en el coro bajo, y no en el suntuoso sepulcro del Convento de las Jerónimas, como se creyó durante siglos. Sí parece corresponder a Beatriz Galindo la efigie que corona el sepulcro.

No faltaron prodigios atribuidos a La Latina por el pueblo de Madrid, sin duda agradecido por las obras piadosas de las que había sido beneficiario. Los dos aspectos de su personalidad, el de gran estudiosa de los clásicos y el de benefactora aparecen unidos en los versos de Lope de Vega, que en El laurel de Apolo, la recuerda así:

Aquella Latina
que apenas nuestra vista determina
si fue mujer o inteligencia pura,
docta con hermosura
y santa en lo difícil de la corte.
¡Mas que no hará quien tiene a Dios por norte!

A estos elogios habría que añadir la independencia de Beatriz Galindo, que fundó mayorazgos, administró su hacienda, fundó hospitales y conventos y que, sobre todo, tuvo conciencia de haber conseguido su patrimonio mediante su trabajo y su esfuerzo. Si a eso unimos la importancia que concedió toda su vida al estudio y a la educación de las mujeres como forma de mejorar su situación, tendremos un perfil, aún pendiente de dibujar en su totalidad, de esta singular humanista.

Gloria Fuertes (1917 - 1998)

elvira_cl22@hotmail.com (Elvira Comas Leonés) — Tue, 26 Sep 2006 18:39:57 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Castellano

Gloria Fuertes nació en Madrid, el 28 de julio de 1917 en la calle de la Espada (Lavapiés), en el seno de una familia humilde. La biografía de Gloria Fuertes está llena de datos confusos que ella misma se encargó de ir difundiendo y cambiando constantemente: el año de su nacimiento o el número de hermanos, ya que no está claro si fueron seis, ocho o nueve... Su madre era costurera y sirviente; su padre, portero y conserje de varios lugares: del Catastro, de la Institución Gota de Leche y de un palacete de la calle Zurbano, donde se trasladaron en el año 1932. Era la menor de nueve hermanos, que pronto serían sólo tres. De los 2 a los 14 años asiste a diversos colegios, entre ellos uno de monjas. Era una niña alegre y extrovertida y siempre le gustó escribir, pero por la falta de medios se ve obligada a trabajar enviando cartas o contando huevos en una fábrica. A los tres años ya sabía leer y a los cinco escribía cuentos y los dibujaba. Luego los cosía con hilos para encuadernarlos. Esos fueron sus libros infantiles. Sus primeras lecturas las componen el famoso TBO y los cuentos de Pinocho que editaba Calleja, ya que según ella manifestó en varias ocasiones le asustaba Blancanieves allí muerta, y le parecía un horror que en el cuento de Caperucita la abuela fuera devorada por el lobo. Por eso, su cuento preferido era Pinocho, y sus juguetes, los que encontraba por la calle.

En el Instituto de Educación Profesional de la Mujer recibió la formación necesaria para una futura ama de casa: cocina, cuidado de niños, corte y confección, etc., donde obtuvo diplomas de Taquigrafía y Mecanografía, Gramática y Literatura así como en Higiene y Puericultura. Con quince años muere su madre (1934), pero fue la Guerra Civil la que cambió su vida, con la pérdida de su novio y sus propias experiencias, que marcan su carácter pacifista a partir de entonces. Esta experiencia dramática de la guerra agudizó su sentido de protesta. Así escribe su primer libro de poemas a los 17 años, Isla ignorada, aunque no lo publica hasta 1950. En 1935 publicó sus primeros versos y dio sus primeros recitales de poesía en Radio Madrid. Desde 1938 hasta 1958 trabaja de secretaria en "horribles oficinas", según ella misma confiesa. Su primer amor fue un obrero que desapareció durante la contienda, el mal de amor pasó rápido y en 1937, vuelve a enamorarse de un médico al que metieron en la cárcel. Gloria iba a verle todos los días. Algunos versos tratan de este sentimiento doloroso.

Una vez acabada la guerra comienza a relacionarse con el mundo de las letras en revistas como Pelayos, o Chicos, Chicas y Chiquitito, éstas últimas bajo la dirección de Consuelo Gil, donde publica cuentos de humor desde 1940 hasta 1955. En 1939 entra de redactora en la Revista Infantil "Maravillas", suplemento infantil del diario Arriba, portavoz de la Falange y dirigido por Fray Justo Pérez de Urbel, donde publicaba semanalmente cuentos, historietas y poesía para niños, hasta el año 1953. A partir de entonces desarrollaría casi toda su literatura en torno a los niños, jóvenes lectores a los que gustaba la forma de escribir de Gloria. Lo primero que publicó fueron unas aleluyas y unas historietas de una niña de 9 años llamada Coletas. También aquí presentó a Pelines, un niño de 6 años que llegó a ser más popular incluso que Coletas. Al principio ella misma dibujaba las historietas, pero pronto se hizo cargo de esta labor ilustradora Soravilla. Siguió publicando semanalmente cuentos, historietas y poesía para niños en esta revista hasta el año 1953.

En 1942 conoce a Carlos Edmundo de Ory, integrándose en el movimiento poético denominado "Postismo" y colaborando en las revistas "Postismo" y "Cerbatana", junto con Ory, Chicharro y Sernesi. En 1947 obtiene el 1º premio de "Letras para canciones" de Radio Nacional de España y en 1950 publica "Isla Ignorada", su primer poemario. En 1951 funda junto a Adelaida Lasantas el grupo femenino "Versos con faldas" que se dedica durante dos años a ofrecer lecturas y recitales por cafés y bares de Madrid. Como se observa, Gloria Fuertes era una persona de fuertes ideales, que defendía firmemente sus ideas tanto políticas como sociales. Era además fundadora y directora de la revista poética "Arquero" junto con Antonio Gala, Rafael Mir y Julio Mariscal. En 1952 estrena su primera obra de teatro en verso "Prometeo" en el Teatro del Instituto de Cultura Hispánica, y en 1954 publica en Lírica Hispana (Caracas) "Antología Poética" y "Poemas del suburbio", además de �€�Aconsejo beber hilo" en la colección Arquero.

Entre 1955 y 1960 cursa estudios de biblioteconomía e Inglés en el International Institute, y organiza la primera biblioteca Infantil Ambulante para pequeños pueblos. En 1958 obtiene la primera mención del concurso "Lírica Hispana" de Caracas con su obra "Todo asusta". Desde 1958 hasta 1961 trabajó como bibliotecaria en el Instituto Internacional

Desde 1961 a 1963 reside en los Estados Unidos al obtener una beca Fullbright de Literatura Española, impartiendo clases en las universidades de Bucknell, Mary Baldwin y Bryn Mawr. "La primera vez que entré en una universidad fue para dar clases en ella". A su vuelta de Estados Unidos imparte clases de español para americanos en el Instituto Internacional. En 1965 obtiene el Premio Guipúzcoa de poesía con "Ni tiro, ni veneno, ni navaja". En 1966, premio "Lazarillo" con "Cangura para todo" y en 1968 le conceden el Diploma de Honor del Premio Internacional Andersen para Literatura Infantil; ese mismo año publica "Poeta de guardia".en 1972 recibe una Beca March para Literatura Infantil, que le permite dedicarse por entero a la literatura, su verdadera vocación

A mediados de los años 70 colabora activamente en diversos programas infantiles de TVE, siendo "Un globo, dos globos, tres globos" y "La cometa blanca" los que la convierten definitivamente en la poeta de los niños, recibiendo en cinco ocasiones el Aro de Plata de este medio informativo. A partir de estos años la actividad de Gloria Fuertes es imparable: lecturas, recitales, homenajes... siempre cerca de los niños; publicando continuamente, tanto poesía infantil como de adultos. En 1997 publicó en la editorial Torremozas, Pecábamos como ángeles, una selección de su poesía amorosa en la que nos presenta su vertiente más apasionada y nos permite escuchar de cerca su corazón, que, entre bromas y verdades, tiene la rara virtud de emocionar siempre. Quienes la conocieron han dicho de ella que era un ser fácil para la sonrisa, para la comprensión, para asumir el error ajeno, y fácil también para llorar en amor y compañía, para escuchar la confidencia última, para encontrar en el semejante un motivo más que sirva para perpetuar su sentido creador. Cuando Gloria ya conocía la gravedad de su enfermedad le preguntaron que qué tal estaba y ella contestó «Estoy a solas con Dios y mi dolor», pero no estuvo sola ni un minuto, siempre había alguien con ella, incluso cuando murió el 27 de noviembre de 1998 en Madrid estaba rodeada de sus amigos íntimos, los que siempre estuvieron ahí.

Según Ramón F. Llorens, Director del Área de Literatura Infantil y Juvenil de la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, �€�Gloria Fuertes es una de las voces más importantes y populares de la literatura infantil española. Importante porque algunos de sus libros y de sus poemas se han convertido en clásicos (Cangura para todo, Don Pato y Don Pito, ); popular, porque sus versos son conocidos por niños y adultos, al igual que sus Coletas o Pelines y su nombre se repite en colegios y calles de todo el Estado. Entre los primeros contactos del niño con la poesía siempre hay una obra de Gloria Fuertes. Su poesía ágil, fiel a las formas de la tradición oral, en ocasiones comprometida, siempre consciente de la necesidad de comunicación con el receptor, trata los más variados temas educativos y sociales.�€�

Veronica Franco (1546 - 1591)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Tue, 30 Jan 2007 13:54:17 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano

Veronica Franco fue una de las cortesanas más noble y célebre del Renacimiento italiano, la época más caliente, carnal y esplendida para esta profesión. Nace en Venecia en el año 1546. Su padre, Francesco Franco, pertenecía a una familia de la clase de los �€�cittadini originari�€� (una especie de clase social entre la aristocracia y la plebe) y su madre, Paola Fracassa, también ella cortesana famosa, fue la que inició a su hija a su misma profesión. A los diecinueve años aparecen nombradas las dos en el clandestino Catalogo de tutte le principal et piú onorate cortigiane di Venetia, publicado probablemente en el año 1565, donde se indican el nombre, la dirección y la tarifa: �€�Veronica Franco, a Santa Maria Formosa, pieza so mare, scudi 2�€� y �€�Paula Franco, a Santa Maria Formosa, pieza lei medema, scudi 2�€�
A los dieciocho años ya estaba casada con el médico Paolo Panizza (matrimonio breve dentro del cual nace un primer hijo, sobre el cual ella misma declara en un testamento, antes del parto, la nula relación del futuro hijo con su marido). La poetisa supo consolidar muy pronto su fama de �€�cortesana honesta�€�, de mujer bella, fascinante y capaz de expresar sus opiniones y sus intereses culturales dentro de la sociedad en la que vivía y en la que ejercía su profesión, la que nunca escondió ni negó practicar. Esta actitud es la que da origen a que esta particular escritora sea un �€�caso�€� literario. Llevar una vida �€�honrada�€� y una condición de cortesana �€�honesta�€� y respetable es la que le abre las puertas ante el mundo de las letras y de la poesía. A lo largo de su vida cultiva grandes amistades que le proporcionan riqueza y protección. Preferiblemente sus amantes eran elegidos en base a su clase social, dinero, educación y sobre todo cultura, de la que ella se aprovechaba cuanto podía. Una de las amistades más importantes y determinantes en la vida de la poetisa fue la que mantuvo durante años con Domenico Venier, famoso petrarquista que fue su protector y gracias al cual sus Rime vieron la luz contribuyendo de forma decisiva a la fama literaria de Veronica. Uno de los sobrinos de éste, Marco Venier, poeta y hombre político influyente en Venecia, fue, entre otras cosas, su amante preferido, y otro sobrino del mismo, Maffio Venier, fue su mayor enemigo.
La fama de Veronica como cortesana y como mujer de gran cultura, llega también al extranjero y el momento más importante es en Julio de 1574, cuando el joven Enrique III de Valois visita Venecia y pide pasar una noche de amor con ella.
Su casa, en S. Maria Formosa, empezó a ser un punto de encuentro de músicos, pintores y nobles, a menudo se hacían conciertos de música, debates de filosofía y lecturas de poesías.
Es posible que un año más tarde, Veronica publicase una antología colectiva de versos para conmemorar la figura del conde Estor Martinengo, joven vástago de la familia patricia de Brescia muerto prematuramente. El título de la antología era Rime di diversi eccellentissimi auttori nela morte dell�€�llustre Sign. Estor Martinengo, Conte di Malpaga, donde estaban recogidos nueve de sus sonetos.
En el mismo período, Veronica tuvo que defenderse de unas vulgares acusaciones hechas por Maffio Venier, sobrino del célebre Domenico, quien, por envidia y por celos literarios, había escrito contra ella y en dialecto veneciano dos capítulos titulados �€�Franca, credème per San Maffio�€� y �€�An fia comodo? A che muodo zioghèmo?�€� y el soneto caudato �€�Veronica, ver unica puttana�€�. Fueron crudas y violentas invenciones, a las que Veronica respondió con el capítulo D�€�ardito cavalier non è prodezza.
En Octubre de ese mismo año fue acusada por Ridolfo Vannitelli y obligada a presentarse ante el Tribunal de la Santa Inquisición con una acusación de brujería. Vannitelli sostenía que Veronica realizase hechizos de magia para atraer hacia ella a sus clientes y enamorarlos. El 8 de octubre de 1580 se celebra el juicio y Veronica queda libre de todos los cargos.
Se difunde la noticia de que a la edad de cuarenta años Veronica había querido cambiar de vida y se había retirado a un convento, además con la ayuda de algunos aristócratas habría fundado en los Carmini, la �€�Casa del Soccorso�€� para acoger las cortesanas que quisiesen �€�cambiar de vida�€� y poder salir de allí monjas, mujeres casaderas u óptimas trabajadoras. La realidad es que, pasando por alto el arrepentimiento religioso, su retiro de la profesión parece solamente una hipótesis sin certificar.

En los últimos años de su vida, es posible que hubiera trabajado en un poema épico, aunque de él no se encuentra ningún documento, y que hubiera escrito un soneto, publicado póstumo, elogiando la tragedia de Semiramis de Muzio Manfredi.
Fue madre de seis hijos, de los cuales sólo se conoce la paternidad de dos de ellos. El 22 de Julio de 1591, a la edad de cuarenta y cinco años, después de veinte días de intensa fiebre, Veronica Franco muere en Venecia.

Sus obras

Veronica publica las Terze rime en 1575, en una rara y única edición �€�elegante in formato di quarto e con bei caratteri corsivi�€�. En sus versos muestra un sentimiento sexual y jocoso de la vida y no duda en recordar a sus amantes los calurosos abrazos y los tiernos momentos vividos juntos, con palabras de estilo clásico, humanístico o elegíaco.
Se puede destacar la originalidad expresiva con la que la poetisa se aleja del petrarquismo construido bajo los cánones de Bembo, de moda en el siglo XVI, para acercarse a los tercetos dantescos. Un experimento interesante realizado en la poesía lírica.
A la producción literaria de Veronica Franco hay que añadir el epistolario; cincuenta Lettere familiari a diversi della S. Veronica franca all�€�Illustrissimo e Reverendissimo Mons. Luigi d�Este Cardinale. De la dedicatoria, fechada el 2 de agosto de 1580, se deduce el año de la edición. En ninguna de las cartas encontramos la fecha a excepción de la carta a Enrique III y la carta a Tintoretto.
Son epístolas con un tono de enseñanza y/o de consejo, las más apreciadas, sin duda, parecen aquellas en las que Veronica se muestra sincera, reflexionando sobre ella misma y sobre su propio mundo interior. Demuestra haber intuido que el género epistolar le habría permitido, por sólidas convenciones literarias, ejercer la función de sabia distribuidora de consejos y de advertencias.
Con su epistolario la poetisa es consciente de hacer suyo un género casi exclusivamente masculino, para ganarse un espacio de emancipación, y aspira sobre todo a crear con los instrumentos de la retórica un autorretrato que sepa oportunamente valorar aquello que ya había propuesto en las Terze Rime, es decir, construir un modelo de mujer virtuosa que no puede y no quiere renunciar a los valores de la sabiduría, de la lealtad, de la cultura.

Anna Franchi (1867 - 1954)

medeaporundia@yahoo.es (José Juan Burgos Roldán) — Thu, 14 Jun 2007 20:03:55 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano

Anna Franchi nació en Livorno el 15 de enero de 1867 en el seno de una familia económicamente muy bien situada. Muy joven se casó con el músico Ettore Martini, del cual se separó con bastantes dificultades y sufrimientos.
Junto con otras escritoras, como Flavia Steno o Fanny Salazar, se involucró activamente en las grandes problemáticas sociales y políticas de la época y fue abanderada de la defensa de los derechos de la mujer, siendo una defensora acérrima del divorcio y del derecho a huelga, realizó todo una campaña por la defensa del divorcio con obras como Avanti il divorzio! (1902) e Il divorzio (1903).
Integrante del Partido Socialista, fue una persona de gran cultura, además de magnífica traductora, colaboró en numerosas revistas, entre las cuales la famosa �€�Nuova Antologia�€�, desarrolló una intensa actividad periodística. Gran amante de las artes, fue desde pequeña una inquieta apasionada de la música y la pintura, seguidora del movimiento de los �€�macchiaioli�€�, que fueron una generación de jóvenes artistas abiertos a Europa partícipes del malestar de la situación sociopolítica de la época, a los cuales dedicó una serie de monografías en la prestigiosa revista "Natura e arte di Milano", precisamente en el arte y en su curiosidad artística fue donde se refugió en los solitarios años del fascismo. Podemos decir de ella que abarcó todos los campos de la cultura: periodista, escritora, gran conocedora del arte, buena polemista y activista feminista, en contacto con la mayor parte de los literatos, músicos, comediógrafos y artistas que marcaron con sus obras la cultura italiana de finales del siglo XIX e inicios del XX . Fue un personaje muy singular, dotada de un carácter bastante polémico y gran anticonformismo con la época en la que vivió, y al mismo tiempo partícipe de vivaz debate cultural que atravesó la sociedad livornese en el cambio de siglo y que permanece como base del patrimonio de ideas progresistas que caracteriza todavía hoy la sociedad livornese. Murió en 1954.

Elena Fortún (1885 - 1952)

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Sat, 10 Jan 2009 16:48:27 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Castellano

Elena Fortún, la creadora del famoso personaje de Celia, fue en realidad una mujer práctica por naturaleza, inteligente, feminista y valiente para la época. Siempre que los acontecimientos se lo permitieron, supo utilizar las circunstancias difíciles a su favor. En sus comienzos nada parecía señalar que se convertiría en una conocida escritora ni que durante una determinada época fue la autora más leída de España. Tampoco que acabaría siendo una exilada y que llegó a emplear su tiempo allí para seguir escribiendo y soñando a través de sus personajes, adaptando incluso los mismos a las costumbres en un país diferente del suyo. Vivió en Madrid, Canarias, San Roque, Zaragoza, Barcelona, Valencia, Francia y Argentina.

Encarnación Aragoneses Urquijo nació en Madrid en 1885. Su padre era alabardero del rey, Leocadio Aragoneses, y aunque ella nació en Madrid, pasaba los veranos en el pueblo paterno de Abades, en casa de su abuelo Isidro, personaje en el que se basaría posteriormente para el abuelo de Celia y Cuchifritín. Segovia siempre se reflejaría como punto de nostalgia en su obra y el escenario de los veranos así como en momentos críticos de la vida de sus personajes. Encarna era una niña enfermiza, rubia, de pelo largo y tirabuzones que, como era habitual en la época, prácticamente no recibió estudios. Cuando cumplió los 14 años murió su padre y, debido a sus escasos recursos económicos, tan sólo podía aspirar a conseguir un buen matrimonio.

Un teniente de infantería aficionado a la literatura y que venía de África, Eugenio de Gorbea, la sacó finalmente del hogar familiar. Eusebio no era militar por vocación, lo que más amaba era la literatura. Era un hombre pacífico, intelectual, cariñoso y un futuro gran padre (el personaje del padre de Celia es parecido a él). Se casaron y tuvieron dos hijos, y, como él viajaba constantemente, Encarnación tenía mucho tiempo para dedicarse en cuerpo y alma a la vida infantil de sus retoños. Además, gracias a su nueva vida, Encarnación pudo tener acceso a ambientes intelectuales que la enriquecían y saciaban su constante curiosidad. Los mismos en los que pudo mostrar su gran talento e imaginación. En su faceta de madre ella paseaba a sus hijos en el parque de El Retiro, y allí charlaba con otras madres del barrio, e intercambiaban anécdotas. En unos cuadernos escolares anotaba estas charlas, diálogos e incluso añadía las ocurrencias más graciosas.

Era una mujer de una sensibilidad enorme, adicta a las ideas teosóficas, muy dada a las premoniciones y a la medicina natural. Su sensibilidad en estos temas se incrementó cuando, con apenas 11 años, murió su hijo pequeño, y ella intentó entrar en contacto con él a través de la "Ouija". Aunque era un dolor que nunca la abandonaría, el tiempo fue ayudándola a superar poco a poco su tristeza, un traslado a Canarias por razones profesionales de su marido supusieron para ella, un pequeño bálsamo para la tristeza y una nueva fuente de paz, Tenerife fue un lugar donde Encarna se fue tornando más feliz. Desgraciadamente, tiempo después su otro hijo perdió un ojo en un accidente de caza. Como el pobre chico no podía estudiar, Encarna le leía las lecciones, y en aquella cabecera de su cama despertó en ella una gran afición por aprender que afortunadamente no la abandonaría jamás.

Llena de proyectos y superando el dolor, Encarna comenzó a escribir, y gracias a la mediación de María Lejárraga y María Martínez Sierra (que habían leído los cuadernillos de Elena Fortún), se puso en contacto con Torcuato Luca de Tena, que incluyó en el suplemento de Gente Menuda personajes como el Mago Pirulo, don Opas y Roenueces. Utilizó su seudónimo del título de una obra de su marido "Los mil años de Elena Fortún" y posteriormente nació la inolvidable Celia. Pronto, las historias de esta niña graciosa, llena de gran imaginación, y cuyo sueño era ser titiritera y conocer a Barbazul, cuajaron entre los lectores infantiles de manera tal, que la editorial Aguilar se interesó por la obra. Así fueron viendo la luz títulos tan conocidos como "Celia, lo que dice", donde comienza reconociendo que ya tiene 7 años, la edad de la razón según los mayores, "Celia en el colegio", "Celia y sus amigos", "Celia novelista" o "Celia madrecita" con personajes tan entrañables como Maimón el Morito, Paulette, el hermano de Celia: Cuchifritín, su amigo Paquito, la gata Pirracas. Los veranos en Segovia y en la playa, el tío Rodrigo, aventurero y bohemio que acabó casado con la tía Lisson, hermana de Paulette, las primas gemelas Pili y Miss Fly, Matonkiki, Valeriana, la tía Julia... Sus libros eran leídos por cientos de niños españoles. Encarna se muestra encantada con su faceta hasta tal punto que escribe a una amiga: "Me compraré una buena radio, gastaré todo lo que necesite en libros y trabajaré en este mundo de Celia en el que vivo tantas horas al día que ya no sé si es verdad o es mentira". Y es que la autora estaba sumergida en el movimiento literario del realismo social, visto desde los ojos de una niña.

Encarna era por entonces una mujer feminista, republicana y de gran corazón que fue miembro de clubes y reuniones intelectuales femeninas. Su marido escribía también, pero no con el éxito de ella, que además, era quien mantenía a la familia. Después, se compró una casa con sus derechos de autor y estudió Biblioteconomía así como Filosofía y Letras. Trabajó en las revistas Cosmópolis, Crónica y Semana, y en las infantiles Macaco, El Perro, el Ratón y el Gato. Pero justo entonces estalló la Guerra Civil y sus personajes se hicieron eco del dolor. "Celia madrecita" era un libro triste que comenzaba con la muerte de su madre y que fue el último que escribió en España. "Lloré sobre mis catorce años que habían sido felices hasta la muerte de mi madre; mis tres cursos de bachillerato, que consideraba perdidos, y los pájaros de mi cabeza que aleteaban moribundos". (Celia madrecita).

Durante la guerra publicó un recetario de cocina para tiempos de hambruna. Por ejemplo, recomendaba freír la parte blanca de la cáscara de las naranjas hasta convertirla en patatas fritas o ponerlas en remojo para hacer tortillas.

Su matrimonio tampoco atravesaba los mejores momentos y pensó en divorciarse, pero Encarna decidió seguir la suerte de su marido, quien se había pasado a Francia y estaba en un campo de refugiados. Poco después recalaron en Buenos Aires donde ella continuó escribiendo gracias, en un comienzo, a la ayuda del magnate de la prensa Natalio Boltano. En Argentina, Encarna no duda en seguir dedicándose a su oficio de escritora:
El escritor argentino Francisco Luis Bernárdez guardaba un recuerdo grato de ella siendo titular de la Dirección de Bibliotecas Públicas Municipales "[...] Un día al llegar a mi despacho de la casa central, me informaron acerca de la incorporación de una nueva empleada. [...] Era española, había cursado Filosofía y Letras en la Universidad Central de Madrid, y se llamaba Encarnación Aragoneses Urquijo de Gorbea. [...] había tenido que abandonar España por razones políticas relacionadas con la guerra civil. Por entonces nada más supe sobre mi nueva colaboradora, que de allí en adelante se distinguió por su eficacia en las tareas de fichado y catalogación que le fueron confiadas en la biblioteca matriz. "
De hecho, el escritor Jorge Luis Borges y Elena Fortún coincidieron trabajando en la misma biblioteca: "[...] desde que pudo recibir regularmente la renta de sus libros renunció a su empleo, que no era ya en el Registro Civil, sino en una Biblioteca Municipal, cuyo director, acorralado por el peronismo, era Jorge Luis Borges."
Cuando se abrió la posibilidad de que su marido fuera amnistiado, él le rogó que viajase en su nombre para negociar, pues ansiaba volver a su país. Pero ya en España, la tragedia volvió a perseguirla: solo, en Buenos Aires, él se suicidó. Los últimos años de Encarna fueron muy activos: siguió estudiando Filosofía y viajó a los EEUU, donde se exilió su hijo. De vuelta a España, siguió creando personajes, que no llegaron a tener el mismo encanto de Celia, pero que fueron muy queridos por los lectores como las hermanas de Celia, Patita y Mila, Piolín. Las historias de esta niña, recuperadas en 1992 para la televisión, fueron un resumen de la España de la época.

Encarnación murió de una enfermedad en 1952 en Madrid, rodeada de sus amigos y con sólo 66 años de edad. Pocos la recuerdan por su verdadero nombre, pero muchos la conocen por el seudónimo bajo el que se ocultaba una de las escritoras de literatura infantil más importantes de España: Elena Fortún. Su última obra, "Celia en la revolución", cuyo borrador data de 1943, permaneció inédita hasta 1987. Este libro supone un verdadero diario de guerra desde los ojos de una Celia más madura, partiendo de la querida Segovia, pasando por el Madrid del hambre, y las vicisitudes por Valencia y Barcelona y su huída por Francia, su reencuentro con Jorge ( aquel chico que se parecía a Gary Cooper) y con su amiga Fifina. Esta última obra se publicó en 1987 por la Editorial Aguilar, gracias a la ardua labor de la profesora Marisol Dorao, que ha investigado toda la vida y obra de esta autora y que recientemente ha recopilado valiosísima información sobre la obra de Elena Fortún en Latinoamérica, desconocida hasta ahora en España.

Moderata Fonte (1555 - 1592)

bebitachopipo@hotmail.com (Susana Martínez Barba) — Tue, 26 Sep 2006 18:45:01 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Italiano

Nació en 1555 en la República de Venecia. Modesta Pozzo de� Zorzi fue la segunda hija de Cicilia e Hieronimo de Pozzo. Sus padres murieron a causa de la peste cuando ella sólo tenía un año de edad y, junto a su hermano Leonardo, tuvo que irse a vivir con su abuela materna y su segundo marido Prospero Saraceni. Siendo todavía muy pequeña, fue a estudiar hasta los nueve años al convento de Santa María, allí aprendió a cantar, a leer la lengua vernácula y a coser. Cuando regresó a casa de su abuela, el Messer Saraceni le permitió que cogiera cualquier libro de su biblioteca, comenzando por sí misma serios estudios especializados en latín. También el marido de su abuela la estimuló a que escribiese desde temprana edad.

Como toda mujer veneciana de la época, Fonte aprendió a diseñar, pintar y tocar el laúd y el clavicémbalo; además, al estar privada de poder asistir a la escuela de gramática, le preguntaba a su hermano cada día lo que había aprendido.

Posteriormente Fonte fue a vivir con la hija del Messer Saraceni y su marido, quien publicaría la biografía de la autora en 1593 en siete páginas titulada" Vita della Signora Modesta Pozzo de�Zorzi nominata Moderata Fonte". Doglioni la ayudó en sus estudios y escritos y financió su primer libro "Floridoro". En esta época comenzaría a usar el nombre de Moderata Fonte. Cuando tenía 27 años, Doglioni le eligió un abogado llamado Filippo de�Zorzi como marido, casándose la pareja el 15 de Febrero de 1583. Durante su matrimonio ella siguió escribiendo, raro en esta época que una mujer casada se dedicara a esta actividad, pero su marido la dejaba que escribiese lo ella quisiera. Después de diez años de matrimonio y tres hijos, Modesta murió en Venecia durante el parto de su cuarta hija el 2 de noviembre de 1592 con sólo 37 años.

Doglioni la describe en su biografía como una mujer extremadamente inteligente. Fue buena madre y esposa, permitió que sus hijas estudiasen el latín, cantaran y tocaran los instrumentos musicales. Un dato curioso es el hecho de que en el mismo día que murió, terminó su obra más famosa "Il mérito delle donne", la cual tuvo que ser publicada póstuma en 1600.

Eleonora Fonseca Pimentel (1752 - 1799)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Thu, 20 Nov 2008 15:31:00 -0200

Periodo literario: Ilustracion | Lengua en la que escribe: italiano
Eleonora Fonseca Pimentel nace en Roma el 13 de enero de 1752 en el seno de una familia noble portuguesa. Como resultado de la contienda entre la Corte de Lisboa y la Curia romana tras la expulsión de los jesuitas de Portugal, muchos ciudadanos portugueses decidieron abandonar Roma. De este modo, los padres de Eleonora, don Clemente y doña Caterina Lopez, se trasladan a Nápoles con su hija, que por aquel entonces cuenta 10 años. En esta ciudad, y gracias a la instrucción de su tío, el abad Antonio Lopez, estudia griego y latín además de adquirir conocimientos en otras disciplinas científicas.

A los 18 años ya conocía varias lenguas, formaba parte de de la Academia arcadica dei Filateli bajo el pseudónimo de Epolifenora Olcesamante y de Arcadia como Altidora Esperetusa. A estas alturas de su vida, su poesía era admirada por Pietro Metastasio, entre otros. Es precisamente con este último con quien inicia una relación epistolar que se prolongará hasta la muerte del poeta. Entre las composiciones de esta época destacan las dedicadas a los Borbones: un epitalamio de 1768 por las bodas de Ferdinando IV con Maria Carolina, "Il tempio della gloria", un soneto por el nacimiento de la segunda hija de la pareja y una cantata por la llegada del primer hijo varón, "La nascita di Orfeo". Por sus méritos, la corte le concede un puesto como bibliotecaria de la Reina.

En 1978 Eleonora contrae matrimonio con un oficial del ejército napolitano, Pascale Tria de Solis. De esta unión nace un hijo que muere a los dos años, siendo esta pérdida la que inspira a la escritora sus únicas composiciones de carácter personal. El matrimonio se divorcia en 1786, tras el aborto ocasionado por los malos tratos que Pascale infligía a su esposa.

En 1789 escribe "Componimenti poetici per le leggi date alla nuova popolazione di San Leucio da Ferdinando IV" y poco después un soneto en dialecto dedicado al monarca por abolir la "Chinea", un acto de sumisión feudal que el Rey de Nápoles y Sicilia mostraba al Papa consistente en la donación de un caballo blanco y siete mil ducados. Por esta época Eleonora no duda en mostrar su admiración por los monarcas y sus programa de reformas en sus obras; es precisamente por mediación de la reina Maria Carolina que Eleonora entra en contacto con el círculo de ilustrados napolitanos. Si bien en un primer momento este grupo recibió el apoyo real, con el devenir de la Revolución, la reina se vio enfrentada a aquellos con los que había trabajado por una monarquía moderna. Los ideales revolucionarios habían calado fuerte y la lucha que movía ahora a estos ilustrados, entre los que se encontraba Eleonora, era el establecimiento de la República.

A partir del año 1790, Eleonora se dedica con entusiasmo a los estudios de derecho y economía, convencida de que es el pueblo el único capaz de llevar a cabo una reforma radical en la sociedad y liberarse del yugo feudal que lo oprime. Sus nuevos ideales hacen que en 1798 sea acusada de jacobina y encarcelada. Unos meses después, en enero de 1799, tras la llegada de las tropas francesas a Nápoles y la fuga de la Corte a Palermo, consigue salir de prisión. Ese mismo año se proclama la Repúblia de Nápoles y Eleonora se convierte en su portavoz al aceptar la dirección del primer periódico político de la ciudad: Il Monitore Napoletano. De este periódico, que salía los martes y sábados, sólo llegan a publicarse 35 números en los que Eleonora, única colaboradora, aborda con entusiasmo e imparcialidad los asuntos esenciales del momento histórico que están viviendo. Para hacerse entender por el pueblo adoptó el dialecto y dedicó los fines de semana a leer en público su mensaje de apoyo a la República. Pero su sueño se ve truncado con el regreso de los Borbones: tras ser detenida y encarcelada, la Junta del Estado la condena a muerte el 17 de agosto de 1799 por haber escrito y hablado contra el rey. Eleonora solicita ser decapitada pero le es negada su petición y el 20 de agosto muere ahorcada en la Piazza del Mercato junto a otros ocho condenados políticos. Cuentan que fue la primera en subir al patíbulo y que sus últimas palabras fueron el famoso verso de Virgilio: "Forsan at haec olim meminisse juvabit".

Francesca Farnese (1593 - 1651)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Thu, 24 Apr 2008 06:30:57 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: italiano
Isabella nació en Parma el 6 de enero de 1593. Su padre fue el Duca Mario de la parte de los Farnese de Latera y su madre Camilla Meli Lupi de la parte de los marqueses de Soragna. Vivió con su abuela materna en la corte de Parma hasta los ocho años. La suya no fue una infancia feliz y estos años serán determinantes para la formación de su personalidad humana y cultural. Recibió una educación culta y refinada, aprendió a leer, tocar instrumentos como el clavicémbalo y el órgano, a bailar, a recitar y mostró especial interés por la literatura. La intención de los padres era la de formar una perfecta esposa destinada a un matrimonio noble, pero la viruela le desfiguró la cara y los planes de boda se desvanecieron. La abuela la mandó a Farnese y posteriormente a Roma. En ésta última ciudad aprendió botánica y empezó a apasionarse por la literatura devota. Se cree que el padre la obligó a entrar, el 21 de abril de 1602, en el monasterio de S. Lorenzo en Panisperna donde tomó el nombre de sor Francesca. De su educación en el convento se ocupó su tía, hermana de su padre. Fue un periodo difícil para Francesca, ya que ésta la sometía a las duras reglas de la orden a las que Francesca no estaba acostumbrada. Con la muerte de la misma comenzó para Francesca un momento de tranquilidad y pudo hacer amistades dentro del convento y conocer los libros profanos.
En el año 1607 volvió a la casa paterna y se dedicó a la música, a la literatura y a la composición de versos. En diciembre de ese mismo año decidió entrar en el monasterio de San Lorenzo en Panisperna para comenzar su año de noviciado. Un antiguo biógrafo la recuerda como una persona casi provocadora entre las pequeñas educandas que hacía escandalizar a las más veteranas. Reveló sus dotes de animadora dentro del ambiente del claustro recitando comedias y entreteniéndolas alegremente. Con el apoyo de una de sus hermanas, Victoria quien al entrar en el monasterio adoptó el nombre de Isabella, se impuso dentro del mismo. Francesca amaba el teatro, sabía escribir perfectamente en versos y había estudiado astrología.
Después de vivir un tormento interior decidió tomar un camino de rigurosa devoción que nunca abandonará, apoyada también por su confesor Giovanni Battista Bianchetti. Envidiaba la predicación de los franciscanos mártires en Japón y sufría el hecho de ser mujer por no poder vivir la experiencia de las misiones y la ampliación de los horizontes de conocimiento. Como alternativa vivió intensamente la experiencia mística y elaboró una vía femenina contra la monotonía del régimen claustral posterior al Concilio de Trento. Esta nueva vida consistía en deshacerse de todo tipo de materiales superfluos y privilegios y vivir en completa austeridad. Siguiendo una difundida cultura mística, además de practicar las oraciones mentales, practicó la penitencia física, lo que causó intolerancias entre ella y las demás hermanas del convento. Para poder vivir libremente su estilo de vida severo y espiritual, se trasladó al convento de los Frailes Menores, al lado de la iglesia de San Rocco en Farnese con aquellas hermanas que quisieron seguirla. Este monasterio fue fundado en 1560 a petición de Giulia Acquaviva, mujer de Pier Bertoldo Farnese (abuelos paternos de Francesca), que hizo edificar con su dinero la iglesia de San Rocco con el convento de los Frailes Menores que permanecieron allí durante 57 años. En 1617, el padre de Francesca, pidió el monasterio para ponerlo a disposición de su hija, monja ya desde hacía 10 años. De este modo el 9 de mayo de 1618 el convento tomó el nombre de Santa Maria delle Grazie y ella se ocupó de la educación de las novicias.
Intensificó su deseo de perfección, lo que hizo que nacieran conflictos con su padre y, tras la muerte de éste, con su hermano Diofebo, a causa de su estilo de vida austero, de pobreza absoluta y de la agravación de las penitencias físicas que llevaba, en algunos casos, a poner en peligro la salud de las novicias. Por todo ello se le prohibió continuar con su labor de maestra. Sin embargo, tuvo éxito cuando intentó modificar las constituciones y reglas del monasterio. Por ello el obispo de Castro, Alessandro Carissimi, confió en ella y, ya vicaria del monasterio, en mayo de 1625, le encargó (de forma inusual, puesto que se trataba de una mujer) la redacción de las �€�Costituzioni�€�, basadas en la regla de Santa Clara, que caracterizarán a las �€�clarisse farnesiane�€�. Se recrudecerán de este modo las penitencias, el ejercicio del silencio y el escaso contacto con el exterior, justificando el nombre de �€�sepolte vive�€�, como se las conocía. La organización del monasterio y la vida radical de estas monjas fueron aprobadas definitivamente el 13 de julio de 1638.
También el 18 de marzo de 1631 fundó el monasterio de la Concezione de Albano y favoreció la construcción de una casa comunitaria masculina destinada a la preparación de los confesores que serían los guías espirituales de las monjas. En 1638 reformó el monasterio de Santa Chiara en Palestrina nominando a su hermana Isabella como abadesa e inspiró el proyecto de la iglesia de Santa Maria dei Sette Dolori, realizada entre 1643 y 1646.
Gracias a la ayuda financiera de los Barberini, de la princesa Felice Zacchia Rondanini y de Maria Peretti pudo construirse el monasterio de Ss. Concezione inaugurado el 2 de junio de 1643 donde Francesca Farnese vivirá hasta su muerte. A 58 años de edad, el 17 de octubre de 1651 muere con fama de santa.
Pietro da Cortona, gran pintor especializado en santos, papas, cardenales, abadesas, le hizo un retrato. En éste emerge una mujer absorta con gran sufrimiento en su rostro.

Obras:

Francesca redactó una nueva regla y escribió sus �€�Costituzini�€�, resaltando sus principios: la pobreza, la soledad y el escaso interés por las cosas materiales.
Dedicó todo un capítulo de sus �€�Costituzioni�€� monásticas, el XX, a la práctica del silencio. Su intención era la de instruir a las novicias, inducirlas a la práctica benéfica con el uso del sentido común y de una prosa sencilla, transparente y animada con un estilo elegante. �€�Il silenzio�€�, escribió sor Francesca, es la puerta de la oración, amigo de la tranquilidad, aumento de la verdadera sabiduría y compañero de la contemplación.

Sus Poesie sacre, escritas con la lengua de Petrarca, adhieren perfectamente a un clima de profunda pero digna melancolía barroca tan difundida en la época que parecía un lenguaje natural, lleno de pesimismo y de amargura, sentimiento de pecado y maravilla por la velocidad con la que el tiempo destruye las ilusiones terrenas:

Passa tutto com�€�ombra, e non permane
Alcun contento in questa fragil vita;
Son dei mortali le speranze vane
Né allegrezza ci può esser compìta.

Las poesías de Francesca Farnese fueron compuestas con la intención de compactar su orden en la obediencia a la disciplina y jerarquía eclesiásticas. Además hay que destacar que estas poesías repetidas tanto en coro como en soledad por las monjas representaban un instrumento importante para la construcción de la identidad del orden dentro de la iglesia y de las monjas dentro del orden. En la poesía de Francesca el sentimiento más evidente es el disgusto, el horror del mundo, del cuerpo, de la carne que se pudre, en un clima de larga penitencia que invita a �€�sufrir�€� según la intención mortificante de la vida monástica común en la vida laica de la segunda parte del Seicento (Safty, 1997: 575).
La insistencia en el dolor de la devoción en las poesías de Francesca estaba destinada a aumentar la sensibilidad de las hermanas ante las pruebas de la vida, como penitencias de pecados individuales y colectivos, cuyo último final era la muerte, una muerte barroca contrapuesta a los lujos de aquel �€�mundo�€� de corrupción que Francesca había conocido (Pomata, 2005: 166).

Camilla Faà (1599 - 1662)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Mon, 22 Oct 2007 17:39:02 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: italiano
Camilla nació en el año 1599 en Casale Monferrato (hoy en día provincia de Alessandria en Piamonte). Su padre, de noble familia originaria de Fontanile y conde de Bruna, se llamaba Ardizzino y su madre Margherita Fassati.
De su educación se ocupó el monasterio de Alessandria porque su padre, que en la época desempeñaba importantes cargos políticos y diplomáticos para los Gonzaga, estaba a menudo lejos y su madre había muerto.
En Casale conoció a Margarita de Saboya, esposa de Francesco Gonzaga gobernador de Monferrato, que la llevó a su corte como una de sus damas y donde se la conocía como la Bella Ardizzina. Margarita poco después de quedarse viuda y con la imposibilidad de casase con su cuñado para mantener el título se vio obligada a volver a Turín; Camilla entonces volvió a su ciudad natal. Después de la muerte de Francesco, la sucesión le correspondía al cardenal Fernando, cuñado de Margarita, que no quiso renunciar al título y dejó Roma para, en octubre de 1613, comenzar a construir una corte brillante, llena de literatura y música. Fue entonces cuando Camilla volvió a la corte. Era bella, inteligente y joven.
En junio de 1615 un cortesano de nombre Ottavio Valenti pidió su mano pero en el último momento Fernando lo impidió, estaba completamente enamorado de ella.
A Margarita Gonzaga, tía de Fernando, le preocupaba la extinción de la línea dominante de los Gonzaga y por ello prestó especial atención a los acontecimientos de la corte de su sobrino. Se había dado cuenta de las atenciones que éste le prestaba a Camilla y no creía que ella representase un buen partido para él.
En enero del año 1616 el cardenal Fernando abandonó sus votos y fue coronado duque de Mantua y de Monferrato.
Una vez coronado Fernando hizo saber a Camilla que estaba pedidamente enamorado de ella pero Camilla opuso desde un primer momento resistencia. De este modo, para convencerla definitivamente Fernando organiza una boda secreta el 19 de febrero de 1616 en la capilla real de S. Barbara, celebrada por el monseñor Carbonelli y como único testigo Alessandro Ferrari, ayudante de cámara de Fernando. El reciente esposo le entrega una carta autógrafa datada el 18 de febrero donde escribe que él se compromete a casarse con ella. �€�Io, Ferdinando Gonzaga, Duca di Mantova e del Monferrato, prometto a Dio et a donna Camilla Faà di sposarla e di pigliarla per mia legittima consorte, et in fede della mia irrevocabile volontà questa sarà scritta e sottoscritta da me il 16 febbraio 1616. Ferdinando Duca di Mantova.�€�
En junio del año siguiente Fernando le dona a Camilla el feudo de Mombaruzzo, con el título de duquesa, adquiriendo con ello una notable renta anual. Éste y otros favores, como el de firmarse con el apellido Gonzaga, alimentaban infinitos rumores en la corte y la situación empezó a hacerse más delicada.
A la muerte de Ardizzino, Camilla, ya embarazada, decidió volver a Casale donde se alojaba en el castillo con el trato de Sua Altezza Serenísima y, a pesar de la distancia, los dos esposos mantenían una frecuente correspondencia clandestina. Pero aunque su amor fuese sincero Fernando, por razones políticas y bajo las numerosas presiones de la corte y de su hermano Vincenzo, se vio obligado a negociar con Cosimo II el matrimonio con la hermana de éste. Los rumores habían llegado hasta Toscana así que para que la boda se pudiese celebrar Camilla tenía que devolver la carta autógrafa de Fernando y la declaración de la anulación del matrimonio por parte del pontífice. En Roma, el pontífice Paolo V Borghese, concedió la �€�invalidità�€� del matrimonio pero nunca la anulación y mandaron los documentos necesarios para poder realizar el nuevo enlace. En lo referente a la carta, ante la resistencia de Camilla de devolver el documento; Fernando tuvo que realizar uno idéntico de su puño y letra. Fernando fue a Casale el 11 de noviembre de 1616 y allí permaneció hasta enero de 1617, el tiempo necesario para acompañar a Camilla en los momentos más difíciles del embarazo; el 5 de diciembre dio a luz al hijo de ambos, Giacinto Teodoro Giovanni. Pero ni siquiera el nacimiento del hijo de Fernando y Camilla hizo que anulasen el futuro matrimonio entre él y Caterina. El enlace tuvo lugar el 7 de Febrero de 1617 en Florencia. La correspondencia epistolar entre Faà y Fernando no se interrumpió ni siquiera después del matrimonio. Caterina de�€� Medici intentó que Camilla volviese a la corte como subalterna pero ésta no aceptó la humillación; entonces Caterina decidió negociar un nuevo matrimonio para Camilla pero ésta también se resistió a la idea. La hicieron volver a Mantua, la alojaron en el monasterio de las carmelitas y durante un año, incluso el mismo Fernando, intentó convencerla para que se volviese a casar. Camilla nunca cedió a las presiones de los duques y por ello fue encerrada en octubre de 1618 en el aristocrático convento de las clarisas del Corpus Domini en Ferrara (sin su hijo) y obligada a hacerse monja en el mismo. Camilla, que siempre había considerado válido su matrimonio, prefería hacerse monja que casarse con otro hombre. De modo que el 22 de mayo de 1622 se convirtió en Sor Caterina Camilla Gonzaga Faà. Mientras tanto su hijo crecía en la corte y Fernando, no teniendo más hijos, intentó en vano reconocerlo como heredero; sólo pudo atribuirle algunos beneficios en Monferrato.
En estos años escribe sus �€�Memorias�€� que describen un periodo comprendido entre 1615 y 1622. Son una fuente de información valiosísima para poder comprender el carácter y la personalidad de Camilla. Del estilo de su escritura se ve la emoción que emanan los acontecimientos vividos por ella, incluso los momentos más atormentados. Cuenta cómo ha sido engañada y no se arrepiente de haber elegido el camino eclesiástico. Muestra todos sus sentimientos de mujer enamorada y los defiende como también defiende el fruto de su amor. Se siente especial por haber conquistado el corazón de un hombre tan importante como el duque de Mantua y se siente a todos los efectos la única duquesa de Mantua. Es más, tomando el nombre de Caterina (actual mujer del duque) en el monasterio siempre se firmó como Caterina Gonzaga, la verdadera duquesa de Mantua.
Durante los primeros años de clausura mantuvo una frecuente relación con la corte, intercambio de regalos y cartas y poco después se le concedió la posibilidad de volver a ver a su hijo que ya tenía 6 años.
Con el tiempo la comunicación entre el convento y la corte se apagaron y Camilla vio por última vez a su hijo en 1625. Poco después Fernando murió y un año después murió también su hermano, que le había sucedido. La muerte de ambos sin ningún heredero legítimo condujo de nuevo a la boda celebrada en secreto de Camilla y Fernando y al hijo de ambos, en este caso el sucesor del Ducado de Mantua. Desgraciadamente Giacinto murió en 1630 a causa de la peste.
Camilla permaneció en el monasterio de Ferrara hasta que llegó su muerte el 14 de julio de 1662 donde se encuentra el manuscrito de sus �€�Memorie�€�.

Laura Esquivel (1950 - )

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sat, 17 Nov 2007 15:30:25 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español
Laura Esquivel es escritora (fundamentalmente novelista), guionista de cine, televisión, y pedagoga. Nació en la ciudad de México un 30 de Septiembre de 1950 y en los trazos que delinean su perfil están ese ansia vital, legado de su padre y el arte de la cocina, heredada de su madre y cultivada con vehemencia desde su infancia.

Antes de dedicarse de lleno a la literatura ejerció la docencia y cursó estudios de teatro y creación dramática especializándose en teatro infantil, siendo copartícipe en la fundación del Taller de Teatro y Literatura Infantil adscrito a la Secretaría de Educación Pública.

Entre los años 79 y 80 emprendió la redacción de programas infantiles para la cadena cultural de la televisión mexicana y, en 1983, creó el Centro de Invención Permanente (Cápac) con talleres artísticos para niños bajo su dirección técnica.

Ese mismo año la escritora abordaría la gestación de guiones cinematográficos, y tras el estreno en 1985 de la película Chido One, el Tacos de Oro, recibiría una nominación para el premio Ariel de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de México por la calidad de su argumento. En 1987, su obra Viaje a la isla de Kolitas (de teatro infantil) se mantendría en cartelera durante un año por la magnífica acogida de público.

En 1989 publicó su primera novela Como agua para chocolate obteniendo un gran éxito, siendo traducida posteriormente a más de 30 idiomas y permaneciendo en las listas de best sellers del New York Times durante más de un año. La consagración definitiva y el reconocimiento internacional le vendrían después de la adaptación cinematográfica llevada a cabo en 1992 por su entonces marido y director Alfonso Arau, siguiendo las directrices del guión escrito por la propia Laura Esquivel, que a partir de ahora sería galardonada con múltiples premios. Entre éstos, merece una especial mención el prestigioso premio ABBY (American Booksellers Book of the Year) en 1994 concedido a la primera novela no estadounidense.

Laura Esquivel ha seguido publicando distintas obras después de su primera novela: La ley del amor (1996), Íntimas suculencias (1998), Estrellita marinera (1999), El libro de las emociones (2000), Tan veloz como el deseo (2001) y Malinche (2006).

En la actualidad vive en México D.F. y está casada con el escritor Javier Valdés.

Eve Ensler (1953 - )

fabio.contu@istruzione.it (Fabio Contu) — Sun, 18 Feb 2007 09:19:42 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: inglés
Eve Ensler, nacida el 25 de mayo de 1953 en Scarsale, en el estado de New York (Estados Unidos), es una de las personalidades más importantes del Teatro Contemporáneo del mundo. Dramaturga, actriz y activista feminista, se ha hecho muy famosa gracias al texto The Vagina Monologues.
Se ha licenciado en el Middlebury College en el año 1975 con una tesis sobre el suicidio en la poesía contemporánea, un modo para superar el trauma sufrido a los diez años a causa de los abusos sexuales por parte de su padre. Se ha casado en el 1978 con Richard McDermott, de quien se divorció en 1988. Es madrina del actor Dylan McDermott, que adoptó cuando él tenía dieciocho años y ella veintiséis. Bisexual declarada, Eve actualmente vive con su compañera Ariel Orr Jordan, que además es su psicoterapeuta, en New York, donde enseña Dramatic Writing en la New York University.

En todas sus obras, la autora ofrece espacios insólitos y valiosos de madurez y de crecimiento para la conciencia femenina. Es más, Ensler, en su intento de guiar a las mujeres hacia un nuevo descubrimiento de sí mismas, pretende guiar también a los hombres hacia el respeto por las mujeres.

Activismo
Eve Ensler desempeña una acción significativa como intelectual y como agitadora cultural y es una importante activista en la lucha contra la violencia de género. Con esta intención, en particular, en 1998, fundó el V-Day, una manifestación nacida como un happening construido sobre su pièce The Vagina Monologues y que, sucesivamente, se ha convertido en una cita anual, que tiene lugar en diferentes ciudades del mundo, un día entero de sensibilización de la opinión pública sobre los temas referentes a la emancipación femenina. Desde un punto de vista organizativo, el V-Day es un movimiento popular que tiene como objetivo terminar con la violencia hacia las mujeres. Su fuerza reside en su obra incesante de difusión de una conciencia siempre mayor de sí mismas y en ser respaldada con fondos recaudados por pequeñas organizaciones. El V-Day se celebra el día de S. Valentín, porque Eve Ensler siempre ha repetido que �€�el día de S. Valentín es estúpido�€�. Los fondos son recaudados mediante representaciones para beneficencia de The Vagina Monologues, organizados, en todos los países del mundo, en espacios muy diferentes, desde los campus universitarios hasta en las organizaciones y ciudades pequeñas.
Ensler, además, dirige, desde 1998, un taller de escritura en el Bedford Hills Correctional Facility for Women, grupo que la autora ha retratado en What I Want My Words To Do To You.
Recibió premios muy diferentes por su compromiso contra la violencia, entre los cuales el Media Spotlight Award for Leadership (asignado por Amnesty Internacional, en el 2002) y el Matrix Award, en el mismo año. En mayo del 2003 le otorgaron el Honorary Doctor of Letters, en el Middlebury Collage, donde se había licenciado en el 1975.
En febrero del 2004, Ensler, con la colaboración de Sally Field, Jane Fonda y Christine Lahti, ha dirigido una protesta para obtener una investigación por parte del gobierno de México sobre la masacre de miles de mujeres en Ciudad Juarez, en la frontera con Texas.
Eve es también una convencida y tenaz partidaria de la Revolutionary Association of the Women of Afghanistan (RAWA) y ha visitado Afganistán en los tiempos del régimen de los Talibanes. Ayuda a las mujeres afganas, para las que ha organizado varios proyectos, como por ejemplo, el Afghani Women�€�s Summit For Democracy.

Presentamos a continuación los dos textos más famosos de la autora (los únicos que han sido representados en España).
En The Vagina Monologues Ensler afronta el tema de la vergüenza que la cultura machista -que todavía hoy existe en todos los países del mundo- ha transmitido a las mujeres hacia su propio cuerpo y, en especial, hacia la vagina. Es la vagina que se expresa, de forma fuerte y simple.
En The Good Body se pasa al problema de las sutiles imposiciones que las mujeres y sus cuerpos sufren. Se denuncia sobre todo el sutil poder oculto y mediático que, en nuestras sociedades �€�demócratas�€�, impone una cierta idea de la mujer y del cuerpo femenino, en especial a través de la publicidad, donde los hombres imponen a las mujeres un modelo de mujer: por eso, el texto se centra en el tema de la obsesión del cuerpo perfecto -siempre tonificado y que no envejece nunca- transmitida a las mujeres.

�€�The Vagina Monologues�€�
The Vagina Monologues se escribió en el 1996, como respuesta al sentimiento de culpa y a la vergüenza que las mujeres sienten de su cuerpo y de su sexualidad. Fue representado por primera vez en el semisótano del Cornelia Street Café, en el barrio de Soho, en New Cork. The Vagina Monologues ha sido traducido a treinta y cinco idiomas y representado en todos los rincones del mundo. Muchas fueron las celebridades que tributaron su gran éxito: Jane Fonda, Glenn Close, Susan Sarandon, Oprah Winfrey�€� La obra fue premiada con el Obie Award en el 1996 como �€�Mejor Nuevo Texto�€� y la autora ganó el Guggenheim Fellowship Award en escritura teatral. Ha recibido también el Berrilla-Kerr Award, otra vez en escritura teatral, el Elliot Norton Award por la �€�excepcional interpretación solitaria�€� y el Jury Award for Theater en el U.S. Comedy Arts Festival.
La preocupación que ha empujado a la autora a escribir The Vagina Monologues nace de la misma palabra. ¿Por qué decir �€�vagina�€�? En realidad, en esta elección se encuentra el valor político del texto de Ensler. �€�Vagina�€� es una palabra invisible, que suscita ansia, vergüenza, desprecio y asco (y no sólo en los conservadores). Entonces, hay que decir �€�vagina�€�, para que la gente reaccione. Es un movimiento de lucha. En este acto encontramos el espíritu del texto de Ensler, la liberación de una dimensión de vergüenza e incomodidad injustificada que impulsa, a menudo, a las mujeres a no escuchar a su �€�segundo corazón�€�.
La autora ha entrevistado a un grupo muy amplio y heterogéneo de mujeres, de todas las edades, religiones, etnias, clases sociales, condiciones personales, económicas y sociales. Coleccionó doscientas entrevistas a amas de casa, abuelas, niñas, adolescentes, adultas, transexuales, prostitutas, lesbianas, mujeres violadas, prisioneras de guerra y, a todas ellas, les pidió que le hablaran de su propia vagina. De todas las entrevistas, después Eve seleccionó los veintidós monólogos que componen el texto. Algunos de ellos están copiados integralmente de las entrevistas; otros son collages de historias diferentes. Un collage de historias y�€� de vaginas, claro. Y el resultado es, en algunas partes, hilarante. Es el caso, por ejemplo, del monólogo titulado �€�The Woman Who Loved to Make Vaginas Happy�€�. Donde encontramos una mujer que abandonó una brillante carrera de abogado para dedicarse, como una buena profesional del placer, sólo a �€�hacer felices a las mujeres�€�. Y, por ello, la mujer se lanza a realizar una especie de catalogación de los varios tipos de orgasmos, con todo tipo de definiciones y explicaciones.
Sin embargo, esta dimensión irónica, transgresiva y jocosa del texto no ignora las realidades más dramáticas. La autora recoge los testimonios de mujeres jóvenes supervivientes a los �€�campos de violación�€� en Bosnia y, a partir de estos testimonios, construye �€�My Vagina was My Village�€�, quizás el monólogo más impresionante y, contemporáneamente, el más estremecedor de todos ellos. Ensler también denuncia las prácticas atroces, todavía hoy en día en uso, en sociedades machistas y fundamentalistas: la infibulación y la clitoridectomía. La negación del placer femenino se convierte, de este modo, en una metáfora de la negación del poder contractual de la mujer en el contexto social machista en el que vive. Pero no sólo; Ensler habla también de los maltratos que las mujeres sufren en sus casas, la violencia de género (un ejemplo de ello lo encontramos en la primera parte de �€�The Little Coochie Snorcher that Could�€�).
En las entrevistas del texto de Ensler la vagina toma la palabra y la mujer se convierte casi en una �€�portavoz de vagina�€�. The Vagina Monologues, aún siendo un texto compuesto por muchas entrevistas, no está fragmentado. Es más, Ensler, desde este punto de vista, manifiesta una habilidad extraordinaria como narradora y dramaturga, porque aporta a estos monólogos una uniformidad y una compactibilidad sólidas e incisivas. Eve y sus mujeres nos muestran un ejemplo de rara complicidad y solidaridad femenina. De hecho, una de las principales intenciones del texto es exactamente la de reunir a las mujeres, de convocarlas para que luchen una nueva batalla, pero ahora, en común. Eve habla de un contexto, una comunidad, una cultura de vaginas: construir todo esto es el objetivo de la autora. Existe, en el fondo de esta exigencia, una conciencia política profunda. La elección de Eve Ensler de crear una comunidad de vaginas tiene el objetivo de cambiar las relaciones de poder ya existentes, de pasar de una sociedad dominada por pocos hombres a una solidaria creada gracias a una cultura de vaginas. Y las vaginas tienen un arma: el sentimiento de la colectividad y de la solidaridad, como acto de responsabilidad colectiva (y, en este sentido, política). Resalta, entonces, el deseo de hacer de este texto un manifiesto político. La misma autora ha declarado que existe una relación entre sexismo y capitalismo: sólo una comunidad de vaginas -de mujeres- podrá mover una energía capaz de cambiar este sistema, rompiendo esta.

�€�The Good Body�€�
Después del éxito de The Vagina Monologues, la Vagina Lady retoma la escritura, publicando The Good Body en el 2004, texto que se centra en el problema de�€� la barriga.
¿Por qué escribir una pièce sobre su propia barriga, mientras en el mundo, las mujeres sufren muchos otros problemas? Porque, la atención de muchas mujeres del planeta está completamente centrada en la barriga y pasan a un segundo plano los verdaderos problemas del mundo. El texto, entonces, se centra en la relación que las mujeres tienen con su cuerpo, a todo el cuidado que le dedican, en la obsesión por conseguir el cuerpo perfecto, el cuerpo �€�justo�€�. El cuerpo, en el espejo, nunca se parece al cuerpo propuesto (o mejor dicho, impuesto) por el modelo mediático y, por ello, esta frustrada adecuación del cuerpo de carne y piel al cuerpo ideal es vivido como una culpa, casi un pecado contra la naturaleza. Por esto, la obsesión por un cuerpo sin defectos es el origen de muchas neurosis femeninas además de enfermedades preocupantes como la anorexia o la bulimia. Se trata de enfermedades que la autora no interpreta como psicológicas sino políticas. No nacen de problemas reales relacionados con el equilibrio interior, sino de la presión a la que las mujeres están sometidas por los medios de comunicación y por el machismo que todavía está presente en la cultura humana (también en la occidental).
Eve Ensler parece darle la razón a la escritora marroquí Fatima Mernissi que, en Harem y Occidente (2000), nos recordaba como el personal chador de las mujeres occidentales es el que ellas mismas llevan tatuado dentro: el imperativo categórico de la talla 38.
Muchas son las torturas legales y universales que las mujeres aceptan, diariamente, para conseguir el �€�buen�€� cuerpo: cremas para aclarar la piel; eliminación quirúrgica de las costillas; duras formas de gimnasia impuestas a niñas en edad muy temprana, para no dejar en ridículo a los padres en público; ayunos; operaciones de corrección. ¿Cuál es la verdadera diferencia -se pregunta Ensler- entre un régimen dictatorial que, teatralmente, impone a la mujer un vestido (el burka) y un sistema �€�democrático�€� que, a través de los medios de comunicación, le impone otro? La diferencia parece que está en la estrategia, mientras los objetivos son los mismos.
Este �€�catalogo de barrigas�€� de The Good Body -con su humanidad femenina a veces doliente, a veces tierna y a veces hilarante- estremece, conmueve, provoca. Es una amonestación, una súplica para que cada mujer aprenda a amarse, a dejar de disfrazarse, de cambiarse, de retocarse. Sólo después de haber aceptado este maravilloso territorio que es el propio cuerpo, existirá por fin, para las mujeres, espacio para acoger al mundo entero, influenciarlo verdaderamente y también cambiarlo.

Queen Elizabeth I (1533 - 1603)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Fri, 01 Oct 2010 07:34:47 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: Inglés
La reina Isabel I, hija de Enrique VIII y Ana Bolena, recibió un educación privilegiada de manos de los eruditos Roger Ascham y William Grindal. Desde su más tierna infancia aprendió francés, italiano, latín, griego, alemán, español y flamenco. A la edad de 11 años tradujo el libro Le Miroir de L�a,e Pécheresse de Margarita de Navarra. Entre sus traducciones podemos encontrar obras de Petrarca, además publicó diversos libros de poemas y oraciones.
La reina Isabel I fue no solamente una gran gobernanta en un mundo de hombres, sino que además poseía grandes dotes intelectuales propias de una mujer interesada en la cultura que le rodeaba. Isabel hizo de la traducción la mejor vía para llevar el pasado a su presente, lo extranjero a lo propio y acercar la cultura a los hablantes de lengua inglesa.
Desde un punto de vista feminista podríamos decir que la figura femenina de la reina se convierte en la necesaria herramienta para conocer a los clásicos a la vez que la traducción en sí misma le confiere a la mujer el poder de producir textos mientras experimenta con el lenguaje, la identidad y la voz.
Podemos situar a la reina Isabel I en una tradición de mujeres que usan el lenguaje y producen textos enuna Inglaterra renacentista obsesionada con las traducciones en el sentido más amplio debido a los cambios socio-económicos, geográficos y religiosos. En este mundo la traducción se convierte en un medio necesario para la estabilidad del mundo patriarcal e Isabel I subvierte esta tendencia

Marguerite Duras (1914 - 1996)

a_cruzado@yahoo.com (Angeles Cruzado Rodriguez) — Thu, 18 Jan 2007 21:47:14 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Francés
Margerite Duras nació en 1914 en Gia-Dihn, en la Indochina francesa, donde pasó su juventud. Los acontecimientos allí vividos marcarían toda su vida posterior. Su padre, profesor de matemáticas, murió cuando ella tenía sólo cuatro años de edad. Junto a sus dos hermanos mayores, la niña (y más tarde adolescente) Marguerite llevó la vida pobre y libre de los indígenas. Su madre era institutriz y daba clases de piano para obtener algún dinero extra. Más tarde, compró una concesión en Camboya, que resultó ser una tierra incultivable que el agua invadía cada seis meses (ella no sabía que para obtener una buena tierra había que sobornar a los agentes del catastro). La madre construyó un bungalow, sembró arroz y tres meses más tarde una crecida del Pacífico lo arruinó todo. Esta desgracia llenó a la familia de cólera e indignación; la escritora hablará de ella en varias de sus obras, pero hay una, Un barrage contre le Pacifique, que la describe con bastante exactitud. Desde entonces, el agua que destruye será una de las obsesiones de la escritora.
A los dieciocho años Marguerite marchó a París, donde estudió Derecho, Matemáticas y Ciencias Políticas en la Sorbona. Allí conoció a su primer marido, Robert Antelme y, más tarde, en 1942, a Dionys Mascolo, con quien tuvo a su hijo Jean. En aquellos años Marguerite Duras participó activamente en la Resistencia contra la ocupación alemana, y formó parte del Partido Comunista, del que fue expulsada en 1950 por diferencias culturales. Recientemente la escritora, apartada del partido y de la izquierda intelectual, ha abogado por el rechazo de todas las formas de orden social y de la herencia de la cultura y el conocimiento, ideología que se ve reflejada en sus trabajos.
A partir de ese momento su vida se confunde con la literatura. Su primera novela, Les impudents, la escribió en 1943. A esta siguieron Un barrage contre le Pacifique, en 1950, y Le marin de Gibraltar (1957). Ambas fueron llevadas al cine, igual que Moderato Cantabile (1958) y el guión que ella misma escribió para la película de Alain Resnais Hiroshima mon amour, que fue la revelación del Festival de Cannes de 1960. Con estas dos obras la autora entró a formar parte de las figuras más destacadas de la Literatura francesa actual.
En el terreno de la novela, Le ravissement de Lol V. Stein (1964) inaugura una nueva etapa productiva Marguerite Duras, en torno al personaje de Anne Marie Stretter, y con textos sobre La India, como Le Vice-consul, La femme du Gange e India Song. Entonces se fija un tipo de exploración novelesca o de guión, que parece ser definitivamente el estilo durasiano, confirmado en L�€�Amant, ganadora del premio Goncourt en 1984.
Se la incluye entre los llamados �€�nuevos novelistas�€�, por su tratamiento de los personajes y su renovación de las formas narrativas y guionísticas. Muchas de sus obras pueden ser a la vez texto, teatro y película. De hecho, ella misma ha llevado a la pantalla grande algunas de sus creaciones escritas y su carrera se ha movido siempre entre lo literario y lo cinematográfico.
Mientras las primeras novelas son bastante convencionales en forma y contenido, sus últimos trabajos exceden de manera creciente el argumento, la psicología y las motivaciones tradicionales, al mismo tiempo que han disuelto los lazos entre ficción narrativa, drama y poesía. El lenguaje se ha alejado de su función utilitaria y, a través de un proceso de simplificación sintáctica y gramatical, se ha convertido en instrumento y resultado de la destrucción que la autora pone como requisito para la liberación del individuo.
En los textos de Marguerite Duras lo esencial no suele ser un personaje, sino un deseo, igual que en sus historias lo más importante no son las acciones, sino las palabras, el diálogo entre los personajes. Hay una necesidad de transgredir el orden y la razón, un sufrimiento indecible que sólo se resuelve en la locura y el grito, como formas de revuelta.
La realidad asiática y el mar son dos elementos también muy presentes en la obra durasiana, dada la importancia de ambos en la vida de la autora, que pasó sus primeros años en Vietnam, junto al mar, y este hecho marcó el resto de sus días. Otro componente esencial de estos textos es la pobreza, la miseria, las barreras sociales, que también hicieron mella en su existencia con mayor o menor intensidad, como relata en sus novelas autobiográficas, El amante y El amante de la China del Norte, entre otras. Tal vez por ello, y por su posicionamiento a la izquierda en política, se aprecia en muchas de sus obras una cierta denuncia al dinero y el confort de las clases más altas.
Es fundamental el significado de los lugares. Aunque son escasos los datos geográficos o de localización (no se trata de textos descriptivos por acumulación de datos, sino más bien impresionistas), el espacio interviene en el curso de la historia narrada.
La figura femenina (como esposa, amante, madre...) tiene un papel fundamental en la obra durasiana, y en ella pretende centrarse este trabajo. Empezaremos por dar unas notas sobre el contenido de las obras que se van a poner en relación para analizar posteriormente el personaje femenino y establecer por último la comparación con las mujeres que presentan los autores de la Nouvelle Vague.

Francesca Duranti (1935 - )

crisvalbi@hotmail.com (Cristina Valdivia Biedma) — Tue, 29 Apr 2008 18:18:49 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano
Nacida en Génova descendiente de familia perteneciente a la alta burguesía, ha recibido desde niña una educación políglota que le ha facilitado el contacto con otras culturas y otros estilos de vida. De ahí se comprende que en la actualidad su vida de desarrolle entre la tranquila vida de la provincia de Lucca y la ferviente actividad metropolitana de New York.
A pesar de contar en su bibliografía con un número extenso de obras, no empezó su labor como escritora hasta los cuarenta años; ocasión que le permitió usar la escritura como vehículo de liberación interior.

Con un éxito internacional con la mayoría de sus obras, Francesca Duranti posee diversos premios: Premio Bagutta, Martina Franca, Basilicata, Super Campiello, Città di Milano, Hemingway, Rapallo, Castiglioncello en Italia y el Prix des lectrices de «Elle» (Rouen) en Francia, los cuales corroboran la importancia de su literatura dentro del panorama literario actual.

Paola Drigo (1876 - 1938)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Thu, 14 Jun 2007 19:57:36 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana
Paola Drigo (1876-1938), contemporánea de Ada Negri y Grazia Deledda, se considera hoy en día la más importante escritora veneta de la primera mitad del siglo XX.
Se llamaba Paolina Valeria Maria Bianchetti (Drigo era el apellido del marido) y había nacido en Castelfranco Veneto (Treviso) el 4 de enero de 1876 en el seno de una rica y prestigiosa familia de la provincia veneta. Su padre Giuseppe Valerio Bianchetti era abogado y había sido un republicano amigo de Alberto Mario y de Giosue Carducci; él era sobrino de Giuseppe Bianchetti, figura importante de la cultura trevigiana y senatore del Regno d�€�Italia. La madre de Paola era Anna Loro, cuyo padre fue también diputado en el Parlamento Nacional.
La riqueza cultural de la familia y las ideas innovadoras del padre de Paola, condicionaron la educación de los hijos; Paola �€" como la poetisa paduana Vittoria Aganoor (mayor que ella de veinte años) �€" representó una excepción en el panorama de las escritoras italianas de finales del siglo XIX/ principio del XX: su educación no fue autodidacta, sino que pudo acceder a estudios de buena calidad (Ginnasio Superiore y Scuola Normale).
Se casó muy pronto, a los veinte y dos años, con Giulio Drigo, un agrónomo y acaudalado terratieniente que desempeñó importantes encargos en la vida económica y política de la provincia patavina. La pareja pasó sus primeros años de casamento en el antiguo palacio en piazza del Santo en Padua. En el 1899 nació el único hijo, Paolo, y poco después, en el 1900, la familia se trasladó a Mussolente, cerca de Bassano del Grappa (Vicenza) donde Giulio había comprado una «villa veneta», una antigua mansión de campo, la historica «Ca�€� Soderini» llamada ahora «Villa Paola» o «Villa Drigo», lugar que, parece, fue salón de tertulias y música. Los inviernos la familia Drigo los pasaba a menudo en la ciudad, Padua, pero también Venecia, Milán, Roma; frecuentes, sus viajes a Paris y por el resto de Europa.
Paola Drigo se dedicó a la escritura «profesional» más tarde de lo que solía suceder a otras autoras de novelas y cuentos, ella en efecto nunca fue obligada por las necesidades de la vida a convertir su interés por las letras en un trabajo: su actividad literaria documentada se desarrolla a lo largo de veinte y cinco años, curioso a este respecto lo que había escrito en un artículo publicado en 1931 en «Nuova Antologia»: «L�€�amore e la maternità assorbono un limitato periodo della vita femminile: vent�€�anni o poco più. Si spegne questa gran luce, e scocca l�€�ora più grave, più difficile e più pericolosa nella vita di una donna».
Con buena probabilidad fue en el ambiente milanés que Paola estableció los primeros contactos editoriales que le permitieron publicar sus cuentos. En 1912 apareció en «La Lettura», revista de lecturas del «Corriere della Sera» dirigida por Renato Simoni, el cuento Ritorno que retoma «con valenze inusuali, e specifica angolatura di sguardo, un tema tanto significativamente frequentato dal romanzo ottocentesco, quale quello delle monacazioni (femminili), che interessano il narratore quando non hanno verità» (Paola Drigo, Racconti, a cura di Patrizia Zambon, Padova, Il Poligrafo, 2006, pp. 20-21). Después de Ritorno editó La fortuna, el 16 de mayo del mismo año en la romana «Nuova Antologia». Con trabajo metódico, Drigo empezó a colaborar con las más prestigiosas revistas italianas: además de que en «La Lettura» y «Nuova Antologia», publicó sus escritos (unos pocos artículos, y un buen numero de cuentos) también en «L�€�Illustrazione italiana», «Italia!», «Il Secolo XX», «Pègaso» y «Pan». Colaboró también a la «terzapagina» de los diarios «Gazzetta di Venezia» dirigida por Damerini, y con un solo texto, cuyo título es Finestre sul fiume, al «Corriere della Sera», donde llegó en 1937, a la vigilia de su muerte.
Los textos narrativos Drigo los recogió, poco a poco según salían en revista, en tres volumenes �€" de los veinte y tres cuentos sólo tres no se incluyeron en las colecciones (La partenza di Sise (novellina per ragazzi), Una storia qualunque, Finestre sul fiume) �€" se publicaron: La fortuna, siete cuentos, Treves 1913; Codino, siete cuentos, Treves 1918, y la última colección, La signorina Anna, seis cuentos, publicada por el editor de Vicenza Ermes Jacchìa en 1932.
El 1936 es un año muy importante para la Drigo escritora. Con sesenta años, cuando se podía pensar que ya su inspiración artística hubiera terminado, Paola Drigo publicó, con el prestigioso editor Treves, dos novelas, diferentes entre ellas, pero de auténtica calidad estética: Fine d�€�anno y Maria Zef.
Sólo dos años después, el 4 de enero de 1938, Paola Bianchetti Drigo fallecerá en Padua.
No todo el corpus drighiano gozó de la constante atención de la crítica, la obra que mayormente se ha editado ha sido la novela Maria Zef, novela que fue candidata al «premio Viareggio» de 1937, favorablemente juzgada por los críticos (Manara Valgimigli, Pietro Pancrazi, en la actualidad también Claudio Magris) y que hoy en día en Italia como en el extranjero continua siendo objeto de estudios y debate (existen también dos versiones cinematográficas del texto: una de 1953, director Luigi De Marchi, otra de 1981, director Vittorio Cottafavi).
Ambientado en Carnia (Friuli, o mejor en una zona de los Alpes entre Friuli y Veneto) Maria Zef narra la cruda historia de abusos y violencia que una chica muy joven, Maria/Mariùte, sufre por el tío en un contexto de brutal degradación. Toda la crítica ha apreciado el chocante realismo y la habilidad mimética de la Drigo por haber descrito y narrado un ambiente, un mundo, un universo tan lejano del suyo.
El pasar del tiempo, el sobrevenir de la vejez y de la enfermedad, la dificuldad de relación con los hijos ya mayores, la dura y mísera realidad de las gentes del campo veneto son los temas de la otra novela Fine d�€�anno. Este texto es un ficticio diario-memoria que da cuenta de la maduración interior de una mujer ya de cierta edad, la cual, viuda, decide dejar el palacio de la ciudad para dedicarse a la gestión de la hacienda familiar en la tentativa de salvar el patrimonio. Fine d�€�anno es la crónica de un «svelamento»; la protagonista vive una serie de desilusiones que, diferentemente de lo que ocurre en mucha narrativa de la época, consigue superar. Una novela de formación sui generis.
En fin, los cuentos de Paola Drigo, por gusto y estilo, están más relacionados con la literatura del siglo XIX que con las vanguardias; el tema que interesa mayormente a la escritora son «ejemplares» historias de mujeres, una ejemplaridad dada por la trágica y dramática cotidianidad de la condición femenina, y, más en gereral, del destino humano.
Paola Drigo fue una artista compleja y bien conectada en el panorama cultural italiano de la primera mitad de 1900, y, por su especificidad (también regional) y la originalidad del conjunto de sus escritos, merece �€" como demuestran los estudios de relectura y revaluación de Patrizia Zambon �€"buena atención entre los importantes escritores italianos del siglo XX.

Assia Djebar (1936 - )

glaa84@yahoo.es (María Ferrand) — Tue, 03 Jun 2008 18:12:15 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Francés, árabe, inglés.
Assia Djebar es el seudónimo de Fatima-Zohra Imalyène, una escritora y cineasta argelina nacida en Cherchell, un pequeño pueblo costero de los alrededores de Argel. Tuvo el privilegio de que su padre no la obligara, como ocurrió con todas sus compañeras argelinas, a abandonar la escuela cuando cumplió diez años. Por el contrario, decidió que se educara como una francesa. Esto le permitió continuar con sus estudios y ser la primera mujer argelina admitida en la École Normale Supérieure de París, en 1955. Después de la liberación de Argelia en 1962 fue profesora de historia, francés y cine en la Universidad de Argel, pero a raíz del golpe de estado de Bumedián abandonó el país para residir en Francia. A pesar de que siempre ha escrito en francés, en los años setenta se centró en el estudio del árabe clásico con el que enriqueció la sonoridad de su estilo. Mujer comprometida con la historia atormentada de su país, recibió el Premio de la Paz del 2000, que concede la Asociación de libreros alemanes, por su defensa de un Islam no distorsionado por el fanatismo. Recibió, además, el Premio Internacional de Literatura Neustadt en 1996.
En la actualidad trabaja como profesora de literatura francesa en la Universidad de Baton Rouge (Estados Unidos).
Las obras de Djebar son un ejemplo de la lucha por la democracia y la libertad de la mujer musulmana. También se dedicó durante más de veinte años al teatro y al cine. En 1979 una de sus películas obtuvo el premio de la crítica internacional en la bienal de cine de Venecia.
Assia Djebar reprocha la visión "maniquea y demagoga" del integrismo. "Como mujer y escritora no puedo defender los postulados del integrismo, pero soy consciente de que detrás de la violencia y del pretexto del integrismo religioso hay una gran protesta de las clases populares sometidas durante mucho tiempo".

Beatrice Di Pian Degli Ontani (1802 - 1885)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:26:24 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiano
María Beatrice Bugelli, más conocida como Beatrice di Pian degli Ontani, nació en una pequeña fracción de la localidad del Melo perteneciente a Cutigliano en el año 1802. Huérfana de madre desde muy pequeña, acompañó a su padre a Maremma donde le prestaba ayuda con el trabajo.
Era analfabeta, pero desde niña pasaba horas cantando historias en verso y aprendiéndoselas de memoria. Se casó a los veinte años con el pastor Mattew Bernardi trasladándose a Catino (entre Pian di Novello y el Sestaione); este mismo día en que contrajo matrimonio comenzó a improvisar sus cantos. Desde este instante fue llamada para cantar y recitar en las festividades de toda la montaña. Los cantos de Beatrice eran breves poesías populares, generalmente octavas de endecasílabos de temas amorosos o incluso burlescos, a menudo cantados sobre un notorio y fácil motivo; es por ello que recibió el sobrenombre de "la poetisa pastora" de parte de Alessandro Chiappelli.
Después de que fuera destruída su casa en el año 1836, se trasladó junto a su esposo a una "casucha" en los alrededores de Pian di Novello, donde murió en el año 1885 a la edad de ochenta y tres años. Su vida estuvo marcada por el dolor y las privaciones; tuvo que sacar adelante a sus ocho hijos y afrontar la temprana viudez. Encarnó de manera ejemplar los valores y la verdadera espontaneidad de la cultura popular. Gracias a la seguridad en sí misma y a su fuerte temperamento, Beatrice se encuentra entre los más célebres protagonistas de la historia de la poesía de improvisación moderna.
Muchos de sus versos fueron transcritos por N. Tommaseo, G. Tigri, G. Giuliani, por la americana F. Alexander que dieron a conocer a Beatrice, la "poetisa pastora", a literatos de aquella época como Pascoli, D´Azeglio, Fucini, Giusti y a Giannina Milli que era considerada entonces la más grande improvisadora italiana.

Isabella Di Morra (1520 - 1545)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Sat, 10 Mar 2007 17:17:53 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano
Isabella di Morra, nació en el año 1520, parece la protagonista de una trágica historia digna del Decameron de Boccaccio. Es posible conocer la historia de la familia Morra gracias al testimonio antiguo sobre la cultura y la tragedia inaudita de la poetisa recogido en el libro Familiae nobilissimae de Morra historia de Marc�€�Antonio, hijo de Camillo, hermano menor de Isabella.
Su padre fue Giovanni Michele di Morra, Barón de Favale, hoy Valsinni (feudo situado entre Calabria y Basilicata) y su madre Luisa Brancacci. Tuvo seis hermanos y una hermana. Su padre, por culpa de un conflicto entre sus oficiales y los del príncipe de Salerno Ferrante Sanseverino, y por haber maltratado a los hombres del mismo, había suscitado la enemistad de dicho potente señor. Poco tiempo después la ciudad de Nápoles fue asediada, en los años 1527-28, por el ejército de Lautrec y Morra le ofreció sus tierras al enemigo como dono. Fue acusado de no haberse unido a los españoles, como era su deber, y haberse puesto de parte de los franceses. Para evadir el proceso político, al que no se presentó, en agosto de 1528 salió del Reino y se refugió en Roma, desde donde, poco después, huyó a Francia, a la corte de Francisco I. Después de algunos años al proceso se presentó su hijo Marcantonio, y con el pago de una multa, las tierras fueron devueltas a la familia. Scipione, su segundo hijo, le siguió a Francia y allí ejerció de vicesecretario de Catalina de�€� Medici, en la misma corte.
En Favale se quedó el resto de la familia. Sus hermanos Decio, Cesare, Fabio y Camillo y su hermana Porzia, más pequeña. Isabella había estudiado con Scipione y componía versos que la hicieron famosa incluso fuera del castillo.
Aprovechando la ausencia del padre, sus hermanos la aislaron en el castillo de la familia, que estaba rodeado de una vegetación frondosa y vasta. Ella inerme esperó con ansia y tristeza la vuelta del padre. En la soledad del castillo empezó a componer versos como desahogo de la profunda tristeza de su existencia sacrificada y soñaba con viajar a la corte de Francia y reunirse con su padre o con poderse casar para salir del infernal castillo.
Durante su encierro entró en contacto con el poeta y noble español Diego Sandoval de Castro, que había recibido el feudo del castillo de Bollita, cerca de Favale, como premio por haber participado en las guerras por la conquista española de Nápoles y desempeñó el cargo de real castellano de Cosenza. Estaba casado con Antonia Caracciolo y tenían tres hijos, a quienes visitaba frecuentemente.
Para poder hacerle llegar algunas cartas y versos a Isabella, cuando se encontraba en su residencia de Bollita, el poeta las firmaba con el nombre de su mujer; y a su vez la poetisa con la complicidad de su preceptor le enviaba mensajes y versos a Sandoval.
Cuando en el año 1545 sus tres hermanos descubrieron la correspondencia entre los amantes entre las manos de Isabella, aún sin abrir, corrieron a asesinar al preceptor y, para salvar el honor de la familia, después a la misma Isabella a puñaladas, que entonces tenía veinticinco años.
Una vez muerta la hermana se apresuraron a procurarle la muerte también a Sandoval, que sospechando de la brutalidad de los mismos, se protegía con hombres armados a caballo y a pie cuando viajaba a Bollita a visitar a su mujer. Pero un día, en el año 1546, llegados a un lugar llamado Noia, no distante de las tierras de Favale y Bollita, fue asaltado por los tres hermanos con la ayuda de dos tíos, Cornelio y Baldassino, lo mataron y huyeron.
El virrey enfurecido por los atroces asesinatos los persiguió pero éstos huyeron a Francia para encontrarse con el padre, que había muerto hacía algún tiempo. Su hermano Scipione les ayudó a mantenerse en el nuevo país. Uno de ellos, Decio, se hizo abad de una abadía agustiniana de Limosio y otro, Cesare, se casó con Gabriela Falconé y heredó la tierra de Chamoran. Todos ellos permanecieron en Francia hasta su muerte y vivieron muchos años.
El primogénito, Marcantonio, cumplió condena durante algunos años por complicidad y el más joven de todos, Camillo, quedó ajeno a los asesinatos ya que por aquel entonces militaba fuera del Reino.

Sus obras

Su limitada pero significativa obra compuesta por diez sonetos y tres canciones fue publicada póstuma, a partir del año 1552. Son versos de carácter personal y privado, no destinados a circular entre literatos y académicos. Es probable que se encontrasen gracias a las investigaciones que hicieron los magistrados, que registraron el castillo de Favale, y buscaron entre las cartas de la familia.
Ludovico Dolce, en 1552, siete años después de la muerte de la poetisa, publicó ocho sonetos y una canción en un corpus de poetas notos y no tan notos: Rime di diversi illustri signori napoletani, e d�€�altri nobilissimi intelletti, nuovamente raccolte et non più stampate. Terzo libro, dedicada al señor Ferrante Carafa. En el mismo año se publicó de nuevo añadiendo rimas de otros autores. Le siguió otra edición en 1555 con más rimas, dedicada nuevamente a Ferrante Carafa, pero las rimas de Isabella de Morra eran las mismas de la primera edición: Libro quinto delle rime di diversi illustri signori napoletani, e d�€�altri nobilissimi ingegni, nuovamente raccolte et con nuova additione ristampate. En el año 1556, Dolce publicó otro volumen: Rime di diversi signori napoletani e d�€�altri nuevamente raccolte et impresse, libro séptimo, dedicado esta vez a Giuseppe Matteo Montenero, donde publicó dos canciones y dos sonetos inéditos de la poetisa. Estas últimas composiciones se deben a un noto librero, �€�onoratissimo M. Marc�€�Antonio Passero, disideroso che le cose degne di lode vengano in luce�€�.
Posteriormente Ludovico Domenichi publicó otra vez la obra completa de la poetisa en Rime diverse d�€�alcune nobilissime et virtuosissime donne en Lucca en el 1559, �€�fermo di volere in ogni modo pubblicarle al mondo col mezzo delle stampe, per chiarir coloro, i quali stanno in dubbio della gradezza dell�€�ingegnio femminile�€�.
En el cancionero de Isabella se aprecia un ejemplo del uso del códice petrarquista para expresar, con palabras dolorosamente tristes, la adversidad de la suerte, el lamento de su destino, su desgracia de hija privada de padre, su encierro entre una naturaleza salvaje y desoladora que la rodea, así como las gentes rudas y su dramática soledad, que serán los hilos temáticos de la obra de la poetisa.
Se trata de un petrarquismo bien asimilado pero notablemente rico y libre. Por ejemplo en estas rimas la ausencia del tema amoroso crea un vacío en el uso del códice, que en parte está compensado por el retrato de Cristo en la canción XII.
Se distingue en Isabella una cultura literaria no vulgar. Poseía seguramente unos buenos estudios, había leído poesías clásicas y tenía práctica en el versificar y en la forma italiana, pero lo que caracteriza su producción, no es tanto su común denominador petrarquista sino su dolorida meditación sobre la vida. Es importante notar que Isabella encerrada en su castillo no tuvo la oportunidad de relacionarse con artistas o figuras públicas importantes ni podía participar a eventos públicos ni fiestas como una gran parte de las poetisas del Cinquecento italiano. Debía toda su cultura y educación a su preceptor.

Con sus versos podemos entrar en su intimidad, en sus pensamientos, éste es uno de los particulares que hacen su poesía mucho más auténtica. Por una parte una dramática forma de expresar sus sentimientos por otra acentúa una resignada y soñante soledad que inspira su lírica.
El �€�stil ruvido e frale�€�, como ella misma lo define, es el término crítico más apropiado para definir su lírica, que se acerca a la de Galeazzo di Tarsia. Mientras él crea un propio lenguaje poético, la poetisa sufre por el continuo esfuerzo de adecuar a la dureza de su sufrida inspiración un instrumento lingüístico inadaptado a ella.

Maria Teresa Di Lascia (1954 - 1994)

cinziolina@yahoo.com (Cinzia Sama) — Wed, 25 Apr 2007 12:00:34 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: ITALIANO
Nace en Rocchetta Sant�Antonio, en provincia de Foggia (Apulia) el 3 de enero de 1954 y muere el 10 de septiembre de 1994, prematuramente, a la edad de cuarenta años. Segunda hija de tres, de Ida Ricciutelli y de Leonardo di Lascia, crece en una situación familiar difícil.
Más conocida como activista política que como escritora, por sus luchas en nombre de la democracia y de la defensa de los derechos civiles y humanos. En 1982 fue vicesecretaria del �€�Partito Radicale�€� durante la secretaría de Marco Pannella y diputada de la novena legislatura.
Se acerca por primera vez a este partido cuando empieza sus estudios en la Facultad de Medicina de Nápoles, que cursa sólo los tres primeros años, dado que posteriormente opta por ser misionera laica en las zonas más pobres del mundo, en ocasión de una campaña para la legalización del aborto.
Es fundadora de �€�Nessuno Tocchi Caino�€�, liga internacional para la abolición de la pena de muerte en el mundo. En 1986 conoce a Sergio D�€�Elia, ex líder de �€�Prima Linea�€�, terrorista condenado a veinticinco años de cárcel, y más tarde, en el 1994 se casa con él. En 1987 coordina la campaña contra la energía nuclear en ocasión del referéndum sobre este tema. En 1993 coordina con Adriano Sofri otra campaña. �€�Io digiuno�€�, en apoyo a las víctimas de la guerra en la ex Yugoslavia.
En 1988 escribe su primera obra "La coda della lucertola", una novela breve que nunca quiso publicar porque ella misma tan sólo la consideraba un ejercicio de estilo. Cuenta la historia de la fuerte pasión de Matteo por Caterina, una chica del Norte, que siempre lo rechaza, hasta que él se desenamora y se dedica a otra relación. Ya en esta primera novela son muy importantes los sentimientos y los recuerdos de los personajes y en general la memoria.
Después Di Lascia compone cuatro cuentos, pero solo �€�Compleanno�€� y �€�Veglia�€�, han sido publicados, mientras que �€�La casa nuova�€� y �€�Emilio (un amore divino)�€�, son todavía inéditos.
�€�Compleanno�€�, es un relato breve en forma de carta que Nina escribe a su esposo Alberto, siempre ausente en su larga relación de veinte años, en ocasión de su 53° cumpleaños. Decide escribirle porque después de años de traiciones por parte de él, humillaciones, privaciones (nunca tuvo al hijo que tanto deseaba), descubre estar muy enferma de un seno, símbolo de la feminidad. El relato es un homenaje a todas las mujeres ocupadas en diferentes roles: madres, esposas, hijas, amigas, que con su fuerza enfrentan la triste y mísera cotidianidad. Este mismo relato gana el premio �€�Millelire�€� y ha sido llevado a la grande pantalla como cortometraje por Alessandro Dionisio e interpretado por Giovanna Mezzogiorno, presentado también en la muestra internacional del cine de Venecia en 2005.
�€�Veglia�€�, publicado en la revista �€�Nessuno tocchi Caino�€�, condena cualquier tipo de violencia. Lo interesante aquí es la manera de narrar la tragedia a través de los ojos de un cómplice del asesino: una madre de dos hijos, viuda, que reza a la virgen por la protección de su hijo, que ha matado a un niño de dos años.
�€�La casa nuova�€� es la historia di Filomena, una mujer muy sencilla del sur que dedica toda su vida a sus dos hijas y que de repente se deja llevar a la locura por sus pensamientos y dolores callados por mucho tiempo. El relato es un viaje dentro de su mente alrededor de su pasado.
�€�Emilio (un amore divino)�€� es una historia muy espiritual que tiene que ver con el otro gran interés de la autora, la homeopatía. La protagonista, Elsa, es una mujer de sesenta años que tiene un centro de medicina alternativa y que cuida a sus pacientes con el amor. Conoce al medico Emilio, mucho más joven que ella y se enamora, pero él la utiliza sólo para recuperar su propia autoestima. La autora con esta novela nos quiere proteger de la soberbia, según ella, el peor enemigo del ser humano.
Su obra más conocida es "Passaggio in ombra", en la que ha trabajado desde 1988 hasta 1992 y que se publica póstumamente por Feltrinelli en enero de 1995, a cuatro meses de su muerte. En julio del mismo ano la novela recibe uno de los premios literarios más reconocidos en Italia, el �€�Premio Strega�€�. Cuenta su esposo que Di Lascia presentó en 1990 su novela al editorial Adelphi, donde Ena Marchi lo juzgó muy positivamente, pero Pontiggia se demostró perplejo por la estructura narrativa y por eso la rechazaron. Al contrario la editorial Feltrinelli, lo publicó en la versión entregada por la autora.
La protagonista es Chiara que, sola y a la espera del último ataque de asma que se la lleve, recuerda y cuenta la historia de su familia, cuando ya todos sus seres queridos están muertos o se han ido. Es fundamental, entonces, la memoria otra vez, a través de los flash-back que utiliza. Chiara quiere entender cuándo y dónde se equivocó en su triste vida, para retomar el sentido de su existencia. La sombra que la acompañó en toda su adolescencia ya se ha adueñado de toda su vida. La narradora es muy dura consigo misma, siempre se está ofendiendo y mortificando: �€�Maldita! Gusano de la tierra! ¿Cuándo dejarás de temblar frente a cualquier cosa?�€� (235). Una buena parte de la historia está dedicada a la enfermedad, a la locura, a la muerte, a la perdida de identidad, al silencio y a las reflexiones filosóficas alrededor de estos temas. Pero se cuentan también todos los acontecimientos de su familia, los D�Auria, sobre todo los de las mujeres, a menudo humilladas y ofendidas por los hombres. Lo que más afecta a Chiara es el amor prohibido del único hombre al que ama, y que descubre que es su primo sólo después de que se han enamorado. Mentiras, engaños, decepciones son los que acompañan toda su vida. Di Lascia hace una crítica social, condena la justicia injusta, rechaza los conformismos típicos del mundo rural al que pertenece y que no permite cambios.
El lenguaje es a veces refinado y culto y en otros momentos más dialectal. Muchos críticos han comparado su escritura a la de Anna Maria Ortese, Lalla Romano, Natalia Ginzburg y Elsa Morante, que probablemente ha inspirado a Di Lascia, sobre todo con su novela �€�Menzogna e sortilegio�€�.
Antes de fallecer estaba trabajando en una nueva novela "Le relazioni sentimentali", de la cual ha sido publicada solo la primera parte. La novela empieza con una cita de La pesanteur et la grâce de la francesa Simone Weil, militante de la extrema izquierda, con la cual la autora se identificaba mucho por el interés por las injusticias sociales. Aquí es una madre que escribe a una hija negada, le habla de sí y quiere crear un contacto, a través de los recuerdos. Otra vez la autora utiliza el punto de vista femenino.
Pocos conocieron en vida la vocación de Di Lascia para la escritura. Durante toda su actividad política siguió escribiendo muchos artículos, con un lenguaje muy poético visionario, porque como ella misma escribió en unos apuntes: �€�Escribir crece dentro de mí como una necesidad�€�.

Nina Di Dante/siciliana (1290 - )

mjprieto7@hotmail.com (María José Prieto Manfredi) — Tue, 10 Jun 2008 13:43:40 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: italiano
Nace por el 1290, auqnue su labor poética pertenecería al siglo XIII.
Algunos autores la situan en Messina y otros en Palermo, pero la pirmera es la más crediblidad presenta.
Nina es diminutivo de Catherina aunque también existe la posibilidad de que fuera Antonia o Antonina.
Son muchos los que aluden a su belleza, virtuosismo, espíritu culto y personalidad singular; pero es sin lugar a dudas sus versos los que atraen toda nuestra atención. Dante de Maiano llegó a enamorarse de ella al leerelos. Y mantuvo una relación epistolar con ella. De ahí el sobrenombre di Dante.
Sus rimas han sido citadas por la Accademia della Crusca al hacer el célebre crítico Alessandro TAssoni" Considerazioni sopra il Petrarca" y por el insigne literato Ferderico Ubaldini en "Documenti di Amore del Barberino".

Grazia Deledda (1871 - 1936)

charomm@us.es (Mª Del Rosario Martín Muñoz) — Mon, 09 Oct 2006 11:11:33 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua italiana
Grazia Maria Cosima Damiana Deledda llegó al mundo en Nuoro (Cerdeña) el 27 de septiembre de 1871, dentro de una familia acomodada, siendo la quinta de siete hermanos. El progenitor tenía una más que aceptable formación, había estudiado Retórica en Cagliari, había conseguido el diploma de procurador y escribía poesía dialectal; le iba bien en sus negocios, que fundamentalmente tenían que ver con la tala de árboles y la exportación de carbón vegetal que mandaba al continente.

Sería en su ciudad natal donde Grazia realizaría sus escasos estudios académicos, que no fueron otros que los de la escuela elemental, que se finalizaba entonces a los nueve o diez años, cosa usual entre las niñas de aquel tiempo aunque pertenecieran a familias con recursos, como la de ella, a diferencia de lo que ocurría en el caso de los varones. Después de acabar la educación básica, al menos por un tiempo, Grazia recibe clases de un profesor particular gracias a la intervención del hermano Andrea, quien era además el que le proporcionaba lecturas y la llevaba consigo a alguna que otra fiesta popular o a las excursiones por los campos y montañas que recorrían los pastores, con los que con frecuencia conversaban. Pero, es sobre todo en el espacio íntimo y cotidiano de la casa, donde la fantasía de la pequeña fue alimentada por los cuentos de la servidumbre, cuyos temas preferidos versaban sobre supersticiones, bandidos, venganzas, episodios de amor y sangre�€�

La familia Deledda se vio golpeada por numerosas desgracias que se describen en la autobiografía de la autora de Cerdeña, obra que cuenta la vida anterior a su matrimonio y traslado a Roma, la cual fue publicada por entregas a partir de septiembre de 1936, póstumamente, en la Nuova Antologia con el título de Cosima, quasi Grazia. En la primera entrega se lee una nota de la dirección en la que se dice que el manuscrito fue encontrado por sus familiares. Un año después, y a cargo de Antonio Baldini, Cosima se edita por la editorial milanesa Treves. En su escrito más personal, Grazia Deledda narra con detalles los graves problemas que tuvo que afrontar la escritora y sus allegados. A modo de resumen destacaremos los más importantes infortunios familiares: El primer hecho funesto fue la muerte de la hermana Giovanna a causa de una angina, apenas aún una niña. A continuación, la adversidad concierne a los varones. Se produce la pérdida figurada, o degradación, del primogénito Santus, que cayó en el alcoholismo y prácticamente en la demencia, y terminó abandonando los estudios universitarios de Medicina. El segundo de los hermanos, Andrea, abandona bien pronto los estudios y se deja vencer por los vicios, las "mujeres" y el juego. Estas calamidades afectan anímicamente a toda la familia y en apariencia en mayor medida al padre, cuyo estado empeora al sufrir una grave enfermedad que le lleva a la parálisis y definitivamente a la muerte en 1892. Es entonces cuando Andrea toma las riendas de la familia, pero dilapida en gran parte los bienes familiares y continúa metiéndose en líos como cuando lo sorprendieron robando unas gallinas, acto que lo llevó a prisión durante un tiempo. Pero también las desgracias afectaron, de nuevo, a las mujeres. Tras una serie de vicisitudes se casa la hermana Vincenza. Poco duró el matrimonio, la desgraciada es encontrada por su hermana Grazia en un mar de sangre, había sufrido un aborto y murió desangrada. Una de las hermanas menores, Giuseppina, aceptó casarse con un inspector de escuela que resultó estar sólo interesado en la dote y que según iban pasando los días el prometido quería que se incrementara a toda costa. Por cosas del destino, el desalmado falleció y se libraron del escándalo de una boda frustrada.

De todas estas desdichas no podía salir indemne la madre, que tuvo que soportar la desaparición del marido y dos de sus vástagos (Giovanna y Vincenza), aparte de la degradación de los miembros masculinos que quedaban. Francesca, la madre, es el prototipo de mujer tradicional que sufre en silencio y con resignación los avatares del destino. Su mentalidad es propia de la mujer de la época que quiere que sus hijas sean respetadas y que hagan un buen casamiento; por tanto, en especial le preocupaba el futuro de la rebelde Grazia que se empeñaba con ardor en dedicarse al oficio de la escritura, menester tan poco común en las mujeres de su entorno. Frente a lo que se podía pensar, la gran cantidad de obstáculos a los que se enfrentó la joven escritora, no hizo sino reforzar la idea de seguir su vocación. Grazia, no sin sufrimiento, relata en Cosima todas las terribles desgracias que sufrió la familia, de las que �€"a diferencia del resto de sus miembros�€" parece salir reforzada, ayudada por la esperanza o el presentimiento de un futuro prometedor, con la fe del que se sabe destinado a grandes empresas.

En el año de 1888, la precoz escritora comienza a colaborar con la revista femenina romana Ultima moda, en la cual publicó su primer cuento: Sangue sardo. Esta primera experiencia fue agridulce: por un lado su satisfacción porque comenzaba su carrera literaria; por otro lado, la parte negativa, el revuelo que se organizó en el pueblo al enterarse que la joven señorita había publicado una historia de amores y aventuras. Tanto familiar como socialmente la noticia fue, en general, mal acogida. Igualmente en la Ultima Moda salió Remigia Helder, en agosto del mismo año; y entre 1888 y 1889 la novela por entregas Memorie di Fernande.

Su primera obra en volumen se titularía Nell�€�azzurro (1890). A esa le seguirían al año siguiente Amore regale y Stella d�€�Oriente. Más tarde vendría Fior di Sardegna (1892), en clave de un moderno romanticismo; fecha fructífera, sin duda, pues publicó también el cuento La regina delle tenebre y la historia de bandidos Sulle montagne sarde. En 1894 publica reunidos sus Racconti Sardi y también su mayor empresa de juventud, que le vino con el encargo por parte de Angelo de Gubernatis de recoger las tradiciones populares de su ciudad natal. De tal proyectó resultó Tradizioni popolari di Nuoro in Sardegna. A partir de 1896 se produce un punto de inflexión en su escritura y el salto de calidad esperado con La Via del Male, que obtuvo la crítica favorable de Luigi Capuana, entre otros. A partir de ahí seguirá su frenética carrera de escritora incansable y llegarán sus esperadas obras mayores: Elias Portolu (1903), Cenere (1904), Canne al vento (1913), L�€�incendio nell�€�oliveto (1918), para culminar con Cosima (1937).

Sus amores de juventud consistieron más que nada en enamoramientos alimentados por la fantasía y caracterizados por la distancia; su atención se fijaba principalmente en intelectuales o personajes relacionados con la cultura e incluso admiradores que le enviaban cartas enfervorizadas. En estas relaciones platónicas la vía de comunicación preferente era la epistolar. La correspondencia de tono amoroso de la joven Grazia Deledda tenía como destinatarios más asiduos: el maestro Andrea Pirodda, Giovanni di Nava y, sobre todos los demás, el periodista y crítico teatral Stanis Manca. Fue especialmente importante el impacto que le causó éste último, el aristócrata Stanis Manca, con el que se hizo vanas ilusiones, pensando incluso que le podría pedir su mano en matrimonio.

En su autobiografía se alude también a personajes cercanos a su entorno como fue el caso del admirado amigo de su hermano Santus, Antonino (Antonino Pau en la realidad) o cuando se habla de un joven que la pretendía, de un tal Fortunio que tenía �€"según se dice en la obra�€" un problema de cojera, pero que en verdad no se llamaba así sino Amico Cimino y que por cierto no tenía ninguna dificultad locomotriz sino que era bizco.

Todo su mundo cambió con la consecución de sus dos tan anheladas metas: amor y gloria. En octubre de 1899, durante su estancia en Cagliari en casa de la directora de la revista Vita sarda, conoce a Palmiro Madesani, empleado del Ministerio de Hacienda, con quien se desposó en sólo unos meses, el 11 de enero de 1900, cuando Deledda contaba casi treinta años. En marzo de ese mismo año, según era deseo de Grazia, se van juntos a Roma para vivir allí hasta el resto de sus días. Hace realidad de este modo, en un plazo corto de tiempo, sus grandes ambiciones: el amor que termina en matrimonio y la gloria profesional que representa su marcha a la capital italiana. La pareja no tardaría en tener descendencia, dos hijos: Francesco (Franz) y Sardus. A éstos los educó, según han manifestado ellos mismos, con dulzura y severidad. Desde Cerdeña se trasladaron también a Roma sus dos hermanas pequeñas: Giuseppina e Nicolina, permaneciendo siempre cerca de su célebre hermana.

La figura del marido representó un gran apoyo para la cada vez más consagrada artista. Palmiro hacía las veces de su agente literario y participaba en su promoción social y editorial en los círculos culturales. Tal dedicación fue motivo de burla para algunos de sus contemporáneos. Prueba de ello es que el inseparable esposo sirvió de inspiración para la novela de Pirandello que tiene por título Suo marito. En una entrevista en la que Grazia tenía ya una edad bastante avanzada confesaba que la mitad de su éxito se lo debía a su esposo.

En Roma, en general, el matrimonio llevaba una vida reservada y tranquila. Eso no constituía ningún inconveniente para que, en ocasiones, Grazia mantuviera algunos contactos con artistas y escritores de la época. Con asiduidad visitaba la redacción de la revista literaria Nuova Antologia donde encontraba a personajes como De Amicis, Fogazzaro, D�€�Annunzio, Pirandello, Mascagni�€�

Sus libros no dejaban de venderse tanto en Italia como en parte del extranjero. En 1926 la Academia Sueca decidió otorgarle el mayor reconocimiento a su prolongada carrera, el Premio Nobel de Literatura, que ocasionó una gran controversia entres sus partidarios y detractores. Éstos últimos consideraban que muchos otros eran antes merecedores de tal galardón así como que la concesión del premio se debía a presiones políticas. Es público y notorio que la posición de la crítica especializada con respecto a Grazia Deledda no siempre ha sido favorable. Muchos estudiosos de la literatura la han considerado carente de calidad estilística, falta de originalidad temática y con grandes limitaciones lingüísticas. Entre las opiniones más acérrimas, la de Benedetto Croce, que dudaba incluso de su condición misma de artista o escritora.

Al menos aparentemente ajena a críticas y lisonjas, siguió escribiendo sin descanso hasta el final de sus días. Murió la noche entre el 15 y el 16 de agosto de 1936, a causa del cáncer que la consumía desde 1928. Este sufrimiento se refleja en parte en la protagonista de su obra La chiesa della solitudine (1936), personaje que padece la misma cruel enfermedad.

Maddalena De�€� Pazzi (1556 - 1607)

crisvalbi@hotmail.com (Cristina Valdivia Biedma) — Thu, 21 Feb 2008 08:33:22 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: Italiano
Es considerada una de las representaciones más fervientes del misticismo religioso, su pronta inserción en la comunidad religiosa de las Carmelitas, a los 10 años, abandonando el nombre de Catalina de Pazzi por María Magdalena de Pazzi; que pocos años después de su muerte se convertiría en Santa María Magdalena gracias a la beatificación otorgada tras una vida llena de sufrimiento y de resignación. Se ha denominado con el sobrenombre de �€�santa del éxtasis�€�, ya que los momentos de éxtasis eran casi constantes en su recorrido religioso; gracias a los cuales creo una vasta producción literaria. Estas obras se caracterizan por el hecho de que no fuero manuscritas por la propia santa, sino que fueron un grupo de religiosas las encargadas de redactarlas mientras que, sumida en un éxtasis profundo, eran redactados por S. María Magdalena; la cual posteriormente realizaba las correcciones oportunas. A lo largo de su obra se recoge un manual de perfeccionamiento religioso y personal, donde el sufrimiento, representado mediante estigmas y tentaciones, se concibe como un acercamiento a Dios. Tanto el lenguaje, como las estructuras de las obras son propios de una concepción mística; de ahí que esté cargado de metáforas y sea irregular. Su muerte se produjo tras años de sufrimiento pero soportados con paciencia, se podrían resumir en una de sus frases: �€�Ni sanar ni morir, sino vivir para sufrir".

María De Zayas Sotomayor (1590 - 1661)

marihuANALOK@hotmail.com (Ana De Zayas-enriquez) — Tue, 29 May 2007 10:38:04 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: castellano
María de Zayas Sotomayor, (Madrid, 12 de noviembre de 1590 - ¿1661?) Novelista española del Siglo de Oro, la más importante junto con Mateo Alemán y Miguel de Cervantes, y una temprana feminista junto a su contemporánea Juana de Asbaje Ramírez, más conocida como Sor Juana Inés de la Cruz.

Era hija del capitán de infantería Fernando de Zayas y Sotomayor, que servía como caballero al conde de Lemos, y de María de Barasa. Es de suponer que la familia siguió al Conde de Lemos a su virreinato de Nápoles. Vivió algún tiempo en Zaragoza; allí publicó la primera parte de sus Novelas amorosas y ejemplares o Decamerón español (1637), un grupo de diez novelas cortesanas que analiza la sociedad áurea en los estratos superiores de la misma y en la que es perceptible el beneficioso influjo de Cervantes. Toma sólo de Giovanni Boccaccio la fórmula de una reunión por culpa de una enfermedad (en vez de la peste, unas cuartanas de Lisis) a lo largo de cinco noches, en cada una de las cuales se narran dos novelas. Cuenta historias de una gran crudeza. Al contrario que otros novelistas contemporáneos suyos, no pretende exhibir un cortesano ingenio complicando el estilo ni se hace pasar por moralista sermoneadora, sino que le interesan la amenidad de la narración, la psicología de los personajes y los aspectos sociales y ambientales en que se mueven. Es más, denuncia cuando quiere las injusticias que la indignan y deja ver clara su postura de independiente y recio orgullo femenino, sin mostrarse pacata en las escenas escabrosas. La segunda serie está compuesta por Novelas y saraos (Barcelona, 1647) y Parte segunda del Sarao y entretenimientos honestos (1649), que se reeditaron como Desengaños amorosos. Este segundo grupo de novelas intensifica los argumentos truculentos y escabrosos. Compuso además la comedia La traición en la amistad. Se conservan además algunas poesías suyas en diversas antologías (Botello, Montalbán, Cuevas, Del Castillo o la Fama Póstuma dedicada a Lope) que son mediocres y no están a la altura de su prosa. Se cree que pudo residir también en Sevilla o Granada. En cuanto a la fecha de su fallecimiento, existen dos partidas de defunción a nombre de María de Zayas, una del 19-I-1661 y la otra del 26-IX-1669; no se poseen datos de ella desde 1639.

En estos tiempos luce y campea con felices lauros el ingenio de doña María de Zayas y Sotomayor, que con justo título ha merecido el nombre de Sibila de Madrid, adquirido por sus admirables versos, por su felice ingenio y gran prudencia, habiendo sacado de la estampa un libro de 10 novelas que son 10 asombros para los que escriben deste género, pues la meditada prosa, el artificio dellas y los versos que interpola, es todo tan admirable, que acobarda las más valientes plumas de nuestra España.
Durante largo tiempo oscurecida por la crítica, Emilia Pardo Bazán reivindicó su obra, que caracterizó como una especie de picaresca de la alta sociedad áurea.

Como narradora le caracteriza una gran fuerza. Es de una frescura y novedad sin precedentes ni tampoco seguidores. Tiene de su época el gusto por la violencia, la crueldad, la magia y los encantamientos. La moral en ella no es moraleja sino escarmiento. Ni ahorra episodios picarescos cuya crudeza no desmerece del Buscón quevedesco, ni queda atrás en el cultivo de la novela bizantina a lo Cervantes en otros como La fuerza del amor o El prevenido engañado. Pero quizás lo que más sorprende en ella es la desenvoltura con que se comportan los personajes femeninos en el aspecto sexual y amatorio. Desde la que persigue a un hombre que ve por el balcón hasta la que guarda un amante negro en el establo hasta devorarlo sexualmente, «antes de infinitos adulterios». No en vano en el XVIII, la Inquisición prohibió reeditar sus exitosas novelas. Invariablemente, hay mujeres que acaban mal por la liberalidad con que entregan su cuerpo; pero no son todas, ni mucho menos, y es notable lo poco que miran al decoro personal o familiar cuando siguen sus impulsos, que es casi siempre. Al hecho añaden el dicho. Aprovechando los diálogos de los distintos narradores en torno a la discreta Lisis, María de Zayas critica con la misma libertad que muestran sus personajes las idea de la época acerca de la honra y la virtud, que tanto perjudicaban a las mujeres y beneficiaban supuestamente a los hombres. Así, en frase que recuerda las de Sor Juana Inés de la Cruz, dice Lisis a un galán que proclamaba su deseo de encontrar mujer tonta y honrada:

«Y ¿cómo sabrá ser honrada la que no sabe en qué consiste el serlo?». Doña Emilia Pardo Bazán citaba algunos pasajes suyos sobre su feminismo:

En la era que corre estamos con tan adversa opinión con los hombres, que ni con el sufrimiento los vencemos ni con la conciencia los obligamos. (...) ¿Por qué, vanos legisladores del mundo, atáis nuestras manos para la venganza, imposibilitando nuestras fuerzas con vuestras falsas opiniones, pues nos negáis letras y armas? ¿Nuestra alma no es la misma que la de los hombres? (...) Por tenernos sujetas desde que nacimos, vais enflaqueciendo nuestras fuerzas con temores de la honra, y el entendimiento con el recato de la vergüenza, dándonos por espadas ruecas, y por libros almohadillas.
Para María de Zayas, "las almas no son hombres ni mujeres". Era muy aficionada a la lectura, como dice en el prólogo "Al que leyere" de Novelas amorosas y ejemplares:

¿Qué razón hay para que no tengamos promptitud para los libros? Y más si todas tienen mi inclinación, que en viendo cualquiera nuevo o antiguo dexo la almohadilla y no sosiego hasta que le paso.
De la burla picaresca, abonada al tremendismo, que domina la primera serie novelesca, pasa en la segunda al motivo barroco por excelencia: el Desengaño, que es a veces notación de la injusta burla de las mujeres por los hombres y, en otras, expresión dolorida y casi metafísica de la imposibilidad de los sexos para vivir lealmente y en armonía, tan distintas son las fuerzas que los gobiernan. En La esclava de su amante, La inocencia castigada, El verdugo de su esposa o Mal presagio casar lejos, un hado siniestro domina las vicisitudes amorosas. De la carcajada en El castigo de la miseria pasamos a la melancolía y el pesar de Estragos que causa el vicio, última narración y despedida aparente de la autora. .

Mercedes De Velilla Rodriguez (1852 - 1918)

argatea@hotmail.com (M.ª Jesús Soler Arteaga) — Fri, 13 Apr 2007 17:52:01 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Español
La calle Velázquez y la Plaza de la Magdalena están conectadas por una estrecha vía dedicada a José de Velilla autor dramático, que cosechó fama y éxitos a finales del siglo XIX; la suya era una familia volcada en la literatura en la que todos, padre, madre y hermanas, sintieron un profundo amor por las letras y buena prueba de ello es que en su casa de la calle Manteros, ahora Jovellanos, se reunían algunos de los escritores más reconocidos de Sevilla y los que visitaban la ciudad; entre los asiduos, que llamaban a esta casa coloquialmente �€�Parnaso�€�, se encontraban: Luis Montoto, Rafael Álvarez Sánchez-Surga, Felipe Pérez y González, Mario Méndez, Carlos Peñaranda, Luis Escudero y Perosso y su hermano Francisco , Rodríguez Marín y Juan Antonio Cavestany; amigos de la familia que se reunían para conversar de literatura, para leer y oír versos ajenos, entre los que brillaban con luz propia los de Mercedes de Velilla y Rodríguez.
En el prólogo a la edición, que el Ayuntamiento hizo póstumamente, de sus últimos poemas cuenta Luis Montoto la admiración que causaba Mercedes entre los contertulios y la fama de la que gozaba en estos círculos, tanto es así que el erudito Adelardo López de Ayala visitó la ciudad y, después de oír tantas alabanzas de una mujer tan joven y que poseía únicamente los conocimientos que se daban en la época a las niñas de las familias de la burguesía media, acudió a casa de los Velilla con la sospecha de que los versos que recitaba no eran suyos sino que pertenecían probablemente a su padre o al autor de Witiza o de La luz del Rayo y sometió a Mercedes a una prueba pública: propuso un tema y le dio quince minutos para hacer un soneto. Transcurrido este lapso y después de escuchar los catorce versos no pudo más que afirmar que se trataba de un prodigio. Amantina Cobos de Villalobos en su libro Mujeres celebres sevillanas aportaba estos datos: �€�A los diez años leyó alguna de sus composiciones ante un escogido auditorio, y desde entonces se reveló como poetisa genial y de altos vuelos, no obstante su natural modestia, que hizo que fuera llamada por uno de sus biógrafos �€�la violeta del Betis�€�.�€� (Cobos, 1917: 19)
En 1873 se publica Ráfagas el primer poemario de esta autora que había nacido en 1852 el prologuista de la obra se refería a la desigualdad con la que era tratada la mujer en los distintos ámbitos del saber y expresaba su deseo de que los nombres de José y Mercedes se inscribieran entre los más importantes de las letras sevillanas. Su buen augurio no se cumplió y la poesía de Mercedes como la de tantas otras autoras cayó en el olvido, pese a su importancia. En 1872 había ganado el premio de honor en la Exposición Bético-extremeña y en 1976 se hizo con el primer premio en el concurso organizado por la Real Academia de Buenas Letras. Ese mismo año había cosechado un gran éxito de público con la obra teatral El vencedor de sí mismo, que escribió no por la influencia de su hermano sino por la de un amigo de éste el actor Pedro Delgado que representaba las obras de su amigo y era asiduo en las tertulias de la calle Manteros.
La poesía de nuestra autora se alejaba ya desde sus primeros versos de las directrices de la escuela sevillana y se acercaba a los nuevos gustos, al romanticismo depurado de otros sevillanos como G. A. Bécquer, al que dedicó un poema con motivo de la colocación de su estatua. Sus poemas están atravesados por una serena melancolía y un dolor perenne que sólo se abandona en algunos poemas dedicados a la ciudad. Luis Montoto hacía referencia en su prólogo a este dolor: �€�La musa del dolor, huésped asiduo de su casa y de su vida, inspiró el mayor número de sus composiciones poéticas. Busquemos, por tanto, en sus versos los latidos de un corazón apenado, las ansias de un alma cautiva y las señales de muchas lágrimas�€� (Velilla, 1878: 7).
La partida y la muerte de su gran amiga la poeta Concepción Estevarena en 1876 fue un hecho muy doloroso para ella, la muerte de su padre en 1877 fue la primera de una larga serie de pérdidas familiares: la muerte de su madre, la enfermedad de su hermana y la muerte del hermano en 1904. Tampoco en cuestiones de amor fue afortunada Santiago Montoto no se refiere a esta parcela de su vida, pero sus poemas amorosos no son un juego poético ni un divertimento en torno a un tema tradicional, aunque sí nos informa de que atravesó sola todas estas desgracias y las dificultades que conllevaron y que al final de sus días la ciudad le ofreció para aliviar su situación económica la tarea de estudiar las obras de las escritoras sevillanas.
Después de su muerte en Camas en 1918, la corporación municipal encargó al cronista oficial de la ciudad el prólogo y la edición de Poesías, obra en la que se reunían sus últimas composiciones y le otorgó su nombre a una pequeña calle que hasta entonces se llamaba Calceta y que une la calle Imagen y la Plaza del Buen Suceso.

Christine De Pizan (1364 - 1430)

fantozzi02@hotmail.com (Carolina González Perancho) — Sun, 24 Jun 2007 20:40:05 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: francés medieval
Nacida en Venecia en el año 1364, Christine de Pizan será una de las voces femeninas más significativas del panorama intelectual europeo del Medioevo. Con cuatro años abandona su ciudad natal, ya que su padre, Tommaso da Pizzano, debe trasladarse a la corte parisina de Carlos V de Valois para ponerse a su servicio en calidad de médico y astrólogo. A partir de este momento, Christine disfrutará de una vida cortesana colmada de lujos. Recibe una completa y esmerada educación debido a las amplias posibilidades que le ofrecía vivir en la corte (contará con la enorme Bibliothèque Royale) y especialmente al empeño de su padre, en contraste con la actitud de su madre, que a pesar de ser la hija de un hombre docto, el anatomista Mondino de Luzzi, se opone duramente a la instrucción de su hija en materias que no sean otras que las relacionadas con las tareas domésticas; de hecho, la inflexible postura materna se recoge en la obra cumbre de la autora, La Ciudad de las Damas (1405), donde realiza una fuerte apología de la mujer basándose en numerosos y célebres personajes femeninos de la historia y la mitología. Cumplidos los quince años contrae matrimonio con un joven noble, Estienne du Castel, que ocupaba el cargo de notario del rey. Tras una década de feliz matrimonio, Christine enviuda debido a la peste. Con veinticinco años y tres hijos, la joven tendrá que enfrentarse a una difícil situación económica debido a ciertos engaños de los que fue víctima y a las consecuencias evidentes de la muerte de su marido. A estas desgracias se les suma la muerte de su hijo recién nacido. Para solventar su precaria situación y mientras pleitea para recuperar parte del patrimonio perdido, se dedicará profesionalmente a la escritura. Comienza escribiendo baladas de lamentación por la muerte del amado, pero posteriormente se dedicará a temas relacionados con la historia, la política, la condición de la mujer, etc. Este cambio en la temática de sus obras se debe principalmente a una renovación en el ámbito cultural, a un incipiente Humanismo, que despertará el interés de los intelectuales del momento por las disciplinas relacionadas con todo aquello que rodea al ser humano. La mujer y su condición será un argumento tratado ampliamente por la autora italiana en varias de sus obras. Christine será la iniciadora de lo que se conocerá durante el Renacimiento como la Querelle des Femmes, movimiento de defensa de la mujer llevado a cabo por diversas intelectuales del momento y que surge a raíz de su obra Cartas de la Querella del Roman de la Rose (1398-1402) contra la segunda parte de esta obra escrita por Jean de Meun, donde el autor ataca duramente a las mujeres. En 1407 estalla la guerra civil en París entre las facciones armagnac y borgoñona y en 1411 Christine huye de la capital del reino para refugiarse en el convento de Poissy con su hija. Muere en 1430 en su retiro de Poissy, a los sesenta y seis años.

Lucía De Medrano (1484 - 1527)

tridurmed@telefonica.net (Trinidad Durán Medina) — Tue, 06 May 2008 14:07:20 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Castellano
Lucía de Medrano es , junto a otras destacadas figuras como Beatriz Galindo, una de las llamadas "docta puellae" que en la España de finales del siglo XV y primeras décadas del XVI florecieron al calor de los estudios de las lenguas y de la cultura clásica que el Humanismo y el Renacimiento habían recuperado. En nuestro país, estos estudios se vieron favorecidos por la actitud de la reina Isabel, ella misma aventajada estudiante de latín, y decidida defensora y protectora de la educación de las mujeres.

Los datos en los que puede documentarse la biografía de esta humanista que fue catedrática de Latín
y, quizás, de Derecho en la Universidad de Salamanca, son muy escasos aún; algunos de ellos, producto de recientes investigaciones, han permitido, al menos, arrojar luz sobre su verdadero nombre, su nacimiento y su filiación.

Lucía, cuyo verdadero nombre era Luisa -y así la llamaremos en adelante- , aunque Lucio Marineo Sículo, al que después nos referiremos, la llamase Lucía por error, habría nacido en agosto de 1484 en Atienza (Guadalajara), en el seno de una familia noble, los Medrano, uno de los doce linajes de Soria, vinculada a la corte de la reina Isabel. Sus padres, Diego López de Medrano y Magdalena Bravo de Lagunas, tuvieron nueve hijos, uno de los cuales, Luis, fue también catedrático y rector de la Universidad de Salamanca.

Sobre su sólida formación en los clásicos latinos y en Derecho sólo se pueden hacer algunas elucubraciones. Dado que las damas jóvenes no tenían, como es sabido, acceso a lugares públicos para recibir enseñanzas, obtendría éstas de modo particular o privado. Su nombre no figura, aunque sí el de su hermana Catalina, entre los de las damas de la corte de Isabel que asistían a la escuela que protegía la reina. Quizás, aunque este dato no está documentado, la reina la educó a sus expensas, si bien no en la corte, donde sí estaban su madre y su hermana. Se ha especulado, en lo que respecta a su formación, con que un tal Diego de Medrano, pariente suyo y versado en lenguas clásicas, vecino de Salamanca al servicio de los reyes en 1492, pudiera haber educado a Luisa y a Luis en su casa, lo que explicaría la vinculación posterior de ambos con la Universidad de Salamanca. También se ha propuesto como su maestro en las lenguas clásicas a Pedro de la Rhúa, profesor de cultura clásica en Soria, donde los Medrano tenían una casa solariega.

Como quiera que fuese, la formación humanista de Luisa de Medrano fue tan sólida que le permitió impartir clases de Latín y de Derecho en la Universidad de Salamanca. Contamos, a este respecto, con los testimonios fundamentales de dos contemporáneos, ambos catedráticos de la Universidad de Salamanca y, por tanto, colegas, que la vieron ejercer la docencia y dejaron constancia de ello: Pedro de Torres y el erudito italiano Lucio Marineo Sículo. Todos los estudiosos que con posterioridad citan a Luisa de Medrano como catedrática, desde González Dávila en 1650, Nicolás Antonio en 1672, Bernardo Dorado en 1776, Clemencín en 1821, Manuel H. Dávila en 1849, hasta Menéndez y Pelayo en 1896, no hacen sino recoger, sin poner en cuestión ni su existencia ni su actividad, las referencias de ambos contemporáneos a nuestra autora. A dichos testimonios nos referiremos a continuación.

Pedro de Torres, catedrático desde 1504 y rector en 1513 de la Universidad de Salamanca, cita en nota manuscrita de su obra Cronicón a Luisa de Medrano en los siguientes términos:

"A. D. 1508 die 16 Novembris hora tertia legit filia Medrano in Catedra Canorum".

Según este testimonio, Lucía de Medrano, habría leído una lección magistral sobre Derecho Canónico el día 16 de Noviembre de 1508. No se puede inferir de la nota si se trataba de una ocasión excepcional o desempeñaba esa cátedra durante el curso 1508-1509 (se ha apuntado que podría haber sustituido a Nebrija, ausente aquel año, pero no hay documentación al respecto). En cualquier caso, sus conocimientos en la materia serían tales como para pronunciar una clase magistral también en una disciplina que no era propiamente la lengua latina, su especialidad; no obstante, no era inusual que los humanistas impartiesen lecciones como invitados o sustitutos en otras cátedras. Luisa de Medrano tenía 24 años en 1508.

Al erudito humanista italiano Lucio Marineo Sículo, que enseñó Oratoria en la Universidad de Salamanca entre 1484 y 1490 y fue historiógrafo y educador de jóvenes nobles en la corte de los Reyes Católicos, debemos las mayores informaciones sobre Luisa de Medrano. En dos de sus obras relacionadas con la historia de España, se refiere a ella como erudita latinista tras haber sido testigo de su actividad.

En primer lugar, en su Opus Epistolarum, de 1514, se conserva una carta en latín dirigida a nuestra autora y reproducida por Nicolás Antonio, el erudito español máximo representante de la Bibliografía hispánica, en las dos ediciones de 1672 y 1778 de su Bibliotheca Nova. Aunque tal carta no está fechada, está claro que su autor la escribió antes de 1514, tras haber conocido a Luisa de Medrano y haber asistido a una lección suya. Su admiración es patente a lo largo de la carta , que reproducimos a continuación:

"Lucius Marineus Siculus Luciae Metrana. S. Clara et illustris et eloquentiae tuae fama magnû studiorû tuorû nomê priusq. Te uidissem ad me peruenerat puella doctisima: postq. uero te coram cerniere et ornatissime loquentem audire mihi contigit multo quidê doctior multoque pulchrior uisa est: quâ animo ante meo concipe potuisses.
Admiratur equidê sum uehementer non solum doctrinâ et eloquentià tuam sed etiam uenustatem formâ sexum et aetatê . propteraque una uirgûcula facie spectabilis uiros oês Hispanos eloquentia linguae romanae longe praestas. O felice parentes: qui te talem filiam genuere. Debes tu quidem, clarisima puella, multum deo optimo maximo: qui tibi magnum dedit ingêniu debes pterea plurimû parentibus: qui te nô foeminarû comunibus officiis nô corporis ingratis laboribus citoque perituris destinauere: sed liberab. studiis pclaris artibus et aeternae memoriae consecrarunt. Deben et illi tibi nô parû. q´eorû spê et opinionê tua uirtute singulare magnoque studio superasti. Debet etiam Hispania tota: quam gloria tui noês et eruditionis pstantia magnis laudibus illustras. Ego uero puella dignisima tâtum tibi certe debeo: quantû soluendo non sum. Per te siquidem non musas non sybillas saeculis prioribus inuideo: non phytias vates non apud pythagoreos foeminas philosophantes. Nunc itaque quod hactenus dubitabà. facile credo romae Lelii et hortensiiet in sicilia Sthesicori filias et alias foeminas eloquêtissimas fuisse. Nûe demû cognosco mulieribus a natura nô fuisse denegatû ingeniû: q´aetate nostra per te maxime comprobatur. Quia supra uiros in Irs. et eoquentia caput altius extulisti. Quae una in Hispania puella teneraque uirgo non lana; sed librû: non fusum: sed calamû: non acû sed stilû diligenter et studiose tracta. Vale et si qua res est in que mea opera uti voles scito me tibi nusa de futurû: Iterû Vale et me per Irs de tua ualetudine et totius uitae instituto rogo certiorem facisa".

Como vemos, el erudito italiano destaca en Luisa de Medrano su profundo conocimiento de los clásicos latinos, su gran elocuencia, su juventud y belleza y la deuda que España ha contraído con ella. A este respecto, conviene señalar que esta carta se inscribe en un proyecto más amplio de Lucio Marineo Sículo, que se propuso escribir sobre las mujeres ilustres de España, como había hecho con los varones en su obra Viris illustribus, en De rebus Hispaniae, un proyecto que está lejos de las posiciones que otros renacentistas contemporáneos mantenían acerca de en qué debía consistir la educación femenina. En este punto, cabe destacar las palabras con que el italiano elogia a la joven catedrática: "... que trabajas con aplicación y diligencia no la lana sino el libro, no el huso sino la pluma, no la aguja sino el estilo".

La segunda obra en la que Lucio Marineo Sículo alude a Luisa de Medrano, ponderando nuevamente su elocuencia y sabiduría, es De rebus Hispaniae Memorabilibus, tanto en su edición castellana como en la escrita en latín, ambas de 1530; la referencia es la siguiente:

"Salmanticae quoque Luciam Metranam nouimus eloquentissimam puellam, quam non solum loquentem audivimus et orantem sed in gymnasio quoque Salmanticensi Latinos libros publice profitentem".

Por el testamento de su madre, redactado en Atienza en 1527, sabemos que en este año ya había fallecido, al igual que otros de sus hermanos, como se observa en la siguiente anotación: "... e a Doña Luissa (que Dios haya) que me hizo heredera". Si hubiera muerto ese mismo año Luisa de Medrano tendría 43 años y no habría tomado estado o al menos no habría tenido descendencia, dado que nombra heredera a su madre. También es posible que muriera con anterioridad a esa fecha pero, ante la imposibilidad de documentarlo, parece conveniente tomar ese año como probable límite de su vida.

No se dispone , por el momento, de más datos documentales sobre Luisa de Medrano. No se conservan obras escritas ni referencias a ellas, aunque no es improbable que las escribiera.

Muy poco, como hemos visto, se sabe de esta "docta puella" que, tan destacada actividad universitaria tuvo en el Humanismo español y cuyo recuerdo hoy está casi exclusivamente ligado al Instituto de Enseñanza Media que en la actualidad lleva su nombre en Salamanca.

Blanca De Los Ríos (1862 - 1956)

argatea@hotmail.com (M.ª Jesús Soler Arteaga) — Fri, 05 Jan 2007 00:27:09 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Español
Blanca de los Ríos Nostench nacida en Sevilla en 1862 y fallecida en Madrid en 1956, sigue siendo una desconocida pese a la intensa labor que desempeñó como escritora y crítica. Su nacimiento en el seno de una familia culta le reportó una amplia formación, como señala Consuelo Flecha (2000) en la biografía que realizó de esta autora: "Rodeada de un ambiente familiar de escritores, políticos, artistas y médicos, su educación se benefició de la riqueza de estímulos y de posibilidades que ese contexto cultural le iba proporcionando. Su padre, arquitecto, su abuelo materno, médico, sus tíos, escritores y políticos, fueron una referencia a la que ella se supo acoger inteligentemente, aunque supiera que, por su condición de mujer, no todos los caminos le eran igualmente fáciles."
Se casó con Vicente Lampérez y Romea (1861-1923) conocido arquitecto y arqueólogo madrileño, catedrático de la escuela de arquitectura de Madrid que realizó restauraciones y reformas de monumentos como las catedrales de Cuenca y de Burgos, y publicó importantes estudios de historia de la arquitectura . El traslado a Madrid supuso para la autora el contacto directo con el ambiente literario e intelectual de la capital y amplió su horizonte y sus proyectos.
Tal vez por esta conciencia de las dificultades que suponía el hecho de ser mujer, a la que se refería C. Flecha, ocultó su verdadero nombre en las primeras obras que dio a la prensa, que se publicaron con el nombre de Carolina del Boss. Aunque rápidamente abandonó este seúdonimo para firmar como Blanca de los Ríos. Fue una escritora precoz su primera novela Margarita se publicó en 1978, tenía sólo diecisiete años, a esta le siguieron los poemarios Los funerales del César (1880), Esperanzas y recuerdos (1881) que se volvió a editar ampliado en 1912, El romancero de Don Jaime El Conquistador y La novia del marinero de 1886. Algo posteriores son sus siguientes novelas Melita palma (1901), Sangre española (1902) y La niña Sanabria (1907). Durante estos años publicó numerosos cuentos Las hijas de don Juan, Madrid goyesco y Los diablos azules, y colecciones de relatos La Rondeña (cuentos Andaluces) de 1902, El Salvador (cuentos varios) 1902 y El tesoro de Sorbas de 1914.
También es destacable su participación en algunos periódicos como El Imparcial, La Época y El Nuevo Mundo, y en diversas revistas como El Correo de la Moda, Madrid Cómico, La Ilustración española y americana, Blanco y Negro, La Enseñanza Moderna, El Álbum Ibero-Americano y especialmente en Raza Española, revista que fundó y dirigió desde 1918 hasta 1930 año en que desapareció. En ésta como en otras publicaciones divulgó sus ideas feministas.
La preocupación por la mujer y por las relaciones entre España e Hispanoamérica estuvieron siempre presentes en su reflexión y en su participación en diversas asociaciones y actos como: la Asamblea Americanista de Barcelona y los Centros de Cultura Hispanoamericana de Cádiz y de Madrid, la Junta Superior de Beneficencia de Madrid y la Unión de Damas Españolas, en la que se preocupó por el avance en medidas de protección para las mujeres en el trabajo, perteneció al Ateneo de Madrid y formó parte de la Asamblea Nacional entre los años 1927 y 1929 durante la Dictadura de Primo de Rivera.
Aunque el ámbito en el que más destacó y por el que fue abandonando la creación literaria fue, sin duda, el del estudio tomando como maestro a Marcelino Menéndez Pelayo y siguiendo las normas de investigación y crítica históricas que éste propuso. Una de sus principales obras es Del siglo de Oro publicada en 1910, en la que contó con Menéndez Pelayo para la realización del prólogo, en el que decía de ella: "No necesita la ilustre dama autora de este libro que nadie la presente al lector con oficiosos encomios. Siempre resultarían inferiores a sus probados méritos y a la justa notoriedad de que goza como artista de noble ingenio lírico y narrativo" (De los Ríos, 1910: 9).
A Blanca de los Ríos se deben numerosos estudios sobre Tirso de Molina, así como la edición crítica de sus Obras completas. Esta labor le valió el reconocimiento por parte de la Real Academia Española, de la que no llegó a formar parte pese a que fue presentada su candidatura. Otros textos que merecen ser destacados son los que publicó sobre Calderón de la Barca, De Calderón y de su obra y La vida es sueño y los diez Segismundos de Calderón, sobre el Quijote Sevilla, cuna del Quijote, y sobre Francisca de Larrea Böhl de Faber, publicado en 1916, dedicado al análisis de la aportación de esta escritora y traductora gaditana en el contexto del romanticismo decimonónico y sobre algunos personajes literarios Los grandes mitos de la Edad Moderna: Don Quijote, Don Juan, Segismundo, Hamlet, y Fausto. En la obra Del siglo de Oro se incluye además una amplia bibliografía en la que se da noticia de los libros que se estaban traduciendo al francés, al italiano, al alemán y al danés para divulgarse en esos países.
También dedicó sus esfuerzos a la figura y la obra de Santa Teresa de Jesús sobre la que pronunció diversas conferencias: "Influjo de la mística de Santa Teresa, singularmente sobre nuestro grande arte nacional" (1913), "Santa Teresa de Jesús y su apostolado de amor" (1915), "Guía espiritual de España" (1915) y "Ávila y Santa Teresa" (1915). Por esta faceta fue muy alabada, se dijo de ella: "como conferenciante es también doña Blanca de los Ríos una figura eminente por la grandeza de los temas que trata, por la elevación y originalidad de pensamiento, por la riqueza de su léxico inagotable, por la elegancia de su sintaxis, a la vez clásica y moderna, por la nobleza y la ornamentación de su estilo y por su elocución fervorosa y persuasiva".
Recibió no sólo las alabanzas de la crítica sino también numerosas condecoraciones, entre ellas la Cruz de Alfonso XII, en un homenaje presidido por la Reina Victoria Eugenia, la Medalla de Oro del Trabajo y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio, así como el reconocimiento del Ayuntamiento de Sevilla al ponerle su nombre a una de las calles de la ciudad .

Marie De L´incarnation (1599 - 1672)

bambina_sc@hotmail.com (Maria Serrano) — Mon, 30 Jun 2008 22:28:18 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: Francés
Nacida en la ciudad francesa de Tours, Marie Guyart (1599-1672) conocida como Marie de L´Incarnation ( María de la Encarnación), fue la fundadora de las Ursulines de la Nueva Francia y el convento de Ursulines en la ciudad de Quebec en el año 1642. Viuda a los 19 años, se incorporó a las Ursulines de Tours en 1631 después de haber confiado la custodia de su único hijo a su hermana. En 1639, Madre María de la Encarnación recorrió la Nueva Francia con un rico benefactor, Madame de la Peltrie, junto a tres monjas Ursulines. Hasta su muerte, Marie de L´Incarnation, estuvo dedicada a la educación de las niñas francesas y americanas. La mujer en el ámbito de aplicación y una inteligencia poco común fue considerada como una gran mística que logró conciliar la contemplación y la acción. Marie de L´Incarnation fue beatificada por Pope John Paul II el 22 de junio de 1980. Su trabajo escrito, fue considerado, de hecho, una figura de la historia de la Nueva Francia. Su hijo Claude, que se convirtió en Saint-Maur, le dio una biografía publicada en París en el año 1677.

Sophie De Grouchy, Marquesa De Condorcet (1764 - 1822)

954378830@telefonica.net (Ricardo Hurtado Simó) — Fri, 18 May 2007 02:44:52 -0200

Periodo literario: Ilustracion | Lengua en la que escribe: Francés e inglés
La figura de Sophie de Grouchy es aun más desconocida si cabe en nuestro país que la de su marido, el marqués de Condorcet; como veremos, el perfil de la pareja responde plenamente al ideal ilustrado basado en la confianza plena en la razón y la lucha a favor de la libertad.
Nacida en la localidad francesa de Meulan en 1764 en el seno de una familia aristócrata, su padre era un alto cargo del ejército y su madre una mujer culta. Muy pronto se interesó por la lectura filosófica: primeramente se empapó leyendo a Voltaire y Marco Aurelio, para progresivamente acercarse a las obras de Diderot y sobretodo Rousseau. Gracias a la influencia de su madre pudo recibir una educación similar a la de los niños de su época, algo poco habitual entonces, ya que sólo los varones tenían derecho a la educación. De Grouchy aprenderá además inglés, y un poco de alemán y latín, llamando la atención sobre sus preceptores por encima de los demás alumnos.
Pese a criarse en una familia ilustrada, a una edad cercana a los veinte años tomará una decisión que cambiará radicalmente el destino de su existencia: su madre, cristiana, sintió el deber de enviar a su hija a un convento; sin embargo, nuestra protagonista permaneció poco tiempo allí, renegando además de la religión y de sus preceptos, manteniendo una actitud descreída durante toda su vida. Fue un duro golpe para toda su familia, que pese a todo, respetó su decisión.
Con veintidós años se casó con el filósofo, político y matemático Nicolás de Condorcet, en 1786, y lo que en un primer momento pareció un matrimonio interesado, se convirtió pronto en una relación de amor y de mutua admiración intelectual.
Imbuida por el ambiente prerrevolucionario que vivía la Francia de finales de la década de 1780, creó junto con otros ilustrados un salón filosófico en el Hotel de las Monedas de París, que sería a partir de ahora conocido como �€�Salón de las monedas �€�, siendo ella el alma de las reuniones. Junto con su marido y otros más creará el periódico �€�El republicano�€�.
Situada en una posición política próxima a los girondinos, tras la Revolución francesa y con el triunfo de Robespierre, el matrimonio se vio obligado a huir de París y esconderse en casa de la viuda del conocido pintor del momento Brevet durante nueve meses. Poco después, el marqués de Condorcet sería apresado, muriendo en circunstancias todavía sin esclarecer el 3 de julio de 1794.
Durante los años del Terror, su fortuna se transformó en ruina, y la viuda tuvo que abrir una pequeña tienda de lencería en París, cercana a la calle donde vivía �€�el Incorruptible�€� Robespierre. Pero con la caída de éste la situación de de Grouchy mejoró y retomó su actividad intelectual. Conocería a Mailla Garat, su segundo gran amor, amor que acabará cuatro años más tarde, en 1800, cuando Garat abandona a Sophie por quien era su mejor amiga, la duquesa de Fleury.
Sophie de Grouchy muere en 1822 a la edad de cincuenta y ocho años dejando una hija fruto del matrimonio con Nicolás de Condorcet, Liza. Sus restos reposan en el paseo Denon de París, entre los del físico Edouard Branly y el genial músico Chopin.

Olympe De Gouges (1748 - 1793)

fantozzi02@hotmail.com (Carolina González Perancho) — Tue, 26 Jun 2007 13:22:26 -0200

Periodo literario: Ilustracion | Lengua en la que escribe: Francés
Olympe de Gouges será una de las primeras autoras que defenderá enardecidamente los derechos de la mujer. Son escasos los datos que existen sobre su vida, ya que sus enemigos trataron de eliminarla de la historia a través del denuesto y el olvido. Marie Gouze, como se llamaba en realidad, nace en el año 1748 en Montauban, una localidad situada en la región de Mediodía-Pirineos, al sur de Francia. Era hija ilegítima de un aristócrata muy influyente en la ciudad, Jean-Jacques Lefranc de Caix de Lisle et de Pompignan, y de Anne-Olympe Mouisset, una mujer de extracción humilde. Fue reconocida por el esposo de su madre, un carnicero cuyo nombre era Pierre Gouze. Recibe una instrucción modesta, considerada suficiente para una mujer de su rango social; sus deficiencias culturales se verán reflejadas en sus futuros escritos. En 1765 Olympe contrae nupcias con Louis-Yves Aubry, figonero y proveedor de vituallas del intendente de la región de Montauban. Fue un matrimonio breve e infeliz. Su esposo muere en 1766, poco después de que diera a luz a su primer hijo, Pierre. A partir de este momento, renuncia al apellido de su marido, haciéndose llamar desde entonces Olympe de Gouges. Toma el nombre de Olympe por sus resonancias clásicas y para establecer cierto vínculo con su madre; modifica ligeramente su apellido y le añade la preposición �€�de�€� para elevar su rango, práctica común en aquella época. Olympe conocía perfectamente su bastardía, y es un tema que tratará ampliamente en sus escritos, ya que de algún modo la obsesionaba.
Hacia 1768 Olympe abandona su ciudad natal para dirigirse a París con su hijo Pierre. En la capital francesa frecuentará ambientes refinados y tendrá contacto con las más altas esferas de la sociedad. En 1770 nace su hija Julie, fruto de su relación con Jacques Bietrix de Roziere, hombre de posibles, pero la niña muere a corta edad.
Es a partir de 1780 cuando la vida de Olympe da un giro radical; deja su vida de esparcimiento para dedicar todos sus esfuerzos y su patrimonio a la escritura. Su reputación se vio seriamente dañada al ser víctima de la maledicencia de sus colegas de profesión. No obstante, esto no desalentará a la autora, que continuará su labor con aún mayor fervor e insistencia. Su trayectoria como literata comienza con la composición de obras teatrales de profundo calado reivindicativo, en las que pondrá en tela de juicio ciertas prácticas comunes de su tiempo como, por ejemplo, la esclavitud �€" Zamore et Mirza ou l�Heureux naufrage (1784), rebautizada más tarde como L�Esclavage des Noirs-. Desatará la polémica y el escándalo con su producción dramática, hasta el punto de granjearse el odio de los miembros de la Comedia Francesa, organismo que elegía las obras que se debían representar en la ciudad y que contaba con el apoyo y la protección del monarca Luís XVI. A partir de 1788, Olympe realiza su incursión definitiva en el ámbito de la escritura abiertamente política con Lettre au Peuple ou le projet
d�une Caisse patriotique, publicada en el �€�Journal General de France�€�; la autora propone en su carta soluciones posibles para paliar la difícil situación económica que atravesaba el país. Olympe es perfectamente consciente de las injusticias sociales, que afectan principalmente a las mujeres, a las minorías y a los desvalidos. La escritora, aunque vehemente en sus formas, había adoptado una posición política moderada, que contemplaba incluso la pervivencia de la monarquía si ésta última renunciaba a sus privilegios absolutistas y aprobaba una constitución.
Los acontecimientos de la Revolución Francesa se suceden rápidamente desde junio, con la creación de la Asamblea Nacional, pasando por el establecimiento en julio de la Asamblea Nacional Constituyente, para culminar en la Toma de la Bastilla el 14 de julio. Olympe exige a Luís XVI en su escrito Séance Royale que abdique y nombre a un regente. Las sospechas de los republicanos recaen en la autora de Montauban, ya que temían que pudiera exigir la subida al trono de Felipe de Orleáns, con el que mantenía una estrecha relación. Finalmente, el monarca aprueba la constitución en 1791. Olympe, pocos días después de la ratificación de Luís XVI, publica la Déclaration des droits de la femme et de la citoyenne. Para su elaboración, utiliza el esquema de la Déclaration des droits de l´homme et du citoyen, redactada en 1789 por Sièyes y Mirabeau y de la que se excluía por completo a la mujer; en ella exige un sistema jurídico basado en la igualdad fundamental entre hombres y mujeres. En 1792 cae la monarquía y se proclama la República, alzándose en el poder la Montaña, la facción revolucionaria más radical, formada por Robespierre y Marat, entre otros. La autora no dudará en arremeter duramente contra los líderes de la República a través de sus numerosos manifiestos, lo cual no hará más que aumentar la antipatía que éstos ya sentían hacia Olympe por su trayectoria política y reivindicativa. En enero de 1793 Luís XVI es ejecutado. La escritora decide abandonar París debido al giro que están tomando los acontecimientos y refugiarse en la Touraine, en el valle del Loira. Sin embargo, regresa nuevamente a París para publicar su manifiesto Le trois urnes, ou le salut de la Patrie, par un voyageur aérien. En julio de 1793, Olympe es detenida tras ser denunciada por el impresor de su escrito. Pasa varios meses en prisión, teniendo que soportar unas condiciones de vida infrahumanas. El 2 de noviembre de ese mismo año es juzgada; tendrá que defenderse a sí misma en el juicio, ya que se le niega el abogado que ella había elegido. Se la acusa de ser girondina y de haber traicionado a la República. Finalmente, es declarada culpable y ejecutada en la guillotina el 3 de noviembre de 1793, como paradójicamente había exigido en su declaración de derechos para aquellas mujeres culpables de algún delito grave. Diez días después de su muerte, su hijo, Pierre Aubry, oficial del ejército de la República, firma una �€�profesión de fe cívica�€� en la que reniega de su madre.

Rosalía De Castro (1837 - 1885)

terlopsan@yahoo.es (Teresa López Sánchez) — Sat, 21 Jun 2008 02:52:17 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Gallego y español
Hija de madre soltera (María Teresa de la Cruz de Castro), la familia de Rosalía pertenecía a la baja nobleza gallega.
Criada junto a su madre, se traslada a Santiago de Compostela y participa en las actividades del Liceo de San Agustín. Contrae matrimonio con un erudito cronista de Galicia llamado Manuel Murguía, quién se convirtió en el mayor precursor de la obra de Rosalía. Él fue quién mandó a imprimir los Cantares gallegos de su esposa y quién siempre apoyó e impulsó a Rosalía a escribir. Debido a los diversos trabajos que desarrolló Murguía, y aunque la familia cambió varias veces de domicilio (entre Madrid y Simancas), el matrimonio pasó largas temporadas separados quedando Rosalía al cuidado de los hijos (siete). Pero en 1868 se instalaron definitivamente en tierras gallegas y Rosalía nunca más volvió a salir de su Galicia natal.
A lo largo de su vida sufrió graves problemas de salud y esto, en buena parte, determinó el estilo de su obra. En ella muestra una gran personalidad de carácter reacio y con una profunda empatía con los desvalidos. Sin embargo, si por algo es importante su obra, es por el impulso que supuso para la cultura gallega.
Centrándose en los temas de su tierra, de sus gentes, Rosalía escribió tanto en gallego como en español sobre el dolor, el sufrimiento y los pesares de su pueblo. Esto explica que su poesía sea hiriente, dura, sentida... y que sea en ella donde exprese su visión de la vida: una mezcla perfecta entre vitalidad y denuncia social.
Tras el romanticismo de La Flor (1857) y el sentimentalismo de A mi madre (1863), escrito tras las muerte de su madre, la publicación de Cantares gallegos en 1863 supuso un acontecimiento cultural de primer orden en el panorama literario de la lengua gallega. Tras varios siglos en los que apenas se publicó nada escrito en gallego, la publicación de la obra de Rosalía fue decisiva en el renacimiento cultural de la esta literatura. Tan importante fue la repercusión de Cantares gallegos que la fecha de su publicación, a partir de 1963, se conmemora todos los años y se conoce como "El Día de las Letras Gallegas" (17 de mayo).

Rosalía murió de cáncer a los cuarenta y ocho años. A pesar de que pidió que sus restos descansaran en el cementerio de Adina (lugar repetidamente citado en sus poemas) en Iria Flavia, su cuerpo fue exhumado y trasladado al Panteón de Galegos Ilustres en la Iglesia de Santo Domingo de Bonaval (Santiago de Compostela), donde actualmente se encuentra.
Impulsora de la modernidad poética, practicó la pureza de formas e ideas, sinceridad y desnudamiento en la obra. Existe una fundación que lleva su nombre (La Fundación Rosalía de Castro) y tiene la finalidad es fomentar y difundir el legado cultural de la autora. Su sede es la casa de la autora en el Padrón: la misma donde murió. Personaje importante en su época, su rostro apareió en los billetes de 500 pesetas.

Caterina Da Siena (1347 - 1380)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Fri, 17 Apr 2009 14:17:28 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: Dialecto toscano (italiano)
Nació en Siena el 25 de Marzo de 1347, un año antes de la célebre Peste Negra que asoló a toda Europa. Hija de Jacopo Benincasa, un tintorero artesano, y de Lapa Piacenti, hija a su vez de un poeta local. Forma parte de una familia numerosísima constituida por 25 hermanos, de la que ella ocupa el número 24. Melliza con otra hermana, Giovanna, que murió al poco tiempo de nacer debido a la elección materna de alimentar sólo a una de las dos para que al menos pudiera sobrevivir una (dadas las condiciones de precariedad); Caterina fue marcada por este hecho de manera profunda y arrastrará para siempre este complejo de culpa de haber vivido en lugar de su hermana.

Desde muy temprana edad se sintió atraída por la vida religiosa y entre los cinco o seis años, según testimonios fidedignos de la época, tendría su primera visión sobrenatural que la llevaría a hacer el voto de virginidad.

Entre los años 1354 y 1362 se entrega a la vida espiritual y contemplativa a pesar de la obstinación materna, empeñada en introducirla en la vida de sociedad y casarla a toda costa. Como "posible cura a la obcecación de su actitud" la madre la pondrá al servicio de la criada de la casa, teniendo que asumir múltiples tareas dedicadas a los demás, castigo que acepta de buen grado considerándolo como una nueva misión y prueba de humildad. Su padre al ver la firmeza de carácter y la seriedad al afrontar sus obligaciones, la apoyará desde este momento y comprenderá su vocación. Así al año siguiente, en 1363 ingresará en la Orden dominicana como terciaria o "mantellata" (como se llamaba antes a los "Seglares Dominicos").

En 1368 morirá su padre, hecho importante que también marcará su vida.

En su deseo de perfección y de acercamiento a Dios se someterá ya desde su adolescencia a una fuerte disciplina llena de privaciones, mortificaciones y austeridad hasta el punto de renunciar a comer carne y cualquier alimento cocido (hábito con el que seguiría hasta el día de su muerte conformándose sólo con la ingesta de pan e hierbas crudas). Durante estos años por tanto, hasta la muerte de su padre ha ido fortaleciendo su voluntad y ha dado prueba tanto de una ejemplaridad interna (coherencia individual) como externa de cara a los demás, formándose en torno a ella un grupo de seguidores espirituales que se entregarán conjuntamente a obras de caridad con el rechazo de todo tipo de compromiso material y un repudio manifiesto a cualquier velo de hipocresía, certificándose también algunas conversaciones por obra suya.

Entre 1371 y 1372 empezará a adquirir una notable relevancia en la sociedad de su tiempo, influyendo también en la vida política con la emisión de cartas a personalidades importantes y determinantes en el devenir histórico del momento (para aconsejar y solventar algunos problemas acuciantes). Pero esta admiración generalizada y suscitada en gran parte de la población hacia su persona, no estará exenta de las sospechas de las autoridades civiles y eclesiásticas (sobre todo en los primeros momentos) que la conducirán a un interrogatorio ante el capítulo general de la Orden dominicana en Florencia en 1374, con la absolución de las causas y la aprobación consiguiente de su grupo de fieles. Vendrá tutelada por Raimondo da Capua, que se hará responsable de dicho grupo y será su padre espiritual, trasformándose pronto en su más ferviente admirador y participando con pasión en sus proyectos y misiones filantrópicas. Más tarde se convertirá en su primer biógrafo y en el gran promotor de su canonización.

Este grupo al que ella llamará "su familia" le hará entrar en contacto con el papa y con personalidades poderosas y destacadas ante los que defenderá todo un proyecto de vida religiosa auténtica y sincera vinculada a principios ortodoxos y a unos determinados objetivos políticos, (en que verá necesaria su injerencia y su consejo) como el traslado de la sede papal de Aviñón a Roma, la concordia entre todos los cristianos y la idea de una nueva "Cruzada" contra los infieles.

Así en 1375 viajará a Pisa y a Lucca para favorecer la paz y predicar sobre la importancia de la cruzada. En 1376 mantendrá contactos con el gobierno de Florencia con el objeto de restaurar la paz entre el papa y la república. Escribirá cartas a Gregorio XI y viajará a Aviñón para intervenir en el traslado del papa a Roma.

En 1377 continúa con su misión pacificadora y de apostolado, en Val d�Orcia. Y mediará con el papa para la obtención del perdón a la ciudad de Siena. En esta misma fecha se supone que comenzaría a escribir su obra Dialogo della divina provvidenza.

En 1378 por mandato expreso de Gregorio XI se traslada a Florencia en calidad de promotora de la paz, ocurriendo al mismo tiempo hechos históricos de crucial importancia como la muerte de dicho papa y la elección de Urbano VI como sucesor. Tras enormes esfuerzos y grandes dificultades, conseguirá reconciliar a los florentinos, con el nuevo papa Urbano VI. En este mismo año también concluirá su "libro".

A petición de Urbano VI, en 1379 se instala en Roma e inicia la campaña a favor de la legitimidad de dicho papa. Vivirá aquí hasta su muerte acaecida el 29 de Abril de 1380, a los treinta y tres años de edad, exhausta y con una inmensa pena ante el clima cismático generado (cisma de los anti-Papas) tras la sucesión de Urbano VI; en este último momento de tensión Caterina agotará sus fuerzas hablando y escribiendo a Cardenales, reyes, príncipes y Obispos con una sensación de inutilidad ante el desgarro y malestar de la Iglesia, ofreciéndose en clara consciencia en el momento de su muerte a Dios como víctima sacrificada por ella, momento que meses antes había ya sentido y experimentado físicamente como una premonición.

Fue declarada santa por Pio II en 1461, patrona de Italia junto con San Francisco de Asís en 1939, Doctora de la Iglesia (al igual que Santa Teresa de Jesús y Santa Teresita del niño Jesús) bajo el pontificado de Pablo VI (1970) y Copatrona de Europa en 1999 por obra de Juan Pablo II.

No debemos olvidar la trascendencia del contexto histórico que le tocó vivir a Caterina, en plena ebullición del Cisma de Occidente iniciado en 1318 y culminado después de un siglo en 1417, con la consiguiente separación surgida en el seno de la Iglesia Católica y la alternancia de varios papas a la vez en las sedes de Aviñón y Roma. Las razones de orden interno se mezclaban además con cuestiones de índole política de incidencia fundamental, así la vieja contienda entre güelfos y gibelinos (partidarios del poder temporal del papa y contrarios a él) seguía manifestándose en su siglo de las más variadas formas, representada en las sublevaciones de las repúblicas italianas contra el poder temporal del papa. Y precisamente esta rivalidad llevó a los papas a exiliarse de Italia y establecer su residencia en Aviñón, terreno que en un principio y de modo oficial se presentaba como neutral al haber pertenecido al reino de Nápoles. Pero a pesar de que lo habían comprado, al ser un enclave en territorio francés en cierto sentido se sentían subyugados por los caprichos y la política de los reyes de Francia. De esta situación insidiosa querrá salir Urbano V, trasladándose a Italia entre los años 1367-1370, suponiendo sin embargo su regreso un fracaso, debiendo instalarse nuevamente los papas siguientes en Aviñón, tanto por los disturbios que ocurrían en Italia como por la influencia de la mayoría de los cardenales, que eran franceses.

Caterina se verá inmersa en conflictos político-religiosos entre Iglesia y Estado, siendo su función como mediadora de crucial importancia: así en 1375 Florencia, Perugia, gran parte de la Toscana y hasta de los Estados Pontificios, hicieron alianza en contra de la Santa Sede. Gracias a sus esfuerzos, Arezzo, Lucca y Siena se mantendrían fieles al Papa. En 1376 Caterina apoyada por el pueblo florentino frenó el impulso del papa Gregorio XI, residente en Aviñón, de declarar la guerra a Florencia, habiendo mandado ya éste un ejército a la ciudad, frustrado a su vez por la falta de respuesta a sus cartas, obrándose la reconciliación gracias a ella que lo convenció a través de su actitud y palabras, delegando toda la responsabilidad de la paz.

En cuanto a las razones internas, la jerarquía eclesiástica se hallaba también dividida. Había una gran controversia entre las aspiraciones espirituales de unas y otras tendencias. Unos propugnaban y defendían el estatus relajado y de riqueza que había conseguido el clero. Otros abominaban de esta situación y exigían la reformación de la jerarquía en que se incluía tanto al clero secular como al seglar; entre éstos últimos hubo tendencias que se radicalizaron al extremo dando lugar a grupos heréticos como el de los "fratricelli", partidarios de la reforma a ultranza.

Por otra parte, los feligreses de Roma y de todas las comunidades cristianas adyacentes, se sentían abandonados en un vacío tutelar sin cabeza visible en dicha ciudad durante un largo periodo de setenta y cuatro años en que su obispo se había trasladado a Aviñón. Así cuando Gregorio XI decide salir de esa ciudad el 14 de Septiembre de 1376 con la convicción de su retorno definitivo a Roma, es apreciado como un síntoma de esperanza por el pueblo pero no exento de resistencia por parte de su corte, situación polémica que tendrá como punto álgido de máxima fricción la elección del antipapa Clemente VII el 20 de Septiembre de 1378; etapa crítica y de convulsiones sociales que no se resolverá hasta la segunda década del siguiente siglo.

Los datos biográficos fundamentales de Santa Caterina están recogidos y nos llegan principalmente a través de dos fuentes: la Legenda maior de Raimondo da Capua, y la llamada Legenda minor de Tommaso Caffarini, más controvertida y puesta en discusión por algunos críticos. Como testimonio directo, tenemos las cartas de la propia Caterina, y en general, sus obras donde se aprecia su carácter, ideas y sentimientos. La finalidad de la biografía escrita por Fr. Raimondo es la defensa del nombre de Caterina contra cualquier posible ataque y preservar su memoria, así como demostrar que era digna de ser canonizada; por lo tanto tiene fines propagandísticos. Más tarde, en el siglo XX, en 1921 se hizo un estudio con una pretensión crítica y objetiva, por parte del francés Robert Fawtier, donde se ponían en cuestión muchas cosas tradicionalmente admitidas, publicación no exenta de polémica que recibió bastantes objeciones por parte de los seguidores contemporáneos de Santa Caterina o "encatalinados", tildándosele de "hipercrítico". A partir de aquí se han multiplicado los estudios serios por parte de historiadores y críticos sobre su vida y su obra.

Paradigma de mujer en que se armoniza la vida activa y la contemplativa. Simbiosis perfecta de praxis y teoría (mística), involucrada en su momento histórico de una sociedad convulsa de tensiones y a la vez, ensimismada en un proceso de interiorización trascendente.

Sus coetáneos y biógrafos la describen como una mujer intuitiva, apasionada; con "un corazón de fuego" como ella misma se autodefinía, con una exquisita fluidez verbal, de conversación amena y atrayente, y gran capacidad de abstracción y memoria, pronta a retomar el hilo del discurso suspendido por cualquier circunstancia.

En cuanto a su cultura, es más bien vivencial y fruto de su entusiasmo hacia el ámbito religioso-espiritual, no producto de una formación académica en escuelas ni universidades. Aprendió a leer con dificultad cuando era ya terciaria, con el objeto de poder participar en la recitación de las horas y funciones litúrgicas. Hay que tener en cuenta que en su siglo (leer y escribir) no eran necesidades imperantes y menos en las mujeres. En cuanto a escribir, hay dudas fundadas de que supiera hacerlo. Algunos de sus discípulos aducen una acción milagrosa en su aprendizaje, pero la crítica lo niega con rotundidad argumentando que se valía de amanuenses o secretarios; algunos de sus discípulos más constantes. Tommaso Caffarini fue quien se empeñó en demostrar con contundencia que llegó a dominar la técnica de la escritura, pero se considera un testimonio desautorizado.

Se sabe que la familia Benincasa era muy cristiana, en ella se hablaba de temas religiosos y se leían vidas de santos. Como lectura familiar, destaca la Legenda aurea del dominico Jacopo da Varazze. Esto y la asistencia continuada a los oficios litúrgicos y a las predicaciones de la iglesia de Santo Domingo, que Caterina visitaba diariamente desde su infancia le proporcionaron una amplia cultura religiosa, cañamazo (donde se integran anécdotas de los santos, la historia de la redención, principios morales y orientación cristiana) que se verá reflejado después como sustrato en sus obras.

El influjo de todos estos elementos y su propia inclinación natural despertaron desde pequeña una vocación y una ansiedad mística que se manifestó como niña en el deseo de ser "anacoreta" y que se fue perfilando en su adolescencia y juventud en una doble dirección: extrapersonal; con un sentido filantrópico, de entrega y servicio a los demás y en concreto a los enfermos, e intrapersonal y trascendente; en la búsqueda de sí misma y de sí para llegar a Dios. En este camino de introspección se parte de la etapa ascética, con un fuerte dominio de la voluntad, privaciones, mortificaciones y oración ("vía purgativa") hasta llegar en un proceso de ascesis heroica a la etapa mística recorriendo todos sus grados: vía iluminativa y unitiva, en que se efectúa la auténtica unión con Dios.

Según Raimondo da Capua, testimonios de sus coetáneos y la opinión de los entendidos en la materia, Caterina experimentó frecuentes "éxtasis místicos", con pérdida externa de sensibilidad y levitación.

Los críticos destacan la diferencia entre dos clases de éxtasis: el natural, llamado por José Salvador y Conde "arrobamiento" en la Introducción y Traducción a la obra de Santa Caterina Obras de Santa Catalina de Siena: El Diálogo, Oraciones y Soliloquios (Biblioteca de Autores cristianos, Madrid, 2007); con la abstracción de los sentidos, concentrada su mente en la contemplación de una imagen, de orden intelectual y humana. En el segundo tipo de "éxtasis", con una acepción más estricta, la contemplación traspasaría la fisicidad de la imagen en un estadio pleno de abstracción y de gozo, en que no sólo participa la mente sino el alma en un momento de unión íntima y fuerte con Dios, en que se anulan los sentidos y queda más o menos suspendida la actividad fisiológica. Este sería de orden sobrenatural.

Caterina experimentaría los dos tipos de éxtasis, y su principal biógrafo da fe de que los de naturaleza sobrenatural (distinción dual antes referida hecha por la crítica moderna) durarían a veces incluso más de dos horas, llegándose a pensar en alguna ocasión que estuviese muerta. Tampoco el carácter en la manifestación de los mismos sería igual con respecto a la falta de sensibilidad física sentida y a la anulación parcial o absoluta de los sentidos.

Según la teoría psicoanalítica, el éxtasis se entendería como la compensación de una falta irremediable, la privación absoluta del cuerpo sentido como ofrenda, produciría un goce extremo en la propia inmanencia de la ausencia.

Angela Da Foligno (1248 - 1309)

jpichardocastellano@gmail.com (Jesús Pichardo Castellano) — Thu, 07 Jun 2007 09:52:18 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: Latín
La fecha de nacimiento no se sabe con seguridad, pero si es cierto que murió el 4 de Enero de 1309.
En 1291 aproximadamente entró en la "Tercera Orden Franciscana", ahora denominada "Orden Franciscana Secular".
Su "conversión", en el Sacramento de la Penitencia, celebrado en la Iglesia Catedral de San Feliciano, en Foligno, tuvo lugar, como normalmente se afirma, sobre 1285, después de una vida cristiana mediocre y marcada por el pecado.
Angela, por aquella época, estaba ya casada, tenía hijos y vivía junto a su madre.
En muy poco tiempo, perdió a todos sus familiares y comenzó el camino de "penitencia", que la empujó a liberarse de todos sus bienes, a hacer vida común en su casa con una tal Masazuola y a profesar la Regla de la Tercer Orden.
Tras un peregrinaje a Asís, un día en que se encontraba atormentada por remordimientos de conciencia, pidió a san Francisco que le sacara de aquellas torturas. Poco después entró en la iglesia de San Feliciano, donde predicaba a la sazón un religioso franciscano; se sintió tan conmovida que, al bajar el predicador, se postró ante su confesonario, y, con grande compunción, hizo confesión general de toda su vida, quedando muy consolada.
Este evento clamoroso al que asistieron muchas personas, fue el origen del singular coloquio, que duró casi seis años, que mantuvo con dicho predicador, llamado Arnaldo
A día de hoy, las reliquias de la Beata se conservan en la Iglesia de San Francisco, custodiada por los "Frati Minori Conventuali di Foligno".

Eleonora D�arborea (1347 - 1404)

crisvalbi@hotmail.com (Cristina Valdivia Biedma) — Tue, 18 Dec 2007 20:20:12 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: sarda logudorés
La fecha exacta del nacimiento no está del todo clara, las hipótesis discurren entre 1340 y 1347; lo mismo ocurre con el lugar de nacimiento, en ciertas reseñas se considera una verdadera sarda pero en otras muchas se decantan por la zona de Cataluña (España). Quizás estos sean datos pocos precisos, pero el resto de su vida sí que resultar estar bastante bien definida. Sus progenitores fueron Mariano IV y Timbra di Rocabertì, con ellos vivió en Oristano (Cerdeña) durante toda su vida ya que el padre era juez de la Corona de Logu.
La posición social y de poder que rodeaba a Eleonora era algo demasiado jugoso como para dejarlo escapar sin un compromiso matrimonial que aportara una buena alianza entre familias, de todos los candidatos el elegido fue Brancaleone Doria, permitiendo de esta manera la expansión hacia Génova y un refuerzo en la resistencia contra los aragoneses. Fruto de este matrimonio nacieron sus dos únicos hijos, Federico y Mariano.
La isla de Cerdeña, que se ostentaba con fuerza y prosperidad, se vió desgastada por los problemas de sucesión en el poder. Es en este momento cuando Eleonora decide involucrarse de manera activa en la situación proponiendo a su hijo Federico como sucesor a Ugone III. Todo se presenta en su contra, la posibilidad de la toma de poder por parte de los Arborea era demasiado peligrosa para la propia corona. En 1383 se establece en Oristano y se autoproclama jueza, alentando la idea de la posible sucesión del cargo de su padre en ella, su hija, aún siendo mujer.
Instaurada en el poder consiguió grandes méritos, el más destacable es la creación de la primera constitución sarda, la Carta de Logu, donde figuran todas sus líneas de pensamiento; desde la agricultura, pasando por la protección de animales, hasta llegar a los derechos de los individuos y de sus propiedades. Su enfoque honrado y destinado a la población la hizo ser admirada, además perseveró con gran éxito el territorio sardo de las invasiones aragonesas.
De esta manera se convirtió uno de los personajes femeninos medievales más importantes para la historia italiana; la cual ha dejado como legado, además de una constitución digna de ser cimiento para otras venideras, una vasta tradición de leyendas sobre su persona. Murió afectada por la peste.

Tullia D�aragona (1510 - 1556)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Tue, 30 Jan 2007 10:19:14 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano
Tullia d�€�Aragona fue una de las numerosas poetisas del Cinquecento Italiano. Nace en Roma en 1510, es hija natural del cardenal Luigi d�€�Aragona (algunos críticos sostienen de Costanzo Palmieri d�€�Aragona) e hija de la cortesana Giulia Campana de Ferrara. Todavía a edad muy temprana en compañía de la madre visita ciudades como Florencia, Siena, Ferrara, Venecia y otras recibiendo una educación refinada y culta, y teniendo la posibilidad de frecuentar tanto ambientes intelectuales como mundanos.
Es la primera poetisa �€�cortesana�€� que en la poesía intentó esconder su propio destino con aspiraciones platónicas y una intimidad contemplativa y casta mientras vivía una experiencia dedicada a la pasión y al lujo mundano.
Tocaba instrumentos musicales y cantaba además de hablar con gracia y elocuencia de cualquier argumento, y su casa era frecuentada por literatos, intelectuales y personajes de la alta sociedad de la época (entre los que podemos destacar Pietro Bembo, Giulio Camillo, el cardenal Ippolito de�€� Medici o Filippo Strozzi).
En Siena el año 1543 se casa con Silvestre Guicciardini, aunque no dejó de ejercer su profesión.

En 1531 cuando no era más que una muchacha de veinte años se hace amiga de Gerilamo Muzio, literato y cortesano, también él petrarquista y bembista que la exalta en sus sonetos con un cariño serio y sincero, en sus versos se reflejaba mucho menos de lo que su corazón sentía.
Años más tarde se convierte en íntima amiga de Bernardo Tasso, padre de Torquato; ambos son representados como dos verdaderos amantes por Speroni en Dialogo di amore. Bentivoglio en un soneto elogia a Tullia afirmando que con su presencia había alejado los viles pensamientos de las almas de los cortesanos ferrareses. En 1545 de nuevo en Florencia otra vez la amistad (y algo más) es quien la une a Benedetto Varchi, que fue su maestro de escritura; más tarde a Piero Manelli, quien enamorado completamente de ella le dedica algunos de sus mejores sonetos; en ambos casos el amor es correspondido por parte de la poetisa.
En abril del año 1547 se ve obligada, por una ley existente en aquella época en la ciudad de Florencia, a llevar el velo amarillo que distingue a las cortesanas de las mujeres honestas. El decreto se anula en poco tiempo gracias a su valía poética y a la súplica que dirige a la duquesa de Florencia Eleonora de Toledo, que intercede en su favor con el marido. �€�Fasseli grazia per poetessa�€� anotó a pie de página de su instancia el duque Cosimo de�€� Medici.

Vuelve a Roma en 1548 donde vive hasta que muere casi olvidada en el año 1556.

Sus obras

En 1547 publicaba la primera edición de sus Rime, con una dedicatoria a la duquesa de Florencia, su protectora. Obra de refinada y sensible inspiración petrarquista, que imita el oráculo del purismo y representa la teoría del amor ideal o platónico. En esta obra deja ver claramente la influencia de los literatos de la época, hasta el punto de dudar que algunas de ellas hayan sido compuestas por Varchi.

En el mismo año publica también Dialogo dell�€�infinità di Amore dedicándole a Cosimo de�€� Medici su obra más famosa como agradecimiento al episodio anteriormente mencionado. Como en el Canzioniere de Petrarca Tullia se aleja del amor práctico de la época que afecta brutalmente a la sociedad y se acerca al amor intelectual que es considerado el anhelo de unión con el amor divino que tratará infinitamente en su diálogo.
Pietro Aretino en una carta con fecha 6 de junio de 1537, congratulándose con Sperone Speroni por su obra, comenta, notando agudamente a Tullia d�€�Aragona entre los interlocutores, del Dialogo escribiendo:

«La Tullia ha guadagnato un tesoro, che, per sempre spenderlo, mai non iscemerà, e l�impudicizia sua per sì fatto onore può meritamente essere invidiata e dalle più pudiche e dalle più fortunate.»

(Tullia ha ganado un tesoro, que no perderá valor aún usándolo siempre, y su deshonestidad, precisamente por este honor, puede merecidamente ser envidiada por las más púdicas y por las más afortunadas)

Una tercera obra titulada Guerin Meschino con treinta y seis versos en octava rima ve la luz el año 1560, son versos que aparecen desordenados y sin ningún nexo entre ellos, aunque no se puede probar la maternidad del mismo en el prólogo de esta obra ella protesta contra Boccaccio y contra sus novelas que le resultan inmorales, además agradece a Dios por haberla conducido a temprana edad por el buen camino.

Su mayor interés es pasar al futuro con los literatos de los que ella habla en sus obras, e intenta continuamente cubrir a la cortesana con la poetisa elevando sus cantos indistintamente a todos los hombres, príncipes o cardinales, literatos o soldados; para ella el hombre como ser no es nada, pero la fama de un hombre lo es todo.
En esto, Arturo Graf encuentra la �€�debilidad�€� literaria de Tulia con respecto a Veronica Franco. Dice así:

«Per tutti questi rispetti io non mi perito di porla (Veronica Franco) molto sopra a quella leziosa, a quella svenevole di Tullia d�€�Aragona, che, essendo cortigiana, si dava l�€�aria di duchessa, di musa, di ninfa, tutta contegno, e tutta schifiltà.»

(Por todos estos motivos yo no me atrevo a ponerla (Veronica Franco) muy por encima a esa remilgada, a esa zalamera de Tullia d�€�Aragona, que, siendo cortesana, se daba aires de duquesa, de musa, de ninfa, toda compostura, y toda melindrosidad).

Las palabras de Graf, en realidad, son demasiado indulgentes con Tullia d�€�Aragona. Si Veronica tiene, sin duda, un comportamiento más �€�revolucionario�€� para la época, hay que reconocer la fineza y la elegancia de Tullia, fruto de una adhesión no formal a los cánones del petrarquismo del Cinquecento.

Olive Custance (1874 - 1944)

alaskaboreal@hotmail.com (Mado Martínez) — Sun, 19 Nov 2006 16:45:46 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Inglés
Procedente de una familia distinguida y acomadada, ya en los primeros años de su adolescencia formó parte activa de la cultura literaria londinense. Fue colaboradora del famoso magazine literario Yellos Book (1894-1897), junto a otros escritores de gran talla tales como Yeats, H.G. Wells o Henry James. También colaboraría en Savoy y en Laung Age. Su primer libro de poesía fue bien acogido por la crítica, de modo que se haría con bastantes fans, entre ellos, a la líder de las escritoras lesbianas del momento: Natalie Clifford Barney. Cuando ésta última leyó el poemario, quedó tan encantada que no dudó un instante en escribir a Custance invitándola a Paris para formar una nueva academia sáfica de escritoras. Olive aceptó encantada la propuesta. Así fue como ambas escritoras llegarían a tener un breve romance. Tras esto, le seguiría un compromiso igualmente breve con Georges Montagu. Se casaría con Lord Alfred Douglas, el famoso amante de Oscar Wilde. Fruto de su matrimonio, nacería un hijo, Raymond. Los problemas de pareja empezaron cuando su esposo se convirtió al catolicismo y quiso que su mujer y su hijo se convirtieran también. Siguieron años de relación tormentosa entre ambos tras los cuales, dejarían de vivir juntos definitivamente, aunque se verían prácticamente casi todos los días. De hecho, fue Lord Alfred Douglas quien estuvo al pie de la cama de Olive Custance durante los últimos días de su enfermedad.

Dina Cucini (1905 - 1980)

ilcannoni@yahoo.it (Luigi Cannoni) — Sat, 02 Feb 2008 09:08:01 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano
Las pocas noticias fragmentarias e inseguras sobre la vida de esta escritora han llegado hasta nosotros gracias al amor de su marido Gastone y a la labor de Roberto Gagliardi. Actualmente, un grupo de eruditos, coordenados por Veronica Randon, están preparando un volumen con sus obras completas para mostrar al público las facetas de esta poliédrica artista e inagotable animadora, ya que sus versos futuristas son solamente la punta de un iceberg desconocido.
Nacida en Siena en 1905, de la contrada de la Selva (en cuyos archivos hay seguramente textos escritos de ella), pasó su juventud con la familia en Génova, donde empezó sus estudios. Aproximadamente a comienzos de los años Treinta, volvió a Siena: aquí sus tensiones juveniles y poéticas brotaron gracias el encuentro con el Futurismo. Las muestras vinícolas organizadas en la Fortezza Medicea de Siena le permitieron acercarse a la vanguardia, ganando en 1938 el primer premio del segundo �€�Concorso Nazionale della Poesia Bacchica Amorosa e Guerriera�€�. Tomando parte a las actividades futuristas, publicó el 20 de mayo de 1942, en plena guerra, su Aeropoema futurista delle torri di Siena in versi liberi e parole in libertà, formado por once secciones: un fragmento de una éstas, �€�Torri e trimotori�€�, ha vuelto a ser publicado en una crestomatía futurista de 1943, bajo el título �€�Corona lampeggiante�€�.
Acabada la Guerra, se quedó todo el resto de su vida en su amada ciudad nativa. Pero su experiencia futurista y su capacidad de animadora se reflejan en las iniciativas que intentaron fomentar la cultura y el arte en Siena: tras dirigir el �€�Gruppo di Artisti Senesi�€� y el �€�Circolo Senese di Cultura�€�, en sus últimos años, avivó la secretaría de la �€�Associazione Senese Cultori e Amatori d�€�Arte�€�. Murió en 1980.

Margarita Costa (1600 - 1675)

chato74@latinmail.com (Jose Manuel Sanchez Aguilar) — Thu, 07 Jun 2007 10:37:30 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano
Nace en roma en 1600 , de familia humilde , conquista el éxito con las dotes de cantante , actriz , y un gran belleza.Entre1628-29 permanece en Florencia bajo la corte del duque de Toscana Ferdinando II. Durante su estancia en Florencia produce sus obras; escribirá p poesía y tramas para el teatro y cuenta el viaje a Alemania del gran duque. Se unirá sentimentalmente a un cómico Bernardino Ricci il Tedeschino y luego a un bandido calabres Squilletti , conocido como Fray Palolo y convertido en confidente del gran duque Ferdinando II.Comparte la belleza con su hermana; ANNa FRANCESCA.En la corte de los Médicis busca paz y fortuna, pero su belleza no la induce al cambio de vida que esperaba:tendra líos amorosos con nobles y con gente del teatro, y es amante de aristócratas , actores y saltimbanquis.
De vuelta a Roma en el 1664, entra a formar parte del renombrado círculo de cantantes dirigidos por Barberini. Permanecerá en Turín y luego en Paris donde actuara para la reina y fascinara al cardenal Mazzarino. Vuelve a Florencia y luego a Roma donde muere de peste en 1675.

Carolina Coronado (1820 - 1911)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Fri, 19 Oct 2007 18:02:52 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Lengua Española
Carolina Coronado nació en 1820 en Almendralejo, un pueblo de la provincia de Badajoz en Extremadura, en el seno de una familia acomodada y distinguida pero de ideas liberales que atrayeron la represión fernandina sobre sus miembros: Fermín Coronado, el abuelo de la escritora, murió ese mismo 1820 por maltratos, y el padre Nicolás, fue encarcelado y luego amnistiado en 1829.
Cuando Carolina tenía cuatro años, la familia se trasladó a Badajoz, sin embargo, a pesar de vivir en una ciudad (aunque muy de provincias en la época) y a pesar de las ideas �€�progresistas�€� de la familia, la joven Coronado no recibió nada más que la normal (es decir muy pobre) educación de una señorita de su época, aunque es sabido que tuvo una buena cultura musical. Desde niña se demostró precoz en la lectura y en la composición literaria, especialmente de versos, y como autodidacta aprendió francés, inglés, italiano y portugués. Sin embargo, a pesar de las capacidades, y en contra de sus aspiraciones personales, la familia siempre obstaculizó la vocación literaria de Carolina, que se reveló pronto: en 1839 publicó en el periódico madrileño «El Piloto» la oda A una pluma, poema que despertó cierto interés, incluso en el bien famoso paisano suyo José de Espronceda. Pocos años después salió su primer libro Poesías con prólogo de Hartzenbusch.
En 1850 la familia Coronado se trasladó a Madrid, aquí Carolina hizo vida de corte, destacando por su belleza y su talento literario, dotes que le procuraron el favor incluso de la reina Isabel II. Dos años después Carolina se casó con Horacio Justo Perry, primer secretario de la Embajada de los Estados Unidos. Tras su matrimonio, aunque no abandonó la actividad literaria, la Coronado dejó casi por completo la poesía por la prosa, publicando sus obras sólo tras largas temporadas de silencio; en esta segunda fase de su vida Carolina desarrolló una intensa actividad de anfitriona, antes en Madrid, más tarde en Lisboa: por su salón pasaron personalidades progresistas de la altura del Duque de Rivas, Quintana, Zorrilla, Castelar, Gallego, Nocedal y otros.
El año 1854 fue un momento muy doloroso para la vida de nuestra escritora, a los dos años murió su hijo Horacio, pero las angustias no habían terminado, y veinte años después, en 1873, murió también su hija Carolina, cuyo cadáver, por decisión de su madre, fue embalsamado y conservado en un armario en el convento de las Madres Pascualas de Recoletos. Tras esta pérdida, el matrimonio se trasladó a Lisboa, a Paço d�€�Arcos y luego al palacio de la Mitra; en 1891 murió su marido Horacio, al que Carolina también mandó embalsamar y conservar en la capilla de su residencia y a él se dirigía todas las noches con el nombre de �€�El silencioso�€�. Carolina murió el 15 de enero de 1911 y su cuerpo, junto con el del marido, fue trasladado a Badajoz por su hija Matilde, la única que le sobrevivió, y por su yerno, el Marqués de Torres-Cabrera.
Aunque nunca se haya olvidado por completo a Carolina Coronado, la crítica ha vuelto a dedicarle atención desde hace relativamente poco tiempo. Famosa en su época por su belleza y elegancia, su talento, sus ideas anticonformistas y algo excéntricas (aunque llevó la vida discreta de una dama de la alta sociedad), su fortuna deslució tras su fallecimiento. Carolina en efecto, sin olvidar sus largas pausas entre una obra y otra, especialmente después de casada, fue una autora activa y creativa. Escribió y publicó sus poemas, algunos de ellos tradicionales otros bastante �€�inovadores�€� con cierta temática �€�libertaria�€�, poemas que se editaron en un primer momento en revistas y más tarde en volumen (en tres ediciones diferentes incorporando siempre nuevos textos); se dedicó a la prosa novelística (tenemos noticia de una quincena de novelas), al artículo y al ensayo de costumbre, y hasta al texto dramático, sabemos efectivamente que compuso varias obras teatrales (Alfonso IV de León, Un alcalde de monterilla y El divino Figueroa) aunque sólo una de ellas se estrenó (El cuadro de la esperanza, 1846).
Si es verdad que la crítica actual ha puesto más el acento en la inspiración �€�feminista�€� de su obra que, si por un lado reivindica más autonomía para la mujer y sobre todo el derecho a una buena educación y al ejercicio de las letras, por el otro pone a la persona Carolina en contraste existencial entre el papel público de escritor y el privado de esposa y mujer, no cabe duda de que la escritora extremeña es �€" prescindiendo incluso de esta problemática �€" una interesante y digna representante de las letras españolas del siglo XIX.

Carmen Conde (1907 - 1996)

argatea@hotmail.com (M.ª Jesús Soler Arteaga) — Fri, 09 Feb 2007 15:18:33 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Español
Carmen Conde nació en Cartagena 1907 y falleció en 1996. Su infancia transcurrió en Cartagena y sobre todo en Melilla, de vuelta a su ciudad natal comenzó a buscar empleo, de esta época son sus primeras publicaciones de cuentos y artículos en periódicos locales como El Porvenir. Gracias a una beca del Ayuntamiento de su ciudad, que gestionaron Enrique Martínez Muñoz y Félix Martí Alpera, pudo estudiar Magisterio.
Pronto conoció a algunos de los autores más importantes de la época que tuvieron una influencia decisiva en su obra y con los que mantuvo una gran amistad como Juan Ramón Jiménez, Gabriel Miró, Gabriela Mistral o Miguel Hernández.
En 1931 se casó con el poeta Antonio Oliver, con él compartió el drama de la posguerra en el lado de los vencidos. Su vocación literaria no se resintió a causa del conflicto bélico y de la situación posterior y continuó escribiendo y colaborando en revistas. En aquella etapa comenzó a utilizar el seudónimo Florentina del Mar con el que publicó numerosos libros; además de estas colaboraciones trabajó para la editorial Alhambra, para la que reeditó obras entre otros de Vicente Aleixandre. Años después pudo incorporarse de nuevo a su labor docente en la Universidad, al igual que su marido, juntos adquirieron el archivo de Rubén Darío que guardaba su compañera Francisca Sánchez, de cuya biografía se ocupó Carmen.
Su obra literaria es muy amplia y transita por distintos géneros, sin embargo como ella misma confesó a Rosario Hiriart en una entrevista se sentía por encima de todo poeta: �€�he cultivado varios géneros literarios, pero es en la poesía, tanto en verso como en prosa, donde me siento más yo misma�€� (Conde, 1985: 10)
Su presencia en la prensa fue constante tanto por su labor como periodista como por su participación en numerosas revistas literarias , muchas de ellas de carácter local, para las que siempre tuvo palabras de elogio: ¡las queridas, heroicas revistas de provincias! (Conde, 1971: 29).
Entre estas publicaciones destacaremos: los cuatro números de los �€�Cuadernos de afirmación de la Universidad Popular de Cartagena�€� titulados Presencia que dirigieron Carmen y su marido entre 1933-34, Cuadernos de literatura contemporánea, Raíz, La Tertulia, Cuadernos de Ágora, Poesía española, Grímpola, Cuadernos de poesía y polémica, Proel, Cántico, Mediterráneo, La caña gris, Verbo, El Urogallo... Así como también debemos mencionar las antologías que realizaron Espadaña, Cuadernos de teatro y Mensajes de poesía, en esta última además de la selección se reunieron en torno a la autora colaboraciones de Aleixandre, Guillén, de Luis, etc.
Su extensa obra está jalonada de premios, el primero de ellos es el premio internacional de poesía de Siena en 1961; la novela Las oscuras raíces obtuvo el Premio Elisenda de Moncada en 1953; consiguió el premio Doncel de Teatro infantil en 1961; el premio nacional de Literatura de poesía en 1967 por la edición de su Obra poética; Soy la madre mereció el premio Ateneo de Sevilla de novela en 1980 y un año antes había conseguido el premio Benito Pérez Galdós de periodismo.
Al margen de su extraordinario valor como escritora, el hito histórico de Carmen Conde fue vencer las reticencias de la Real Academia de la Lengua Española a contar entre sus miembros con una mujer. En 1978 entró a formar parte de la Academia ocupando el sillón K, ingresando en 1979 con el discurso: Poesía ante el tiempo y la inmortalidad. Leopoldo de Luis recoge las palabras de recepción de Guillermo Díaz-Plaja:

Y no dejaré de señalar con qué alegría muestro nuevo partícipe en las tareas académicas es una mujer, que viene a romper así, victoriosamente, una situación que, no por impedimentos reglamentarios, sino por sucesión de circunstancias diversas, en la España de Santa Teresa y Carolina Coronado, de Rosalía de Castro y de Emilia Pardo Bazán, de Concha Espina y de María Moliner, dejaba huérfana de representación femenina la Institución que aspira a representar el estamento literario de España. (Luis, 1982: 16)

Danila Comastri Montanari (1948 - )

cas@usal.es (Celia Aramburu Sánchez) — Tue, 17 Nov 2009 20:12:06 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano
Nació en Bologna en 1948. Estudió pedagogía y ciencias políticas, para dedicarse durante veinte años a la enseñanza en el Instituto Técnico de Bolonia. En 1990 escribe su primera novela, Mors tua, y desde ese momento se dedica exclusivamente a su actividad de escritora, combinando sus dos intereses principales: el misterio y el estudio del pasado.
La autora incluye notas biográficas en sus diferentes libros y se define a sí misma como una empedernida fumadora a la que le gusta el alcohol, que visita balnearios y excavaciones arqueológicas y que huye de las dietas. Además se autodefine como una usuaria fanática de Internet que lee novela policíaca, ensayos de historia, los clásicos latinos, griegos y chinos.
Danila Comastri Montanari escribe de una forma muy correcta, no podemos olvidar que ha sido profesora durante años, lo que contribuye a la claridad expositiva; además tiene la facultad de crear tramas convincentes y verosímiles apoyadas en una reconstrucción histórica muy exacta con personajes muy bien delineados. Para ello la autora ha realizado y realiza una importante tarea de documentación que le sirve de punto de partida de sus novelas: ha recorrido excavaciones y museos durante 30 años, por lo que ha conseguido reunir una gran cantidad de libros, catálogos de exposiciones, fotografías, mapas, artículos, revistas, etc., a todo esto hay que añadir la enorme cantidad de material que ha manejado en las bibliotecas universitarias y en Internet, de la que ya hemos dicho que se declara una gran aficionada.

Vittoria Colonna (1492 - 1547)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Sun, 18 Feb 2007 09:21:40 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano
Sin duda la poetisa más ilustre de este siglo, ya sea por razones de parentela política ya sea descendencia de sangre, ha sido Vittoria Colonna. Nace en Marino, en el castillo de su noble y potente familia, hija de Fabrizio, famoso capitán, y Agnese di Montefeltro, hija menor del duque Federigo di Urbino e una de la familia Sforza de Pesaro. Teniendo en las venas la sangre tres de las grandes familias italianas, Vittoria desde su infancia estaba destinada a satisfacer una unión provechosa con una numerosa familia española, así que el 27 de diciembre de 1509, con solo 17 años, en casa de la duquesa de Facavilla Costanza d�€�Avalos, en la isla de Ischia, se une en matrimonio con el famoso Ferdinando Francesco d�€�Avalos, marqués de Pescara. Los primeros años de matrimonio fueron los más felices y aún siendo un matrimonio impuesto ella encontró la razón más fuerte de su vida, pero en 1512 Ferdinando cae prisionero en la batalla de Ravena, posteriormente una vez liberado es nombrado capitán general de Carlo V. Entonces Vittoria exaltaba sus victorias hasta que poco más tarde en 1525 muere a causa de las heridas recibidas en la batalla de Pavia. Recibe la noticia en Viterbo en el viaje que acababa de emprender para reunirse con él. La noticia afectó de tal modo a la poetisa que decide de retirarse y pasar los días en la isla de Ischia y después en la ciudad de Nápoles. Se refugió en las Rime donde lloró la muerte del marido, pero ni la soledad ni la poesía eran suficientes para superar su gran dolor; por ello a partir de este momento vivirá sólo de fe en el futuro ultramundano y de nostalgia del pasado. Pasó de convento en convento; en Roma en el monasterio de S. Silvestre, en Orvieto en el de S. Paolo, en Viterbo en el convento de Santa Caterina, y, volviendo a Roma en el 1544, se refugió en el monasterio de las Benedictinas de S. Anna de�€� Funari. Su familia se había empobrecido, habían perdido gran parte de sus posesiones y se habían dispersado. Encontró consuelo en la religión; y murió el 25 de febrero de 1547, en la casa de los Cesarini, donde la habían levado, ya enferma, para estar cerca de sus parientes más fieles.

También estuvo en continuo contacto con la nueva orden de los Capucchini. Y por su alto idealismo fue elogiada por Michelangelo e Galeazzo di Tarsia.

Su visión de la Iglesia

Durante los años pasados en los conventos cultivó grandes amistades con algunos eclesiásticos, a favor de la reforma de la Iglesia, como Gaspare Contarini, Bernardino Ochino, a quien protegía, Gian Matteo Giberti, Pietro Bembo y Giovanni Morone y reformadores que debatían sobre la justificación por la fe como Juan de Valdès.
Ayudó a Bernardino Ochino a fundar un monasterio de clarisas capuchinas y en 1539 en Roma y se hizo amiga de Michelangelo Buonarroti quien le dedicó algunos sonetos y dibujos.
Desde hacía tiempo la familia Colonna mantenía una buena relación con la corriente franciscana de los Espirituales (ya el cardenal Colonna había ayudado a S. Francesco) y el mismo hermano de Vittoria, Ascanio Colonna, en 1541 organizó una revuelta contra el papa Paolo III, que había aumentado las tasas a tierras exentas de ellas, como las tierras de los Colonna. El hermano se vio obligado a exiliar hasta la muerte del Papa en el 1549.
En el convento de Santa Caterina, Vittoria conoció al cardinal inglés Reginald Pole, quien fue su guía espiritual, y a una serie de reformadores que frecuentaban su casa como Marcantonio Flaminio, Alvise Priuli o Pietro Carnesecchi, el florentino que después de numerosas vicisitudes fue procesado y posteriormente quemado en Roma; con ellos la poetisa discutía libremente de los problemas de la fe y de este modo fortalecía su adhesión a los ideales de Valdés.
Es importante recordar que nos encontramos en una época donde los miembros del orden franciscano estaban divididos en dos corrientes: los Espirituales, fieles seguidores de la doctrina originaria de S. Francesco (una vida vivida en grande pobreza y como mendicantes) y los Conventuales, seguidores de una versión más mundana de su doctrina (por ejemplo, sostenían que el orden podía poseer bienes terrenos). Vittoria, como era tradición en su familia, se decanta por los ideales de las órdenes espirituales, y es partidaria, como sus amigos reformistas, a una Reforma de la Iglesia. Por este motivo, veía con simpatía también los ambientes protestantes. Este pensamiento revolucionario se verá reflejado en su producción literaria.
Una vez en Roma continúa manteniendo contacto con los reformistas y con un pariente suyo, Bartolomeo Spadafora, que en 1547 fue acusado de herejía ante el Tribunal siciliano de la Inquisición a causa de su pasado valdesiano.
La autora, afortunadamente, murió antes de que comenzasen, durante el papado de Paolo IV, las persecuciones contra los espirituales.

Vittoria Colonna se presenta como una figura no tanto de poetisa sino de pensadora, como un personaje histórico de primer orden, como la más grande entre las mujeres de gran corazón y alto intelecto que fueron la gloria del Renacimiento italiano.

Sus obras

La parte más importante de su producción literaria son las Rime, en especial las Rime spirituali.
Vittoria amó en modo sincero la poesía de Petrarca y Bembo y por ello está en sintonía con los petrarquistas contemporáneos. En particular del Canzoniere prefería los temas más melancólicos de la segunda parte, sin embargo la atención que ella daba a la perfección estilística de los versos de Petrarca sobrepasaba la consideración de los sentimientos vivos que éste expresaba en sus versos. Su coherencia interior la supera continuamente que se edifica en cada instante y absorbe todas sus energías morales. De hecho, cuando ella misma quiere expresar sus propios sentimientos, se preocupa tanto de cuidar la forma de sus versos que da la impresión de que la razón prevale sobre el sentimiento, la mente sobre el corazón..
Las Rime se dividen en dos partes: toda la primera parte (Rime amorose) trata la muerte del marido, nombrado constantemente con metáforas solares y a quien ella recubre de una luz casi divina, bien diferente a como nos lo describe la historia. Es una parte monótona pero con un toque original a pesar de las imitaciones petrarquistas.
La segunda parte (Rime spirituali), más vasta, es toda de argumento espiritual donde Vittoria se refugia en la fe. Entre tantos ideales de pensamiento y de pasión, en sus rimas no faltan abstracciones y sutilezas teológicas. En ellas se ve claramente su interés por la Reforma, en particular por la figura de Juan de Valdés y Bernardino Ochino. Un ejemplo lo encontramos cuando invoca desde el Cielo un remedio a la corrupción de la Iglesia porque, si ésta se difunde, la fe sincera corre el peligro de desaparecer.
Una elevada tensión espiritual caracteriza la sección amorosa del Canzoniere en el deseo de reunirse con el marido que coincide, en la parte espiritual, con el deseo del alma de aislarse del mundo refugiándose en Dios.
Fruto de su posición aristocrática y de su actitud conciliadora, fueron las frecuentes ediciones que se hicieron sobre las rimas. La primera edición que recogía todas las rimas fue publicada por Girolamo Ruscelli en el año 1558 con un comentario de Rinaldo Corso que destacaba la complejidad y lo proponía como modelo a seguir.

La personalidad más fuerte que compleja de la escritora, su naturaleza hecha para el apostolado religioso más que para la confesión de los estados de ánimo, encontró una expresión más sencilla en sus cartas, escritas, la mayor parte, sin pretensión de estilo y por ello más cercanas a su verdadera vida intelectual y moral.

También son interesantes, desde un punto de vista espiritual, los sonetos de la madurez como el Trionfo di Cristo y la meditación en prosa Pianto sulla Passione di Cristo. Aquí encontramos una muestra de la influencia de los padres de la literatura italiana, como Dante y Petrarca, en su poesía y también del pensamiento de los reformadores del Quattrocento, como Girolamo Savonarola además del de Valdés.

Teresa Claramunt (1862 - 1931)

C_A_R_M_E_N12@hotmail.com (Carmen Gómez Moya) — Wed, 27 Jun 2007 15:35:25 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: española
Teresa Claramunt, actualmente olvidada, ha sido una mujer memorable. Poco se sabe sobre su vida pero toda ella estuvo dedicada a luchar por los derechos de los trabajadores y las mujeres. Su lucha influyó tanto en actividades sindicales como en el ámbito educativo.
Nació en Barbastre en el año 1862, aunque su familia pronto tuvo que trasladarse a Sabadell. Aún era casi una niña cuando comenzó a trabajar en la industria textil, por lo que tuvo una formación autodidacta. En ese momento es cuando comienza toda su andadura. Influenciada por las ideas del ingeniero Tárrida de Mármol destacó muy pronto como militante anarquista. Con sólo 21 años, en 1883, encabezó una huelga general en demanda de la jornada laboral de 10 horas, la llamada "huelga de las siete semanas". Esta huelga fue uno de los conflictos laborales más importantes que se dieron en Sabadell. En 1884, organizó un grupo anarquista de mujeres que desarrolló una intensa actividad político-social con la intención de solucionar la situación en la que se encontraban.
Entre 1888 y 1889, unida a su compañero, del que del que no hay mucha información, llevó a cabo numerosas actividades en Portugal. Todo lo hizo anónimamente, ya que estaba huyendo. A pesar de ello se sabe que colaboró con grupos anarquistas locales.
Teresa Claramunt fue una mujer muy perseguida por la policía, en esta época ya era bastante conocida entre ellos. En 1893 la detuvieron a la salida de un mitin porque durante el acto fueron lanzadas dos bombas por un tal Santiago Salvador. Su detención no duró mucho tiempo y fue liberada al demostrarse que ella no había tenido nada que ver. Pero en 1896 fue detenida de nuevo porque durante la procesión del Corpus, en Barcelona, estalló una bomba. El autor de esto nunca apareció, pero las autoridades, en su afán de terminar con el fenómeno anarquista llevaron a Teresa, junto a muchos de sus compañeros, a la cárcel de Montjuich. Allí fue víctima de torturas. Soledad Gustavo escribió lo siguiente: "Relatar lo que Teresa sufrió en aquel cautiverio es imposible. Presa en la cárcel de mujeres, azuzada y perseguida por las monjas que interiormente cuidaban aquel establecimiento, paso muchas desazones y solo gracias a su energía pudo salir lo mejor posible de sus manos�€�.
Después de pasar por esto Teresa no se quedó de brazos cruzados y armó tal revuelo que de nuevo fue llevada a Montjuich y allí estuvo hasta que el Estado pidió 28 penas de muerte y 57 condenas perpetuas de las cuales una era para ella. Pero finalmente fue desterrada gracias a las influencias del que un día la iniciara en todo esto, su amigo Tárrida de Mármol. Teresa se marchó a Londres y después a París. En 1898 volvió a España y fundó, en 1901 la revista "El Productor", muy importante en el ámbito obrero.
En 1903 ya era bastante conocida en Andalucía y viajó hasta allí, junto a Leopoldo Bonafulla con el fin de difundir su lucha obrera. En esta ocasión también la detuvo la Guardia Civil en Ronda. La llevaron hasta Málaga y allí la desterraron a Barcelona de nuevo. Aunque no escribió mucho, en este mismo año publicó un folleto llamado �€�La mujer. Consideraciones sobre su estado ante las prerrogativas del hombre�€�. Aquí la autora critica al hombre que intenta imponerse como autoridad en el ámbito familiar. Muestra unas ideas muy revolucionarias afirmando que la mujer debe emanciparse y esta emancipación la tiene que hacer ella misma. Culpa a la educación de esa dependencia que la mujer tiene del hombre.
Durante la Semana Trágica de 1909, para evitar una nueva detención, sus compañeros la enviaron a Zaragoza. Pero en 1911 vuelve a entrar en la cárcel acusada de �€�agitadora anarquista�€�. Su condena es de cuatro años. En esta época es cuando tuvo los primeros signos de parálisis. Esto dificultaba un poco su actividad, aunque nunca llegó a rendirse. Durante algunos años vivió en Sevilla, en casa de Antonio Ojeda, que se ofreció para ayudarla a recuperarse. Pero en 1923 dio un mitin en Sevilla contra la dictadura y en 1924 volvió a Barcelona. Fue en el año 1929 cuando dio su último mitin. En 1931, murió debido a la parálisis que había comenzado a padecer durante su última detención.

Sor Costanza Ciaperelli Da Prato (1410 - )

hadas@libero.it (Elena Vaccari) — Mon, 23 Jun 2008 22:32:31 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: italiano
Acerca de Suor Costanza Ciaperelli da Prato no tenemos apenas datos biográficos y el único testimonio literario conservado es una carta consolatoria que escribió al conocido poeta Feo Belcari por la muerte de la hija, Suor Ursola, hermana de la Orden de Suor Costanza.
Según cuanto indica Manni en Historia del Decamerone di Giovanni Boccaccio (Fi, Ristori, 1742. Parte III pag. 147), la familia Ciaperelli o Cepperelli tendría su origen en el famoso Ser Ciappelletto, protagonista del primer cuento del Decamerón de Boccaccio. Piera, su nombre de nacimiento, era hija de Ser Stefano de Pietro, un comerciante de Prato que, alrededor de 1410, obtuvo de una obra de caridad la ayuda de cincuenta florines para cada hija que quisiera casarse. Debemos suponer, en este caso, que Suor Costanza habría nacido antes del 1410.
Sabemos que ya en1434 había ingresado en la Orden del Santísimo Salvador y de Santa Brígida, de regla agustiniana, en el Monasterio del Paraíso de Florencia, aunque no aparezca como monja sino como "pinzochera", es decir, una monja laica y terciaria, con un voto informal de castidad y sin estar obligada a clausura. No existe información relativa a su ordenación y tampoco a la fecha de su muerte.

Agatha Christie (1890 - 1976)

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Sat, 10 Jan 2009 16:48:07 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Inglés
Agatha Christie, cuyo auténtico nombre era Mary Clarissa Miller, nació el 15 de septiembre de 1890 en Torquay (Devon, Inglaterra). Era la menor de tres hermanos, Madge y Louis (apodado Monty, y por el que siempre sentiría una gran debilidad). Sus padres eran Frederick Alvah Miller, prometedor corredor de bolsa estadounidense, y Clarissa Margaret Boehmer, de familia burguesa e hija de un capitán de la Armada británica. La realidad era que su padre vivía de las rentas y se jugaba gran parte de la fortuna familiar a las cartas.
Agatha vivía una infancia feliz, aunque algo solitaria en su mansión de Ashfield (lugar que quedó siempre grabado en su memoria de la infancia). Sus hermanos estudiaban en internados y el momento más feliz era cuando su querido Monty llenaba la casa de su alegría y travesuras. Rechazó siempre jugar con sus muñecas y solía jugar siempre con sus amigos imaginarios, con los que imitaba los roles sociales que descubría a través de las amistades de su familia. Por todo ello, al educarse entre personas mayores, tímida y retraída, Agatha aprendió a ser una niña muy observadora y callada.
Para ella fue un duro golpe conocer la muerte de su padre cuando sólo contaba con once años. Su padre, además, había dejado a la familia en la más profunda bancarrota. Sin embargo, su madre siguió adelante, decidió alquilar Ashfield en invierno (lo cual le causó cierto dolor a la pequeña Agatha) y, pasar ese tiempo en Egipto. La Señora Miller, a pesar de la estricta moral victoriana, educó a su hija para que disfrutara plenamente de la vida. Por aquel tiempo su hermana ya estaba casada y su hermano había ingresado en el ejército. Fue su madre también la que se tomó en serio su educación y le animó a la escritura desde muy pequeña. Con 16 años tuvo el privilegio de instalarse en París y asistir a la escuela de la señora Dryden, y allí estudió piano, baile y canto. Su sueño era convertirse en una cantante profesional, pero al comprobar las dificultades que ello conllevaba decidió volverse a Inglaterra.
En 1914 contrajo matrimonio con el joven coronel Archibald Christie, aviador del Royal Flying Corps, a pesar de ser una mujer que amaba a su marido, nunca lograría en dicho matrimonio ser totalmente feliz. De dicha unión nació su hija Rosalind en 1919 y de su primer marido tomó el apellido que le acompañaría en toda su carrera literaria.
Durante la Primera Guerra Mundial, y por estar más cerca de su marido, trabajó de enfermera voluntaria en el dispensario de un hospital, lo cual sería clave para conocer a fondo la nomenclatura y composición de muchos de los venenos que usaría en los asesinatos de sus famosas novelas. Tras uno de sus días de trabajo decidió escribir una historia policial cuya víctima mortal era envenenada. La novela la tituló "The mysterious affair at Styles" con el detective belga obsesionado por el orden, Hercules Poirot como protagonista. La editorial Hodder and Stoughton la rechazó de inmediato. Fue la editorial The Bodley Head la que después de dos años sin contestarle decidió publicar su novela tras hacerle modificar el capítulo final y comprometerla a escribir cuatro novelas más. Logró vender de esta novela cerca de 2.000 ejemplares.

Por otra parte, el periódico The Weekly Times compró el manuscrito para publicarlo en entregas. Todo esto no convenció del todo a Agatha, los apuros económicos eran acuciantes y la escasez más severa, convencida de que la literatura no era lo suyo pensó en dejar de escribir, fue su madre la que le animó a dedicarse a ello y escribir los siguientes libros.
Aupada por la fortaleza y resolución materna, Agatha, decidió seguir escribiendo a pesar de cualquier dificultad, en ocasiones escribía sus relatos en hojas de compra o en papeles desechables y siempre con escasa luz. A veces se veía obligada a escribir en los sitios más inverosímiles de su casa, incluso sobre una pequeña tabla en el lavabo. Sin embargo, en aquellos malos tiempos, siempre le acompañó un espíritu resolutivo, la confianza que le inculcaba su madre era cada vez mayor, una lección que la acompañó a lo largo de su vida: "Aprendí que no se puede dar marcha atrás, que la esencia de la vida es ir hacia adelante. En realidad, la vida es una calle de sentido único."
Su segunda novela fue "El misterioso Mr. Brown" en la que los jóvenes Tommy y Tupence Beresford son los nuevos protagonistas. La complicidad de esta pareja era la soñada por la autora con su marido, que veía a Archibald cada día más distante.
Gran amante de los viajes y en un intento de reconducir su matrimonio, la autora viajó por el mundo acompañando a Archibald de promoción de la Exposición del Imperio Británico. A su regreso publicó "Poirot Investiga" y "El hombre del traje color castaño".
Agatha empezaba ya a ser una relevante escritora, los compromisos aumentaban y decidió contratar a un agente literario, Edmond Cork, que fielmente la acompañaría hasta el final de su carrera. Con su novela "El secreto de Chimneys" (1.925) terminó de cumplir su contrato con Bodley Heady. Tras ello cambió de editor y bien aconsejada por su agente encontró en Collins su editorial de por vida.
Sus relatos se iban caracterizando por la cuidada trama, la detallada ambientación al más puro estilo victoriano y los sorprendentes e ingeniosos desenlaces. La autora siempre se aseguraba de dar toda la información para resolver el problema. Utilizando la figura del whodunit "¿Quién lo hizo?", que permitía al lector ensayar hipótesis e intentar adivinar por sí mismo la identidad del culpable antes del propio desenlace de la novela. A pesar de ello, Agatha resultó ser una autora de inteligencia extraordinaria pues casi siempre lograba sorprender a la mayoría de sus lectores.
Poco después escribió una de las mejores novelas de Poirot, "El asesinato de Rogelio Ackroyd "(1926).
A medida que comenzó a ser una mujer admirada y venerada por el público, su matrimonio comenzó a deteriorarse definitivamente. Un hecho del que nunca se supo exactamente la verdad fue su misteriosa desaparición durante 10 días que tuvo lugar el 3 de diciembre de 1926 en Sunningdale (Berkshire). Aquello causó una gran alarma en la prensa, su coche se encontró abandonado en una cantera de Newland�s Corner (Surrey). Días más tarde ella fue encontrada en un hotel de Harrogate, el Swan Hydro (actualmente Old Swan Hotel), bajo el nombre de la mujer amante de su marido, la secretaria de éste. Uno de los puntos más controvertidos sobre el caso fue que al no saber quién era ella misma, había publicado una carta en un periódico para ver si alguien la reconocía, pero al firmar con el apellido de la mujer con la que su marido le era infiel, nadie lo hizo
Agatha siempre señaló haber sufrido amnesia por un ataque de nervios a raíz de la muerte de su madre y la confesión de infidelidad por parte de su marido. Muchos pensaron que se trató de una venganza a su marido y otros de un truco publicitario, incluso llegó a recrearse en 1979 mediante el film AGATHA cuya actriz Vanessa Redgrave dio vida a la escritora.
Este trago no fue para nada agradable para Agatha que acuñó la célebre frase de "La tristeza es la cuna de inspiración de todo escritor."
Al cabo de varios meses de tratamiento psiquiátrico decidió divorciarse de Archibald Christie y se regaló un viaje a las Islas Canarias, proponiéndose aún con más fuerza seguir escribiendo. Así nacieron las novelas "Los cuatro grandes" y "El misterio del tren azul", ambas con Poirot como protagonista. Durante ese tiempo escribió también "El misterio de las siete esferas" y "Matrimonio de sabuesos", con los Beresford de protagonistas. Con "Un amor sin nombre", utilizó por primera vez el seudónimo de Mary Westmacott, inaugurando la costumbre de usarlo para sus obras no policíacas.
Con la fuerza retomada de su nueva vida, Agatha decidió experimentar con una nueva aventura. Era aún joven, su hija estaba interna en un colegio, y necesitaba cambiar de aires. A pesar de que en esa época era arriesgadísimo que una mujer cruzara sola toda Europa, Agatha comenzó un viaje iniciático hasta Bagdad a bordo del Oriente Express, tren que le serviría de inspiración para una de sus novelas más célebres: "Murder on the Orient Express". El viaje le trajo mucha suerte, pues allí conoció a Max Mallogan, 14 años más joven que ella y con el que contrajo matrimonio en 1930. Sin duda el hombre que más feliz y dichosa le hizo sentir en su vida.
Ciertamente esta boda supuso cierto escándalo en la sociedad conservadora de la época. Pese a ello, la escritora supo bromear sobre el asunto de una manera inteligente: "Cásate con un arqueólogo: cuanto más vieja te hagas, más encantadora te encontrará" . Con Max se enamoró de la cultura de Egipto y de los viajes a Oriente Medio, que sirvió de trasfondo a varias de sus novelas, lo cual influyó notablemente en muchas de sus Obras como "Némesis", "Asesinato en Mesopotamia", "Muerte en el Nilo".
El año de su boda coincidió con el nacimiento de un nuevo y entrañable personaje, Miss Marple, una anciana perspicaz que dejaba asombrados a los jefes de la propia Policía en "Muerte en la vicaría"(1930). A estas novelas le seguirían "El misterio de Sittaford", "Peligro Inminente" y "Miss Marple y trece problemas". En 1.933, seguirían "Parker Pyne" y "El misterio de Listerdale", así como "Retrato inacabado" con el que vuelve a usar el seudónimo de Mary Westmacott.
Antes de la II Guerra Mundial, e influida como se dijo anteriormente por sus estancias en Oriente Próximo publicó verdaderos clásicos como "Asesinato en Mesopotamia" (1.930), "Asesinato en el Orient Express" (1.934), "Poirot en Egipto" (Muerte en el Nilo, 1.937), "Cita con la muerte" (1.938), entre otras.
En 1.938, vende su añorada casa de Ashfield y compra Greenway, la que será su gran mansión a orillas del río Dart en Devon. Tras acabar la contienda mundial, se publicó: "Ven, dime como vives", una novela costumbrista que no firmó como Westmacott sino por su propio nombre Christie.
Entre 1.946 y 1.950, siguió siendo años prolíficos para la autora con obras maestras como "Palmarés de la vida", "La casa torcida", "Los trabajos de Hércules", "Se anuncia un asesinato", la adaptación teatral de "Muerte en la vicaría" y "Rosa de sangre".
En 1.950, la editorial Collins, asociada con Cork, organizó la celebración de sus 60 años y sus 60 libros. Entre tanto, y en sus ánimos por demostrar que a pesar de su edad, era una mujer tan lúcida e ingeniosa como antaño, escribió "Intriga en Bagdad", "Mrs. McGinty ha muerto"(1.952) y, su preferida: "Testigo de cargo" (1.953) .
Además, escribió un guión radiofónico como regalo de cumpleaños para su fan más ilustre: la Reina Madre. Éste se tituló "La ratonera" (1.952), que poco después se convertiría en la obra teatral con mayor éxito de la historia, permaneciendo más de 30 años en cartelera ininterrumpidamente.
En septiembre de 1.960, celebró sus 70 cumpleaños en todo su esplendor, acudiendo junto a su familia a la ópera y cenando felices un suculento menú, era el ejemplo en persona de que no hay vejez para las grandes figuras y que su espíritu seguía siendo joven, alegre y vital. Ese mismo año, la UNESCO anunció oficialmente que era el autor más vendido del mundo.
En 1961 fue nombrada miembro de la Real Sociedad de Literatura y nombrada doctora honoris causa en Letras por la Universidad de Exeter. Diez años más tarde le fue concedido el título de Dama del Imperio Británico, todo un honor para la época y que le concedía títulos nobiliarios.
En 1974 publicó "Telón", una de las grandes novelas de Poirot, donde éste encuentra su muerte.
Agatha Christie, a pesar de sus penurias en la juventud, sus frustraciones y sus desengaños amorosos murió con 85 años de causas naturales el 12 de enero de 1976 rodeada de todo el amor de su marido Max en Winterbrook House, Cholsey, (Oxfordshire). Agatha había logrado disfrutar de la vida, de sus viajes, de su querido hermano Monty, de su nieto Matthew y de su éxito como mujer. Había demostrado a la rígida sociedad victoriana que no era una mujer desengañada y fracasada abandonada por su marido, sino que muy al contrario había sabido renacer, ser una mujer muy admirada y orgullosa de sí misma, consiguiendo aún más éxito en todos los aspectos de su vida. Todo un ejemplo de superación

Evelina Cattermole (1849 - 1896)

arci81@yahoo.it (Laura Arcieri) — Wed, 30 May 2007 01:07:12 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: italiana
Evelina Cattermole nació en Florencia en 1849, aunque, por vanidad, alteró su fecha de nacimiento, desplazándola al 1858. Reveló desde pequeña una marcada propensión por la poesía. Entre mito, leyenda y verdad, se dice que a siete años ya hablara tres o cuatro lenguas y se recreara expresando pensamientos en forma poética. Hija del anglosajón Guglielmo Cattermole, cónsul a Cannes, y de Elisa Sandusch, pianista rusa, hija de una italiana, vivió en Florencia por gran parte de su vida.
Aprendió el inglés, el francés y el español del padre y la música de la madre. En Florencia Evelina frecuentó las terulias más famosas, logrando conciliar poesía y mundanidad, cultivando desde joven la actividad literaria, pero también suscitando continua sensación en las crónicas del tiempo por los escándalos y la aventurosa vida, que se concluyó trágicamente con su asesinato por el pintor con el que convivía. Gracias a la influencia del escritor Francesco Del Ongaro, en 1867 publicó, cuando todavía no tenía dieciocho años, una primera colección de versos de inspiración romántico-patriótica, Canti e Ghirlande (inicialmente pensados para acompañar unos flores regalados a la madre).
Esta colección, criticada por Benedetto Croce, tenía mucha influencia por otros poetas.
En una de las tertulias que ella frecuentó, conoció al teniente Mancini, de familia aristocrática, hijo del famoso jurista Stanislao Mancini. A pesar de la aversión de su familia, en 1871 él se la casó, pero parece que Evelina aceptó casarse más para emanciparse de la rígida disciplina de los padres que por verdadero amor. Juntos condujeron una vida mundana y aventurosa, con largas estancias en Nápoles, Roma y Milán, donde el hombre fue nombrado capitán de los soldados italianos de infantería. Fue propio en Milán que Evelina se puso en contacto con el entorno literario de la Scapigliatura, que le permitió expresar libremente su anticonformismo y su emancipación, pero paralelamente el marido empezó a descuidarla y a traicionarla y probablemente fue por este comportamiento que la mujer cedió al cortejo del veneciano Giuseppe Bennati de Baylon, amigo del marido, que, al descubrir la traición, lo desafió a duelo y lo mató. Sin embargo también la amante del marido murió a causa de una dosis de ácido sulfúrico, y se cuenta que Evelina le cortó los largos pelos, que ató en un velo y puse sobre la tumba de su amante. Después de ese acontecimiento, la pareja nunca jamás se encontró.
Sucesivamente entró en su vida el poeta siciliano Mario Rapisardi, que la quiso de loco sentimiento y la indujo a publicar en 1883 un nuevo volumen titulado Versi, que tuvo también un notable éxito. Se dice también que tuvo un un idilio con Gabriele D�€�Annunzio y que el romance "Il Piacere", publicado por D�€�Annunzio en 1889, fuera inspirado justo a la figura de Evelina.
Separada del marido, volvió a Florencia donde vivió modestamente con la abuela, iniciando justo en estos años, empujada por las necesidades económicas, la colaboración a varios periódicos y revistas como �€�Fieramosca�€�, �€�Fanfulla della domenica�€�, �€�Il Corriere della Sera�€� y �€�La tribuna illustrata�€�, firmándose Contessa Lara, seudónimo que le gustó mucho al editorial Sommaruga, que le publicó una colección de versos que enseguida el público apreció. Por la �€�Tribuna Illustrata�€� tuvo por mucho tiempo una agenda titulada "Il salotto delle signore" en que dictaba normas de comportamiento, muy seguidas por la alta burguesía femenina, que eran exactamente el contrario de su estilo de vida.
Luego se trasladó a Roma, donde tuvo mucho éxito como autora de romances, pero donde también condujo una turbulenta vida sentimental: concluida una relación tranquila (el único amor sereno de su existencia) con el joven literado Giovanni Alfredo Cesareo, conoció a Giuseppe Pierantoni, pintor de modesto talento, con el que tuvo una relación. El primero período de su convivencia fue feliz (ella misma afirma que cuando se le preguntó cuándo había nacido, Evelina le contestó: "Cuando me besaste por la primera vez"). Progresivamente, la relación entró en crisis, sea porque el pintor pretendía ser mantenido por ella sea porque mientras tanto Evelina había empezado otra relación con Ferruccio Bottini, oficial de marina livornese (y cuando Ferruccio navegaba, ella no rechazaba los avances de su hermano Ecio). La tragedia estalló una tarde de noviembre de 1896. Giuseppe abrió un cajón y encontró una carta de Ecio que acababa así: Te beso "con pasión inmensa". La explosión de celos fue terrible, y mientras que Evelina buscaba disculparse, él hurgó el bolso del amante, cogió la pistola que Evelina siempre tenía consigo y le disparó un golpe en el abdomen, luego disparó otro golpe a sí mismo, pero sólo para herirse en un hombro.
Los auxilios fueron rápidos, llamados por él mismo y por la camarera presente al drama, pero la pérdida de sangre fue tan copiosa y rápida que no le permitió a la Contessa Lara sobrevivir más que un par de días. El tiempo para reflejar sobre su vertiginosa existencia y para pronunciar, entre leyenda y realidad, la célebre frase: "Perdono a todos. Ay, como es dulce la muerte! ". Evelina murió propio de la misma muerte violenta que muchas veces describió en sus obras. Este homicidio, unido a una vida pública constelada de escándalos, le asignaron a esta escritora una aura "bizantina", que bien se conformó con la boga del tiempo.
El deseo de amor, la necesidad de un yo masculino inmueble y fuerte al que apoyarse, el binomio amor-muerte, la atormentada religiosidad, el miedo de la suerte, el agudo presagio de su misma muetre violenta, la pasividad, la soledad, la atención a las pequeñas cosas, a la cotidianidad contada con desengaño, son los temas fundamentales de esta encantadora poetisa que supo ser suave e irónica, delicada y apasionada, culta y sencilla.

Luisa Carvajal Y Mendoza (1566 - 1614)

violettecardaba@hotmail.com (Violeta Cárdaba) — Sun, 21 Jan 2007 14:00:10 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: ESPAÑOL
Poetisa española, (n. Jaraicejo, Cáceres 1566 - m. Londres 1614). Hija de padres nobles y ricos es la sexta y ansiada hija después de cinco varones. Al cumplir los seis años de edad queda huérfana. Primero, de madre y casi inmediatamente después, también de padre. Es entonces separada de sus hermanos y enviada a vivir con su tía abuela materna, María Chacón y al morir esta también, la tutela de Luisa pasa a su tío materno, Francisco Hurtado de Mendoza, durante un tiempo vive en la propiedad familiar de su tío en Soria, junto a la esposa de éste y sus primas. Allí recibe una educación doméstica e intelectual esmerada: lecciones de latín, lectura de los clásicos, conocimientos cristianos y la práctica de la caridad, una de las ocupaciones más importantes de las mujeres nobles. Más tarde, su tío, el marqués de Almazán, es nombrado virrey de Navarra y se marcha a Pamplona. Al cumplir los trece años, su tío, la manda llamar y Luisa se muda a Pamplona sola, sin su tía y sin un ama de llaves que vigile la relación con el marqués. Lejos de todos, el marqués la somete a violentas y dolorosas penitencias que ella describe en el manuscrito de su vida espiritual que dirigirá, más adelante, a su confesor en la víspera de su viaje a Inglaterra. No es de extrañar, por tanto que a los diecisiete años le invadan grandes deseos de convertirse en mártir. A medida que su tío intensifica la severidad de las disciplinas, Luisa aumenta su amor a Jesús y llegará a considerarlo un ideal de padre y esposo.
A partir de 1591 llevará una vida independiente, puesto que su tío la autorizará a vivir con una criada, pero a raiz de la muerte de sus tíos, los marqueses, en 1592, Luisa reclama su herencia paterna, para donarla a los jesuitas, con quienes había estrechado lazos, abandona sus costumbres de mujer noble, aprende las de los humildes y llega incluso, a usar vestimenta monástica. Decide dedicar su vida a la virtud y rechazar no sólo el matrimonio, sino también, el convento. Lo que a la larga le acarreará problemas con sus derechos hereditarios, ya que éstos, sólo le correspondían si se casaba o bien, profesaba en un convento.
En 1602 realiza en Valladolid los Ejercicios Espirituales de San Ignacio. A partir de este momento, en la residencia de Luisa Carvajal comenzarán a reunirse miembros de la orden de los jesuitas y establecerá una especie de beaterio, comunidad de mujeres solteras devotas a los principios cristianos primitivos, brindando, también, consuelo y consejo a las damas nobles y reales que suele visitar.
Entre 1593 y 1598, a los veintisiete años realiza voto de pobreza, obediencia, de mayor perfección y de martirio. En 1597 se le permite comulgar a diario, privilegio reservado a la más alta élite religiosa. No es por tanto de extrañar que sea en esta época cuando sus experiencias de éxtasis se intensifican, siendo entonces cuando escribe la mayor parte de su producción poética. Es precisamente en esta época cuando sus sacrificios llegan a ser tan extremos que mermarán su salud y contraerá una enfermedad contra la cual deberá luchar el resto de su vida. A raiz de su enfermedad, decide abandonar sus experimentos de pobreza y armonizar sus objetivos con los de los católicos perseguidos en Inglaterra por la Iglesia Anglicana. En 1601 traslada su residencia a Valladolid, lugar donde se había instalado la cortey allí, continúa estrechando relaciones con los jesuitas y entra en contacto con mujeres nobles que la apoyarán en su misión inglesa. En 1604 hace testamento en Valladolid y acompañada por su criada Isabel de la Cruz parte el 24 de enero de 1605 hacia Londres. Llega conmovida por la noticia de la ejecución del jesuita Henry Walpole en 1595, debido a este hecho tiene un papel activo en la dotación económica del Colegio Inglés de Jesuitas en Lovaina, más adelante trasladado a Watten, cerca de Saint omar, en 1612.
Cuando llega a Inglaterra en 1605, lo hace bajo la protección del embajador español Alonso de Velasco, en esta época se dedica a proteger a los acusados de la llamada Conspiración de la Pólvora (Gunpowder Plot), quienes habían intentado derrocar el gobierno de Jaime I. Al llegar a Londres es recibida por el superior de los Jesuitas, Enrique Garnet, quien intenta disuadirla de sus deseos de martirio. sin embargo, Luisa se dedica a dar claras y públicas muestras de su fe católica y para ello, visita a sacerdotes y a católicos presos en las cárceles inglesas, realiza misiones evangelizadoras y funda la Compañía de la Soberana Virgen María, Nuestra Señora. No conforme con ésto, continúa su hostigamiento al protestantismo, enfrascándose en agrias discusiones con los fanáticos defensores de la herejía anglicana, desgarrándo públicamente los carteles antipapistas que encuentra colgados por las calles y en algunos establecimientos y promueve sin temor disturbios y altercados lo que dará lugar a su primer encarcelamiento, del que sale indemne gracias al apoyo diplomático de la embajada española. No obstante, después de su liberación emprende una nueva campaña consistente en recoger los miembros amputados de los católicos ejecutados por descuartizamiento, restos que ella misma adecenta y guarda en cajas de plomo como si fueran verdaderas reliquias sacras. Por fin, se produce un segundo encarcelamiento, arresto éste que provocará un verdadero conflicto diplomático al ser encarcelada en 1613 junto a tres de sus compañeras hasta que una vez más, el embajador español, en este caso Diego Sarmiento de Acuña, conde de Gondomar, logra liberarla. sin embargo, a raiz de este nuevo encarcelamiento, Felipe III, dicta un orden, en la que exige a Doña Luisa su inmediato retorno a la Península. Sale de la cárcel enferma y abatida y antes de poder cumplir con la orden del rey, fallece el 2 de enero de 1614, a los cuarenta y ocho años.
En cuanto a su obra, se puede decir que en 1605 y antes de su partida hacia Londres fue escrita la historia de su vida espiritual. De sus poemas no esisten ejemplares originales, algunos de ellos se conocen por la publicación que terceras personas hicieron de ellos. Sus cartas, unas ciento setenta y ocho, se encuentran en el convento de la Encarnación, así como todos sus manuscritos, incluido su testamento.

Angela Carter (1942 - 1992)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Sun, 19 Nov 2006 16:44:49 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Inglés
La escritora británica Angela Carter nació en 1940 en Eastbourne (Sussex, Inglaterra). A causa de la guerra que en aquellos años sacudía Europa transcurrió los primeros años de su infancia en el norte de Inglaterra en la casa de su abuela materna, que en su figura matriarcal de apasionada narradora la deleitaba habitualmente con historias y cuentos de todo tipo. Este periodo de su infancia es el que posiblemente sacó a la luz su innata propensión a la narración, además de influenciar significativamente las inclinaciones de la producción literaria y de la escritura de la autora. Tras una adolescencia muy combatida, durante la que tuvo que luchar con la anorexia, comenzó su carrera literaria a los diecinueve años, trabajando como periodista en el Croydon Advertiser, siguiendo las huellas de su padre que era periodista en Londres, aunque también su madre, una mujer de grande cultura, influirá sobre su formación intelectual. Un año más tarde contrajo matrimonio con Paul Carter, de quien se divorciaría en 1972. Hizo su exordio literario en 1965 con la novela Shadow Dance. Estudió inglés en la Universidad de Bristol, aumentando así su bagaje cultural, que abarcaba autores de la literatura inglesa como Chaucer, Shakespeare, Lawrence, Wordsworth, Blake, Coleridge, Mansfield, Woolf, Dickens, Keats, Stoker, Carroll. Sin embargo sus conocimientos no se limitaban al sólo panorama inglés, ya que ella hablaba el francés y el alemán, y recibió el influjo de autores como De Sade y Bataille, por sus filosofías de la sexualidad, de Irigaray y de Beauvoir, por sus teorías feministas, de Barthes y Genette, por sus estudios sobre la intertextualidad y el análisis de los textos. En mayor medida Carter recibió el influjo directo del contexto cultural que la nueva realidad del pensamiento feminista forjaba en aquellos años en los que empezaba a convertirse en una corriente filosófica y literaria, dejándose atrás la fase política de reivindicaciones y luchas por la igualdad. Esta influencia resulta evidente en su obra de reescritura, esta practica literaria muy fructuosa, que en su caso mira a la revisión paródica de algunos de los cuentos de hadas más clásicos de la cultura occidental, permitiéndole desenmascarar los valores del pensamiento patriarcal implícitamente transmitidos en ellos. La colección de cuentos The Bloody Chamber and other stories (1979) refleja plenamente esta orientación de la autora, ya que representa una reelaboración desde una perspectiva teórica feminista de algunos cuentos de hadas de la tradición occidental (entre otros Barbazul, Caperucita Roja, El gato con botas). En general toda la producción de Carter está dominada por el fantástico, la sensualidad, la pasión, la ironía y la parodia, y tiene como peculiaridad una constante presentación de heroínas positivas, que se convierten en las verdaderas protagonistas de todas sus obras. De su vasta producción literaria cabe destacar las novelas The Magic Toyshop (1967), Heroes and Villains (1969), The Passion of New Eve (1977) y Nights at the Circus (1985), las colecciones de ficción Fireworks: Nine Profane Pieces (1974), la ya citada The Bloody Chamber and other stories (1979) y Black Venus (1985), las antologías Wayward Girls and Wicked Women: An Anthology of Subversive Stories (1986) y The Virago Book of Fairy Tales (1990).
Durante su vida viajó por todo el mundo, vivió durante dos años en Tokio, y más tarde viajó por Estados Unidos, Europa y Asia. Estas experiencias tuvieron una gran influencia en sus obras posteriores. En 1977 se casó con Mark Pearce y empezó a trabajar como lectora en varias universidades de Inglaterra, Estados Unidos y Australia. Murió de cáncer en 1992.

Elizabeth Carter (1717 - 1806)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Fri, 01 Oct 2010 07:32:47 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: inglés
Elizabeth Carter era la hija mayor del Reverendo Dr Nicholas Carter y Margaret Swayne que murió cuando Elizabeth tenía 10 años. Se piensa que la muerte de su madre se debió a que la familia perdió todas sus posesiones y riquezas en la crisis económica del siglo XVIII conocida como "Burbuja del mar del sur". Su padre se casó de nuevo y ella se ocupaba de cuidar a sus hermanos a la vez que leía y estudiaba sin descanso con la ayuda de café y té. Estos excesos intelectuales le provocaban grandes dolores de cabeza de lo que nunca se libraría a lo largo de su vida. Hablaba francés con fluidez y estudió italiano, español y alemán y más adelante portugués y árabe. Sus intereses eran variados desde la cultura clásica, astronomía, historia y geografía. Publicó su primera obra en 1734 con la edad de 16 años y bajo el pseudónimo de Eliza.
Su obra más conocida es la traducción inédita de obras de Epícteto "All the works of Epictetus which are now extant" lo que le proporcionó grandes ingresos.
Nunca se casó y se dice que podría estar relacionada amorosamente con Catherine Talbot y Elisabeth Monatgu, con las que creó el conocido grupo de mujeres llamado Bluestocking Circle. El nombre de este grupo tiene su origen en 1756 por un chiste de Benjamin Stillingfleet que frecuentaba estas reuniones de mujeres que llevaban medias azules como las que vestían los trabajadores de la época.
Murió en 1806. A pesar de la fama que tenía en su época poco a poco la historia se fue olvidando de ella e incluso las feministas de los 70 la rechazaron por sus ideas conservadoras. Sin embargo en 1990 un estudio llevado a cabo por Sylvia Harcstark Myers devolvió la notoriedad a esta escritora, promotora del crecimiento intelectual de las mujeres por encima de las tareas domésticas.

Enrichetta Caracciolo (1821 - 1901)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Thu, 20 Nov 2008 15:29:55 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: italiano
Enrichetta Caracciolo nace en Nápoles en 1821, hija de un mariscal del ejército napolitano y de Teresa Cutelli, una noble palermitana. Era la quinta de siete hermanas en una familia que mantenía la tradición de recluir a las hijas en un convento, salvo que éstas fueran las primogénitas. Este hecho marcó su vida, pues tras la muerte del padre, siendo aún adolescente, su madre decide contraer segundas nupcias y se plantea la conveniencia de enviar a Enrichetta al convento de San Gregorio Armeno de Nápoles. Al conocer las intenciones de su madre, se niega a abandonar la casa de una de sus hermanas casadas, pero Teresa Cutelli la acusa de insubordinación a la Polizia Del Carretto y es obligada a ingresar en el convento, donde las monjas le imponen los hábitos.

En este ambiente Enrichetta no se encuentra agusto: su interés por la cultura choca con la rudeza de sus compañeras, incultas la mayoría de ellas. Además, sus labores como sacristana y el contacto que ello conlleva con sacerdotes y clérigos la convierten en objeto de habladurías.

En 1846, animada por el clima de esperanza en el "papa liberal", presentó a Pio IX la primera de una serie de instancias solicitando la anulación de sus votos o, al menos, una dispensa temporal por motivos de salud. Pero, en contra de la voluntad del pontífice, el arzobispo de Nápoles, Riario Sforza, le deniega su petición.

En 1848, se ganó la fama de revolucionaria al elevar sus plegarias por la caída de la tiranía y el triunfo de la nación. Además, aprovechó la libertad de presa para leer el diario de la oposición en voz alta y que todas supieran cuáles eran sus preferencias. La nueva apertura política la animó a escribir a Pio IX una carta donde denunciaba el internamiento forzoso en los conventos al que se veían sometidas tantas jóvenes.

Con la represión borbónica, Enrichetta quema sus memorias por miedo a las repercusiones que pudieran tener sus palabras sobre ella y su familia. Mientras, recibe del Papa la autorización para abandonar el convento di San Gregorio e ingresa en el Conservatorio di Costantinopoli. Allí se encuentra con que la abadesa, leal a La Curia y a los Borbones, somete su actividad a una férrea censura: le prohibe la lectura de cualquier libro que no fuera religioso y le requisa la correspondencia. Aun así, Enrichetta consigue hacer salir cartas escondidas en el cesto de la ropa sucia.

Algunos de sus escritos llegan a manos de Pio IX a través de Riario Sforza, cuya intención es impedir que el Papa ceda a las súplicas de Teresa Cutelli para que liberen a su hija. Sólo los problemas de índole nerviosa que padece Enrichetta consiguen que ésta se reúna con su madre en 1849. Pero un año después, vuelve a sufrir la persecución de Riaro Sforza, quien le retira la asignación que recibe y la obliga a vivir de la caridad familiar. Aun así, gracias a la intervención de su amigo el sacerdote Spaccapietra, Enrichetta consigue su propósito de vivir con la madre y recuperar la pensión. El Arzobispo no cede en su persecución y en 1851, estando en casa de una hermana, es detenida y conducida a Mondragone. Allí Enrichetta se niega a comer y se plantea el suicidio, llegando a clavarse un puñal en el pecho tras once días de reclusión y ayuno. Tras sobrevivir al intento de acabar con su vida, aguanta un año de aislamiento antes de que Monseñor Ferretti interceda por ella para que le concedan un permiso para visitar a su madre agonizante. Tras la muerte de ésta, consigue, por mediación de una tía, que la Sacra Congregazione dei Vescovi envíe un médico que le prescribe una cura en el Balneario de Castellammare. Queda claro que esto no era más que una estratagema para liberar a Enrichetta del Arzobispo de Nápoles. En este lugar gozó de una relativa libertad hasta que regresa de forma clandestina a Nápoles para continuar con su lucha.

El siete de septiembre de 1860, Enrichetta entrega los hábitos y recupera, así, la libertad que tanto había perseguido. Poco tiempo después contrae matrimonio con Giovanni Greuther, un ptriota napolitano de origen alemán.

En 1864, publica sus memorias y tienen tan buena acogida que se vuelven a publicar en años sucesivos. Además son traducidas al francés, inglés, español, alemán, griego y húngaro.

En 1886, publica "Un delito impunito": un hecho histórico que narra el asesinato de una joven a manos de un sacerdote al que había rechazado.

En 1881 se representa "La fuerza del honor" en Nápoles y obtiene una buena acogida.

Fue corresponsal de diarios políticos, entre los que se encuentran La rivista partenopea di Napoli, La Tribuna di Salerno e Il Nomade di Palermo.

Formó parte de numerosas asociaciones, destacando su pertenencia a la logia masónica Il Vessillo Della Carità ed Annita.

En 1866, con ocasión de la tercera guerra de la independencia, publica la Proclama alla Donna Italiana donde exhorta a las mujeres a que apoyen la causa nacional.

En 1867, forma parte, junto con su hermana Giulia Cigala Caracciolo y otras damas, del Comitato Femmenile napoletano que apoya la propuesta de ley de Salvatore Morelli a favor de los derechos de las mujeres.

En 1869, mientras se celebra el Concilio Vaticano, participa en el Anticoncilio del "libero pensiero" promovido por Ricciardi en Nápoles.

A pesar de su compromiso por la patria y su impecable labor como escritora y periodiasta, esta mujer ejemplar no recibe el reconocimiento que se merece por parte de las instituciones. Así, a los setenta años, cuando Francesco Sciarelli escribe su biografía, Enrichetta vive sola, viuda e ignorada por todos.

Enrichetta Caraccilo muere en 1901.

(Información extraída de "Il Risorgimento invisible. Profili biografici" de Laura Guidi)

Benedetta Cappa Marinetti (1897 - 1977)

ilcannoni@yahoo.it (Luigi Cannoni) — Sun, 08 Apr 2007 17:34:46 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Italiano
Benedetta Cappa nace el 14 de agosto de 1897 en Roma. La muerte prematura del padre Innocenzo afectará muchísimo a la joven Benedetta que, viviendo en un ambiente rico de estímulos, empieza muy pronto a escribir poemas. Se acerca al mundo del arte: conoce a Giacomo Balla, pintor que adhirió muy pronto a las ideas futuristas, entrando de aprendiz en su atelier romano. Entre 1917 y 1918, durante una exposición de pinturas del mismo Balla, su hermano Alberto le presenta el hombre que acompañará y apoyará durante toda su vida: Filippo Tommaso Marinetti, el creador, inspirador y mayor exponente del movimiento vanguardista del futurismo. Anticipando el manifiesto Il Tattilismo, entre el 1919 y el 1920 esboza unas tablas táctiles, basadas en la temática del arte acción. Se casa con Marinetti en 1923. Un año más tarde, no sólo participará al primer Congreso Futurista, sino también escribirá y publicará su primera novela, Le forze umane, firmándose sencillamente �€�Benedetta�€�, para no dar crédito a ningún favoritismo causado por la eminente posición del marido en el interior del grupo. Tras una paréntesis de dos años en Milán, Benedetta vuelve a Roma en 1925. Viajará a menudo con su marido al extranjero (Argentina, Brasil, España) para promover la política fascista del régimen de Mussolini. Activísima e inagotable (tendrá tres hijas en seis años, Vittoria, Ala y Luce), colabora y cuida la escenografía de algunas obras teatrales de Marinetti (vid. Marinetti, F. T., Teatro, ed. G. Calendoli, Roma, Vito Bianco, 1960): I prigionieri e l�€�amore y L�€�oceano del cuore, ambas actuadas en el Teatro Eden de Milán (1927); más tarde, Luci veloci (Turín, Teatro de Turín, 1929) y Simultanina, estrenada en 1930 en Padua y, luego, en el Teatro Manzoni de Milán (1931). Participará a muchísimas exposiciones artísticas futuristas (Bolonia, Ímola, Milán, Palermo, Roma, Trieste, Venecia). El 22 de septiembre de 1929, junto con Balla, Depero, Dottori, Fillia, Marinetti, Prampolini, Somenzi y Tato, firma el Manifesto dell�€�Aeropittura futurista. Mientras su exquisita belleza conquista a los futuristas �€"lo atestiguan los apuntes y los poemas de Marinetti (Poèmes a Bény, Torino, Einaudi, 1971), la dedicatoria de un poème-affiche de Farfa (Regalità, s.i.) y algunos retratos de Balla, Prampolini y Dottori�€", en 1931 publica su Viaggio di Gararà, romanzo cosmico per teatro. A comienzos de los años Treinta expone sus cuadros fuera de los confines nacionales italianos, en otras ciudades europeas: citamos la exposición en la Galerie de la Renaissance de París, Enrico Prampolini et les aeropeintres futuristes italiens (1932). Con Ambrosi, Andreoni, Depero, Dottori, Fillia, Marinetti, Munari, Oriani, Prampolini, Rosso y Tato, Benedetta firma el manifiesto La plastica murale (1934). Un año más tarde publica Astra e il sottomarino. Vita trasognata, a pesar de que esta novela estuviera terminada en 1932. Hasta la Segunda Guerra Mundial sigue participando a las manifestaciones del grupo. Por su delicado espiritualismo, es en un punto de referencia para otras nuevas escritoras futuristas �€"como Maria Goretti�€", oponiéndose por completo a la figura de mujer materialista y feminista, brutal y carnal, que propugnaba una de las primeras futuristas, Valentine de Saint-Point, autora del Manifesto della donna futurista (1912) y del Manifesto della lussuria (1913). En 1944, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial y la muerte de Marinetti, Benedetta se encarga de cerrar el movimiento. Aunque deje casi totalmente de escribir, divulga al extranjero las teorías y las obras futuristas. Enferma, cuidada por las tres hijas, muere a los 80 años en Venecia el 15 de mayo de 1977.

Maddalena Campiglia (1553 - 1595)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Thu, 07 Jun 2007 09:51:00 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano
Maddalena Campiglia perteneció a una buena familia de Vicenza y nació en la misma ciudad en el año 1553. Fue hija de Carlo y de Polissena Verlati y formaban una familia de lo más irregular en la época. Ambos padres eran viudos y vivían juntos con sus respectivos hijos sin estar casados. Maddalena tuvo dos hermanos mayores y en 1565 sus padres de casaron.
La familia le permitió estudiar, sobre todo literatura, poesía y música y prometió a Maddalena como esposa a un cierto Dionisio Calzé, pero ella rechazó el matrimonio, aunque algunos críticos sostienen que realmente se casaron y que ella lo abandonó en 1580, cuando tenía 27 años y volvió a la casa paterna. Poco después sintió el deseo de una experiencia religiosamente apartada y �€�di spendere il tempo in iscritti spirituali per sviare la mente da qualunque vano pensiero�€�. Su vocación fue sincera y se hizo monja en el monasterio de las Dimesse de Vicenza. Allí alternaba sus ejercicios espirituales con el estudio de la literatura.
El escrito que testimonia sus intereses religiosos es el Discorso intorno all�€�Annunciazione della Vergine de 1585.
En este año conoció a Curzio Gonzaga con quien entabló una importante amistad. Fue autor de Il Fidamante, amigo de S. Carlo Borromeo y colaborador con la Accademia romana dedicada a las Notti Vaticane.
En este mismo periodo conoce a Bernardino Baldi y a Torquato Tasso y las obras de éstos entran en el circuito cultural de Maddalena.
Inmediatamente después de la publicación del Discorso se aprecia una ampliación de los horizontes culturales de la escritora. Sus nuevas amistades, la lectura de varias obras y los personajes de éstas influyen positivamente en su futura producción.
En 1589 sabemos que ya se encontraba enferma; su enfermedad fue larga y dolorosa y en poco tiempo la condujo a la muerte. El 12 de octubre de 1593 hizo testamento, donde se puede notar su intento por negarle los derechos hereditarios a Colzé, aunque al final los obtiene una vez que ésta muere, y así lo declara: �€�non è mai stato mio marito�€�. Ella era consciente de su enfermedad y probablemente intuía que la hora de su muerte estaba cerca porque, en una carta dirigida a Francesco Melchiori, escribe: �€��€�io credo che stia per ridurmi alla morte, così non cessa di affliggermi e consumarmi.�€� El 7 de enero de 1595 añadió un codicillo a su testamento y el 28 del mismo mes murió a la temprana edad de 42 años. Dos días después, como había pedido en su testamento, fue enterrada en la iglesia d�€�Aracoeli en la tumba de Giulia Cisotti, abadesa del mismo monasterio.

Sus obras

Amó la poesía y compuso un poema trágico sobre el martirio di Santa Barbara, Vita di Santa Barbara, del que sólo se ha encontrado el Prólogo en versos �€�Del tuo sangue innocente, o santa e bella / Barbara gloriosa, oggi le carte / Verga Campiglia, e con le note sparte / Mille e mill�occhi a lacrimar rappella...�€�. La publicación de la obra era un deseo que Maddalena había expresado en su testamento.
Su Discorso intorno all�€�Annunciazione della Vergine, con dedicatoria �€�alla Reverenda Signora Suor Vittoria Trissino-Frattina�€�, es una afirmación de principios, una clase de manifiesto en la que se declara la religiosidad de la inspiración literaria a partir de las líneas fundamentales de la cultura de la Contrarreforma. Estos propósitos no serán siempre coherentes con la sucesiva actividad de la escritora, de hecho se puede apreciar un acontecimiento psicológicamente angustioso. A partir de aquí en la producción de la poetisa se encontrarán formas más libres de inspiración y de representación.
Fruto de sus nuevos intereses culturales y amistades Campiglia escribe una fábula pastoral, que dedicó a Curzio Gonzaga, llamada Flori. En 1589 Tasso desde Roma elogió esta obra en una carta incluso más que su propia Aminta.
La ninfa Flori enamorada de Amaranta, enloquece por la muerte de la misma a pesar de las atenciones y afecto de la amiga Licori. Sólo después de dedicarle a Diana un sacrificio, Flori podrá recobrar la cordura aceptando el amor incontaminado y duradero del pastor extranjero Alessi. Mientras que Licori, esposa del pastor Androgeo, acepta el matrimonio después de estar profundamente enamorada de Flori.
Como en la tradición del drama pastoral bajo los nombres de estos personajes se esconden los personajes reales: Androgeo sería el prometido rechazado de Maddalena, y Alessi sería Tasso, conocido en los ambientes intelectuales de la época por sus dramáticos amores.
Compuso una égloga titulada Calisa. Dos pastores, Edreo y Cloro, celebran en un canto epitalámico la boda de Lico, hijo de Calissa, con Bice. La ocasión nupcial del canto y su destino nos permite descubrir todos los personajes reales que se esconden en esta obra: Calisa es Isabella Pallavicini Lupi, Lico es su hijo Giampaolo y Bice es Beatrice degli Obizzi, por último los dos cantores son la misma autora y Cunzio Gonzaga. La obra no supera los límites de la ocasionalidad y el disfraz bucólico de los personajes se manifiesta extrínseco y pensante. Esta obra fue compuesta para la boda del hijo de Isabella Pallavicini Lupi, quien fue su protectora y probablemente su mecenas.
También compuso algunas Rime de diferente métrica, generalmente sacras, dispersas en varias colecciones, entre las que destacan por su belleza cinco sonetos y un madrigal que se encuentran en la colección de Luisa Bergalli, en la de Bernardino Balde y en la de Angelo Grillo.
Lo que no ha llegado hasta nosotros fue la música de la que Maddalena era autora, actividad que la acompañó hasta los últimos años de su vida.
Entre su vida personal y sus composiciones (sobre todo Flori y Calisa), Maria G. Di Rienzo encuentra una relación que explica el profundo significado de su obra: el amor homosexual. Dice Di Rienzo: �€�L�€�amore fra donne non è quindi per Campiglia, come quello eterosessuale, un ostacolo alla realizzazione spirituale, alla libertà o alla devozione; anzi, può essere �€�strano�€� agli occhi di un uomo, ma è soprattutto un amore che eleva, sacro al punto da non aver necessità del matrimonio per essere reso �€�lecito�€�; un amore nel cui fuoco ella, come la fenice, si rigenera e acquista immortalità.�€�
Di Rienzo sostiene que las palabras con las que Maddalena se dirige a Isabella Pallavicini están llenas de admiración hacia su belleza física y espiritual:
�€�II Re de l�universo
Scelse, tra mille una sovrana e chiara
Alma, e qui la ripose, ove di rare
Beltà l�essempio scorto, huom fia converso
E con la mente al cielo e con l�affetto
Le grazie ha seco tutte...�€�.
Las letras iniciales de casa verso de este soneto forman el acróstico de �€�Isabella�€�, definida al final �€�nostra gloria eterna�€�.

Rosa Califronia (1794 - 1794)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Wed, 01 Apr 2009 07:56:53 -0200

Periodo literario: Ilustracion | Lengua en la que escribe: italiano
Rosa Califronia, contessa romana es el pseudónimo con el que aparece firmado el opúsculo que, bajo el título "Breve difesa dei diritti delle donne", es publicado en Roma en 1794. Este escrito sigue el ejemplo de la "Déclaration des droits de la femme et de la citoyenne" escrito y publicado en Francia por Olympe de Gouges en 1791. En ambas declaraciones, sus autoras defienden la igualdad entre el hombre y la mujer en todos los aspectos de la vida pública y privada, incluyendo la igualdad con el hombre en el derecho a voto y en el acceso al trabajo público, así como el derecho a la educación .

Christine Brückner (1921 - 1996)

evelinasantoro@hotmail.com (Maria Evelina Santoro) — Thu, 13 Mar 2008 19:28:01 -0200

Periodo literario: Vanguardia | Lengua en la que escribe: Alemán
Christine Brückner wurde als Tochter des Pfarrers Carl Emde geboren. Sie besuchte in Arolsen und in Kassel das Gymnasium. Im 2. Weltkrieg war sie für fünf Jahre dienstverpflichtet. Während dieser Zeit holte sie das Abitur nach. Sie wurde 1945 Diplombibliothekarin in Stuttgart. Von 1946 bis 1956 war mit dem Keramikkünstler Werner Brückner verheiratet. Sie war in den Jahren 1946 / 1947 Leiterin der �Mensa academica� der Universität Marburg und von 1947 bis 1950 Wissenschaftliche Mitarbeiterin am Kunsthistorischen Institut dieser Universität. Im Nebenberuf studierte sie in dieser Zeit Kunstgeschichte, Germanistik und Psychologie. Anfang der 1950-er Jahre war sie Redakteurin der Zeitschrift �Frauenwelt� in Nürnberg.
Brückners erster Roman "Ehe die Spuren verwehen" erschien 1954 und gewann bei einem Romanwettbewerb des Bertelsmann Verlages den ersten Preis. Danach war sie hauptberuflich Schriftstellerin.
1965 zog Christine Brückner nach Kassel und heiratete dort im Jahr 1967 den Schriftsteller, Maler, Lektor und Dramaturgen Otto Heinrich Kühner.
1972 hatten Brückner und Kühner während einer Lesereise im Schwarzwald einen schweren Autounfall, den sie beide nur knapp überlebten. Brückner war danach für mehrere Monate im Krankenhaus. In dieser Zeit schrieb sie - im Krankenbett liegend - Kurzgeschichten, Balladen und Essays, die 1973 als Anthologie unter dem Titel "Überlebensgeschichten" erschienen.
1984 gründete sie zusammen mit ihrem Mann die Stiftung Brückner-Kühner, die seit 1985 u. a. den mit 10.000 Euro dotierten Kasseler Literaturpreis für grotesken Humor vergibt und heute als Zentrum für komische Literatur, avancierte Dichtkunst und als Ort der Erinnerung an Christine Brückner und ihren Mann wirkt.
Christine Brückner starb wenige Wochen nach ihrem Mann.

Laudomia Bonanni (1907 - 2002)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Wed, 21 Mar 2007 18:33:40 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana
Laudomia Bonanni-Caione (en la foto con la escritora Maria Bellonci) nació en L�€�Aquila en 1907. Después del diploma de maestra, a partir de 1925 empezó a enseñar en los pueblos aislados de las montañas de Abruzzo, ésta fue una xperiencia profesional y sobre todo humana que se reveló determinante y que se refleja a lo largo de su vida y en sus elecciones artísticas. Su primer volumen de prosas en efecto se titulaba Storie tragiche della montagna. Novelle d�€�Abruzzo (1927); a partir de esta primera publicación la Bonanni empezó una larga producción en prosa que contaba con novelas, cuentos para niños y muchos escritos periodísticos (elzeviri).
En 1939 había concluido su primera novela realista La corrente, que se quedó inédita. Más tarde Laudomia empezó su colaboración con varios periódicos como «La Tribuna», «Nuova Antologia», «Il Giornale d�€�Italia» dirigido por Goffredo Bellonci, «La Rassegna d�€�Italia», «La Fiera Letteraria», «Il Resto del Carlino» (bajo la dirección del mismo Bellonci), una breve colaboración con «Il Tempo» dirigido por Falqui, y más tarde, en lo años 60, colaboraciones con «Civiltà delle macchine», «Dimensioni», «L�€�Osservatore politico e letterario», «Il Gazzettino», la «Nuova Gazzetta del Popolo». En la Postguerra, Laudomia Bonanni fue nombrada giudice laico presso il Tribunale dei Minori de la ciudad de L�€�Aquila, esta experiencia, junto con la enseñanza primaria, también condicionó mucho su narrativa e inspiró numerosos de sus escritos.
1948 es el año que «revela» a Laudomia Bonanni como una escritora de gran valor: ella presenta dos cuentos Il fosso y Il mostro al recién nacido premio Amici della domenica. El certamen había sido pensado por Maria Bellonci con el objetivo de favorecer, al lado del concurso por el premio Strega, la publicación de nuevos autores; se celebró sólo ese mismo año y nunca más se volvió a entregar este premio. En el jurado había, además de los Bellonci, también Emilio Cecchi, Alba de Céspedes, Debenedetti, Palazzeschi, Moravia, Baldini, Brancati. La obra elegida fue el cuento largo Il fosso que Mondadori publicó en 1949 en la colección «La Medusa degli italiani». El libro, que obtuvo el Premio Bagutta (1950) y buenos juicios de parte de Bellonci, Montale, De Robertis, Frateili, recogía cuatro cuentos (Il fosso, Il mostro, Messa funebre, Seme). Con esta publicación nace el mito de la �€�penna d�€�Aquila�€� como la había definido en broma Gofredo Bellonci.
Gracias a este galardón, la Bonanni empieza una rica actividad literaria con una notable producción de novelas y cuentos. En 1954 publica la colección de cuentos Palma e sorelle que obtiene el premio Soroptimist; en 1960 publica, por Bompiani que a partir de ahora será su editor, la novela L�€�imputata, traducida al español por el editor Vergara de Barcelona con el título Proceso a una mujer y traducida también al francés; con este libro entró en la cinquina del premio Strega y obtuvo el prestigioso Premio Viareggio. En 1964 publica L�€�adultera, premio Selezione Campiello, publicado también en traducción francesa. En 1974 sale Vietato ai minori, segundo clasificado en el Premio Selezione Napoli; en 1977 edita la colección de cuentos Città del tabacco y dos años después con la novela Il bambino di pietra. Una nevrosi femminile es otra vez finalista en el premio Strega; su última novela se publica en 1982 y lleva el título Le droghe.
La Bonanni muere en Roma el 21 de febrero de 2002, y deja mucho material inédito entre el que destacan tres novelas: La corrente, Prima del diluvio, La rappresaglia; este último título fue publicado póstumamente.
Laudomia Bonanni fue una escritora de relieve muy bien considerada por la crítica, aunque por su lenguaje duro y áspero y por los temas tan escabrosos nunca obtuvo un éxito del gran público. Alguien la definió como una verdadera heredera del «realismo verghiano», pero incluso se la paragonó a Joyce y a Virginia Woolf. Siempre autónoma en las opciones artísticas, lejana de las modas literarias como de una toma de posición ideológica, fue acusada de un exagerado feminismo y de narrar de una manera escandalosa temas delicados; protagonistas de su escritura son sobre todo mujeres y niños oprimidos por la brutalidad de la sociedad. Como escribió Pietro Zullino, Laudomia Bonanni «operò, all�€�esordio, una singolare rivoluzione nella narrativa italiana, raccontando per la prima volta �€�dall�€�interno e dal basso�€� �€" con crudele immediatezza, al netto di ideologismi o tesi precostituite, e senza orizzonti di speranza �€" l�€�inferno segreto dei ceti più infimi e marginali della società: contadini, faticanti, pastori».

María Luisa Bombal (1910 - 1980)

francesco5691@ya.com (Mª Eulalia Muñoz Hermoso) — Sun, 03 Oct 2010 12:14:40 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: español
María Luisa Bombal nace en Viña del Mar (Chile) el 8 de Junio de 1.910. Hija de Martín Bombal Videla y Blanca Anthes Precht. Su bisabuelo por parte materna fue el primer cónsul alemán instalado en Santiago de Chile, consecuencia de lo cual vive desde pequeña en un ambiente privilegiado y culto que fomentará sus inquietudes artísticas. En sus raíces conviven la sangre hispana y la alemana, simbiosis que se proyectará en una educación más cosmopolita y abierta, patente luego en su trayectoria y obra. No obstante el sustrato de la vena germánica, declarado por la propia autora en unas �€�Notas autobiográficas�€�, condicionará de forma clara el grueso de influencias demarcadoras de su modelo creativo desde su infancia. Así refiere cómo su madre le leía los cuentos de Andersen y de Grimm, traduciéndolos directamente del alemán. De este modo, reconoce de manera consciente ser más fuerte en ella la raigambre nórdica que la chilena.
Escribe sus primeros poemas a los 8 años, a la par que empieza a estudiar violín. Más tarde tendría que elegir entre la música o la literatura, convencida de que no podía volcarse hacia las dos disciplinas con la misma intensidad, optando por la segunda, cuya inclinación fluía entre sus talentos como algo más natural.
A los nueve años morirá su padre y ello impulsará que pocos años después, en 1.923, su familia se traslade a Europa, concretamente a París, donde María Luisa completará su formación cursando estudios universitarios en la Sorbona y en Montmatre, consiguiendo la licenciatura en Literatura francesa y haciendo la tesis sobre Prosper Mérimée.
En esa época, París, es un foco irradiador de cultura y arte, que emana hacia todas las direcciones del viejo continente y la autora absorberá todo este flujo de corrientes innovadoras que se están forjando: los movimientos de vanguardia (el surrealismo, el creacionismo, el dadaísmo, etc.) y tomará contacto con el psicoanálisis.

En 1.931, la escritora regresará a Chile dedicándose a actividades teatrales. Su bagaje lo había adquirido ya estudiando también arte dramático en París con Charles Dullin, a escondidas de su familia, que no veía con buenos ojos esta orientación profesional. Además, en su faceta práctica se había iniciado a los diecisiete años escribiendo una tragedia de amor. Sin embargo, aunque ella misma reconoce en sus �€�Notas biográficas�€� que abandonó el teatro porque no era su auténtica vocación, las estrategias dramáticas presentes en sus obras explican el desdoblamiento de personalidad que impregna a sus entes de ficción.
El retorno a Chile, vivido con una gran alegría por parte de María Luisa, supuso la inmediata conexión con el mundo intelectual: Marta Brunet, Pablo Neruda y Barrenechea, entre otros. Todos se sentían vinculados a Francia y expresaban su repulsa ante hechos sociales de especial trascendencia y sesgo injusto. Así participó con ellos en la manifestación, tras la caída de Ibáñez por el asesinato de un médico, víctima inocente del régimen.
En 1.933 viaja a Argentina, estableciéndose en Buenos Aires en la casa de Pablo Neruda. En esta ciudad publicará sus primeros cuentos en la revista Sur, cuya dirección estaba a cargo de Victoria Ocampo y entablará contacto con los escritores de la revista, de la que era colaborador Jorge Luis Borges y Eduardo Mallea. Este último influirá de manera notable en la escritora, así como el deseo de sublevarse contra la atmósfera burguesa que la rodeaba.
Pablo Neruda le brindará la oportunidad de conocer todo el ambiente artístico de la época y le presentará a un grupo de escritores con los que se sentirá vinculada por afinidad literaria: Oliverio Girondo. Norah Lange, Federico García Lorca, Conrado Nalé Roxlo, Alfonso Reyes, etc.
Es ésta, una etapa intensa de descubrimiento y afianzamiento de amistades como la surgida ya con Borges, fieles ambos a sus convicciones literarias y con admiración mutua de sus trabajos artísticos. Conocerá también a Jorge Larco, decorador de todas las piezas teatrales de Lorca, quien se convertirá en su marido, experiencia matrimonial muy breve tras su temprana muerte.
En 1.935 publicará La última niebla, comentada en 1.941 por Amado Alonso. Tres años después verá la luz su otra novela La amortajada (1.938) obteniendo el Premio de la Municipalidad de Santiago en 1.941, ambas novelas vinculadas a la vertiente psicologista; relatos universales que rompen con las ataduras de las tendencias criollistas y sitúan a la autora en la línea de plenitud de la narrativa contemporánea, antecedente y precursora del autor existencialista uruguayo Carlos Onetti, y que le granjearán renombre internacional.
Entre 1.939 y 1.940 escribirá tres cuentos: El árbol, Las islas nuevas y Mar, cielo y tierra (1.940), descollando ya como una de las principales figuras de la literatura sudamericana. Pero la fecha de 1.941 será fatídica, ya que se verá sometida a un proceso judicial tras herir gravemente de un disparo a su amante Eulogio Sánchez Errázuriz. Saldrá absuelta del mismo, pero se verá forzada a emigrar a los Estados Unidos en 1.942.
Poco después, se trasladará a California al haber comprado Hollywood los derechos de su obra La última niebla. Trabajará con el director Jhon Huston que elegiría como protagonistas a Lauren Bacall y a Humphrey
Bogart. En 1.946 además de publicar La historia de María Griselda, reescribe la novela anterior con el título The House of Mist y el guión para la película; pero el macartismo que se instauró con el senador Joseph R. McCarthy coartó el proyecto del director. María Luisa acabaría dejando Hollywood para establecerse en Nueva York, donde conocerá a su siguiente marido: Raphäel de Saint

Cecilia Böhöl De Faber (fernán Caballero) (1796 - 1877)

terlopsan@yahoo.es (Teresa López Sánchez) — Thu, 19 Jun 2008 07:14:53 -0200

Periodo literario: Realismo | Lengua en la que escribe: Francés, inglés y español
Aunque nació en Suiza, Cecilia Böhl de Faber vivió en Alemania, Puerto Rico y España, lo que le permitió tener un gran dominio tanto del francés, como del inglés, alemán e italiano. Hija del hispanista Juan Nicolás Böhl y de Francisca Larrea, escribió bajo el seudónimo de Fernán Caballero (el empleo del seudónimo suele atribuírsele al hecho de que su madre escribiera bajo el nombre de "Corina"). En la medida en que la vida personal y narrativa de Fernán Caballero está estrechamente vinculada, es necesario conocer la primera para comprender la segunda.
Educada en el catolicismo, contrajo matrimonio con un capitán de infantería a los diecinueve años. Tras la muerte de éste al año siguiente, Cecilia volvió a casarse con el marqués de Arco Hermoso que también falleció. Tras éste, contrajo matrimonio en terceras nupcias con Dn. Antonio Arron de Ayala.
A pesar de haber contraído matrimonio por un total de tres veces, Cecilia siempre vivió conforme a las costumbres propias de su tiempo y conforme al catolicismo que le fui inculcado por sus padres desde pequeña. Esto hizo que a lo largo de su obra defendiera fuertemente las ideas tradicionales y se definiera como una investigadora del folclore de su tiempo encargada de rescatar las costumbres destinadas a desaparecer ante el empuje del progreso y las nuevas ideas. Así, su estilo narrativo combina romanticismo y tradición configurando una poética idealista. Tanto es así que, La Gaviota (publicada por entregas en El Heraldo en 1849), fue una obra escrita en respuesta a las noticias sensacionalistas de la prensa y, en Clemencia, narra cómo una mujer acepta con resignación la infelicidad que vive en su matrimonio.
Cultivó tanto la novela como la poesía y el cuento aunque sus mayores éxitos los obtuvo con éste último género y, aunque en su temática encontramos desde relatos costumbristas hasta cuentos fantásticos, lo cierto es que el grueso de su obra trata de contraponer las virtudes de la sociedad española con los que ella considera los grandes vicios de la época. Sin embargo, este tradicionalismo del que ya hemos dado cuenta hizo de Cecilia un referente para la gran novela española de la segunda mitad del s. XIX. Frente al medievalismo y la desconexión con la realidad del momento propia de la literatura de la época, Cecilia se sirvió de los hechos cotidianos para elaborar sus textos.

Enid Blyton (1897 - 1968)

marcos_romanp@hotmail.com (Marcos Román Prieto) — Sat, 10 Jan 2009 16:47:48 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Inglés
Enid Mary Blyton nació el 11 de agosto de 1897 en East Dulwich, una población situada al sur de Londres (Inglaterra). Fue la mayor de los tres hijos de Thomas Carey Blyton, un comerciante de telas, y su esposa, Theresa Mary Harrison, ama de casa. Al poco de nacer ella, la familia decidió mudarse a Beckenham, donde Enid cayó muy enferma por la tosferina y a punto estuvo de fallecer cuando sólo contaba con seis meses de edad. Aquella noche su padre no paró de mecerla y acurrucarla en sus brazos pensando que iba a perderla. La población de Beckenham no seria más que la primera de una larguísima lista de cambios de domicilio que sufriría la escritora a lo largo de su vida.

Cuando contaba con 10 años, Enid ingresó en el St. Christopher´s School de Beckenham, donde fue siempre una alumna muy aplicada y se convirtió pronto en la primera de la clase, destacó siempre en Lengua, Literatura y también en los deportes. Tenía un notable talento para la música y aprendió muy pronto a tocar el piano. Sin embargo, en su juventud abandonó el estudio de solfeo y del instrumento, por lo que se truncó la que podría haber sido una carrera como concertista.
Desde muy niña, la famosa escritora desarrolló una frenética pasión por la lectura, heredada de su padre, al que tanto admiraba y quería, devorando todo lo que caía en sus manos. Se cuenta que leyó dos veces seguidas una enciclopedia infantil. Entre sus libros favoritos estaban "Alicia en el país de las maravillas" y "Alicia a través del espejo" de Lewis Carrol.

Enid se refugiaba en sus libros y en la escritura para escapar de los problemas que se vivían en su casa. De nuevo la familia de Enid se volvió a mudar instalándose en la misma calle y en una casa a solo dos números de la anterior. Pero los verdaderos problemas y cambios en su vida se materializaron en su adolescencia cuando ella y sus hermanos, Hanly y Carey, tuvieron que afrontar la separación de sus padres.
Thomas, al que Enid adoraba y quería por encima de todo, abandonó el hogar y se fue a vivir con otra mujer, Florence, con la que tendría tres hijos más. Para evitar el escándalo, Theresa obligó a sus hijos a contar siempre que su padre se había ido lejos para visitar a unos parientes. Este desarraigo y este dolor tan grande marcó tanto a Enid que, años después, en 1951, lo reflejaría en "The six bad boys" ( Seis chicos malos).

Aconsejada por una buena amiga, con la intención de seguir estudiando y mantenerse cerca de los niños a los que adoraba, la joven Enid estudió Magisterio, titulación que consiguió en 1918. Encontró trabajo como profesora en un colegio de Música, pero al año, lo dejó para emplearse como institutriz, dedicando su tiempo libre a su pasión por escribir. En esa época se había distanciado de su familia, ya que su madre nunca había entendido su necesidad constante por estudiar y escribir, por lo que su relación acabó por romperse, de tal modo que Enid pasaba sus vacaciones en casa de amigos en vez de visitar a su madre. Para la autora fue un golpe durísimo enterarse de la muerte de su padre mientras éste pescaba. Enid había tenido poco antes un acercamiento con éste, aun sin aceptar a Florence, su mujer, de la que ocultó siempre su existencia y la de sus hermanastros. Para no verlos, Enid no fue al entierro de Thomas cuando éste falleció en 1920.

Para entonces, Blyton ya había publicado algunos escritos y comenzaba a ser reconocida por su colaboración en revistas de poesía. El éxito le llegó en 1922 cuando publicó su primer libro "Child Whispers" (Susurros de niño), una obra de poesía por el que cobró 300 libras, una excelente cantidad para la época.
En 1924, la editorial George Newnes le encargó un libro infantil sobre el zoo de Londres. Su jefe en el proyecto , al que conoció en la Semana Santa de ese año, Hugh Alexander Pollock, era un héroe de la Primera Guerra Mundial del que se enamoró y con quien se casó sólo unos meses más tarde, en agosto de ese mismo año. Ningún familiar de Enid acudió al enlace, lo cual fue muy comentado.

La luna de miel en Jersey marcaría un antes y un después en la vida de Enid. Se quedó fascinada con una isla, un castillo y un pueblo que habían visitado y que, más tarde, le inspiraría las principales localizaciones de la saga de "Los Cinco". Entre 1920 y 1930, Enid escribió un buen número de libros educativos y comenzó a publicar sus historias para niños en una revista que consiguió un éxito arrollador y se convirtió en una publicación semanal llamada "Enid Blyton´s Sunny Stories". La escritora tenía cada vez más seguidores y, en 1925, vio publicada "The Enid Blyton Book of Bunnies", considerada como su primera novela, pero en realidad era una recopilación de historias protagonizadas por dos conejos. Hasta 1927, Enid escribió todas sus obras a mano, pues no sabía utilizar una máquina de escribir. Fue Hugh quien la persuadió para comprarse una y poco a poco aprendió hasta el punto de que sus hijas la recuerdan siempre sin parar de escribir en cualquier rincón del hogar con su máquina sobre las rodillas.

La pareja, que vivía en el burgués barrio londinense de Chelsea, dejó la ciudad para instalarse en una pequeña propiedad en el condado de Beaconsfield, que Enid describía como "la casita de los cuentos de hadas". Como buena inglesa era amante de la naturaleza y de los animales, cuidó que la casa estuviera rodeada de un jardín donde crecían hermosos árboles y plantas. Allí buscaba una mayor tranquilidad para concebir unos hijos muy deseados, pero que no llegaban y que Enid suplía con muchas mascotas, perros, gatos, peces e incluso erizos, animales que , por otra parte, su madre nunca le dejó tener de niña.

En 1931, la escritora dio a luz a su primera hija, Gillian Mary Baverstock (fallecida en 2006), y, tras malograrse un segundo embarazo, en 1935 nació Imogen Mary Smallwood. En 1938, se publicó lo que de verdad es la primera novela larga de de Enid, "The secret island", y tres años después, la escritora publicó una de sus series de novelas más exitosas, "Las Gemelas en Santa Clara" ( la otra serie de chicas estudiantes en régimen de internado fue la de "Torres de Malory"). Totalmente ensimismada en la escritura y adicta al trabajo, Enid apenas dedicaba el tiempo suficiente a su marido y a sus hijas o a su casa. Hugh, por su parte, se involucró personalmente en el proyecto de los escritos de Winston Churchill sobre la Primera Guerra Mundial. Este trabajo le causó a Hugh una gran depresión, ya que se iba dando cuenta de que claramente se avecinaba otra guerra de incluso peores consecuencias. Hugh intentaba tener conversaciones políticas con Enid pero ésta sólo vivía aferrada a sus escritos y al mundo adolescente de sus personajes, lo que condujo al editor a buscar refugio en el alcohol.
Enid, fue creando un universo literario en el que valores como la amistad estaban por encima de todo, tal y como sus novelas reflejaban. De ese modo Enid se fue haciendo amiga de Dorothy, una enfermera de carácter tranquilo y bondadoso, en la que llegó a confiar más que en su propio marido. Dorothy llegaría a ayudarla a buscar un nuevo hogar.
Al estallar la Segunda Guerra Mundial que tanto temió Hugh, éste se enroló voluntario con su antiguo regimiento y fue precisamente este distanciamiento el que le ayudó a finiquitar el matrimonio en 1942, el mismo año en el que se publicó "Los Cinco en la isla del tesoro" el primer libro de la famosa saga y que respondía a la característica principal de su obra literaria: las pandillas de niños que corrían peligrosas aventuras, muchas veces como detectives.

La separación de su marido se produjo de forma muy poco amistosa, ya que la escritora le prohibió al editor visitar a sus hijas al descubrir que éste tenía un romance con una novelista. Por su parte, ella también se había enamorado de un cirujano, Kenneth Fraser Darrell Waters, con el que se casó en 1943. Dos años después Enid se quedó embarazada, pero sufrió un aborto tras un accidente. Para Kenneth, que no había sido padre en su matrimonio anterior, fue un gran mazazo, aunque siempre trató como suyas a las hijas de la escritora, a las que incluso llegó a darles su apellido.

En 1949, se publicó el primer libro de otra de las series más famosas de Enid Blyton, "los siete secretos". A pesar del gran éxito, la salud de la escritora empezó a deteriorarse, y a los 54 años de edad, comenzó a sufrir varias crisis cardiacas, y en ocasiones padeció confusión mental y trabas al hablar. El fallecimiento de su madre, en 1950, la madurez que dan los años y que enseñan a relativizar y más si se trata de los seres queridos, fue el detonante de que, aunque ya tarde, reconsiderara la opción de reconciliarse con su familia. En 1967 decidió reunirse con su hermano Hanley, el mismo año en que falleció su esposo Kenneth, quien había sido su gran amor y cuya pérdida no consiguió superar jamás: "Yo amaba tanto a mi querido Kenneth". Esto supuso el detonante de un deterioro físico y mental profundo. Un año después, el 28 de noviembre de 1968, Enid Blyton, considerada como uno de los cinco escritores más populares del mundo, con traducciones a 3.300 lenguas y más de 400 millones de copias de sus obras vendidas, fallecía a los 71 años mientras dormía en una clínica de reposo en Hampstead.

Giulia Bigolina (1518 - 1569)

agalpes@gmail.com (Andrea Gallo) — Thu, 28 Dec 2006 08:17:39 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Lengua Italiana
Giulia Bigolina fue una interesante e importante «donna di lettere» patavina del siglo XVI. Siempre se ha conservado memoria de su fama y erudición, pero desafortunadamente no se transmitieron sus textos, ni datos biográficos ciertos y completos, hasta el punto que, a partir del siglo XVIII, se empezaron a confundir sus pocas noticias con las de una homónima descendiente suya, vivida cinquenta años más tarde. La valoración moderna de esta muy poco conocida autora del Renacimiento se debe a las ediciones de Valeria Finucci y de Christopher Nissen.
Giulia pertenecía a la familia Bigolini, familia muy antigua cuyo primer documento remonta a 1297; en 1420, los Bigolini aparecen en la «Lista dei nobili» de la ciudad de Padua. Un conocido representante de la familia fue Alessandro Bigolino, que el Sanudo cita como «condottiero» en 1509.
Giulia era hija de Gerolamo Bigolin y Alvisa Soncin, y debió nacer con toda probabilidad antes de 1523, es decir, antes de su hermano Socrate. Sabemos que en 1543 Giulia se casó con Bartolomeo Vicomercato, por lo tanto es probable, según Finucci, que Giulia naciera entre 1518 y 1519. Escasean las noticias ciertas sobre nuestra escritora, lo único fidedigno que sabemos sobre ella aparece en unos documentos de 1542 que nos permiten saber que vivía en Padua y poseía propiedades en el territorio de Montagnana y Camposampiero; otros documentos atestiguan que Giulia Bigolina murió en 1569.
A pesar de las pocas noticias que tenemos, se sabe que la Bigolina fue una autora muy activa y se mantuvo en contacto con los más ilustres círculos culturales de su ciudad. En Padua, en 1540, Daniele Barbaro, Sperone Speroni y Domenico Varchi habían fundado la «Accademia degli Infiammati», entre cuyos miembros destacaban Pietro Aretino y Tiziano, además de Francesco Marcolini, Lazzaro Bonamico, Giuseppe Betussi, Marco Mantoa Benavides, Vincenzo Maggi e Alessandro Piccolomini; este grupo produjo un gran número de obras en prosa y excelentes trabajos sobre la codificación de la letteratura in volgare. Muchos de ellos formaban parte también de la «Accademia degli Elevati», entre los que estaba Bartolomeo Salvatico, «giuresconsulto», al cual Giulia dedicó su novela Urania. La Bigolina estuvo en relación con los personajes más destacados de su tiempo y entre sus amigos se encontraban Sperone Speroni, Tiziano y Aretino, con el cual tuvo intercambio epistolar.
Como escritora era conocida y apreciada en su época, y tampoco fue olvidada después. Se la mencionó entre «le donne notabili nelle lettere», hasta tal punto que Cesarotti afirma que su «novellistica» estuvo al mismo nivel que la poesía de Gaspara Stampa. La Bigolina aparece incluso como personaje en un tratado en forma de diálogo platónico A ragionar d�€�amore con toda probabilidad de Mario Melechini, conocido con el nombre de Il Mutino. Fue por lo tanto una figura importante del Renacimiento veneto, y, sin embargo curiosa y sorprendentemente, de ella se transmitió sólo la fama, mientras que los textos quedaron inéditos y casi desconocidos.
De Giulia sabemos que fue autora de numerosos cuentos, o más bien novelle. Hoy poseemos sólo el texto de Giulia Camposampiero e Tesibaldo Vitaliani; la novella quedó inédita hasta 1794, cuando el crítico Anton Maria Borromeo la incluyó en la colección Notizia de�€� novellieri italiani con el título La novella di Giulia Bigolina raccontata nello amenissimo luogo di Mirabello. Tenemos noticia de otro cuento, Fabula de Pamphilo, pero de éste sólo se ha guardado el título. Según la tradición, Giulia Bigolina fue también una poetisa excelente, y en 1589 Ercole Filogenio mencionó su nombre junto con el de «poetesse illustri» como Vittoria Colonna, Veronica Gambara, Laura Battiferra y Laura Terracina; sin embargo hoy en día sólo se conoce un «sonetto-enigma» (contenido en el ya menciondo cuento) y se sigue desconociendo por completo el resto de su producción en verso.
Sin duda el texto más importante que poseemos de esta autora es la novela Urania; según Finucci, que la ha publicado por primera vez, es el único ejemplo en prosa de este género que una mujer haya escrito en el Renacimiento, o por lo menos el único del que todavía conservamos el texto. Urania nella quale si contiene l�€�amore d�€�una giovine di tal nome, fue escrito probablemente entre 1553-58 y se conoce hoy en día por un solo códice, el no 88 de la Biblioteca Trivulziana de Milán. Urania es una novela, pero no en el sentido moderno de novela burgués, sino en el de novela renacentista, una forma que se originó por expansión de la breve novella y que se desarrollará más tarde en la novela barroca. Éste es un texto muy influenciado por el ambiente filosófico-cultural patavino y por la tradición humanística neoplatónica y, como afirma Finucci, Urania «è una storia di amori contrastati, come la Fiammetta e l�€�Historia de duobus amantibus, ha un asse peripatetico, come i romanzi greci, è una narrazione di evasione, come il Filocolo, e ha degli interludi pastorali, alla maniera dell�€�Arcadia e degli Asolani. Come nelle commedie, i personaggi ricorrono al travestimento [�€�]. Allo stesso modo della trattatistica, Urania esamina i rapporti conflittuali tra uomo e donna in società (come nei Ragionamenti e nel Libro del cortegiano), e alla maniera dei romanzi cavallereschi si concentra sui motivi dell�€�onore e della ricerca d�€�identità (come nel Furioso o, per fare l�€�esempio che risale a qualche anno dopo, nei Tredici Canti del Floridoro di Moderata Fonte). Urania fa uso di toni alti e bassi, ha elementi comici e momenti giocati sul filo del tragico, offre uno svolgimento a intreccio, si concentra sull�€�amore monomaniacale di una protagonista femminile dal carattere melanconico e fa ricorso a tutti i trucchi romanzeschi, quali la separazione degli amanti, la triangolazione del desiderio, la peregrinazione, il ritorno a casa l�€�agnizione, il riconoscimento e il triplo matrimonio finale».
Con Urania Giulia Bigolina trata de afirmar una igualdad entre hombre y mujer, sin reclamar para su género una supuesta superioridad con respecto al hombre, ya que ella no habla de «eccellenza» de las mujeres, sino de «merito»; a este próposito considera fundamental la educación, único medio que permite al hombre y a la mujer ser iguales.
Si, como parece según Finucci, Urania se escribió entre 1553/58, habría que volver a debatir sobre la cuestión de las mujeres que animaban las tertulias en el Renacimiento, por lo tanto no serían Il merito delle donne de Moderata Fonte (1591, pero publicado en 1600) y La nobiltà e l�€�eccelenza delle donne co�€� difetti e mancamenti de gli huomini de Lucrezia Marinella (1601) los primeros textos que reivindican la igualdad moral y social de la mujer, sino que Urania supondría la invención del «trattato femminista» ya cuarenta años antes.

Aphra Behn (1640 - 1689)

vpacheco@upo.es (Veronica Pacheco Y Costa) — Sun, 09 May 2010 10:52:11 -0200

Periodo literario: Humanismo | Lengua en la que escribe: Inglés
Aphra Behn nació en Kent, hija de un barbero, vivió en la Guayana holandesa durante su adolescencia y regresó a Inglaterra donde se casó en 1644 con un comerciante. Durante su matrimonio se movió en círculos cercanos a la corte e incluso el Rey Carlos II que la admiraba por su inteligencia la mandó como espía al comenzar la guerra contra Holanda. Al cabo de dos años Aphra Behn enviudó y empezó a escribir para ganarse la vida, de hecho podríamos afirmar que ella fue la primera escritora profesional en lengua inglesa. Su carrera literaria empezó con el teatro, en total escribió 18 obras de teatro convirtiéndola en la más prolífica escritora o escritor de la Restauración. También publicó poemas, y traducciones. Pero indudablemente su novela Oroonoko o el esclavo real, es la obra que la haría famosa con una historia tan avanzada a su tiempo como insólita. Publicada en 1678 y protagonizada por el príncipe heredero de un supuesto reino africano es considerada la primera novela antiesclavista.
El realismo que impregna las páginas sus páginas es un claro precedente de Daniel Defoe.
Aphra Behn murió en 1689 y está enterrada en la Abadía de Westminster.

Virginia Woof llegó a decir de ella: "Como Aphra Behn ya lo hizo antes, chicas ahora podemos decir que somos capaces de ganar dinero que nuestra pluma" .

Simone Beauvoir (1908 - 1986)

C_A_R_M_E_N12@hotmail.com (Carmen Gómez Moya) — Wed, 27 Jun 2007 15:34:56 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: francesa
El 8 de enero de 1908 nace Simone de Beauvoir en la ciudad de París. Sus padres eran Georges de Beauvoir y Françoise de Brasseur. Su padre trabajaba como abogado. Pertenecían a la clase burguesa, era una familia acomodada. También tuvo una hermana, Helène, menor que ella. La relación de su familia con la clase burguesa desapareció pronto porque George invirtió gran parte de su capital en negocios que terminaron arruinándole. Ésto provocó un giro radical en sus vidas. Se trasladaron a un pequeño piso de la calle Rennes en malísimas condiciones, ni siquiera tenía agua corriente. Su padre encontró un trabajo como vendedor de publicidad en un periódico. Pero toda esta situación lo sumió en una profunda depresión. Comenzó a beber y a visitar burdeles. La madre de Simone, en su papel de esposa comprensiva, intentaba llevar de la mejor manera posible la situación pero las continuas peleas eran inevitables. A pesar de todo Simone y su hermana recibieron una educación burguesa asentada en los fundamentos de la religión católica. Simone pronto se rebeló contra todo lo que le habían impuesto y decidió ir a estudiar la carrera de filosofía en la Sorbona. En esos años fue cuando conoce al hombre que más va a influir en su vida, Jean-Paul Sartre, también estudiante de filosofía. Fue en 1929 cuando comienzan una relación amorosa que se caracterizó por ser libre y moderna y a veces incluso escandalosa. Esta relación durará prácticamente toda su vida. Gracias a esto se unió al grupo de su compañero a la vez que daba clases de filosofía en distintas ciudades de Francia como París o Marsella. Pero la II Guerra Mundial influyó notablemente en su manera de ver la vida y en 1943, en plena invasión de la ciudad de parís por el ejército alemán, Simone decidió abandonar la docencia optando por dedicarse exclusivamente a escribir. En este momento comienza su nueva vida. Se unió a la Resistencia francesa y además escribió su primera novela �€�La invitada�€� en la que trata el tema de la libertad y la responsabilidad individual. También habla de este tema en sus siguientes escritos como son "La sangre de los otros" escrita en 1944 y "Los Mandarines" escrita en 1954.
Al terminar la guerra Simone comienza a trabajar en la revista Les Temps Modernes cuyo director era Sartre. Durante estos años realizó numerosos viajes recorriendo gran parte de Europa y también visitando países como Cuba, China o Estados Unidos. Toda su literatura se verá influenciada por los postulados del existencialismo que era la filosofía defendida por Sarte. Pero pronto comenzaría a escribir sobre las mujeres y en 1949 publicó �€�El segundo sexo�€�. Con este escrito nació el ensayo feminista más importante del siglo XX en el que la autora trata de analizar la condición de la mujer occidental desde un punto de vista histórico, filosófico y político. De esta obra se llegaron a vender 22.000 ejemplares en una semana. Éste hecho dio una gran notoriedad a Simone. Hay un hecho muy significativo y es que Simone fue una de las mujeres que firmo en el famoso Manifiesto de las 343, publicado por el periódico Le Monde en 1971. ( Fue conocido también como el de las 343 sinvergüenzas). En él un total de 343 mujeres declararon haber abortado alguna vez. Simone declaró que el primer paso como feminista fue firmar ese manifiesto ya que aún finalizado su libro �€�El Segundo Sexo�€� seguía manteniendo que no lo era.
Dos años antes de la publicación de �€�el segundo sexo�€�, en 1947, su relación amorosa con Sartre se rompió. Él mantenía una romance con la actriz Dolores Vanetti. Todo esto provocaba en ella estados de ansiedad. Pero ese mismo año tuvo que viajar a Estados Unidos para dar unas conferencias y allí conoció al escritor Nelson Algren. Con él comenzó una relación que duró hasta 1964. Aunque ella sabía que el amor que sentía por él nunca sería igual al que sentía por Sartre, por ello Algren le pidió en numerosas ocasiones que dejase completamente a Sartre pero Simone nunca accedió a hacerlo. En alguna ocasión llegó a decirle: "No podría ser la Simone que amas si pudiese abandonar mi vida con Sartre�€�. Ante esta situación Algren decidió poner fin a la relación.
Esta ruptura volvió a causarle una depresión a Simone, pero pronto recuperó las ganas de vivir al enamorarse del comunista Claude Lanzmann, a quien conoció porque trabajarba en la revista Les Temps Modernes. En este momento ella tenía 42 años y él era diecisiete años menor. A pesar de la diferencia de edad Simone fue con el primer hombre con el que se comprometió a vivir. Gracias a él no volvió a padecer crisis de ansiedad. Lanzmann sí comprendía la relación de Simone y Sartre.
En 1954 publicó "Los mandarines". Gracias a esta novela Simone fue galardonada con uno de los premios más prestigiosos de Francia, el Premio Goncourt.
Entre tanto, Sartre había roto su relación con Dolores Vanetti y su salud comenzaba a decaer. Esto le preocupaba bastante a la escritora. A los 48 años decidió escribir su biografía. La llamó �€�Memorias de una joven formal�€�. Fue publicada en el año 1958. Esta primera publicación forma parte de otras tres obras más llamadas �€�La fuerza de la edad�€�, publicada en 1960. Tres años más tarde se publicó �€�La fuerza de las cosas�€� y por último en 1972 �€�Final de cuentas�€�. Estos cuatro tomos sirvieron a muchas mujeres de la época, convirtiendo a Simone en una figura para todas sus lectoras. Ella era la mujer que había conseguido emanciparse, tomar las riendas de su propia vida.
En 1970 escribió un ensayo ,�€�La vejez�€�. En él Simone afirma que los ancianos se han convertido en un sector de la sociedad marginado, al igual que los inmigrantes o los pobres. Fue en este momento cuando la escritora decide dedicarse casi exclusivamente a cuidar de Sartre que inevitablemente muere el 15 de abril de 1980. Un año más tarde Simone publicó un libro para homenajearlo llamado �€�La ceremonia del adiós�€�. Finalmente Simone murió el 14 de abril de 1986 en la ciudad donde nació, París.
Podemos decir que al hablar de Simone de Beauvoir estamos hablando de una mujer memorable. Una de las figuras intelectuales francesa más importantes y comprometidas de mediados del siglo XX cuya aportación al feminismo ha sido muy significativa.

Laura Battiferri Ammannati (1523 - 1589)

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Mon, 12 Mar 2007 15:34:06 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano
Hija del noble Giovanni Antonio Battiferri de Urbino, Laura Battiferri nació en la misma ciudad en el año 1523. A pesar de ser fruto de una unión ilegítima, el padre la reconoció, la creció con afecto y le ofreció una buena instrucción literaria, con la preparación que era prevista para las mujeres de su tiempo, en filosofía y en sagradas escrituras. Se casó con el boloñés Vittorio Sereni pero se quedó viuda en poco tiempo. El 17 de abril de 1550, a la edad de veintisiete años, se casó en segundas nupcias con Bartolomeo Ammannati (1523-1589), un célebre escultor y arquitecto florentino, de quien estuvo enamorada sinceramente. Fue a partir de este momento cuando empezó su verdadera vida, momento que le dio las mejores y más originales inspiraciones poéticas. Siguiendo a su marido viajó primero a Florencia, donde residió en villa a Maiano, después a Roma, a Venecia y a Padua. Su marido fue mejor arquitecto que escultor; un ejemplo lo encontramos en la plaza de la Signoria; el Neptuno. La profesión del marido influenció su producción: las líneas del panorama y la variedad de las características regionales le llamaron la atención, como algo que tenía que entrar por la vista del alma, enriqueciendo y ennobleciendo los pensamientos y los sentimientos.
Tuvo gran relación epistolar con Bernardo Tasso, Pier Vettori, A. F. Grazzini, Lelio Capilupi y con Gabriel Fiamma. Fue también admirada y estimada por ilustres contemporáneos como Domenichi, Baldi, Allori, Bargagli, Razzi o Annibal Caro que no sólo le dedicó versos y elogios, sino que la propuso a Pietro Bonaventura como maestra de la poesía: éstos aseguraron que con su ejercicio poético la escuela petrarquista había alcanzado una prueba de fineza y de meditación. Pero su verdadero maestro y amigo fue Varchi, a quien le mandaba sus composiciones para que éste le diese consejos y la elogiase. Gran parte de esta correspondencia fue recogida en un volumen.
Perteneció a las academias de los Assorditi de Urbino y de los Intronati de Siena.
Famoso es el cuadro de Bronzino que la retrata de perfil y con una copia del Canzoniere de Petrarca en la mano.
Murió en Florencia en noviembre del año 1589 y en frente de la capilla de S. Bartolomeo, en la Iglesia de San Giovannino, al lado de la del marido, se encuentra su sepultura.

Sus obras
Laura Battiferri tuvo una buena cultura literaria y filosófica, cultivó la poesía con intentos morales y religiosos. Nos dejó, entre otras cosas, una traducción de I sette salmi penitenziali del Santissimo Profeta David a la lengua toscana, Inno della gloria di S. Agostino en endecasílabos sueltos y Orazione di Geremia Profeta en tercetos.
De la traducción de los salmos se puede decir que es una obra rica de sugestiones que derivan en gran parte de los ecos de la predicación de Valdés. La sensación de que la acción de Battiferri sea en honor a la Reforma se confirma (además de permitir un contacto con el texto sagrado a través de una traducción) con el hecho de que una parte del Petrarquismo haya sido en realidad un medio útil para cubrir la difusión de las ideas reformistas: era fácil, utilizando el lenguaje de Petrarca, dejar pasar ciertos contenidos heterodoxos sin ser víctima de la censura. Este libro representa cómo esa ráfaga de espiritualidad innovadora que soplaba en el segundo Cinquecento, no sólo se propagó a través de los predicadores o los textos teólogos, sino también trámite la literatura religiosa y de consumo.
La escritora dejó también, además de las poesías religiosas, una colección de 126 sonetos, trece madrigales y algunas octavas y sextinas, todas de ocasión, y la mayoría encomiásticas. Algunas composiciones se encuentran recogidas en Il primo libro delle opere toscane di M. Ammannati alla Illust. ed Eccel. Signora Duchessa di Fiorenza e di Siena; el segundo no se publicó nunca y el resto en diferentes volúmenes. De los sonetos y madrigales hay que destacar las descripciones de Roma, Florencia o Venecia, que funcionan como desahogo: un rayo, una iluminación, entre tanta angustia y sofocación.
Su poesía desarrolla los motivos de la temática petrarquista con vigor de imágenes y claridad de signos, aunque es menos sensible a los problemas retóricos y estilísticos y con rasgos refinados y agradables.
La poetisa tenía un sentimiento profundo de religiosidad, una religiosidad tranquila, más profunda pero más humanamente comprensible, que recorre sus mejores composiciones, donde un delicado sentido de la naturaleza colora algunas veces las imágenes más usadas. Laura Battiferri estaba invadida de un anhelo de idílica felicidad en el volver a ver el dulce campo de Florencia y las frescas y lúcidas aguas que la bañaban.
La insistencia en algunos tòpoi de la tradición lírica, como la nostalgia de la paz campestre, de inspiración horaciana; el deseo de aislamiento; y la fuga de la disipación ciudadana y de la falsa sugestión mundana. Todo esto da a su poesía una connotación movida y personal.
Por último encontramos una colección de cartas entre Laura Battiferri y Benedetto Varchi, recogidas en el volumen Lettere a Benedetto Varchi, editadas por Gaetano Romagnoli en Bolonia en el año 1879. Este volumen recoge las dieciséis cartas inéditas, que la poetisa escribió a su amigo y maestro y que Carlo Gargiolli publicó en dicho volumen. Los manuscritos se encuentran en la Biblioteca Palatina de Florencia.

Laura Maria Caterina Bassi (1711 - 1778)

domenico@escritorasyescrituras.com (Domenico D�agostino) — Sun, 19 Nov 2006 16:44:07 -0200

Periodo literario: Barroco | Lengua en la que escribe: Italiano y latín
Laura Maria Caterina Bassi fue una de las mujeres más ilustres del panorama científico italiano de la mitad del siglo XVIII. Nació en Bolonia en 1711 y desde pequeña mostró una precoz madurez acompañada por una gran ambición de enriquecer su conocimiento en varios campos del saber. A causa de la dificultad de las mujeres por acceder a los estudios académicos estudió por lo más en privado, bajo los preceptos de su primo Gaetano Tacconi, médico y docente de lógica. Asidua lectora, aplicada en el estudio de latín, lógica, metafísica, filosofía natural, álgebra, geometría, griego, francés, siguió su vocación para la actividad intelectual y en 1732 consiguió la licenciatura en Filosofía tras haber sostenido una memorable discusión con algunos de los doctos más prestigiosos de la época. A pesar de todo esto y de ser considerada por sus contemporáneos una mujer de excepcional ingenio, sólo en 1776, dos años antes de su muerte, obtuvo la cátedra de física experimental en el Instituto de las Ciencias de Bolonia, ya que una puntual discriminación le impidió de ocupar un sitio relevante en la jerarquía académica boloñesa. Por este motivo, a partir de 1949, impartió clases de física experimental en su casa, que se convertiría en un acreditado centro de investigación estimado en toda Europa. Considerando cuanto fuera difícil por una mujer, incluso en la época de la Ilustración, conciliar la figura de intelectual empeñada, con la de esposa y madre, a lo largo de toda su vida ella no renunció nunca a su proficua actividad de docente y de investigadora. Su celebridad le causó también algunas críticas, desde las concernientes a su preparación científica a las personales, hasta la objeción de que, para cuidar de la familia, se dedicó poco a las publicaciones de sus obras.
Su vasto epistolario demuestra que estuvo en contacto con los personajes más célebres de su época como Volta y Voltaire, y sus disertaciones, conservadas en la Academia de las Ciencias de Bolonia (una de química, trece de física, once de hidráulica, dos de matemática, una de mecánica y una de tecnología) testimonian el importante papel desarrollado por Laura Bassi en la discusión científica de su tiempo. Fue también autora de versos, que fueron publicados en varias antologías, entre las cuales la de Agostino Gobbi, Scelta di sonetti e canzoni dei più eccellenti rimatori d�€�ogni secolo (Venezia, 1739). El grande mérito de Laura Bassi parece ser el de haber contribuido, con su actividad científica y académica, al desarrollo cultural e intelectual de su época, demostrando así que las carreras científicas pueden ser una real ambición por parte de todas las mujeres que estén interesadas en ellas.
Murió en Bolonia en 1778 y fue enterrada en la Iglesia del Corpus Domini.

Marie Bashkirtseff (1858 - 1884)

caybero@gmail.com (Juana Verdú López) — Mon, 05 Jan 2009 14:50:40 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: francés
María Konstantinovna Bashirtseva nace el 24 de noviembre de 1858 en Gavrontsy, población rural de Ucrania, en el seno de una familia de alto linaje aristocrático. Tras la separación de sus padres, siendo María una niña aún, acompañó a su madre en sus constantes viajes por Europa, llegando a vivir temporadas en Viena, Badén y Ginebra. A los doce años le pide a su familia trasladarse a Niza, consciente ya de que esa ciudad le permitiría desarrollar sus dotes artísticas. Es allí donde, a los trece años, inicia la redacción de un diario en el que, sin pudor, pone al descubierto su particular psicología y su visión personal de la lucha de las mujeres artistas.

Además del ruso y francés, que conocía desde la cuna, María habla inglés, alemán, italiano, griego y latín. También muestra gran interés por la música, para la cual estaba especialmente dotada, llegando a tocar el arpa y el piano. Aprende a bailar el ballet clásico de los grandes compositores rusos y su prodigiosa voz de mezzo-soprano la anima a probar suerte en el mundo de la ópera.

A los diecinueve años, cuando una tuberculosis ya irreversible trunca sus proyectos como cantante, decide trasladarse con su familia a París e iniciar allí su carrera en las bellas artes. Alterna sus clases en la Academia del maestro Rodolphe Julian (uno de los pocos establecimientos en que aceptaban estudiantes femeninas) con visitas a balnearios curativos donde encontrar remedio al mal que la va consumiendo. Se dedica a la pintura con el mismo entusiasmo con que lo hizo a la música y ni siquiera su quebradiza salud la disuade de salir a las húmedas y frías calles parisinas a la caza de imágenes que, luego, darán vida a sus telas y cartones.

María no abandona la diaria redacción de su vida, y es a través de sus escritos que sabemos de la lucha titánica de esta mujer por superar su enfermedad. En sus página cuenta el sufrimiento que le producen las curas, llegando a padecer una sordera que la aísla y apenas le permite escuchar las arias de la ópera cuando acude al teatro. Aun así, María no se resigna a perder este personal pulso con la muerte y sigue creando.

El día veinte de octubre de 1884, con sólo veintiséis años, muere María en los brazos de su madre. Sus últimas palabras fueron de elogio a lo que más quería: "¡Mamá... mamá... la vida... es bella!"

María Bashkirtseff pasó como una estrella fugaz por la vida y por el universo del arte, pero le dio tiempo suficiente para dejar huella: tras su muerte, se exponen sus obras (un centenar de óleos y pasteles de indudable valor realista que ahora cuelgan en prestigiosos museos de todo el mundo) y en 1887 se publica el "Journal de Marie Bashkirtseff" con un enorme éxito de público y de crítica, sobre todo en Estados Unidos, Inglaterra y Francia.

Anna Banti (1895 - 1985)

ilcannoni@yahoo.it (Luigi Cannoni) — Sat, 12 May 2007 07:37:22 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Italiano
En Florencia, el 27 de junio de 1895 nace Lucia Lopresti, que tomará el nombre artístico de Anna Banti. Después de pocos años, sus padres �€"él de origen calabresa, ella toscana�€" se transfieren a Roma. Pronto se manifiesta en ella su vocación por las historias y los cuentos. Impulsada hacia los estudios humanísticos por el padre, empieza leyendo a Dumas, Verne, Balzac, Goldoni, Manzoni y Proust. De carácter fuerte, soberbio y solitario, la joven Lucia conoce a su futuro marido, Roberto Longhi, en la escuela secundaria durante unas clases experimentales de historia del arte. Cuando termina la escuela, se apunta a la Università de La Sapienza en Roma para empezar los estudios artísticos. Tras licenciarse con una tesis sobre Boschini, Lopresti escribe varios ensayos artísticos y algunos artículos sobre pintores. En 1924 se casa con Roberto Longhi, ya profesor universitario de historia del arte desde hace dos años. Pero, a finales de los años �€�20, su carrera en campo artístico se interrumpe. La figura del marido es un obstáculo demasiado grande porque le hace involuntariamente sombra. Su creciente inseguridad y su firme voluntad de independencia hacen que Lopresti se dedique a escribir cuentos y novelas. Pero sus temores se manifiestan al publicar el cuento Cortile en 1934: a la hora de firmarlo, escoge el nombre de �€�Anna Banti�€� para esconderse tras él.
�€�Quella signora velata di bianco che da bambina m�€�incantava non fu che un pretesto alla mia insicurezza quando dovetti firmare. E poi il mio nome vero è un nome infantile [�€�]. Avevo bisogno di un nome del tutto diverso che s�€�imponesse a me stessa, segreto e autoritario�€� (A. Banti, Artemisia, intr. G. Leonelli, Milano, Bompiani, 2001, p. XVIII).
En 1937 publica su primera colección de cuentos autobiográficos, Itinerario di Paolina, donde se nota la influencia decisiva de Proust, seguida de Il coraggio delle donne y de Sette lune, su primera novela, en plena guerra. Después de un viaje a Londres junto con el marido por un congreso, en 1943 la pareja deja Roma para instalarse en Florencia. Un año más tarde, durante un bombardeo que destruye su casa en Borgo San Jacopo, se pierde el manuscrito, ya casi terminado, de la que será su obra más conocida, Artemisia. Con perseverancia, la autora la reescribe y se publica en 1947. El éxito en el mundo literario marca el inicio de un periodo muy activo y prolífico, donde se alternan traducciones (Virginia Woolf), novelas (Il bastardo, Allarme sul lago), ensayos (recogidos en el volumen Opinioni), cuentos (Le donne muoiono, aquí aparece el bellissimo Lavinia fuggita), obteniendo varios galardones y reconocimientos. Volverá incluso a escribir sobre el arte con sus monografías sobre Lorenzo Lotto o Diego Velázquez. En 1970, tras la publicación de la novela Noi credevamo �€"pasada casi desapercibida�€", muere Roberto Longhi, dejándola sola y en malas condiciones de salud. Al restablecerse, toma la completa dirección de la revista bicefala Paragone, creada por su marido con dos secciones, una artística y la otra literaria. En 1971, nace la Fondazione Longhi, de la que será nombrada Presidenta. Se dedica con ahinco a la escritura: Je vous écris d�€�un pays lointain y La camicia bruciata son el resultado de estos esfuerzos, junto con varias traducciones de autores queridos (Austen, Colette, Defoe). Ya bastante mayor, a comienzo de los años �€�80 escribe su última novela, Un grido lacerante, de carácter marcadamente autobiográfico. Sigue trabajando en la revista Paragone hasta que la mañana del 2 de septiembre de 1985 su vida se apaga en la casa veraniega de Ronchi di Massa.

Francesca Baffo (1541 - )

sabelarubin@yahoo.es (Isabel Rubin Vazquez De Parga) — Thu, 21 Feb 2008 08:33:43 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: italiano
Francesca Baffo, madonna Checca para Aretino, fue la amante de Girolamo Parabosco. Todavía hoy existen dudas sobre la profesión de Franceschina, pero si por cortesana entendemos la descripción que nos proporciona Marina Zancan (una mujer intelectual que practica de una forma explícita una sexualidad no reglamentada y que, del ser mujer e inteligente, obtiene la posibilidad de vivir una vida socialmente no subordinada e intelectualmente organizada con el fin de proyectar, a partir de sí misma, su propio sueño de realización), la incluiremos dentro de este grupo (cf. Zancan, 1986, 808).
Nació probablemente en el año 1541 y su padre fue quizás Girolamo Baffo, superintendente y capitán en Nápoles y posteriormente senador. En cambio, de su muerte no se conocen ni la fecha ni el lugar. Gozaba de gran fama entre los literatos de su tiempo, hasta el punto que muchas personas viajaban hasta Venecia sólo para conocerla. Alcanzó el vértice de su carrera literaria en el decenio comprendido entre los años 1543 y el 1552, como se observa en numerosos testimonios que resaltan la posición de notable prestigio intelectual. A este propósito aseguraba Francesco Agostino Della Chiesa en �€�Teatro delle donne letterate con estas palabras�€�: �€�Fiorì nella sua patria con sì gran fama di dottrina e di scienza, che molte persone illustri da lontani paesi andarono in quella città per visitarla e conoscere in lei gli effetti di quelle meraviglie che molti raccontavano�€� (cit. en Villani, 1915: 56-57).
Fue autora de algunos sonetos, la mayor parte escritos elogiando a sus amigos. Rimas modestas, delicadas y con encanto, que recuerdan enormemente los esquemas y la forma petrarquista. Ella suspiró en sus versos por Camillo Caula, soldado que luchó al lado del Capitán General Guido Rangote durante la guerra entre Francisco I y Carlos V, y lloró su ausencia con sincero afecto:

Ma poi che tolta n�€�è l�€�amata vista
E che privo di voi n�€�ha rio destino,
Onde in van duolsi ognor l�€�alma mia trista,
Sovengami talor di noi vicino,
Che lo star senza voi troppo n�€�attrista
E perciò porto gli occhi e il viso chino. (cit. en Bergalli, 1726: 69)

Y elogió el valor en batalla de su amigo:

La fama che rimbomba in ogni parte
D�€�i vostri gesti, illustre, almo Signore,
Mi stringe a palesar l�€�alto valore
Con debil forze, e mal vergate carte.
Et benche di tal vena in me poca arte
Sia; quel lucido vostro almo splendore,
Ch�€�esce da gliocchi, e dal bel volto fuore,
leva ogni velo, ogni timor diparte.
Onde con baldanzoso cor mi fido
Dar prova de la mia sincera fede
A la presente, e a la futura etate.
Talche s�€�udrà con honorato grido
Tra quanto scalda il gran pianeta, e vede
RANGON RANGON�€� in voci alte, e pregiate. (Domenichi, 1549: 349)

También algún verso de amor le dedicó a Giuseppe Betussi, uno de sus amantes más enamorados, quien la hizo la principal interlocutora, con Francesco Sansovino y Pigna, rico señor de Ferrara, de su �€�Dialogo amoroso�€� (Venezia, Pozzo, 1543) que tenía lugar en casa de Francesca. El diálogo cuenta los amores venecianos de estos señores amantes de cortesanas como Virginia, Zaffetta, Poggio, Sarra y otras. También Baffo será la protagonista, planteando problemas que alternará con agradables anécdotas y cuentos, de otro diálogo de Betussi titulado �€�Il Raverta�€�, (�€�Il Raverta, dialogo di messer Giuseppe Betussi nel quale si ragiona d�€�amore et degli effetti suoi�€�, Venezia, Gabriel Giolito de�€� Ferrari, 1549), donde, estimulados por las preguntas de Baffo, los otros interlocutores, Domenichi y Octaviano della Rovere (Raverta), discuten, primero de la naturaleza del amor y después examinan una serie de cuestiones amorosas. En la primera parte Francesca con sus dudas rompe un poco la monotonía de la disertación y en la segunda parte, donde la estructura se hace más abierta con la introducción de narraciones, sonetos y madrigales, Baffo es representada con gracia y con gran coquetería femenina. Incluso Doni la encomió en las cartas dirigidas a ella; estas cartas las encontramos en �€�Tre libri di Lettere del Doni�€�, Venecia, 1552, pp. 56 y 73. Una de ellas (que contiene un agradable autorretrato escrito a la manera de Berni) está incluida en su �€�Pistolotti amorosi�€�.
Supo llamar la atención de numerosos literatos quienes en ella identificaron la virtud de su ingenio y su gracia y la cantaron en sus versos, como Lodovico Domenichi en su �€�La nobiltà delle donne�€�:

Tra quante anime chiare e pellegrine
Chiudesti ancor nel fortunato seno,
Vinegia, più gentil spirto e sereno,
Né luci tanto oneste e sì divine
Vedesti mai, cui fino il cielo inchine,
Avendo quel de le sue grazie pieno
Quanto è �€�l cor di Francesca, e �€�l volto ameno
Sparso di vaghe rose e fresche brine.

(Este soneto se encuentra en el artículo de Salza Madonna Gasparina Stampa secondo nuove indagini, en �€�Giornale Storico della Letteratura Italiana�€�, vol. LXII, año XXI, 1913, pp. 1-101)

Concepción Arenal (1820 - 1893)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Thu, 15 Mar 2007 13:49:21 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: español
Concepción Arenal nació en el Ferrol, el 31 de enero de 1820. Quedó huérfana de padre a la edad de ocho años . Su padre, don ángel del Arenal, participó en varias contiendas bélicas y sufrió muchas veces prisión por su ideología liberal y por estar en contra del régimen monárquico absolutista de Fernando VII. La madre de Concepción, doña María Concepción de Ponte era descendiente de una familia de nobles de título.
Después de la muerte de su padre, la familia se traslada a Madrid . En 1842 Concepción se viste de hombre para poder asistir a la Universidad Complutense de Madrid y tomar clases en la Facultad de Derecho.
En 1848 se casó con Fernando García Carrasco, que aceptaba la actitud combativa de Concepción ante las injusticias de su época. Durante su matrimonio se ganan la vida escribiendo para el periódico La Iberia. En 1857 Fernando García muere, y Concepción decide trasladarse a Oviedo, y posteriormente a Portes.
Concepción dedicó su pluma a la reivindicación de las situaciones marginadas; escribió para que la leyeran, para que la entendieran, para que sus lectores participaran en sus ideales. Uno de los aspectos más progresistas es su consideración de la mujer como ser humano marginado a quien hay que ayudar, estimular y respetar, no en rendiciones galantes, ni en modales encantadores y protectores, sino educándola en la dignidad de su propia condición. Como escritora, eligió el género y los medios más accesibles a los lectores : el género epistolar y el folletín
A parte de su actividad como escritora, fue activista de sus ideas sustentadas en sus artículos y libros : conoció el horror de las cárceles de mujeres y hombres, la inmisericordia y miseria de hospicios y manicomios, y hasta en la guerra civil carlista acompañó a las tropas cristianas para atender heridos de amobos bandos. Tanta actividad, le hizo ser merecedora del nombramiento de visitadora de prisiones de mujeres en 1863 en La Coruña, cargo al que renuncia sin justificación aparente en 1865. En 1868, es nombrada inspectora de casas de corrección de mujeres, cargo que ocupa hasta 1873. En 1871-72, fue nombrada secretaria general de la Cruz Roja. También fue miembro de la Junta Directiva del Ateneo de Señoras, fundado en Madrid por Fernando de Castro.
La década de los ochenta fue más reposada en la vida de Concepción Arenal. Sobrepasados los setenta años, vivía con su hijo Fernando. A inicios de 1890 decidió cambiar su residencia a Vigo en donde se agravaron sus dolencias, falleciendo finalmente el cuatro de febrero de 1893.

Isabella Andreini (1562 - 1604)

sarabonal@hotmail.com (Sara Rodriguez Bonal) — Fri, 15 Jun 2007 19:38:18 -0200

Periodo literario: Renacimiento | Lengua en la que escribe: Italiano
Isabella Canali Andreini perteneció a una familia de actores que ,triunfalmente, llevaron a Francia la comedia del arte; entre estos cabe mencionar a Francesco, su mujer Isabella y su hijo Giovan Battista.
Isabella nace en Padua en 1562; actriz en la Compagnia dei Comici gelosi, a los 16 años se casó con Francesco Andreini ( creador del famoso personaje del capitán Spaventa) con quien tuvo siete hijos, entre los cuales se encuentra Giovan Battista, autor de la obra �€�l�€�Adamo�€�.
Culta, bella y fascinante, versada en el canto y la música, recitó en diversas lenguas y dio vida a la caracterización del personaje de �€�isabella�€�, la enamorada, fue también poetisa, alabada por ilustres poetas como Tasso, Chiabrera y Marino.
Como literata es recordada sobretodo por su fábula pastoral La Mirtilla, editada diez años después de su redacción y reeditada sucesivamente en diversas ediciones, pero Isabella escribe también muchas poesias, publicadas en Italia y Francia.
Además de sus poesías, reunidas en sus Rime , de su actividad literaria quedan algunos fragmentos y cartas póstumas publicadas por el marido.
El éxito de Isabella como actriz fue tan inmenso que, a su muerte, a la edad de 42 años, fue llorada por toda la población y enterrada con grandes honores.

Sibilla Aleramo (1876 - 1960)

fiigofer@usc.es (Isabel González) — Mon, 19 Mar 2007 01:28:20 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: italiano
Sibilla Aleramo, pseudónimo de Rina Faccio -fue Giovanni Cena el que, además de descubrirla literariamente, la llamó Sibilla, y ella lo completó con Aleramo inspirándose en la familia piamontés de los Aleramici-, nació en Alessandria (Piamonte) en el seno de una antigua familia turinesa, el 14 de agosto de 1876. Como a su padre, Ambrogio Faccio, profesor de ciencias, de espíritu inquieto, le gustaba cambiar de actividad y de lugar, Sibilla pasó los primeros años de su infancia en distintas localidades: Vercelli, Milán, Porto di Civitanova, un pueblo de las Marcas, donde el padre había aceptado dirigir una fábrica de vidrio, etc. Sibilla, que mostró desde siempre un fuerte inconformismo, empieza a trabajar a los 16 años como bibliotecaria en la fábrica del padre y comienza a leer autores como Aleardo Aleardi, poeta italiano perteneciente a la corriente del llamado �segundo romanticismo�, A. Dumas, V. Hugo, De Amicis, etc.
En el año 1889 la madre, mujer depresiva, intenta suicidarse y Sibilla se vio obligada a atender la casa y a seguir trabajando en la fábrica en donde conoció a Ulderico Pierangeli, el hombre con el que se casó, para �€�reparar�€� el hecho de haberse quedado embarazada, después de haber sufrido violencia física. La boda se hizo, sólo por lo civil, en el año 1893, cuando ella apenas tenía diez y siete años y justamente el año en que la madre fue recluida en el manicomio de Macerata. El embarazo no llegó a su fin pues Sibilla sufrió un aborto.
Su matrimonio fue un verdadero infierno, como se lee en su primera novela autobiográfica Una donna, fundamental en su trayectoria literaria.
Después del aborto, en el año 1895 nace su hijo Walter, que ella adora, pero que no le impidió intentar un suicidio al año siguiente, desesperada por las continuas vejaciones a las que la sometía su marido.
Pocos años después, hacia el 1898 Sibilla empieza a ser conocida en el mundo periodístico: Escribe en La Gazzeta letteraria y en L�independente de Trieste y colabora con el periódico feminista Vita moderna y con el quincenal político y cultural Vita internazionale en el que escriben prestigiosas figuras como Ada Negri o Emilio De Marchi.
Desde el principio sus escritos sociológicos tienen un carácter fuertemente feminista, analizando el problema de las mujeres y denunciando las injusticias que sufrían por el hecho de serlo; es por ello por lo que Paolina Schiff, una activa feminista le confía la fundación de un grupo de mujeres feministas en las Marcas. Desde allí nuestra autora entra en contacto con muchas personalidades de la cultura y con fundadoras de distintas ligas feministas.
Durante los años 1899 y 1900 dirigió la revista L�Italia femminile, fundada por Emilia Maraini. Fueron años muy importantes para la lucha feminista. La Aleramo entra en contacto con Giovanni Cena con el que funda las "Scuole dell�Agro Romano" para combatir el analfabetismo de la zona.
En el año 1900 el marido le impone dejar la dirección de L� Italia femminile y la obliga a regresar a Porto Civitanova, donde él ha sustituido al suegro en la dirección de la fábrica. Antes de partir estrecha su amistad con Damiani. En Porto Civitanova Sibilla intensifica su actividad periodística, escribe artículos y reseñas de libros, sobre todo escritos por mujeres. A los dos años decide abandonar al marido pero, desgraciadamente, tiene que abandonar también al hijo, condición sine qua non para poder separarse del hombre tan machista con el que se casó; con gran sufrimiento, se va a Roma y comienza una nueva vida. Primero tuvo una relación amorosa con el poeta Damiani y luego una larga relación con Giovanni Cena, director de la revista La Nuova Antologia, con el que se va a vivir; la casa de ambos pasa a ser lugar de reunión de literatos y personas ligadas al mundo de la cultura y las letras: Panzini, Pirandello,... Intenta por todos los medios obtener la separación matrimonial y la custodia del hijo, pero no lo consigue.
Entre los años 1904 y 1910 se prodiga en labores de tipo social: recorre Italia, desde el Lazio a la Campania, Calabria, Sicilia, etc. alfabetizando y ayudando a las gentes del campo. Sigue leyendo a autores como Nietzsche, Ibsen, Wilde, Emerson, Whitman y sigue leyendo las obras de G. Deledda, M. Serao, Colette o Madame de Noailles y reseñándolas en la Nuova Antologia.
En el mes de noviembre del año 1906 se publica Una donna, su primera novela, de un carácter fuertemente autobiográfico, que tendrá un gran éxito, que será traducida a muchas lenguas y reseñada en muchas ocasiones. Desde ese momento su nombre literario será ya siempre Sibilla Aleramo.
Después de un período en Florencia en casa de los Luchaire, punto de encuentro de las culturas francesa e italiana, y después de otro período en Aosta, con la familia Pastore, y un tiempo en Riccione, con una de sus hermanas, en el año 1910 Sibilla deja definitivamente a G. Cena y empieza una vida errabunda: Tuvo una relación con la joven intelectual de Rábena, Lina Poletti; en el año 1911 vivió en Florencia, colaborando con Il Marzocco; entra en contacto con el grupo La Voce: Prezzolini, Papini, Slataper y tiene varias relaciones amorosas: la primera con Vincenzo Cardarelli. Al año siguiente, terminada ya su relación con Cardarelli, empieza una nueva, muy breve, con Papini. Comienza a escribir poesía y tiene varias relaciones amorosas con jóvenes poetas: Boine, Rebora, Boccioni, Franchi... En la primavera del 1913, de nuevo en Milán, se une al movimiento futurista y se enamora de uno de los protagonistas del movimiento, el pintor Umberto Boccioni, que la deja obligándola a aceptar la hospitalidad en París de la escritora Aurel. Allí tiene la oportunidad de conocer a Guillaume Apollinaire, Verhaeren, Rodin, los Mauclair, etc., y en Roma a Grazia Deledda.
En el año 1914 se le confía la dirección literaria de la Grande Illustrazione en donde publica sus poesías al lado de Marinetti, Cardarelli, Bontempelli, Rebora, etc.
En el 1916 la encontramos en Milán, después en Florencia, en donde conoce al poeta Dino Campana, del que se enamora perdidamente. Su relación fue muy tormentosa porque eran dos caracteres muy distintos y su unión estaba basada casi exclusivamente en el aspecto físico.
En el 1919 la Aleramo publica la novela Il passaggio, fruto de los recuerdos autobiográficos de todos sus amores. Empieza una época de continuos viajes: Nápoles, Sorrento, Capri. Conoce a Roberto Bracco, S. Di Giacomo, M. Serao, la Duse, etc. En los años sucesivos publica Momenti, (1921), su primera antología de poesías, Andando e stando, Trasfigurazione, y el texto de Endimione, dedicado a D�€�Annunzio. Hacia el año 1925 firma il Manifesto degli intellettuali antifascisti y comienza un largo peregrinar por hoteles, pensiones, habitaciones de alquiler, que terminará cuando decide establecerse en una buhardilla de via Margutta, en Roma. En el decenio sucesivo, aunque sigue residiendo en Roma, viaja mucho por toda Italia y Francia, entrando en contacto con muchos ambientes culturales y haciendo nuevas amistades. En el año 1930, con un prólogo de Valery Larbaud, se publica en Francia Gioie d�occasione, un volumen de prosas en donde recuerda a todas sus amistades.
En el año 1933, después de treinta años ve a su hijo Walter y comienza una relación amorosa con Erico Emanuelli. En el año 1935 la Mondadori publica una nueva serie de poesías, Sí alla terra y Sibilla empieza una relación con Quasimodo, que durará unos meses, ligándose a continuación con el joven poeta Franco Matacotta, cuarenta años más joven que ella y que será su último gran amor que durará diez años.
De nuevo en la Mondadori publica Orsa minore, una nueva colección de prosas, y en el año 1945 en la colección �Nueva Biblioteca Italiana� dirigida por Bocelli, Dal mio diario, en donde cuenta su intensísimo amor por Matacotta. Sigue colaborando en muchas revistas y periódicos y viaja por toda Italia desarrollando una profunda actividad político-cultural.
En el año 1947 la Mondadori le publica su Selva d�amore, que ganará el premio Viareggio del año siguiente. En el 1949 publica Il mondo è adolescente y en el �51 la colección Aiutatemi a dire. Al año siguiente Sibilla viaja a Rusia por primera vez y allí se publica su colección de poesías y prosas Russia alto paese. Al final de la segunda guerra mundial se inscribe en el Partido Comunista Italiano, empeñándose fuertemente en el campo político y social.
En el año 1955 abandona su buhardilla romana de vía Margutta y se traslada a una casa en via Valcristallina. Al año siguiente publica Luci della mia sera. En el año 1957 viaja a Rusia, de nuevo y en el �58 se traslada de via Valcristallina a via Panama. El editor Valleccchi publica las cartas Aleramo-Campana, importantísimas para conocer la personalidad de ambos.
Sibilla Aleramo murió en Roma el 13 de enero de 1960, a los 83 años, después de una larga enfermedad y después de haber vivido una intensa y complicada vida. Es una mujer que ha amado mucho y muy intensamente como demuestra en su novela Il frustino, tal vez la de mayor erotismo.

Claribel Alegría (1924 - )

laura.gando@yahoo.it (Laura Gandolfi) — Tue, 29 Jan 2008 13:18:39 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Castellano
Nacida en Nicaragua, Claribel y su familia se transladaron a Santa Ana, El Salvador, a causa del régimen dictatorial de los Somoza. A los dieciocho años se mudó a los Estados Unidos para estudiar, primero, en la Loyola University en New Orleans y, sucesivamente, siguió sus estudios en Washington gracias a la invitación del poeta Juan Ramón Jiménez, su mentor. Antes de graduarse, Claribel se casó con el periodista estadounidense Darwin Flakoll, Bud, con el cual escribió también varias obras en prosa. Los dos viajaron muchísimo y vivieron varios años tanto en México como en Argentina, Chile, Mallorca y Francia. La estancia en la capital francesa vió el florecer de la amistad entre Claribel Alegría y muchos intelectuales de la época, entre los cuales encontramos a algunos exponentes del boom latinoamericano como Mario Vargas Llosa, Carlos Fuentes, Miguel Ángel Asturias y Julio Cortázar. Los recuerdos, las sensaciones y también las curiosidades que tienen que ver con tales amistades, han sido poéticamente recogidos por Claribel Alegría en una obra que la escritora salvadoreña acaba de publicar a comienzos de 2007, Mágica Tribu, verdadero homenaje que quiere �€�dejar [�€�] plasmado el lado humano de estos artistas, su personalidad, que no siempre aparece en sus escritos�€� (Mágica Tribu. Córdoba: Berenice, 2007).
La verdadera pasión de Claribel Alegría siempre ha sido la poesía, vocación que ha caracterizado su vida ya desde la primera infancia. Sus primeros poemas aparecieron en Repertorio Americano cuando ella tenía sólo diecisiete años y desde entonces siempre fue una poetisa muy prolífica. Entre su vasta obra, recordamos sólo algunos títulos entre tantos, como Anillo de silencio, una primera colección de veintidos poemas elegidos por Juan Ramón Jiménez, Umbrales, y Sobrevivo, que en 1978 ganó el premio Casa de las Américas y en 2000 el premio de Poesía de autores Independientes.
Sin embargo, Claribel nunca se ha �€�encerrado�€� dentro de un único género, sino que ha explorado formas literarias diferentes como la novela, el cuento, el ensayo o el testimonio. Por esta razón, Claribel Alegría ha sido y sigue siendo una artista poliédrica, que rompe las barreras entre los géneros y que está constantemente abierta a nuevas perspectivas. En este sentido, la obra que quizás más encarne tal característica de hererogeneidad es Luisa en el País de la realidad, un conjunto de versos en prosa y poesía, o, como lo considera la misma Claribel, un collage, que da vida a los recuerdos del pasado de la autora. Con respecto a ese texto, durante varias entrevistas, la misma Claribel ha afirmado que la obra había sido escrita gracias a las exhortaciones de Julio Cortázar y de Carol Dunlop, su última mujer, a la cual la autora ha dedicado el libro.
En 2005 ha ganado el premio Internacional Neustadt para la literatura , y actualmente vive en Managua.

Nawal Al-sa�adawi (1931 - )

glaa84@yahoo.es (María Ferrand) — Fri, 01 Oct 2010 07:35:30 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: Árabe, inglés.
Nawal al-Sa�adawi nació en una pequeña aldea egipcia y ya desde niña nunca aceptó autoridad alguna sin cuestionarla. A la corta edad de diez años, cuando iba a ser casada con un hombre que le doblaba la edad, al-Sa�adawi accidentalmente derramó té caliente sobre él, escapando por tanto de un destino que no había escogido. Y así comenzó el legado de sus escritos políticos y su rechazo a la sumisión de un sistema con el que no concordaba.

Dejó su aldea natal de Kafr Tahla para asistir a la Universidad de El Cairo y en 1955 se graduó con un título en psiquiatría. Ejerció su profesión hasta convertirse en la Directora de Salud Pública de Egipto. También fundó una revista llamada "Salud", especializada en medicina preventiva.

Al-Sa�adawi dedicó también su tiempo y energía a escribir sobre temas relacionados con la mujer, especialmente en la cultura árabe. Sus ideas le costaron la pérdida de su cargo de directora y el cierre de su revista. Sin embargo, en vez de ceder ante la presión que buscaba su silencio, la escritora árabe no dejó de escribir.

Después de publicar numerosas obras, incluyendo su trabajo más famoso, The Hidden Face of Eve, 1970 (El Rostro Escondido de Eva, 1970), al-Sa�adawi se vio en dificultad para encontrar un trabajo estable y acorde con su preparación. Sus escritos y opiniones habían asustado a aquellos que regentaban el poder. En efecto, sus ideas sobre la igualdad de la mujer y sus críticas políticas directas fueron consideradas como una amenaza para el régimen, por lo que fue encarcelada en el año 1980 .

Nuevamente, las barras de la prisión no pudieron detener su actividad. En 1981, al-Sa�adawi fundó la Asociación Solidaria de Mujeres Árabes y continuó escribiendo aun estando en la cárcel, incluso sobre papel higiénico. Tras su liberación en 1983, sus escritos fueron publicados como memorias de su estancia en la prisión de mujeres.

Nawal al-Sa�adawi nunca renunció a manifestar sus creencias sólo por vivir cómodamente. La escritora comenta: ¨Cuando salí de prisión podría haber tomado dos caminos: podía elegir ser uno de esos esclavos de la institución gobernante, y por lo tanto adquirir seguridad y prosperidad, o bien podía continuar por el sendero difícil, aquél que me llevó a prisión... El peligro ha sido parte de mi vida desde que cogí una pluma y empecé a escribir.¨

A pesar de las amenazas de muerte por parte de los fundamentalistas, al-Sa�adawi continúa adoptando su postura feminista y viajando alrededor del mundo para contar su vida, hablar de sus obras y proclamar la necesidad de luchar por el cambio. La escritora ha enseñado en las universidades americanas de Duke, del Estado de Washington y en la Atlántica de Florida, entre otras. Actualmente continúa su labor de escritora.

Nawal al-Sa�adawi ha visto reconocida su carrera con los siguientes premios:

* Honorary Doctorate, University of York, United Kingdom, 1994
* Honorary Doctorate, University of Illinois at Chicago, 1996
* Honorary Doctorate, University of St. Andrews-Scotland, 1997
* First Degree Decoration of the Republic of Libya, 1989
* Literary Award of Gubran, (Arab Association of Australia Award), 1988
* Literary Award by the Franco-Arab Friendship Association, Parigi, Francia, 1982
* Literary Award by the Supreme Council for Arts and Social Sciences, Cairo, Egitto, 1974
* XV Premi International Catalunia Award, 2003
* Honorary Doctorate Degree, University of Tromsø, Norvegia, 2003
* International Writer of the Year for 2003, nominated by the International Biographical Centre, Cambridge, Inghilterra
* Great Minds of the 21st Century Award, American Biographical Institute North Carolina, Stati Uniti, 2003
* North South Prize 2004, the Council of Europe (Lisbon, 25 ottobre 2004)
* Inana International Prize , Brusselles Belgio 2005

Francisca Aguirre (1930 - )

briorquina@hotmail.com (Brigidina Gentile) — Sun, 09 May 2010 10:52:40 -0200

Periodo literario: Siglo XX | Lengua en la que escribe: castillano
Francisca Aguirre nació en Alicante el 27 de octubre de 1930. Su padre, el pintor Lorenzo Aguirre era un artista muy conocido y trabajaba también en el Gobierno. En 1942 la dictadura del régimen del general Franco lo condenó a muerte y lo ejecutó mediante garrote vil en la prisión de Porlier. Desde finales de 1940, en que su padre es encarcelado, primero en la prisión de Hondarribia, en San Sebastián y más tarde en la de Porlier, en Madrid, tanto Francisca como sus hermanas van de un colegio de monjas para hijos de presos políticos a otro. Se podría decir que mientras su padre estaba en una cárcel, ellas estaban en otra. Cuando, finalmente, en 1942, el régimen franquista asesina a su padre las tres niñas vuelven a la casa que, en 1940, alquiló su abuela materna en la calle de Alenza, nº 8 y en la que Francisca sigue viviendo. La Guerra Civil y la muerte de su padre marcaron para siempre su vida y la vida de toda su familia. Francisca ha sido una autodidacta. Desde 1943 hasta finales de 1944 Francisca asistio a clases de taquigrafía y mecanografía y también al curioso invento de la época que se denominó �€�Cultura general�€� y en el que, fundamentalmente, se estudiaba gramática, ortografía, geografía e historia. A partir de ese momento construye una cultura de acarreo, marcada por un subjetivismo inevitable. Empezó a trabajar a los 15 años, primero como telefonista y más tarde como secretaria. Trabajó ininterrumpidamente en la industria privada desde 1945 hasta 1963. Durante todo este período lee cualquier tipo de literatura que caiga en sus manos, especialmente novelas y poesía y, como la situación económica de la familia es muy pobre, tanto ella como sus dos hermanas, Susy y Margarita, sólo pueden acceder a los libros de alquiler en un pequeño comercio. En esta peculiar universidad leen, indiscriminadamente, todo tipo de novelas, desde Julio Verne, Dumas o Víctor Hugo a Rafael Sabatini, Manzoni, Emilio Salgari, Dostoiewsky, Mann, o las llamadas novelas �€�rosa�€� y, naturalmente, los clásicos españoles, Lope, Quevedo, Bécquer, Cervantes, Góngora y muchos otros, desde los norteamericanos hasta los iberoamericanos, como Lugones, Rubén, Gabriela Mistral y otros. Este cóctel explosivo la lleva a buscar orientación en círculos relacionados con la cultura y se hace socio del Ateneo de Madrid.
Desde ese momento empieza a acudir a distintas tertulias literarias, por un lado la tertulia poética del Aula Pequeña del Ateneo, dirigida por el poeta José Hierro, y por otro la tertulia teatral del Café Gijón liderada por el dramaturgo Antonio Buero Vallejo. En 1957, en una de las sesiones de la Tertulia del Aula Pequeña del Ateneo, conoce al poeta Félix Grande, con el que se casa en 1963. Desde 1957 frecuenta con Félix Grande las tertulias antes citadas y la de Rafael Montesinos en el entonces Instituto de Cultura Hispánica, la de la Revista Ínsula y la mesa de los poetas del Café Gijón, integrada por Gerardo Diego, José Luis Prado Nogueira, Francisco Umbral, Enrique Azcoaga, Ramón de Garciasol, Eladio Cabañero, Carlos Sahagún, Meliano Peraile y muchos otros.
En 1960, en una de las sesiones de la Tertulia Poética de Rafael Montesinos, en el Instituto de Cultura Hispánica, conoce al poeta Luis Rosales quien, a partir de ese momento se convertirá en un maestro de vida y pensamiento.
Francisca Aguirre, a quien el poeta José Hierro se dirige siempre bajo el apelativo de Paca, será desde entonces Paca Aguirre para todo el entorno cultural en que se mueve. Paca, que había empezado a escribir poesía, como casi todos los jóvenes, entre los 18 y los 20 años, revisa y reestructura toda su concepción poética y, en general, toda su relación con la literatura. Su contacto directo con poetas como Rosales, Gerardo Diego, Pepe Hierro, José Luis Prado Nogueira, Eladio Cabañero, Diego Jesús Jiménez y otros modifica prácticamente todos sus esquemas. En 1963 deja de trabajar en la empresa privada, se casa con Félix Grande y en 1965 nace la hija de ambos, Guadalupe. Hasta que en 1968 Luis Rosales le pide que forme parte del equipo de redacción del diccionario enciclopédico que dirigen él y Dámaso Alonso y que editará la Revista Selecciones de Reader�€�s Digest, Paca Aguirre hará en su casa trabajos de corrección de pruebas para la Editorial Taurus y traducirá del francés un par de cuentos de Chejov para la Editorial Edhaf. De 1968 a 1970 forma parte del equipo del citado diccionario. En 1966 y tras la lectura del poema de Kavafis �€�Los bárbaros�€�, Francisca quema tres carpetas que contenían todo cuanto había escrito hasta la fecha y empieza a escribir un nuevo libro de poemas que titula Ítaca y con el que obtendrá en 1971 el premio de poesía �€�Leopoldo Panero�€�, en 1977 recibe el premio �€�Ciudad de Irún�€� por su libro Los trescientos escalones. En 1978 publica en Ediciones Cultura Hispánica su libro de poemas titulado La otra música y en 1994 obtiene el Premio Galiana por su libro de relatos Que planche Rosa Luxemburgo. En 1995 aparece, publicado por la Universidad Popular �€�José Hierro�€�, de San Sebastián de los Reyes su libro de recuerdos titulado Espejito, espejito y ese mismo año obtiene el XV Premio Esquío de Poesía con su libro titulado Ensayo general. A partir de 1971 trabaja en el Instituto de Cultura Hispánica como secretaria de Luis Rosales. Cuando el poeta Luis Rosales se jubila, Paca continuará trabajando en la misma institución, en el Departamento de Actividades Culturales, hasta que en 1994, también se jubila. En el 2000 la Editorial Calambur publica su Poesía completa 1966-2000 con el título de Ensayo general y atendiendo a la fecha de escritura de cada libro. Esta Poesía completa obtiene el premio de la Crítica de la Generalitat Valenciana.

Vittoria Aganoor (1855 - 1910)

tridurmed@telefonica.net (Trinidad Durán Medina) — Mon, 09 Feb 2009 13:47:33 -0200

Periodo literario: Romanticismo | Lengua en la que escribe: Italiano
Vittoria Aganoor Pompilj nació en Padua , el 26 de Mayo de 1855, en el seno de una familia acomodada de origen armenio que se había trasladado a Italia en la primera mitad del siglo XIX. Aún hoy la casa familiar de los Aganoor es conocida como la "Casa degli Armeni". Los límites de su biografía, que transcurre entre la segunda mitad del siglo XIX y la primera década del XX, no permiten, como hemos hecho en el apartado correspondiente al período literario, incluirla en el Romanticismo; si lo hemos hecho así es porque su obra, aun habiendo sido gestada en gran parte durante el Realismo y publicada en los inicios del siglo XX, creemos que responde a las características fundamentales del movimiento romántico; un romanticismo tardío, quizás, como cabía esperar en una escritora cuya vida hay que leerla en clave de la melancolía, cuando no de las profundas depresiones que, como veremos, la marcaron.

Vittoria era la séptima hija de Edoardo Aganoor, un padre de carácter introvertido al que estuvo estrechamente unida y del que quizás heredara su propensión a la tristeza, y de Giuseppina Pacini, una madre que fue desde el principio la más ferviente animadora de los estudios de sus hijas y la principal valedora de los afanes literarios de Vittoria.

En efecto, a instancias de su madre comenzó Vittoria desde muy joven a estudiar, recibiendo una óptima educación literaria de preceptores tan ilustres como Andrea Maffei, poeta y traductor, y del también poeta y profesor en la Universidad de Padua, Giacomo Zanella. En esta etapa lleva a cabo apasionadas lecturas de obras clásicas italianas, como El Canzoniere y los Trionfi de Petrarca y la Commedia de Dante; lee también a los poetas y narradores contemporáneos, tanto italianos como extranjeros: Fucini, Fogazzaro, Prati y D� Annunzio entre los primeros; Baudelaire, Heine, Scott o Byron entre los segundos. En estos años es también ávida lectora de revistas tales como "Illustrazione Italiana", "Nuova Antologia", o "Rivista Nuova", de Nápoles. Será en una de ellas, "Nuova Antologia", donde verán la luz en 1876 las primeras composiciones de Vittoria, "A una bolla di sapone" y de su hermana Elena, "Malinconia", gracias a la mediación de Zanella, figura clave en la formación de las cinco hermanas; en concreto, la influencia ejercida en Vittoria es extraordinaria como demuestra la abundante correspondencia mantenida durante años con su preceptor para darle cuenta de sus deseos y afanes. Ya entonces aparece la enfermedad depresiva a la que nos hemos referido. Demasiado tímida y encerrada en sí misma ocultó, además, su carácter atormentado y depresivo, lo que quizás explique la fuerte y larga dependencia emotiva que durante toda su vida tuvo de su familia, a la que, por otra parte, cuidó con exquisita dedicación, sobre todo a su madre y a Maria, otra hermana enferma.

En el mismo año, 1876, la familia se traslada a Nápoles para buscar remedio a la enfermedad nerviosa de Maria; allí Vittoria, cortejada por su belleza algo exótica y por su fama de joven culta y refinada, vive su primer enamoramiento y su primer desengaño con el veneciano Pascuale Grimani. Después, recordará aquellos tiempos de "...i primi studi, il primo amore,/ il primo schianto e il tesoro opimo/ delle speranze".

Algo más tarde, ejercerá sobre ella una gran fascinación el novelista Domenico Ciampoli; la relación acabará mal porque el rechazo amoroso de Vittoria muestra a un hombre amenazador y chantajista que la hará desconfiar del prójimo, como reconoce en carta a Zanella: "...L`ingegno ha fascini traditori e diventa arma terribile in mano ai tristi". Estimulada por Zanella y Maffei, que la aconsejan desde lejos, decide dedicarse a los estudios y a sus ejercicios poéticos y alejarse de aventuras sentimentales que, hasta entoces, sólo le habían reportado problemas.

El periodo napolitano, de más de diez años, es fundamental para su formación literaria. Su nuevo maestro será Enrico Nencioni, que la animará a leer literatura extranjera. La lectura es para ella oxígeno y bálsamo; su vida intelectual es muy rica: lecturas de libros y periódicos, visita a exposiciones, muestras, conferencias, correspondencia epistolar intensa con poetas, profesores, artistas. En este periodo enriquece su biblioteca con los poetas franceses, sobre todo Baudelaire y Les fleurs du mal. La escritura poética es para Vittoria el lugar más seguro y a él se mantendrá fiel el resto de su vida.

La muerte de Zanella en 1888 marca un punto de no retorno para la escritora que percibe la pérdida del adorado maestro como el fin de las "giovanile speranze", la definitiva ruptura de sus sueños:

"Mi sento così sola nel mondo come se nessuno nessuno nessuno mi volesse piú un� ombra di bene, come se fossi diventata indifferente anche ai miei e una grande nuvola d� oblio, un gran gelo mi srrasse d� ogni parte e mi separasse per sempre da tutti! Brutti vaneggiamenti che passano, si sa. No, ti giuro, in me l� energia ed il coraggio non mancano, ma talora mi pare anche inutile l� energia inutile il coraggio contro certe beffarde malignità del destino."
Carta a Marina Baroni

Vittoria se entrega a los estudios y, poco después, esboza la obra Cavalli di San Marco, que publicará tres años después y que fue definida por Barbiera como "un carme civile fortissimo in sonanti quartini".

La enfermedad y muerte de su padre, Edoardo, "dalla bianca testa di profeta", la sume de nuevo en la tristeza y agudiza su sentimiento de náufraga a la deriva. Su madre es para ella la referencia más importante y a su cuidado, y al de su hermana más desvalida Maria, se entregará con inmensa devoción. Por ello, la muerte de su madre en 1899, la llevará a tal estado de consternación y melancolía que no parece dejar espacio para el consuelo, como puede verse en la carta que escribe a su amiga Marina, cuando ya habían pasado varios meses:

"Che cosa sono io se non una naufraga? Vecchia ormai, senza famiglia, senza scopo, senza aspirazioni. Vado innanzi così giorno per giorno, non avendo più innanzi a me la magnifica illusione del domani che da giovani ci tien desti la notte ed ha una consolazione per ogni nostro dolore."
Carta a Marina Baroni

La depresión en esta época es tan profunda y tan larga que ni siquiera lo que había sido hasta ahora su tabla de salvación, la poesía, puede ofrecerle algún consuelo y prácticamente parece haber desaparecido del horizonte de su vida. Tampoco la intensa e importante relación con Domenico Gnoli puede romper el muro de apatía y de dolor tras el que Vittoria se ha refugiado.

Hay que insistir, sin embargo, en la importancia de sus relaciones epistolares, como ya se ha puesto de manifiesto en las líneas anteriores; en efecto, el epistolalrio de Vittoria Aganoor es de tal amplitud que todavía no ha sido publicado en su totalidad, a pesar de las continuas aportaciones parciales que han visto la luz en los últimos años. Las cartas tienen una función vicaria respecto al diálogo que la ausencia imposibilita, pero son también para la escritora un laboratorio en el que experimentar con los sentimientos y un continuado ejercicio de escritura del yo.

De la mano de la escritura, una vez más, llega el inicio de su lenta recuperación, que tiene que ver con la poesía y coincide con la publicación de sus versos en la primavera de 1900. En las décadas de los 80 y de los 90 ya Vittoria había iniciado, como hemos señalado, la publicación de algunos poemas,
si bien con cierta resistencia por su parte, en revistas y periódicos. Como antes, la había animado Zanella, es ahora Nencioni, que aprecia su "forte e vario ingegno poetico", quien la insta a recoger sus poemas en un volumen; la enfermedad del amigo y crítico literario lo aleja de un proyecto en el que tampoco se sentía cómoda la propia escritora, que creía que la palabra poética era exclusivamente autorrefencial y reservada a unos pocos y privilegiados "amici dell� anima".

No obstante su resistencia, en 1990 le escribe a su amiga Marina, en lo que considera una "mezza sconfitta", que está corrigiendo los poemas del famoso volumen, a instancias del editor milanés Treves. En mayo de ese año se publica, tras lustros de gestación, el libro con el título Leggenda eterna. La obra está dedicada "A Giuseppina Pacini Aganoor, mia madre"; la dedicatoria es doble, porque Vittoria había escrito un texto antes de la muerte de aquélla , agradeciendo su empeño en que publicara sus poemas, y añade tras la muerte otro texto, ambos tan emotivos que merecen ser reproducidos:

"Mamma Cara,
Tu hai vinto tutte le mie antiche e vivissime ripugnanze con tre parole: `Fallo per me.´ Eccoti dunque il volume delle mie liriche. Chi seppe dei miei pertinaci rifiuti agli stimoli dei maestri e degli amici, e ai cortesi inviti degli editori, dirà ora con un sogghignetto beffardo: `Oh finalmente, ecco dunque il famoso topo della leggendaria montagna!´ - Ma io col pensiero vedo il mio volumetto nelle tue mani -la mia anima nelle tue mani- ti vedo sorridere e mi basta.

Venezia �99

Questa la dedica che ti destinavo, mamma, quando la notte di dolore non era ancora discesa sulla mia anima...Tu non vedesti la dedica, non vedesti il volume... `Ma soltanto adesso nella tua nuova vita (consentite Antonio Fogazzaro ch`io ripeta le vostre parole) `soltanto adesso con la tua potente visione di spirito´ hai potuto leggere tutto il libro nel suo fondo oscuro, vedere gl` incerti pensieri, le varie fantasie, le passioni onde uscì verso a verso, lento e triste, portandone seco l`ombra; soltanto adesso che meglio mi sai e meglio mi ami, non curando lodi nè censure altrui, cingendoti, nella memoria, con le mie braccia, lo consacro a te.

Venezia, aprile 1900 La tua Vittoria."

La obra consta de tres partes: Leggenda eterna, Intermezzo y Risveglio. Los grandes temas de su imaginario poético se cifran en las reflexiones existenciales, con la melancolía y la muerte como ejes centrales, el sueño del amor y el progresivo desencanto amoroso, que hacen de ella "un� anima devastata", y el tema del paisaje en íntima comunión y símbolo continuado de sus estados de ánimo. En su momento, la obra fue considerada como "canzoniere" y por su coherencia estilística, se comparó con el Canzoniere póstumo de su conciudadana Gaspara Stampa. Pero quizás se deba hablar mejor de "frammenti d� un discorso amoroso", puesto que no hay orden cronológico rígido, ni parece seguirse un diario íntimo, sino que más bien se trata de breves secuencias, chispas donde la ausencia amorosa y el silencio interior se hacen canto. Asimismo, se advierte la sensibilidad extrema de la autora en la exquisitez rítmica de algunos versos, el cromatismo de las descripciones paisajísticas y la profundidad del análisis introspectivo de sus estados de ánimo, todo ello marcado por una honda tristeza.

La crítica reconoce su habilidad en el plano formal, aunque en este punto se le reprocha alguna concesión a la influencia de Zanella, pero lo que más se destaca en la escritora es su gran facilidad para componer cuadros impresionistas capaces de sugerir atmósferas del alma: la soledad y los silencios nocturnos, los paisajes lunares, la topografía de los lagos y, en fin, todas las emociones que la naturaleza que la rodea provoca en ella. Los críticos contemporáneos de la escritora, Angiolo Orvieto, Raffaello Barbera, o Enrico Castelnuovo, entre otros, publicaron recensiones en las que se hicieron los primeros análisis de los poemas de Leggenda eterna. La recensión más apasionada es, sin duda, la de un joven Luigi Grilli, que después sería su amigo y publicaría el volumen póstumo de las Poesie de Vittoria Aganoor.

El éxito de su primer libro de poemas supera todas las expectativas de la escritora, aunque no se deja impresionar por ello e incluso cree que ya no goza de los elogios como habría gozado en otro tiempo; así lo escribe a Antonio Fogazzaro, el novelista y poeta con el que mantendría una de las correspondencias epistolares más intensas y duraderas entre las muchas que mantuvo: "penso che di alcune tenue lodi che mi giungono, avrei goduto un tempo in ben altra maniera che ora non faccio".

En 1901, Vittoria se casó con Guido Pompilj, a quien quizás -Vittoria no habla en sus cartas de este asunto- conoció en el invierno de 1900 en el Ateneo Veneto, o quizás en casa de amigos comunes. Jurista, literato y político, Pompilj llegó a ser Subsecretario de Asuntos Exteriores en el gobierno de Saracco y ministro con Giolitti entre 1906 y 1909. Sí consta un viaje de la escritora a Umbria en la primavera de 1901, en lo que se considera un "peregrinaje" para conocer la tierra de su nuevo amigo. En octubre de ese mismo año anuncia su noviazgo con Pompilj en sendas cartas a Baroni y a Gnoli. Pocas semanas antes de la boda publica Trasimeno, poema en el que se advierte la presencia del moderno héroe, "il forte soldato del bene", así como escenas campestres e idílicas y un canto a la vida iluminada por el amanecer de un nuevo día, que sin duda hace referencia a su propio estado de ánimo:

Non meste io ti volsi parole,
o Lago, in quel vespro di maggio?...
Or sotto ai miei cigli arde un raggio,
e dentro al mio spirito il sole.

La actividad política de su marido y el traslado a Perugia, marcan, en efecto, el comienzo de una nueva etapa en la vida de la escritora. De hecho, se produce un cambio también en su poesía, que se hace más cuidada formalmente pero más alejada de las fibras más íntimas y sensibles que antes la habían caracterizado. El volumen Nuove liriche, publicado en 1908, no suscita el aplauso y el éxito del primero. Ella misma lo analiza en carta de 1908 a una amiga:

"Qui forse la forma sei è ingagliardita e qualche più profondo attegiamento di pensiero vi è; ma certo la passione dei venti anni e dei trenta, l� impeto di quei tumulti lontani, non si ritrovano più. Sera estiva e Pace, e La bella bimba dicono molte cose, sincere e appassionate a loro modo, ma di una passione malinconica di tramonto, anzi di sera".

Sin embargo, su tardío matrimonio ha aportado a Vittoria unos ideales humanitarios desconocidos para ella. Su marido representa la abnegación y la solidaridad, un componente ético que da un nuevo sentido a su vida e incluso la ayuda a superar su neurosis. La dedicatoria de su segundo libro de poemas a su marido es significativa:

"A te, che al lavoro e del lavoro/ mi dai costante incitamento ed esempio,/ dedico queste liriche col più tenero/ immutabile affetto."

Esta etapa de más serenidad que nunca en su vida, en la que se hacen frecuentes los viajes oficiales y la dedicación a actividades filantrópicas, se ve interrumpida por una enfermedad; tras ser internada en un hospital en Roma para ser intervenida quirúrgicamente, muere de manera imprevista, a causa de complicaciones surgidas en la intervención. Era la primavera de 1910 y la escritora tenía 55 años. Pocas horas después, su marido pone fin a su vida. Este hecho contribuyó, sin duda, a crear una atmósfera romántica en torno al matrimonio y a la biografía de Vittoria Aganoor, e hizo que su obra gozara de una difusión que hasta entonces no había tenido.

Actualmente, su obra está siendo objeto de estudios por parte de la crítica literaria italiana, que, tanto en análisis individuales como de conjunto, está rescatando la obra de escritoras que, injustamente, permanecían en el olvido y que como Vittoria Aganoor dejaron el testimonio escrito de una vida consagrada a la poesía. Recientemente, en 2005, se ha celebrado en Padua un Congreso sobre nuestra autora para conmemorar el 150 aniversario de su nacimiento; allí se adquirió el compromiso de crear un archivo para preservar sus escritos, sobre todo su abundante correspondencia que, en parte, aún permanece inédita.